An Interview with Eugene McGuinness (english edition)

(c) Dean Rogers

I was listenning to your first two albums and i thought that it sounded like a blueprint, rough patches that led to « the invitation to the voyage ». How would you describe the way you evolved as a songwriter ?

Eugene McGuinness : Very naturally between 2007 and now. My first release « The early learning of » was meant to be a 4 tracks ep. I wasn't even on Domino Records back then. Lawrence from Domino has found out about me early on. The first two albums i wasn't thinking about me as some sort of an entity. I was exploring all types of songs. A year before that i was recording demos in my rooms and those first two records are showing that progression rather than a big pop album. That would have been wrong to do that anyway, i was still learning i was 20 years old. The first album is called « The early learning of Eugene McGuinness » even then i knew what it was... It's actually a bunch of songs and the songs are different from each other. It still is actually. I don't want to be seen as a songwriter or a guitar hero. I'm in-between a few things. But it's very honest, i have developped in a very honest and open way. I like the fact that i sound like a 20 years old on the first album and just a year later i have my own band and it's a lot more mature. Nothing happens suddenly. Even in England people expect sort of dramatic changes instantly. My latest album (« The invitation to the voyage ») may sound like one of those dramatic change if i did it sooner but i have disappeared for the last two years.

Do you think you have found your sound yet ? Is it even possible to find a sound ? It's always evolving...

E McG : Yeah, it is always evolving. But there is a way i like to operate now. It's hard to describe but this way i know what i don't want to do. I haven't found a definitive sound or way of recording yet because i think by that point it kind of killed what you wanna be doing. I like the idea of not knowing what i'm gonna do on the next album. I knew what i wanted to do with that album and i did it but i didn't know what it's gonna sound like. It's inspiring going into something a bit blind to it. A blues album, a mod or an electro album, it's not as simple as that. I know how those records sounds like and i like that but to me in order to record in the first place it has to carry intrigue on my part. I do records to find out what they're going to sound like (laughs).

It's a work in progess...

E McG : Yeah but in a good way. It's not incomplete but I like experimenting.

Listenning to « The invitation to the voyage » i thought, wow he's not afraid to take chances, to try something new to stretch out of your comfort zone...

E McG : I think i get bored otherwise. But i wanted to make as simple as possible to me. I wanted to focus on the singing really. I wanted to do a singing album, with it's own voice. After that it kind of opened completely. The songs were written on a guitar or a piano but i wanted to do it in a sort of widescreen way. Grand modern. In an another way i made it simple because it's all about the voice. Each background suits each different songs.

Speaking of which, you used to play guitar in Miles Kane band and yet it's not a guitar album...

E McG : No really no. On a couple songs maybe. Every thing kind have an equal footing. There is different types of songs on the album and there is different ingredients necessary for each thing. I wanna do more guitar stuff, i like putting different extremes into it. I don't like to make everything just fit together. That does happen but that's just an happy accident. I am more interested in seeing the extreme of what you can do rather than trying to make everything work in one thing.

The track « Shotgun » seems to be very important in your career. Not only it's the first time you use a sample (from the Peter Gunn theme) but you build a whole song around it. How did you get in touch with the « Peter Gunn theme » ?
E McG : I was in a van touring playing Tricky's  « murder weapon » who used that sample. I have already recorded some parts of the album and i was touring, i wanted to sample something, just for fun. I didn't think of releasing anything. I remembered the Peter Gunn Theme from the cartoons i used to watch as a kid. « Murder Weapon » sounded amazing and i thought i have to use that sample. I didn't really care about how the songs was going to sound like or anything. It was just pure fun in the studio. I mean i write songs what would be the most unexpected thing to do ? Stealing from somebody else! And we did in just a couple of hours in the studio. You have more freedom when you're using samples because you just play off it. Instead of building something off you. It's something i wanna do more. Having fun instead of being Mr Serious Songwriter.

I am an huge fan of Mersey Beat and Garage rock n'roll...

E McG : The La's ?

Yeah it's actually one of my favourite album ever. But anyway, I think « Lion » might be my favourite track on the album...

E McG : « Lion », yeah ! I think it's my favourite tune too ! It is mad !

It's also a new thing for you that 60's surf music kind of sound...

E McG : Not really, « Nightshift » has a little of « Lion » in it. But « Lion » is like a full version. Anyway i like surf guitar and i want to do more things like that.

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You have cut one album (« Glue ») as Eugene and The Lizards. Was it a one time kind of thing ? Is the band still active ?

E McG : That was mainly about working with my brother (Dominic, keyboard player). He was very young at the time. He's still in the band. We've called it Eugene and the Lizards but, really, it should have been called The Lizards. I was signed to Domino Records so i could get it released. Dominic did a lot on that record. That's what is going to happen in the future, i'm gonna work a lot more with my brother. It's gonna be called that. It's gonna be more open, we'll share the singing. We had 4 days in the studio to record a B side to « Wendy Wonders ». It's a lot of time for one single song. We did the album in three days and mixed it on the fourth day. I didn't say anything to anybody at the label ! It's a quick, garage rock thing. A Modern Lovers thing. We like it. It's the opposite of « The invitation to the voyage », on which we spent a long time. But i like the lizards thing, it was one moment.

The latest album is called « The invitation to the voyage ». Do you think music is a lifelong trip ? And if it is, where do you want to take your audience ?

E McG : It is, i was touring with Miles (Kane) when i wrote the album, i was travelling a lot. As you get older, if you have an interest in life, things happened to you. And certain things, about you change. And you can't do anything about that. And other things stay the same. And you can't do anything about that either. And that's interesting. The music reflects that. But the identity that makes you unique in the first place shouldn't change.

The core...

E McG : Yeah, the core that get you involved in the first place and put you in that position.

So what would be your thing then ?

E McG : The voice i would say. Everything else could change, but the singing... There is a lot of amazing singers you know... My voice, it's the one thing i'm very proud of. It's my thing.

If tomorrow you can join any band at all on earth...

E McG : The Beatles !

I was hoping you would say The Smiths or The Stone Roses...

E McG : Not The Smiths. The Stone Roses would have been fun. Primal Scream also. But no, it's The Beatles. I would have play the whistle on the background for them (laughs) ! I would have play anything. Easily.

When you travel do you realize how big is the influence of British music on the rest of the world ?

E McG : In certain places yeah. France. It's an identity. Globally. We don't realize it in England because we're all so self-interested. If you ask me about french, italian or brazilian music, there would be stuff that i love, obviously but my knowledge is very limited. Our music and culture has traveled not only in France but way beyond. And you realize that when you travels. Australia, Brasil, Mexico, it's really there. To see an Brazilian mod, it's a mad thing. Weird. But i don't think there is anything happening in England at this moment which is that great. In terms of rock n'roll, The Australians are stealing it.

Many thanks to Eugene for being such a cool guy and to the domino france team for putting this together.

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Rencontre avec Eugene McGuinness

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Attablé dans le café de la Maroquinerie, quelques heures avant de monter sur scène, Eugene McGuinness, est fidèle à son image de nouveau dandy de la pop anglaise, impeccable et le brushing bien en place. Hyper professionnel et pourtant accessible, Eugene s'est confié sur ses motivations musicales et la génèse de son dernier disque en date, l'excellent « The invitation to the voyage ». Rencontre un petit mois avant de retrouver Eugene à Rock en Seine...

En écoutant tes deux premiers albums, j'ai eu l'impression qu'il s'agissait d'ébauches qui ont mené à « The invitation to the voyage ». Comment décrirais-tu la façon dont tu as évolué en tant que songwriter ?

Eugene McGuinness : Cela été très naturel entre 2007 et maintenant. Mon tout premier disque, « The early learning of » devait être un EP de quatre titres. Je n'étais même pas signé chez Domino à l'époque. Lawrence, de Domino m'a découvert assez tôt. A l'époque des deux premiers albums, j'explorais différents types de chansons. Un an avant le premier album, j'enregistrais des démos dans ma chambre. Et les deux premiers albums montrent cette progression. Cela aurait sonné faux de toute manière pour moi de faire un gros album pop, j'avais 20 ans, j'étais encore en train d'apprendre. Mon premier disque s'intitule « The early learnings of... » (Les premières leçons de), déjà à l'époque j'étais conscient. Il s'agit en fait d'une collection de chansons qui sont toutes très différentes les unes des autres. C'est toujours le cas en fait. Je ne veux pas être perçu comme un songwriter ou un guitar-hero. Je suis au milieu de tout un tas de choses. Mais bon je me suis développé d'une façon très ouverte et honnête. J'aime le fait que sur mon premier disque, je sonne comme un mec de 20 ans et un an plus tard j'ai mon propre groupe et cela sonne de façon beaucoup plus mature. Rien n'arrive soudainement. Surtout en Angleterre ou tout le monde s'attend à des changements dramatiques. Mon dernier album aurait pu être un de ces changements, surtout si je l'avais fait plus rapidement, mais j'ai disparu pendant deux ans.

Est-ce que tu penses avoir trouvé ton style ? Est-ce possible de se trouver un style, par essence, la musique est en constante évolution...

E McG. : C'est vrai cela évolue tout le temps. Mais j'ai maintenant trouvé la façon dont j'aime faire les choses. C'est difficile à décrire mais de cette façon, je sais ce que je n'ai pas envie de faire. Je n'ai pas encore trouvé un son ou une manière d'enregistrer définitive parce que je pense que d'une certaine façon cela tue tes envies. J'aime ne pas savoir ce que je vais faire sur mon prochain disque. Je savais ce que je voulais faire avec ce disque ci, et d'ailleurs je l'ai fait, mais je n'avais aucune idée de la façon dont le résultat allait sonner. C'est inspirant de faire les choses un peu à l'aveugle. Un album de blues, mod ou électro, je sais comment ces disques sonnent et j'aime ça d'ailleurs, mais pour moi avant même d'enregistrer, je dois d'abord être intrigué. Je fais des disques pour découvrir ensuite comment ils vont sonner (rires) !

C'est un travail en cours...

E.McG : Oui mais c'est positif, pas incomplet. J'aime expérimenter.

En écoutant « The Invitation to the voyage », je me suis dit, wow il n'a pas peur de prendre des risques, d'essayer des choses nouvelles, de sortir de sa zone de confort...

E.McG : Je pense que je m'ennuie assez vite autrement. Mais en même temps je voulais faire un disque très simple. En fait, je voulais me concentrer sur le chant. Je voulais faire un album « chanté », avec de la voix. Après tout s'est développé. A la base toutes les chansons ont été écrites à la guitare ou au piano mais je voulais faire un disque en « cinémascope ». Quelque chose de grand, de moderne. Mais d'un autre côté c'est un album très simple. Tout est fait pour la voix. Chaque fond musical habille chaque chanson.

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En parlant de cela, avant tu jouais de la guitare dans le groupe de Miles Kane, et pourtant tu n'as pas fait un disque de guitariste...

E.McG : Non vraiment pas. Sur quelques chansons peut-être. Tous les ingrédients du disques sont sur un pied d'égalité. Les chansons sont très différentes les unes des autres et il y a tous les ingrédients nécessaires pour chaque titre. J'aime bien chercher les différentes extrêmes dans tout ce que j'écris. Je n'aime pas que tout colle parfaitement bien ensemble. Quand cela arrive c'est juste un heureux hasard. Je préfère chercher les extrêmes dans chaque chanson plutôt qu'un grand ensemble ou tout fonctionne dans le même sens. J'ai envie de faire plus de choses à la guitare.

Ta chanson « Shotgun » me semble être un pas important pour toi. Non seulement c'est la première fois que utilise un sample (celui de « Peter Gunn », ndlr) mais tu as bâti tout ton titre autour. Comment as-tu connu la chanson « Peter Gunn » ?

E.McG.: J'étais en tournée, on écoutait « Murder Weapon » de Tricky qui l'a samplé en premier. J'avais déjà commencé l'enregistrement du disque, je voulais utiliser un sample, juste pour le fun. Je ne pensais même pas sortir ce titre. Je me souvenais de « Peter Gunn » des dessins animés quand j'étais petit. « Murder Weapon » c'est un morceau incroyable, j'ai décidé qu'il fallait que j'utilise ce sample. Je me foutais complètement du résultat. C'est juste du fun. Tu vois, j'écris des chansons, quel est le truc le plus inattendu que je pouvais faire ? Voler le son de quelqu'un d'autre ! « Shotgun » on l'a fait en deux heures. Tu est plus libre quand tu utilise des samples. C'est juste de l'amusement. Plutôt que de construire quelque chose qui vient directement de toi. C'est quelque chose que je veux faire plus souvent, avoir du fun plutôt que d'être « Monsieur l'auteur sérieux ».

Je suis un grand fan de Garage rock et de Mersey Beat...

E.McG (il coupe) : Les La's ?

Oui en effet, c'est un de mes albums préférés de tout les temps. Enfin tout ça pour dire que ma chanson préférée sur l'album c'est « Lion »...

E.McG. : Ah « Lion »... Je crois que c'est ma préférée aussi !

C'est nouveau pour toi, ce son un peu surf, 60s...

E.McG : Non pas vraiment. « Nightshift » (sur l'album précédent, ndlr) avait un peu de « Lion » aussi. Disons que « Lion » est une version plus développée. Quoi qu'il en soit, j'adore la guitare surf, j'ai envie de faire plus de choses dans ce style.

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Tu as enregistré un album « Glue » sous le nom d'Eugene and the Lizards. C'était un coup unique ? Le groupe existe-t-il toujours ?

E.McG : C'était surtout pour travailler avec mon frère, Dominic (le clavier, ndlr). Il était très jeune à l'époque, d'ailleurs il joue toujours avec moi aujourd'hui. J'étais déjà signé chez Domino à l'époque ce qui nous a permis de sortir le disque. On a appelé le projet Eugene and the Lizards mais on aurait dû l'appeler The Lizards. Dominic a beaucoup travaillé sur ce disque. C'est d'ailleurs ce qui va arriver dans le futur, je vais travailler de plus en plus avec mon frère. On changera le nom, cela sera plus ouvert, on se partagera le chant. Pour en revenir à l'album avec les « Lizards » on avait quatre jours de studio pour enregistrer la face B de « Wendy Wonders ». C'est beaucoup de temps pour une seule chanson. Cet album avec les Lizards on l'a fait en trois jours et on a mixé le quatrième. Le label n'était même pas au courant ! C'était un truc rapide, garage un peu à la Modern Lovers. Je l'aime beaucoup ce disque. En un sens c'est l'opposé de « The invitation to the voyage » sur lequel on a passé beaucoup de temps. Mais j'aime beaucoup cet album avec les Lizards, c'était à un moment donné...

Pour en revenir à ton dernier disque, « The invitation to the voyage », penses-tu que la musique est le voyage d'une vie ?

E.McG. : Ca l'est. J'étais en tournée avec Miles (Kane, ndlr) quand j'écrivais le disque, tout le temps en train de voyager. Tu vieillis, il t'arrive des trucs. Et il y a certaines choses chez toi qui changent et tu n'y peux rien. Et puis d'autres choses restent identiques et tu n'y peux rien non plus. C'est intéressant, cela se reflète dans la musique. Mais ton identité, qui te rends unique, ça ça ne devrait jamais changer.

Le noyau dur...

E.McG. : Oui le noyau dur qui fait qu'aujourd'hui tu est impliqué dans la musique.

Et quel serait ton truc alors ?

E.McG. : Je dirai la voix. Tout le reste peux changer mais pas la voix. Il y a beaucoup de chanteurs incroyables tu sais... Ma voix c'est la chose dont je suis le plus fier. C'est moi.

Si je te dis que demain tu peux rejoindre n'importe quel groupe sur Terre...

E.McG. : (il coupe) Les Beatles !

J'espérais que tu allais dire Les Smiths ou les Stone Roses...

E.McG. : Non, pas les Smiths. Les Stone Roses, cela aurait pu être fun. Primal Scream aussi. Mais non je reste sur les Beatles. Pour eux, j'aurais sifflé dans le fond ou n'importe quoi d'autre (rires) ! Sans problème !

Quand tu voyage, prends-tu conscience de l'influence de la musique britannique sur le reste du monde ?

E.McG. : Dans certains pays comme la France, oui. En fait le rock anglais, c'est quelque chose de global, une identité. En Angleterre, on ne s'en rends pas vraiment compte, on est tellement auto-centrés. Si tu me pose des questions sur la musique en France, en Italie ou au Brésil, il y a probablement des choses que je devrais adorer, mais je m'y connais tellement peu... Notre culture a voyagé non seulement en France mais bien au-delà. Et cela tu t'en rends compte en voyageant. En Australie, au Brésil, au Mexique, la culture anglaise est très présente. Voir des mods Brésiliens, c'est un truc dingue. Bizarre. Mais je ne crois pas qu'en ce moment il y tant de groupes géniaux en Angleterre. En ce qui concerne le rock n'roll, les Australiens nous l'ont volé.

Propos recueillis le 9 février 2012.

En concert le 24 août (Rock en Seine).

Un grand merci à Eugene pour sa gentillesse et sa disponibilité et à l'équipe de Domino France pour avoir organisé cette rencontre.

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Big Festival, Biarritz, 18 juillet 2013.

Deuxième étape de notre transhumance festivalière estivale, avec le Big Festival de Biarritz, on passe d'une plage à l'autre, du lac du Malsaucy à l'océan Atlantique, pas mal du tout, on a connu pire. Spot de surf reconnu au niveau européen, qui une fois l'été venu, attire une foule jeune et bigarrée, il était inconcevable que Biarritz ne possède pas son festival rock estival. C'est désormais chose faîte avec le Big Festival qui fête cette année son cinquième anniversaire. Mais contrairement à ce qui se passe aux Eurockéennes de Belfort ou à Rock en Seine, le Big Festival ne se contente pas d'enchaîner les concerts sur plusieurs scènes d'un même site, mais multiplie les événements (dont certains sont gratuits) dans plusieurs endroits de la ville. Nous nous retrouvons pour notre part au Stade Aguiléra, qui accueille les « big live ». La capacité du stade a été réduite pour l'événement qui ne mobilise que la moitié de la pelouse, recouverte d'une immense bâche en plastique bleue. Une seule demie-tribune est ouverte au public (en grande partie espagnol) ce qui assure aux spectateurs présents, une assez bonne visibilité. On commence avec un jeune talent venu de l'autre côté de la frontière, John Berkhout, pour une prestation assez décevante. Mélange entre pop et folk planant, teinté d'arrangements électro-ambient, la musique de John Berkhout ne décolle jamais réellement. C'est à peu près aussi passionnant que le dernier effort du très décevant Asaf Avidan, passons... Un des grands plaisirs d'un festival, c'est de tomber sur la révélation, l'artiste que l'on ne connaît ni d'Eve ni d'Adam mais qui va vous clouer sur place. C'est exactement ce que l'on a ressenti en découvrant ce soir là l'excellent Jonathan Wilson. Originaire de Caroline du Nord mais installé en Californie, à Laurel Canyon (cela ne s'invente pas!), Jonathan Wilson baigne dans le son des années 1960/1970. Sa musique est un savoureux mélange de pop psychédélique et de folk, légèrement teinté de blues, avec une appétence particulière pour la jam. Magnifique ! Un petit air californien plane dans le ciel basque en cette nuit d'été, dans la lumière de fin de journée, c'est parfait. On retrouve ensuite l'excellent bluesman Gary Clarke Junior qui une nouvelle fois délivre ses riffs ternaires avec son efficacité habituelle entre le style typique de Chicago et le gros son rock. On note que souvent, Clarke aime bien lancer des petits clins d'oeil à Jimi Hendrix au détour d'une chanson. Les compositions de Clarke Junior sont assez longues et parsemées de longs passages instrumentaux, accentuant l'aspect jam band du quatuor. C'est une fois de plus très plaisant. Place ensuite à la grosse affaire de la soirée, la tête d'affiche, le légendaire Neil Young and Crazy Horse que l'on peut admirer dans de bien meilleures conditions qu'il y a un mois et demi à Bercy. Le loner livre cette fois ci une prestation « au naturel » débarrassée des habituels oripeaux (les amplis géants, les roadies en blouse blanche etc...). Accompagné de son fidèle destrier fou, Neil Young a traversé de longs déserts électriques et psychédéliques. Les morceaux sont longs, très longs et parsemés de passages instrumentaux. Beaucoup de nouveaux titres et de grands classiques (« Love and only love », « Rockin' in the free world », « Hey Hey my my » et un très surprenant « Mr Soul » en ces lieux, puisque ce titre est crédité à Buffalo Springfield et non Crazy Horse. A noter un magnifique intermède acoustique indispensable à tout concert de Neil Young : « Heart of gold », « Blowin' in the wind » (reprise de Bob Dylan) et une chouette composition au piano pour finir. Au milieu du concert un intermède hommage à Woodstock a eu lieu avec diffusion d'images d'éclairs et bruits de pluie (on entends exactement la même chose sur l'album « live rust »). C'était chouette.

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Eurockéennes de Belfort 2013.

Jeudi 4 juillet : Comme chaque année, le spectacle commence dès la navette qui nous mène au superbe site du Malsaucy, entre lacs et sous bois, où se tiennent les eurockéennes de Belfort, gorgé de soleil pour cette édition 2013 qui marque le 25^ème anniversaire du festival. Les hostilités commencent avec Gary Clark Junior, bluesman digne représentant d’un style généralement assez peu mis à l’affiche sur les gros festivals rock en plein air. Si Clark Junior respecte à la lettre l’idiome ternaire, son art consommé du riff et ses guitares sont suffisamment puissantes pour contenter le nombreux public de la grande scène (et faire hurler les puristes). On file ensuite dans le superbe écrin de la scène de la plage profiter de la pop onirique et rêveuse des anglais d’Alt-J. Chœurs dignes des Beach Boys, délicats arpège de guitare, la pop d’Alt-J est également très rythmée. Le travail du batteur est assez original, sans cymbales mais avec une profusion de percussions. Avec le lac en toile de fond, le coucher de soleil et la lumière du jour finissant, c’est magique.

Vendredi 5 juillet : Retour sur la plage pour découvrir en live la nouvelle sensation rock du moment le duo féminin Deap Vally, nouvelles chouchous de Marilyn Manson. Verdict assez mitigé, c’est plutôt entraînant et bien fait à défaut d’être original. La formule du duo guitare/batterie devient peu à peu un cliché du rock des années 2000. On prend ensuite la direction de la Green Room retrouver le barbu Matthew E. White. Songwriter élégant, entre pop, soul et folk, il y a quelque chose de profondément délicat dans la musique de Matthew E. White, à tel point que sa présence peu sembler anachronique dans un festival ou le lâcher de décibels est légion. Et pourtant ça fait du bien ! Batterie, percussions, lap-steel, claviers vintage, Matthew E. White sort les grands moyens pour séduire le public, peu nombreux au début mais qui s’agglutine vite. Les chansons sont entrecoupées de longs passages instrumentaux où les musiciens entrent comme en transe. A noter une très belle reprise de « Are you ready for the country » (Neil Young), le site du Malsaucy s’est trouvé un nouvel hippie. Changement d’ambiance pour finir avec The Smashing Pumpkins. Soyons honnêtes, un an après la sortie d’ Oceania, un album très largement en dessous des standards habituels du groupe, c’est surtout par nostalgie que l’on s’est rendu sur le site de la grande scène pour admirer les citrouilles de Chicago. Et là surprise c’est groupe totalement régénéré que l’on (re)découvre. Le guitariste Jeff Schroeder semble enfin avoir trouvé sa place dans cette nouvelle formation, et le concert montre une véritable collaboration entre lui et Billy Corgan. Les guitares discutent entre elles, et, fin instrumentiste, Schroeder émaille les chansons de soli injectant ainsi une nouvelle jeunesse dans les compositions. Le groupe ne nous avait pas habitué à cela. Les compositions gagnent en substance, en texture, en profondeur. Le résultat est un hybride parfait entre psychédélisme et lourdeur. Notons au passage une magnifique reprise de « Space Oddity » (Bowie). Billy Corgan aurait-il retrouvé le feu sacré ? C’est quoi qu’il en soit une merveilleuse nouvelle.   

Samedi 6 juillet : On commence avec The Strypes, la première claque du week-end. Des gamins de seize ans qui jouent déjà (et prennent aussi la pose) comme des pros, c’est bluffant. Le batteur en particulier ressemble à un bébé. The Strypes c’est un peu comme des gosses qui jouent la musique de grand-papa. Un rock n’roll, racé, d’inspiration sixties d’où transpirent des influences blues et rhythm n’blues. On pense aux Who, aux Kinks, aux La’s où à la scène garage/Mersey Beat d’une manière générale. C’est jeune, c’est frais et enlevé, tant qu’il y aura des musiciens prêts à le servir avec une telle ferveur, le rock n’roll ne mourra jamais. Et pour les avoir croisé dans la coulisse, on peut affirmer qu’ils sont déjà également étonnamment pros pour leur age dans leur attitude. Un groupe à suivre. On reste sur l’esplanade green room le temps d’admirer la magnifique Valerie June, qui nous emmène en voyage en suivant le tempo de son Tennessee time. Un savoureux mélange évoquant tantôt la country et le folk lorsqu’elle s’accompagne seule (guitare, banjo ou ukulélé) ou bien la soul music et le blues lorsque son groupe joue avec elle. Le tout servi avec la superbe voix de Valerie… Direction la plage pour retrouver les mythiques Dinosaur Jr, les vétérans de la scène grunge, qui ont l’air un brin blasés. Le power trio, délivre son répertoire avec une puissance équivalente à celle des débuts, ça joue fort mais hélas des problèmes techniques et la perte soudaine de la basse clôturera l’affaire de manière un peu abrupte et en avance sur l’horaire. Néanmoins, un très bon moment, nostalgique en diable. Une petite pause pour se reposer les oreilles plus tard et retour sur la grande scène retrouver les Irlandais de Two Door Cinema Club, sensation hype de la rentrée dernière. Surprise la pop parfois un peu surproduite du groupe prend une toute autre dimension sur scène, le ton s’est durci, les guitares se font plus fortes, c’est une révélation, Two Door Cinema Club peut aussi faire du rock. Débarrassé des oripeaux de la production, le live permet de mettre en valeur un songwriting pop de grande valeur. Chouette groupe. Un mot pour finir afin de souligner l’excellente prestation de Phoenix en clôture de la soirée sur la grande scène.

Dimanche 7 juillet : Et c’est déjà le dernier jour, le temps passe décidément trop vite. Le dimanche s’annonce prometteur avec un enchaînement The Black Angels / Tame Impala, assez malin et bien vu. Hélas un son absolument catastrophique (trop de basses qui avalent complètement les mélodies) gâche totalement la prestation des Black Angels (Black Rebel Motorcycle Club et Blur souffriront également du même mal). Désolé de le dire, mais c’est indigne d’un grand festival à vocation internationale comme les Eurockéennes. Passons… Reste Tame Impala qui fera preuve d’une classe psychédélique sans pareille sur l’esplanade green room. Savant condensé du rock des années 60 et 70, Tame Impala évoque pèle mêle les Beatles (époque Sgt Pepper), Pink Floyd ou les Beach Boys pour les voix. Les morceaux les plus heavy (« Elephant », « Mind Mischief ») ont un petit je ne sais quoi de Black Sabbath, le cocktail est détonnant. Le batteur apporte une dynamique qui propulse les compositions dans une autre dimension. Et comme Kevin Parker fait l’effort de s’exprimer en français, l’après-midi ne peut qu’être réussie. C’est la résurrection de l’année, My Bloody Valentine est de retour après quelque 22 ans d’attente. Véritable laboratoire sonore ambulant, My Bloody Valentine pratique un rock-noise bien éloigné des standards habituels couplets/refrains où l’expérimentation prime sur tout le reste. Le savant empilage d’amplis, au bas mot une bonne dizaine, à la gauche du guitariste Kevin Shields, les yeux rivés au sol dans la plus pure attitude shoegaze, est à ce titre assez évocateur. C’est un véritable mur du son qui se dresse devant les spectateurs, le tout joué à un volume bien au-delà du raisonnable. Ahurissant ! De la folie furieuse ! Hélas, un mixage approximatif gâche un peu la prestation de MBV, il est difficile d’entendre le chant, que se soit de Kevin Shields ou de Bilinda Butcher, sauf à être dans le deux premiers rangs devant la scène. Est-ce pour cela que le public, assez peu nombreux à la base, a déserté l’esplanade green room ? C’est quoi qu’il en soit grâce à des groupes comme My Bloody Valentine que le rock sort parfois de ses clichés et va de l’avant. Le concert de My Bloody Valentine a été pour ce qui nous concerne, la grosse claque du week-end.

Paris Jazz Festival

Alors que viennent les beaux jours, restons optimistes, il est temps de dire au revoir aux salles de concerts pour profiter de la musique en extérieur. Avant de sillonner les routes (enfin plutôt les voix ferrées) de France pendant la saison des festivals, on va commencer par faire un petit arrêt du côté du Parc Floral, où se tient tous les ans les Paris Jazz Festival, des concerts gratuits, les week ends du juin et juillet avant que la musique classique ne prenne le relais au mois d’août.

Samedi 22 juin : Le vent et la pluie qui s’invitent en ce samedi après-midi ont au moins un mérite, celui d’éviter la foule. D’ordinaire pris d’assaut au moindre rayon de soleil, le chapiteau balayé aux quatre vents, est quasiment vide, pas de queue ni de file d’attente interminable et pour les courageux mélomanes l’assurance d’avoir de bonnes places. Le froid a du bon parfois. On commence avec une superbe révélation en ce week end, les Nantais de Malted Milk. Empruntant autant au blues qu’à la soul, la bande d’Arnaud Fradin propose un mélange détonnant. Du blues les Malted Milk, gardent le touché de guitare, soli inspirés et le chant, assez stupéfiant pour un Français, plein de feeling. La note soul, voire funky par moment, vient de l’adjonction d’un orgue bien senti et surtout, des cuivres : trompette et trombone. Ces derniers ajoutent une touche de peps bienvenue et un sens du show incomparable. Homme talentueux, Arnaud Fradin est aussi à l’aise en solo intégral laissant surgir une émotion qui prend aux tripes. Entre autres vertus curatives, le blues de Malted Milk a le don de réchauffer, magnifique découverte.

Dimanche 23 juin : Rebelote en ce dimanche après-midi, un soleil toujours aussi timide, du vent, de la pluie et surtout du blues qui réchauffe en compagnie du quintet de Jean-Jacques Milteau, renforcé, sur quelques titres, pour l’occasion par une chorale de collégiens venus de Cachan. Toujours aussi inspiré, l’harmoniciste revisite les musiques étasuniennes en compagnie du guitariste Manu Galvin et des chanteurs Michael Robinson et Ron Smyth, le showman invétéré. Le bassiste Gilles Michel et le batteur Eric Lafont apportant la dose de groove nécessaire. Il est bien évidemment question de blues, de soul music mais aussi de gospel, grâce à la chorale et il est amusant de voir Michael et Ron se transformer en chef de chœur encadrant les enfants. Le feeling et l’émotion sont présents à tout moments, lorsque JJ débute le concert seul ou lors d’une reprise bien sentie du « For what it’s worth » de Buffalo Springfield. Assurant la première partie le guitariste Mathis Haug est venu taper le bœuf avec ses amis, distillant un solo inspiré sur sa superbe Gibson Firebird. Il y a de l’espoir « We’re gonna make it » et une bonne dose d’humour pince sans rire signé JJ, bref de quoi passer une belle après-midi.

The Virginmarys : «King of conflict »

Et si la musique est un grand voyage dans le temps à travers les époques, embarquons aujourd’hui dans l’express direction 1977 à la découverte du premier album des Virginmarys. Power trio anglais, dans la grande tradition du punk pub/rock british, ces nouveaux venus nous offrent un opus rageur comme aux plus beaux jours de 1977. L’effet est saisissant, dès le morceau d’ouverture « Dead man’s shoes », l’auditeur est emporté dans un tourbillon qui ne prendra fin que 12 titres plus tard. Misant tout sur l’efficacité, les compositions des Virginmarys n’excèdent que très rarement les trois minutes. Le tout est joué, comme de bien entendu, le pied au plancher : les batteries martèlent, les guitares arrachent, la voix exaltée d’Ally Dickalty semble toujours au bord de la rupture. Même les passages les plus mélodiques, « Out of mind » ; « Lost weekend », sont joués avec une intensité de tous les instants. Et lorsqu’ils ralentissent le rythme c’est pour envoyer avec la lourdeur d’un groupe metal épris de pop (« Bang bang bang »). Impressionnant. Les amateurs de rock n’roll sous adrénaline seront aux anges. Classe et sexy.

www.virginmarys.com

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The Black Widow’s Project : « Heavy Heart »

Quatorze titres pour tomber sous le charme létal de la veuve noire. Ourdi dans quelque endroit mystérieux de Suisse, The Black Widow’s Project, met secrètement au point un poison sonore d’une effrayante efficacité. Tel un alchimiste maléfique, nourri au gros rock des années 1970, The Black Widow’s Project a réussi a recréer le son de l’époque, les guitares sont abrasives à souhait, les riffs efficaces et graisseux, le tout fleure le bon vieux rock n’roll d’antan, c’est, en soi, déjà un régal. Mais The Black Widow’s Project ne se contente pas, comme tant d’autres, de faire revivre une flamme vacillante. Attentifs au rock d’aujourd’hui The Black Widow’s Project a su mélanger ses influences vintage (le sabbathien « Love’s a weapon ») a une dynamique moderne, on pense beaucoup à la scène stoner (« Ah ah ah uh »). Allié à un sens mélodique qui n’a pas peur de sortir au grand jour, comme sur « Innerwar » par exemple, et à une production sur le fil du rasoir, voici un disque remarquable, soutenant sans honte la comparaison avec le sacro-saint modèle anglo-saxon. Vous ne dormirez plus jamais tranquille, désormais, la veuve noire pend comme une épée de Damoclès au dessus de vos oreilles…

www.blackwidowsproject.ch

https://myspace.com/blackwidowsproject

http://theblackwidowsproject.bandcamp.com/

http://www.reverbnation.com/theblackwidowsproject

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Bill Ryder-Jones : « A bad wind blows in my heart »

Ouh, mais il a l’air tout triste notre Bill Ryder-Jones. Son nouvel album semble en tout cas l’avoir plongé dans un puit mélancolique sans fond, ainsi qu’il le chante : « Un vent mauvais souffle sur mon cœur ». Ce nouveau disque en solo, l’ex-membre de The Coral l’a composé dans sa chambre d’adolescent un peu comme on entre en introspection. Se retourner vers le passé, pour mieux imaginer l’avenir. Il en est ressorti avec une collection de chansons, toutes plus nostalgiques les unes que les autres, en souvenir de certaines figures de son passé : « Anthony & Owen », « Christina, that’s the saddest thing ». Un effort hautement personnel donc, plutôt acoustique à base de piano et de guitare folk, dépouillé et sans esbroufe, qui n’est pas sans rappeler l’immense Nick Drake, la figure tutélaire du folk britannique (« By the morning I », « The lemon trees #3 »). Des orchestrations simples, des tempi lents, le tout colle parfaitement à son timbre de voix traînant, profond et légèrement éraillé. La mélancolie lui va comme un gant. C'est touchant.

Andrew Strong

Le temps a passé, on avait fini par l’oublier un peu. Grande révélation (vocale) de l’excellent film « The Commitments », réalisé par Alan Parker, Andrew Strong avait cassé la baraque dans le rôle de Deco. Après quelques albums studio n’ayant pas rencontré le succès escompté, Andrew Strong a chanté un peu partout dans le monde, sauf en France ou a pourtant été enregistré ce nouvel album live en forme de come-back après être retombé dans l’anonymat. Pour son retour, Andrew pioche dans le très classique répertoire soul et rock des années 1960 et 1970 (« Fire », « Born to be wild » etc…). Le timbre de gorge, n’a pas souffert avec les années, profond et grave, magnifique. Les versions présentées ici sont très fidèles aux originales, en dépit d’une collaboration plutôt sympa et réussie avec l’harmoniciste Nico Wayne Toussaint sur « I heard it through the grapevine » (Marvin Gaye). Pas de surprises ni bonnes ni mauvaises. Seulement déjà entendu mille fois malgré tout le talent des participants. Si le talent vocal pur d’Andrew Strong est intact, la façon dont ce dernier gère sa carrière laisse un peu dubitatif. Il est quelque part pathétique d’entendre ce bon vieil Andrew, 22 ans après, s’époumoner sur les sempiternelles « Mustang Sally », « Hard to handle », « Soul man » et autres « Midnight hour». Le tout laisse une impression mitigée, plutôt que de réinterpréter les classiques, Andrew Strong aurait du devenir un classique lui-même. Son immense talent naturel aurait du lui permettre de viser beaucoup plus haut. On rêve de ce qu’il aurait pu produire encadré par un Jack White, un Dan Auerbach ou un de ces labels new-yorkais branchés sur la soul vintage. Pour l’instant il faudra se contenter de ce disque, pas mauvais du tout au demeurant. Vous l’aurez compris, pour le répertoire original on repassera, mais pour quiconque souhaite passer une soirée soul/rock n’roll à l’ancienne en compagnie d’un chanteur extraordinaire, c’est parfait.

www.andrewstrong.com

Yann Destal : « Let me be mine »

Si la musique est un voyage, alors ouvrez grand les oreilles car c’est à une épopée peu commune, au cœur du son, transcendant les époques et les influences que nous convie Yann Destal. L’album s’ouvre avec les accords folk de « Let me be mine » et déjà la voix de Yann ne demande qu’à s’envoler, s’élevant avec grâce, visitant des hauteurs dignes de Jeff Buckley. Et ce ne sont là que les prémices de la déflagration à venir. Car peu à peu, au fil des titres, Yann Destal, comme en apesanteur, se libère une à une de ses contraintes, atteignant des hauteurs folles. Les influences premières de l’artiste semble se situer dans les années 1970 : « You know me », superbe, la psyché/prog « Walk with me » (Pink Floyd est tout proche) et la très zeppelinienne « Feel it » mettent les guitares en avant, et jouent ouvertement la carte d’un gros son rock ; pourtant la voix toujours sur le fil de Yann apporte un surplus de sensibilité et de fragilité à l’ensemble. Et ce n’est pourtant que la partie visible de l’iceberg qu’est en vérité la musique de Yann Destal. « Rise and fall » est pleine de délicatesse folk et « You look like heaven », plus 80s, rappelle qu’avant d’être un chanteur rock/folk Destal a eu une première vie musicale, plus électro, au sein de son ancien groupe Modjo. Soigné, jusque dans les moindres détails, produit avec beaucoup de soin, l’album est d’une richesse telle (les arrangements particulièrement) qu’une seule écoute ne suffit pas pour en saisir toutes les nuances. C’est au contraire une œuvre qui demande du temps, dévoilant avec parcimonie tous les trésors cachés en son sein, une écoute après l’autre. C’est surtout un disque n'ayant pas peur de regarder les anglo-saxons droit dans les yeux et qui rayonne d’une ambition rare dans notre hexagone. Recommandé.

www.yanndestalmusic.com

Neil Young and Crazy Horse + Los Lobos, Bercy, 6 juin 2013.

 

Los Lobos

C’est une belle soirée qui s’annonce. Un petit mot pour commencer sur les très rares, du moins sur nos terres, Los Lobos, « Blues band from east L.A. » comme ils se définissent qui assurent ce soir la première partie. Dans l’imaginaire collectif, Los Lobos a connu son point culminant dans les années 1980 avec leur reprise de « la bamba » pour le film du même nom. Une sorte de one hit wonder dont on n’a plus beaucoup entendu parler depuis. Et c’est bien dommage.  Déjà à l’époque de « la bamba » Los Lobos était un groupe expérimenté avec plus de dix ans de rock latino derrière lui. Depuis le groupe a continué son petit bonhomme de chemin loin des médias sortant des albums blues rock d’excellente facture. Pour prendre un exemple récent citons leur « Tin Can Trust » de 2010, un petit chef d’œuvre. Leurs concerts rarissimes en France, leur vaut d’être ignorés du grand public, leur prestation, excellente, troupe peu d’échos auprès du public, ainsi que l’affirme leur guitariste David Hidalgo : « WTF, say something » ! Evidemment pour une fois que le groupe vient jusqu’à nous on aurait préféré une salle à taille humaine plutôt que d’admirer le groupe de loin abandonné tel le radeau de la méduse. On a pu en tout cas apprécier les talents de leur excellent guitariste David Hidalgo (un type qui a également joué avec Bob Dylan soit dit en passant). Le son de Los Lobos pourrait être divisé en trois catégories, d’une part le rock n’roll, d’autre part le blues et enfin les influences latines pour finir (percussions, chant en espagnol). La présence d’un saxophone apporte une note swing jazz pas désagréable du tout, l’accordéon un je ne sais quoi d’exotique. Ce fût quoi qu’il en soit une excellente performance trans-genre : blues, rockabilly, jazz et latin. Croisons les doigts pour revoir cette excellente formation dans des conditions un peu plus décentes très prochainement…

Alors que l’immense palais omnisport se rempli de vieux hippies sur le retour (le public, c’est une des raisons pour lesquelles j’adore aller voir les survivants des sixties en concert !) un étrange cérémonial prend place sur la scène. Une bande de roadies vêtus de blouses blanches prennent possession des lieux, certains balayent la scène, laquelle est surplombée par deux écrans géants en forme de télés portatives vintage. Le décor scénique est le même depuis la fin des années 1970, constitués d’amplis géants au milieu desquels les musiciens ont l’air de lilliputiens. Les choses prennent une tournure encore plus étrange quand la sono diffuse la marseillaise ( ???) alors que le groupe (y compris Neil Young) se tient au garde à vous en rang d’oignons. Pendant ce temps là un micro géant descend du plafond du POPB. Ledit micro arrivé à destination, le concert commence avec « Love and only love ». Dans la, très longue, carrière de Neil Young, les enregistrements avec Crazy Horse (groupe qu’il retrouve après quelques années de séparation) occupent une place à part. Au contact du trio, Neil Young s’embarque dans une voie à part qui fait de lui le seul vieil hippie adulé par la génération grunge qui l’a prise pour parrain. Le trio, Frank Sampedro (vêtu d’un superbe tee shirt Jimi Hendrix), Ralph Molina et Billy Talbot donne une nouvelle dimension à la musique du vieux barde Canadien. Incontestablement plus électrique mais aussi plus expérimentale. Les morceaux traînent en longueur, chaque titre dépassant allégrement les dix minutes, au total une grosse dizaine de titres ont été joués en deux heures, c’est du psychédélisme électrique. Le son brut et aride des guitares n’est pas sans évoquer ces grands paysages étasuniens qui fascinent tant Neil Young. C’est la bande sonore d’un désert de l’ouest américain. Absolument fascinant. A noter un petit intermède acoustique (« Heart of gold ») et « People rocking in the free world » déchaîné en rappel. La soirée a tenu toutes ses promesses.

www.loslobos.org

www.neilyoung.com

Sixto Rodriguez, Le Zénith, 4 juin 2013.

L’histoire était peut-être trop belle. Complètement ignoré, tombé dans l’oubli depuis des décennies, Jesus Sixto Rodriguez, qui était jusqu’alors un obscur chanteur folk de Detroit, a rencontré une gloire aussi tardive et inattendue que surprenante depuis la sortie au cinéma d’un documentaire illustrant sa carrière. Depuis les questions affluent, comment l’homme, aujourd’hui septuagénaire, gère-t-il cette gloire soudaine ? Quid de ses réelles aptitudes du moment, lui qui n’a pas pratiqué la musique (de manière professionnelle tout du moins) depuis 1971 ? Oui, l’histoire, un véritable conte de fées était belle, et résonnait comme une véritable lueur d’espoir, et croyez-moi, ils sont nombreux dans le milieu de la musique (tout métiers confondus) a en avoir besoin, d’espoir. Soyons honnêtes, Sixto Rodriguez avait peu de choses à gagner et beaucoup à perdre, notamment le risque d’écorner sa légende toute fraîche, en venant se frotter à la scène. Car jusqu’ici c’était parfait, plus réussi et efficace que n’importe quel plan marketing ourdi par une bande de stratèges réunis autour d’une table. En effet, la gloire récente de Sixto Rodriguez ne repose pas sur le vide issu d’une quelconque émission de téléralité mais sur un véritable talent, unanimement reconnu depuis, de songwriter et de deux merveilleux albums qui devraient occuper une place majeure dans l’histoire du rock. Soit en tout et pour tout 25 malheureux titres, c’est peu pour une place de concert à 35 euros. Pourtant tout avait commencé pour le mieux, lorsque Sixto est accompagné, soutenu même, par son groupe (composé de musiciens hyper pros et peut-être un peu froids), c’est parfait. Un superbe « Climb up on my music » en ouverture, « Sugar Man », « I wonder » c’est magnifique. On peut alors admirer son jeu de guitare peu académique, fait de grands mouvements circulaires de la main droite, Sixto joue sans médiator, frappant les cordes de ses cinq doigts en les écartant vers l’extérieur. Ce qui donne ce son ample unique en son genre. C’est lorsqu’il est livré à lui-même, que Sixto déraille totalement. Balbutiant des reprises peu lisibles, seule « Like a rolling stone » de Bob Dylan sort du lot, alignant des notes sans grande cohérence, il éprouve de plus les pires difficultés à placer sa voix avec justesse et à garder le bon tempo. Le concert se déroule ainsi péniblement, entre de rares éclaircies de génie. Sixto enlève régulièrement son chapeau, pour s’essuyer, boit beaucoup, semble très éprouvé et complètement perdu sur scène ne sachant que faire. Peut-être est-ce la préparation de cette tournée qui a été bâclée ? En à peine une heure l’affaire est emballée et c’est presque un soulagement tellement le résultat fait peine à voir. Pour n’importe quel artiste on aurait hurlé avec les loups, crié au scandale, réclamé un remboursement à corps et à cris. Pourtant on n’éprouve ni colère ni déception, on est, bien au-delà de tout ça, simplement triste. On a voulu y croire, qu’il était possible de rattraper le temps perdu, d’arrêter la cruauté des horloges. Mais il est tout simplement trop tard… Il règne comme un parfum de fin de règne lorsque l’on quitte le zénith dans le jour finissant, il est alors 21h30 et la nuit n’est même pas encore tombée. Les sixties c’était il y a fort longtemps…  

The Stone Roses + The Strypes, La Cigale, 3 juin 2013.

Fer de lance du mouvement Madchester, ce vent de folie entre rock et techno balbutiante qui a soufflé sur Manchester à la fin des années 1980, The Stone Roses avait rencontré un succès phénoménal avec leur premier album (un chef d’œuvre du rock british soit dit en passant) avant de connaître les pires difficultés à enregistrer la suite. Le groupe s’est séparé vers 1995, dans un nuage d’incompréhension, après seulement deux albums, laissant un goût amer dans la bouche de leurs nombreux fans éplorés. Un gâchis. Après chacun a suivi sa route, le chanteur Ian Brown faisant carrière solo, le bassiste Gary Mounfield (aka Mani) officiant chez Primal Scream, le guitariste John Squire est devenu un artiste peintre et photographe exposé, ayant également sorti deux albums en solo. Seul le batteur Reni ne donnait guère de nouvelles depuis les nineties. Et puis, surprise, fin 2011, le quartet annonce une reformation que plus personne n’attendait et annonce dans la foulée une tournée qui arrive enfin jusqu’à nous (après un passage à Lyon l’année dernière). Ce soir je vais voir les Stone Roses, pour la première fois depuis le 11 mai 1995 (c’était dans une autre vie), date de leur passage à feu (sans jeux de mots) l’Elysée-Montmartre. Voir le quartet enfin réuni sur scène fait un choc. Les années ont passé, les rides se sont creusées, les chevelures ont blanchies. Le balourd barbu derrière la batterie, c’est Reni vraiment ? Il semblerait que oui, il a toujours le même bob (les yoyos ont par contre disparus). Finalement John Squire est celui qui accuse le moins le poids des ans, possédant toujours cette fine silhouette d’ado frêle. Musicalement les mancuniens assurent toujours avec autant de classe. La section rythmique Mani (superbe collection de basses customisées demi-caisses) et Reni, incroyable de souplesse rythmique, distille toujours ce groove inimitable. Le tout mélangé aux influences plutôt rock classique sixties de John Squire. On pourrait toutefois reprocher à ce dernier d’être parfois un peu brouillon, surtout au début du concert et notamment sur un « fool’s gold » exagérément longuet. C’est peut-être dû à la nature intrinsèque de la musique des Roses autant empreinte de rock psychédélique que de groove dance (la coda d'« I am the Resurrection »). Ian Brown est mixé bien en avant pour essayer de masquer ses limites vocales (manque d’amplitude et de justesse particulièrement flagrant sur "I am the Resurrection"). C’est à peu près les seules critiques que l’on peut émettre car, une fois que la mire est bien réglée, la machine est lancée à pleine vapeur. Et c’est une déferlante de tubes qui s’abat sur la cigale et l’on renoue avec ces chansons un peu comme on retrouve un vieil ami : « Ten Storey love song », « Breaking into heaven », «She bangs the drums », « This is the one », « Waterfall / Don’t stop», « Made of stone »… C’est énorme, énorme, énorme !!! La nostalgie est à son comble. La folie s’empare de la salle, les verres de bières volent au dessus du public qui saute avec entrain, les bras en l’air, reprenant chaque refrain en cœur. Un quart d’heure après la dernière chanson, le public n’avait toujours pas vidé les lieux, hurlant à pleins poumons, réclamant un refrain qui ne venait pas… Incroyable. En première partie on a pu admirer les ados de The Strypes (des types plus jeunes que Jake Bugg, c’est dire) qui ont assuré dans un registre mod/mersey beat, avec l’entrain de leur jeunesse et la bouteille de vieux routiers du rock. Très prometteur.

  

Django Unchained

Réalisateur mélomane, Quentin Tarantino a toujours été particulièrement attentif à l’aspect musical de son cinéma. Aussi, plutôt que de confier les rênes à un compositeur sans être certain d’aimer le résultat de son travail, Tarantino préfère piocher dans sa discothèque personnelle pour accompagner ses images. Un travail d’archéologue, collectionneur de disques invétéré, qui est devenu la spécialité de Sir Quentin à tel point que certaines des BO ainsi composées sont devenues des albums cultes à leur tour. Son dernier film en date, Django Unchained, disponible depuis peu en DVD et bluray, n’échappe à la règle et Quentin nous convie une fois de plus à un savant festival de sons, créant des passerelles entre les genres et les époques, un peu comme une virée en bagnole en sa compagnie. Le tout entrecoupé, comme toujours, d’extraits de dialogues du film. Inspiré ce coup ci par le western spaghetti, comme il a pu l’être auparavant par la blaxploitation ou le film de kung fu, c’est bien évidemment dans ce  matériau là que Tarantino a principalement pioché recyclant des thèmes chipés aux compositeurs Luis Bacalov, Riziero Ortolani ou Ennio Morricone (c’est une autre de ses spécialités piquer la musique d’autres films pour la mettre dans le sien). Un petit tour par le folk/country 70s via Jim Croce et on se retrouve en plein gangsta rap avec les titres de Rick Ross et 2Pac (ce dernier étant décédé depuis pratiquement 20 ans). La soul, d’obédience plutôt contemporaine, n’est pas non plus absente des débats : le très joli duo Anthony Hamilton/Elayna Boynton et l’excellent single « Who did that to you ? » de John Legend que l’on a entendu un peu partout depuis la sortie du film. Le mélange est décapant, le grand écart plutôt habile. C’est tout le talent de Quentin Tarantino que de se faire rencontrer les extrêmes. Une fois de plus le tour de passe-passe fonctionne.

The Hub + John Fairhurst + Heymoonshaker, le divan du monde, 29 mai 2013.

Dave Crowe (à gauche) et Andy Balcon (à droite) : Heymoonshaker

Quelle divine surprise en ce mercredi soir, en découvrant la longue file des spectateurs faisant la queue sur le trottoir longeant le divan du monde !!! Les Heymoonshaker ont réussi à remplir la salle, plus une place disponible, et tant pis si on est tassé comme des sardines, c’est avant tout un formidable message d’espoir ! Mais avant de s’étendre plus avant sur ce formidable duo, un petit mot sur les deux premières

parties…

On commence avec une vieille connaissance, le duo blues TheHub, qui se trouve être un projet en pleine mutation. Adepte de la formule en duo, Hubert#06 est maintenant accompagné par un batteur (là où avant Yarol tenait la basse et un semblant de batterie). La musique s’en retrouve transformée en prends du coup un aspect plus tribal. La rythmique s’en retrouve solidifiée et pleine de groove. Toujours aussi efficace à la guitare, Hubert égrène ses rythmiques en ternaire avec brio. Petite (et excellente) surprise en découvrant que notre homme du sud chante maintenant principalement en français, ce qui à l’énorme avantage de lui donner une originalité. D’autant que l’homme est totalement crédible dans ce rôle de bluesman francophone. The Hub est en pleine préparation de son nouvel album, on attend la suite impatiemment…

Place ensuite à la grande découverte de la soirée, le John Fairhurst band. C’est à l’occasion d’une interview avec les Heymoonshaker que l’on a entendu parler de John Fairhurst pour la première fois : quoi, tu ne le connais pas ? Tu devrais ! Et après l’avoir découvert en live pour la première fois, je comprends mieux pourquoi. En effet, John Fairhurst, guitariste de son état, fait montre d’un talent naturel peu commun. Guitariste virtuose, l’homme est de plus doté d’une voix de gorge marquante, grave limite graveleuse, parfaite pour le blues, évoquant des émotions directement de ses cordes vocales. Son acolyte harmoniciste, complète la formation et souligne la guitare de manière judicieuse. La musique du John Fairhurst band est un véritable voyage en soi, si les matières premières restent le blues et le folk, des inspirations psychédéliques et world (le dernier titre plutôt oriental) se chargent de transporter l’auditeur vers un ailleurs radieux. Tout juste si on pourrait lui reprocher un petit manque de concision, ce qui est malheureusement souvent le cas avec les solistes trop doués… C’est quoi qu’il en soit une belle découverte.

Et on termine enfin avec la grosse affaire de la soirée, le duo beatbox blues anglais, Heymoonshaker et plutôt qu’un long discours stérile, on va résumer la chose le plus simplement du monde : c’est LA CLAQUE ! Le duo est parfaitement complémentaire, à droite de la scène Andy Balcon, guitariste et chanteur à la voix gutturale, il incarne la facette la plus classique du duo. Le grain de folie, c’est le (génial) beatboxer Dave Crowe. Le beatbox est une technique plutôt assimilée au hip-hop, l’entendre mélangé à une guitare blues est déjà assez surprenant en soi. Mais quand on a affaire à un beatboxer d’exception, comme Dave Crowe, le concert devient une expérience unique. Dave Crowe ne se contente pas seulement d’assurer à lui seul le travail d’une section rythmique, non, il interprète littéralement le rythme, l’accompagnant de grands gestes, de mouvements amples des bras. Se contorsionnant dans tous les sens possibles et imaginables, Dave semble sans cesse être au bord de l’implosion. Les sons qu’il tire de sa bouche sont tout simplement bluffants et apportent au blues des couleurs inédites évoquant l’électro ou le dubstep, alors que le groupe n’utilise aucune machine et replace (et c’est d’ailleurs tout à son honneur) l’humain au centre des débats. On frôle l’expérience sensorielle lorsque Dave demande au public de l’écouter les yeux fermés lors de son hallucinant solo. Le dernier tiers du concert au moment où le duo est rejoint par trois invités (John Fairhurst, son harmoniciste et un clarinettiste) est exceptionnel. Le rendu musical, entre blues et free jazz, est digne d’un jam band psyché des années 1960. Chaque musicien trouve sa place avec une fluidité étonnante. Fairhurst en particulier est excellent dans ce contexte. C’est tellement bon, que le quintet ainsi constitué mériterait d’enregistrer un album. Il ne fait aucun doute que ces musiciens font partie de cette troupe rare des bêtes de scène qui se donnent à fond. Ils ont fait péter le plafond, le public est en délire, les mains en l’air. C’est beau. Dave Crowe et Andy Balcon sont deux hommes droits et honnêtes, des artistes plaçant les relations humaines au dessus de tout. Le succès ne pouvait pas mieux tomber que sur ces deux là. Ils le méritent amplement.

www.heymoonshaker.com

http://www.reverbnation.com/thehub

http://www.johnfairhurst.com/

http://johnfairhurst.bandcamp.com/

Fargo Rock City Festival : Two Gallants + Sallie Ford and The Sound Outside + Steve Earle and The Dukes, Le Trianon, 27 Mai 2013.

Le gratin de l’Americana (ou presque) s’est donné rendez-vous en ce lundi soir dans le cadre majestueux du Trianon pour la soirée de clôture de la première édition du Fargo Rock City Festival organisé à l’initiative du label et de la boutique de disques du même nom.

On commence avec les Two Gallants, le duo de San Francisco, apparu il y a une dizaine d’années maintenant s’est crée une niche bien particulière. Si la base semble être le folk (bien électrifié tout de même) guitare et harmonica sur rack, le batteur, telle une déferlante sonore, donne une ampleur grunge à l’ensemble. Le duo navigue en eaux troubles entre apaisement (très jolie compo acoustique en toute fin de set) et furie sonore. Très plaisant.

Sallie Ford and The Sound Outside

On poursuit avec celle qui est devenue l’une des chouchous de cette page depuis son apparition sur la scène mondiale fin 2011, SallieFord. Creusant le sillon tracé par son deuxième album, « untamed beast », le projet musical de Sallie Ford est en pleine mutation. Très marquée par le rockabilly et le gospel sur son premier disque, « Dirty Radio », Sallie Ford délaisse un peu ses influences premières au profit d’une approche à la fois plus contemporaine et plus garage. Un peu plus sale en quelque sorte. Comme un signe du temps qui passe, point de reprise de Buddy Holly cette fois, mais un « Heart of Glass » (Blondie) assez étonnant (mais réussi) en ces lieux et place. Autre détail marquant, Tyler Tornfelt a délaissé sa, pourtant magnifique, contrebasse au profit d’un basse électrique pendant tout le set. A part cela on retrouve le groupe tel qu’on l’aime, le batteur Ford Tennis est toujours impeccable de swing voire même carrément impressionnant de rectitude et le guitariste Jeffrey Munger semble être la nonchalance incarnée. Quant à Sallie, si elle se professionnalise de plus en plus, elle a gardé intact cette fraîcheur qui la distingue encore (mais pour combien de temps ?) des grosses machines ultra calibrées made in USA. Et j’ai oublié de le préciser, mais son timbre de voix de gorge fait toujours son petit effet. Je reste un peu nostalgique des intermèdes country chantés par Jeffrey mais bon, c’est comme ça…

 

Steve Earle

On garde le meilleur pour la fin avec un monument de la musique étasunienne, rien de moins que Monsieur Steve Earle. Apparu au mitan des années 1980 (premier album « Guitar Town » en 1986) comme un pur chanteur de country, Steve Earle a ensuite évolué (grosso modo depuis son album « Copperhead Road » de 1989) vers un style plus électrique, plus rock voire même carrément heavy. Depuis Earle suit un chemin personnel : est-ce de la country ? Oui mais pas complètement. Du rock alors ? Oui également mais pas entièrement. De fait, Earle présente cette incongruité d’avoir fait sien tous les styles sans jamais se renier, rock n’roll, folk, country il n’y a guère que le blues qui échappe à son répertoire. La quintessence du musicien américain. C’est surtout un songwriter fin et inspiré, doté d’une conscience sociale en sus et n’ayant pas peur d’exprimer son scepticisme à l’égard de son pays qu’il doit pourtant adorer (enfin j’imagine). Ce qui lui a valu un certain nombre de déboires. Un peu à l’image de sa musique Steve Earle a présenté un set en deux temps, une première partie plutôt folk / rock axée sur la guitare, l’harmonica et une deuxième partie plus country mettant en valeur la mandoline. C’est aussi avec un plaisir non feint que l’on retrouve sur scène son guitariste Chris Masterson qui m’avait déjà fait forte impression lors de son passage à la flèche d’or. Ses interventions sont toujours justes et inspirées quelque soit le contexte. Ce type est tout simplement brillant. Chris Masterson, retenez bien ce nom ainsi que celui de son groupe The Mastersons.

Une programmation judicieuse et cohérente, un cadre magnifique, celui du Trianon, cette première édition du Fargo Rock City Festival a été une réussite en tout points. Espérons maintenant que l’événement se pérennise (ce que n’a pas réussi le hélas défunt cool soul festival). Vivement la deuxième édition et les suivantes…

The Hillbilly Moon Explosion, Le nouveau Casino, 24 mai 2013.

C’est avec une joie sincère que l’on a retrouvé les Hillbilly Moon Explosion, vendredi soir dernier au nouveau casino. Si le groupe continue avec bonheur son petit bonhomme de chemin musical avec son excellent nouvel effort « Damn right honey », les helvètes n’étaient pas venu nous rendre visite depuis quelques années déjà (si mes souvenirs sont bons, c’était au réservoir). Et c’est un groupe en forme olympique que l’on a retrouvé ! Emanuela, toujours pleine de grâce, superbe dans son tee-shirt Motorhead du plus bel effet, très en voix et auteur de chœurs et de contre-chants poignants quand elle n’est pas la chanteuse lead. Derrière sa magnifique Gretsch blanche demi-caisse on retrouve Duncan qui nous a gratifié de ses six cordes magiques toute la soirée, excellent musicien aussi bien à l’aise dans le rockabilly (la marque de fabrique du groupe) que dans les boogies endiablés, très solide rythmiquement et soliste inspiré. C’est un bonheur de l’écouter. Oliver et sa contrebasse assurent le show, petite escalade de l’instrument pour une séance d’air surf au passage, et le lien avec le public. Il est celui qui discute le plus. Bon chanteur, sa voix grave crée une alternance intéressante avec le timbre féminin d’Emanuela. Et la distorsion sur sa contrebasse apporte une note punk/garage originale et de la diversité dans les ambiances très marquées par rockabilly des années 1950 du groupe. HME a un nouveau batteur, Sylvain (et oui, il est français, hourra !), aussi bien à l’aise avec les balais que les baguettes, son sens du swing, carré et efficace, propulse le groupe dans une nouvelle dimension. L’association avec la contrebasse fonctionne à merveille et fait renaître la magie du rock n’roll des origines. Bref tout aurait été pour le mieux dans le meilleur des mondes si un malheureux incident (une spectatrice tombée dans les pommes au premier rang au cours d’un pogo bien agité, mine de rien on a frôlé la catastrophe) n’avait pas mis fin au concert au beau milieu du dernier titre, jetant ainsi un voile d’ombre sur une soirée jusqu’ici excellente.

Un petit mot pour finir sur le dj Erik Rug, que l’on a pu écouter avant et entre les deux sets du groupe, et qui nous a balancé quelques pépites 1960s rockabilly/garage/soul etc… vinyliques bien senties. Excellent Dj set.

www.hillbillymoon.com

Ben Harper with Charlie Musselwhite : « Get Up ! »

Arrivé à un certain point, Ben Harper, 42 ans dont 20 de carrière et des disques écoulés par pelletés, essaye dorénavant à s’intégrer davantage dans le paysage blues, milieu autour duquel il tourne depuis des années (ses débuts en fait) sans vraiment en faire partie. Trop rock pour les puristes. En Charlie Musselwhite, harmoniciste de son état, un vieux de la vieille, actif depuis les années 1960, Harper a trouvé le partenaire dans le crime idéal. Méconnu du grand public mais adulé des connaisseurs, garant d’une certaine tradition, Musselwhite a le fond nécessaire pour hausser le niveau et pousser Ben Harper hors de sa zone de confort, celle des standards FM. Le premier titre dévoilé, « I don’t believe a word you say », pouvait laisser pantois quant aux tenants et aboutissants d’une telle collaboration. Gros riff de guitare, Musselwhite un peu sous-utilisé, le morceau portait indéniablement plus le sceau de Ben Harper que celui du malicieux harmoniciste. Les choses avaient-elles vraiment changées ? Après écoute du disque, on peut l’affirmer, oui, mille fois oui et c’est pour le meilleur ! Le disque révèle une complicité, une connivence (corroborée par les photos du livret) entre les deux protagonistes. C’est le disque de deux potes, pas une collaboration forcée débouchant sur un gain en crédibilité pour l’un et en célébrité pour l’autre. L’album est équilibré, bien balancé, les musiciens aussi bien à l’aise dans un environnement acoustique,  « Don’t look twice » qui ouvre les débats de fort belle manière, très cool, qu’électrique « Blood side up ». « I ride at dawn » est lourde et aussi oppressante que le plomb alors que « Get up !», nettement plus jam, swingue comme pas possible, en partie grâce à une ligne de basse absolument mortelle. Il n’y a ni règles, ni limites, le duo tente tout et met dans le mille neuf fois sur dix. Mention spéciale pour « She got kick », très réussie. Un très bel album et une perle supplémentaire dans la discographie de Ben Harper, après l’album sorti avec les Blind Boys of Alabama (« There will be a light ») en 2004.

www.benharper.com

www.charliemusselwhite.com

Bubblies : « Audiogame #1 »

Décidemment les bonnes surprises musicales arrivent avec une régularité confondante dans notre cher Hexagone ces temps ci ! Et comment est-il possible que l’on n’ait jamais entendu parler avant de ces Bubblies, pourtant actif depuis le milieu des années 1990 ?? Biberonnés au son power pop punky des années 1990 (Weezer, Pixies, Nada Surf, ce genre de choses) les Bubblies viennent de sortir (enfin il y a déjà quelques mois) une petite perle dans le genre. « Mastermind » et « Big Fake » qui ouvrent l’album de la plus belle des manières n’ont rien à envier aux classiques du genre, signés des groupes cités plus avant. Energie, évidence mélodique, refus absolu de quitter l’adolescence (quelque part ça se comprend…) l’album sonne comme un grand voyage dans la machine à remonter le temps. En gros, c’est comme il y a vingt ans, une époque où le téléphone était pensé pour se parler ! Arrivé à mi-écoute, l’album prend un tour inattendu, moins porté sur les guitares (encore que) et plus sur la pop électro-kitsch, à base d’orgue Moog, les Rentals (les années 1990 toujours) ne sont pas bien loin. Une belle petite réussite qui ravira aussi bien les nostalgiques de tout bord que les amateurs de pop bien envoyée. Excellent.

www.bubblies.net