Tard hier soir, une
habitude au Silencio où les concerts ne commencent jamais avant 23h,
le magnifique duo Otis Stacks a fêté en grandes pompes la sortie de
son EP (chronique ici) dans le cadre luxueux, tout de noir et d'or
(déco signée David Lynch), feutré et intime de l'endroit. Sur la
petite scène l'élégant duo (chapeau et nœud papillon) nous a
dévoilé de nombreux nouveaux titres (un futur album peut-être?),
évoluant sur un fil ténu entre soul et hip-hop. Si l'absence d'un
véritable backing band se fait parfois un peu sentir Elias, le
chanteur, joue à plein de son charisme naturel pour compenser,
livrant de nombreuses anecdotes assez éclairantes sur ses textes
(« Crash and burn »), parlant beaucoup avec le public
et se mouvant avec grâce et élégance sur la scène, assez basse de
plafond. Et surtout, quelle voix ! Douce et mélodique,
débordant de feeling, son timbre chaud caresse les oreilles.
Derrière son attirail, le producteur Just Mike balance le son et
parsème le tout de notes issues de son Rhodes (visiblement
l'instrument est d'origine) apportant un peu de chaleur humaine à la
musique qui serait trop froide et mécanique sans cet apport live.
Ainsi Otis Stacks trace un lien imaginaire entre passé et futur,
réussissant à rester classique tout en jouant d'une dynamique
contemporaine. De l'art d'être moderne et respectueux des traditions
sans verser dans le passéisme. Sur scène le duo alterne les
ambiances entre morceaux romantiques et langoureux et passages plus
enjoués et dansants sous l'influence de l'électro-funk 80s (« Take
your coat off ») dévoilant tout un éventail d'émotions que
l'on a hâte de découvrir la longueur d'un album…
Dans le cadre
somptueux du Carmen, un ancien hôtel particulier fondé en 1875,
Bigger a fêté la sortie de son premier EP, « Bones and dust ». Petit rappel, Bigger est un tout nouveau projet mené
par deux têtes pensantes, Damien Félix (le guitariste de Catfish)
et le chanteur Irlandais Kevin Twomey (Monsieur Pink). Cette nouvelle
formation est le medium utilisé par le duo pour exprimer son amour
de la pop anglaise et une certaine noirceur à la Nick Cave. Sur
scène, cette dernière composante s'efface pour faire place à une
pop enjoué, mélodique et festive balancée avec une ferveur toute
rock n'roll. Kevin se révèle une véritable bête de scène à
l'enthousiasme contagieux, charismatique, sautant un peu partout (le
pauvre finira totalement en nage). La formation donne également à
voir un autre aspect du talent de Damien Félix. Contrairement à
Catfish, où le guitariste se multiplie en trois pour gérer sa
guitare, un bout de la batterie et, parfois, des claviers en même
temps, dans Bigger, le musicien se concentre sur son seul instrument
à six cordes. Son jeu y gagne en profondeur, ses notes et accords
sont délivrées avec une intensité inédite, le tout est
globalement plus appuyé et, surtout, déborde de feeling. Les
claviers de Ben Muller apportent une note baroque originale aux
arrangements (« The Zoo ») et constituent un élément
fondamental de l'identité sonore du groupe. La section rythmique
composée de Mike Prenat (basse) et Antoine Passard (batterie) assure
le job et dégage un groove puissant. Le répertoire joué réserve
beaucoup de surprises sous la forme de nouveaux titres (de quoi
nourrir un album peut-être?) et est riche en tubes immédiats (« The
Zoo » notre préférée jouée en clôture). Vivement la suite
de cette nouvelle aventure qui s'annonce d'ores et déjà
passionnante…
Premier album solo
pour Brian S. Cassidy, un ancien membre d'Okkervil River, qu'il a
enregistré seul assurant tous les instruments. Dès les premières
notes, l'album s'inscrit dans une veine classique et intemporelle,
pas d'expérimentations ou de mélange folk/electronica ici mais un
retour aux sources comme le suggère la magnifique pochette. Tout au
long de ces dix titres, Cassidy fait d'un manque apparent de moyen
une force, une source de créativité. Délicat et harmoniquement
très riche l'album n'est dépouillé qu'en apparence, Cassidy
agrémentant ses délicats arpèges folk de quelques notes de piano, de banjo et de lap-steel aussi éparses qu'essentielles entraînant la musique
sur un territoire country ("Rich Man"). L'album est séquencé avec habilité,
évitant de tomber dans la monotonie, alternant le folk intimiste
(« I'm an ocean », « A cruise ») et
morceaux plus uptempo, en milieu de parcours, dans une veine pop/rock
(« Arcadia », « Uncompahgre ») le tout sans
jamais perdre de vue ses aspirations roots, un peu comme si Nada Surf
se mettait en tête de signer un album country (« The South »).
En dépit d'un léger essoufflement en fin de programme, le disque
nous semble familier dès la première écoute, une qualité rare…
Kanazoé Orkestra, Le Café de la Danse, 27/11/2016 (c) Régis Gaudin
Kandy Guira, Le Café de la Danse, 27/11/2016 (c) Régis Gaudin
A défaut de partir
en week-end, on a fait un beau voyage en musique en ce dimanche
après-midi sur la scène du Café de la Danse. On commence avec
Kandy Guira, magnifique chanteuse originaire du Burkina Faso qui se
produit en duo avec un guitariste acoustique. Sa voix est aussi
chaude et profonde que celle d'une chanteuse soul. Influence qui
transparaît en filigrane, ramenant la soul acoustique à ses
influences africaines. Mais on surtout touché par l'engagement de la
jeune femme, son appel au respect des personnes handicapées
lorsqu'elle évoque, en musique, son petit frère atteint de surdité.
Une belle découverte, pleine d'humanisme pour débuter la soirée.
Alors que les sept
musiciens du Kanazoé Orkestra déboulent sur scène, c'est une vague
de chaleur qui s'empare alors du Café de la danse. Prouvant que la
musique est un langage universel, les sept musiciens bâtissent des
ponts entre le jazz et la musique africaine, le n'goni prenant le
relais du saxophone, le tout sous l'égide d'une percussion rythmique
insensée partagée entre percussions latino/cubaines, batterie et
les deux balafons (pendant africain du xylophone). La musique dégage
une onde positive, les musiciens souriants jusqu'aux oreilles et
esquissant des pas de danses endiablés derrière leurs instruments.
Un enthousiasme contagieux qui se propage dans la salle, cette
dernière se transformant en piste de danse vers la fin du concert.
Un beau moment de partage, de musique et d'humanisme perceptible
notamment dans le discours du chanteur/griot.
Bill Pritchard, Planète Mars, 26/11/2016 (c) Régis Gaudin
Bill Pritchard, Planète Mars, 26/11/2016 (c) Régis Gaudin
Bonne nouvelle pour
finir cette semaine très marquée par des concerts 80s, le
songwriter Bill Pritchard est revenu nous rendre visite au Planète
Mars, un petit bar sympa décoré d'affiches de concerts aussi rocks
que la playlist diffusée pour patienter, réécouter un petit Stone
Roses (« I wanna be adored ») ça fait toujours plaisir
(et accessoirement du bien). Sur ce, le taulier, hilare, viens nous
trouver : « J'ai préparé une fausse track list pour
Bill », on jette un coup d'oeil sur l'objet du délit où se
côtoient des titres de Metallica et de Duran Duran, effectivement ça
va être drôle. Hélas, pris par le stress, Bill ne se rendra pas
compte de la supercherie, tant d'efforts aussi mal récompensés…
Il est un peu plus de 21h00 lorsque Bill Pritchard prendra place sur
la petite scène, légèrement surélevée de trois marches :
« A sept heures ce matin, j'étais dans le Nord de l'Angleterre
et maintenant je suis à Paris. La vie parfois est belle ».
L'endroit baigne dans une lumière rouge/orangée onirique. Sur une
guitare empruntée à Fred Lo (une gageure, Bill étant gaucher), le
chanteur entame son set en solo intégral. Le répertoire est
principalement pioché dans quatre albums (en gros ses meilleurs) :
« Three months, three weeks and two days » ("Tommy & Co", produit par
Etienne Daho, 1989), « Jolie » ("Number Five", "I'm in love forever", "Maxine" ; 1991) et ses deux
(excellentes) sorties les plus récentes sur Tapete Records :
« A trip to the coast » et « Mother town hall » ("Mont Saint Michel").
L'écoute s'avère particulièrement intéressante comme l'affirme
Bill, « c'est comme ça que je compose » et permet ainsi
de découvrir les titres dans « leur versions originales ».
La prestation regorge d'anecdotes rigolotes : « C'est
comme ça que j'ai joué cette chanson à Etienne Daho chez
lui». Un concert très émouvant également lorsque Bill reprend
Léonard Cohen (« I'm your man ») ou lorsque rejoint par
Frédéric Lo (le producteur de « Crève coeur » et
d' « Amours suprêmes ») pour un duo en forme
d'hommage au regretté Daniel Darc. Une note nostalgique pour
conclure cette chouette soirée.
C'est un joli
plateau que nous a contacté l'excellent label belge Freaksville en
ce vendredi soir sur la scène du Divan du Monde. Dans la salle une
foule hétéroclite se bouscule et les couples de garçons (Marie
France est une icône gay) côtoient les survivants des années punk.
Il flotte dans l'air comme un parfum des années 1980…
Un petit mot pour
commencer sur Jacques Duvall. Habitué de la coulisse, Duvall est un
parolier qui compte ayant travaillé entre autres pour Lio (l'auteur
de « Banana Split », c'est lui!) et Alain Chamfort
(d'ailleurs discrètement présent dans un coin de la salle). Ses
albums en solo sont relativement rares conférant à sa présence sur
scène un caractère exceptionnel. Entouré de l'excellent combo
garage Phantom, Duvall, déguisé en cow-boy, délivre une prestation
rocailleuse et lo-fi bien servi par les guitares arides de Benjamin
Schoos, la batterie minimale (aucune cymbale, juste une caisse
claire, un tome basse et un tambourin) jouée debout (comme dans le
Velvet Underground) et des lignes de basses énormes sur lesquelles
reposent tout l'édifice. Le contexte sied particulièrement bien à
Duvall, sa plume acerbe et son chanté/parlé guttural, comme venu
d'outre-tombe. Le répertoire est quasi-exclusivement constitué de
titres de son album « Hantises » (sorti une première
fois en 2006, le disque vient d'être réédité en vinyle). Après
une petite demi-heure, c'est déjà l'heure de partir, trop court
mais excellent.
Changement
d'ambiance ensuite avec Marie France et la déclinaison scénique de
son dernier album « Chante Jacques Duvall » (on note
d'ailleurs que la plume de Duvall est sensiblement différente et
moins véhémente lorsqu'il écrit pour d'autres). Accompagnée d'un
pianiste, vêtue d'une robe noire, Marie France semble comme échappée
d'un cabaret des années 1930. Une prestation de grande classe où la
chanteuse laisse apparaître toute sa fantaisie et la grandiloquence
qui la caractérise. Chaque chanson prend alors des allures de petite
pièce théâtrale ou Marie France joue le premier rôle de la
séductrice (« Marcello ») à la prédatrice (« Le
cercle rouge »). Incarnant chaque texte à la perfection, la
prestation de Marie France transpire le vécu (« Bleu »,
« C'est Paris »). Emouvant.
Enregistré au
mythique Valentine Recording Studio de Los Angeles ce nouvel effort
des Allah-Las contient, mine de rien, un petit bout de l'histoire du
rock. En effet le studio en question, fermé en 1979 et ré-ouvert en
juillet 2015, contient en son sein une fameuse table de mixage Audio
610 de 1964, utilisée par les Beach Boys pour le chef d'oeuvre « Pet
Sounds » et à laquelle les Californiens ont eu accès.
Peut-être est-ce le fruit du hasard mais ce nouveau disque déborde
d'ambition et transpire l'été Californien par tous les pores. Ce
nouvel album nous fait tomber dans une faille temporelle un peu comme
si l'horloge interne du groupe s'était arrêtée un matin de juillet
1967. Un véritable album de plage évoquant le sable et le surf
prenant sa source dans les classiques du rock garage et
psychédélique. Cool et détendues, les guitares sont déliées et
ne s'aventurent guère dans la zone rouge. A la fureur des watts, le
groupe préfère une approche alanguie et richement arrangée
(clavecin, mellotron, thérémin) tout en privilégiant une
orchestration rock où les guitares et batteries occupent le premier
plan. La bande-son de l'été sans fin à écouter en rêvassant.
Enregistré pour le
compte d'une radio allemande en juin 2016, la sortie de cet album
live de Nada Surf n'était absolument pas prévue et c'est donc par
surprise que ce disque a fait son apparition dans les bacs au début
du mois. Et pour une surprise, c'est une sacrément bonne, le quatuor
atteignant des sommets d'émotion le long de ces treize plages.
Quiconque a un jour vu Nada Surf sur scène ne peut que garder un
souvenir énamouré du groupe, tant son énergie en live est
contagieuse (et si vous avez un doute le « live in Brussels »
est toujours disponible). Ici, le contexte est différent et,
accompagné d'un grand orchestre (le Deutsches Filmorchester
Babelsberg) le groupe prend l'exact contre-pied de ce qui fait
habituellement le sel de ses concerts incendiaires, mettant l'accent
sur l'émotion suscitée les cascades de cordes, de vents et autres
xylophones. Le contexte sied particulièrement au grain de voix
mélancolique de Matthew, le chanteur du groupe. Ainsi sur la
distance, le groupe réussit un petit tour de force, celui d'accorder
son énergie intrinsèque (et elle est grande) avec le cérémonial
ambitieux d'un grand orchestre. Si le tracklisting ne réserve que
peu de surprise et prend des allures de best-of (le lot commun de
tout album live), en revanche on n'a jamais entendu d'aussi belles
versions de « Blonde on blonde », « 80 windows »,
« Beautiful beat », « Blizzard of '77 » ou
autres « Inside of love » (juste pour citer quelques
exemples). Un excellent album permettant de découvrir le groupe sous
un jour différent. On aurait aimé être dans la salle !
Originaire de
Belfort, Pihpoh fait un peu figure d'ovni sur la scène hip hop
française. Chez Pihpoh point de glorification d'ego surdimensionné
mais une démarche créative se basant sur des textes sensibles et
sensés transpirant le vécu, évoquant la vie, ses complications ("Globe-trotter", "Creux") et
contrariétés (« Demain ») où les relations complexes
avec le sexe opposé (« Mademoiselle », « T'attends »,
« Par vagues »). Musicalement, Pihpoh tourne le dos aux
samples et flirte avec l'électro où plus précisément
l'électro-funk d'inspiration 80s (« Demain », « LLLA »).
La démarche prend tout son sens sur scène, où l'artiste se produit
en trio accompagné par une guitare et une batterie électronique,
produisant une musique festive et dansante. Un album attachant.
Kanazoé Orkestra
est avant tout le projet d'un musicien, Seydou Diabaté. Balaphoniste
surdoué, ce dernier arrive en France en 2010 en provenance du
Burkina Faso. Installé dans la région Toulousaine, Diabaté
s'entoure de musiciens venus d'horizons divers. Un métissage
remarquable caractérise la musique entre tradition mandingue et
improvisations jazz où se mêlent instruments vernaculaires (n'goni)
et cuivres que l'on jurerait échappés d'une formation free
(« Why ? »). La musique voyage ainsi librement de
continent en continent piochant dans chaque tradition au fil de
l'inspiration trouvant un terrain d'entente propice au dialogue entre
les cultures. Comme souvent en matière de musique africaine, le
disque est placé sous le sceau du rythme. L'affaire est en effet
menée sur un tempo extatique, proche de la transe (cf. « Faden
Yélé ») et tire profit de la multitude d'intervenants
rythmiques (signalons la participation de Stéphane Perruchet,
percussionniste spécialisé dans les rythmes d'Afrique de l'Ouest et
de Cuba). On reste coi devant la virtuosité de Seydou Diabaté ("Nanifa") au
balafon (une sorte de pendant africain du xylophone) et ses descentes
casse-cou ultra-rapides et d'une précision sans appel. Son dialogue
musical riche et incessant avec les percussions et la batterie (cf.
« Dianfa ») constitue le point d'orgue d'un album en
forme de voyage musical. Dépaysant.
En concert le 27/11
(17h) à Paris (Café de la danse)
Formation Galloise,
The Joy Formidable a décidé de prendre son destin en mains. Son
troisième album, intitulé « Hitch », a été enregistré
dans le studio construit par le groupe (The Red Brick) et sort sur le
label monté pour l'occasion par le trio (C'mon let's drift). Une
déclaration d'indépendance qui laisse augurer de belles choses, une
fois débarrassés des contingences imposées par une maison de
disques. Et de fait l'entrée en matière est excellente avec trois
titres coups de poings « A second in white », « Radio
of Lips » et « The Last thing on my mind »
rappelant les grandes heures du rock indé des années 1990, portés
par des guitares incisives et des refrains fédérateurs taillés
pour les stades. Hélas bien vite, le trio déchante et se prend les
pieds dans un écueil récurrent du format CD : la longueur. Le
groupe a vu trop grand, remplissant au maximum l'espace disponible.
Résultat un album au nombre de plages pas forcément délirant (12
titres) mais exagérément long (67 minutes). Difficile de tenir le
rythme sur la longueur. Au bout d'un moment, l'affaire tourne en
rond, les titres défilent mais peinent à retenir l'attention (« The
Brook », « Underneath the petal », "The Gift"). L'absence de
direction artistique venue de l'extérieur se fait alors cruellement
ressentir. Il convient de saluer la prise de risque mais les
réussites, réelles, peinent à gommer ce sentiment de rendez-vous
manqué pour le groupe. Dommage.
En tournée en
première partie de Placebo en novembre.
Le Dohyo désigne le
cercle au sein duquel se retrouvent deux sumos avant d'entamer la
lutte. C'est également le titre du deuxième album de Catfish, comme
un aveu de la part du duo qui pratique la musique comme la résultante
d'une confrontation entre deux univers. Le titre trouve tout son sens
le long de ce deuxième album qui voit cet attachant groupe évoluer
en douceur. Toujours fidèle au blues, l'album démarre avec
« Landmarks », un premier titre aux relents garage rock
où l'influence bleue se fait sentir dans la guitare inspirée de
Damien Félix. L'introduction est quoi qu'il en soit parfaite. Mais
bien vite, Catfish se joue des étiquettes et des codes embarquant sa
musique dans des directions inattendues, invitant des synthés dans
la danse, toujours utilisés à bon escient et avec parcimonie pour
un résultat évoquant la new/cold wave des années 1980
(« Rebirth », « No reason »). Ailleurs, le
duo lâche les chevaux, flirtant avec le punk (cf. « The
Feather »), contexte dans lequel la chanteuse Amandine se
révèle particulièrement à l'aise et laisse exploser toute sa
puissance vocale (elle est, de plus, assez impressionnante sur
scène). Mais Catfish sait aussi jouer sur la retenue et délivre
coup sur coup avec « The Tree » et « Take your
time » deux superbes ballades, caverneuses à souhait et
suintant le blues. Si le groupe s'essouffle un peu en fin de
programme avec quelques titres un peu plus anecdotiques, l'ensemble,
à la fois homogène et varié, voit le duo évoluer à un niveau
assez élevé. Un excellent disque, produit avec soin confirmant
Catfish dans sa posture de groupe avec lequel il faudra désormais
compter.
Chantre d'une vague
froide à la française depuis une bonne dizaine d'années, pionniers
du label Born Bad dont ils sont l'une des premières signatures,
Frustration sort son nouvel opus, le troisième en dix ans. Intitulé
« Empires of shame », ce dernier est une véritable
déflagration sonique, une droite rock n'roll bien sentie propre à
mettre KO les oreilles les plus blasées. Car chez Frustration on ne
fait pas les choses à moitié. Quand il s'agit de sortir les
guitares, on y va franchement et le résultat est absolument
tourneboulant (« Excess », « Dreams, laws, rights
and duties »). Mais la chose devient passionnante lorsque cette
tornade punk se mélange à un feeling dark perceptible dans la basse
(sous influence Peter Hook) ou dans le chant caverneux de Fabrice
Gilbert qui a réussi à faire de son anglais imparfait une force,
apportant une note prolétaire bienvenue en cette époque troublée.
Compensant la rage féroce des guitares par des synthés cheap
(« Mother earth in rags », « Cause you ran away »),
Frustration multiplie les clins d’œil vers la scène cold wave des
années 1980, on pense ainsi souvent à Joy Division voire aux
Sisters of Mercy tout en déployant une fureur rock n'roll que ces
derniers n'ont jamais pu atteindre. Placée à mi-parcours « Arrows
of arrogance » offre une pause acoustique bienvenue au milieu
du chaos. Court, incisif et percutant, « Empires of shame »
dépasse à peine la demi-heure. Et c'est presque heureux tant
l'auditeur finit l'écoute exsangue. Encore une sortie ultra-classe à
mettre au crédit de l'excellent label Born Bad.
Avec un nom pareil,
évoquant à la fois Otis Redding et la Stax, on pouvait s'attendre à
un projet soul revival de derrière les fagots. Et s'il y a un peu de
cela dans la musique d'Otis Stacks, c'est surtout aux Roots (celui
des débuts) que l'on pense et à l'album « Do you want more? »
en particulier. Du hip hop, pratiquant un groove chaud et organique
sur lequel le flow éraillé du chanteur Elias Wallace roule comme
sur du velours. La musique composée par l'autre moitié du duo, le
producteur Danois Just Mike, est un savant alliage entre synthés
analogiques vintage et instruments électriques/acoustiques piochant
dans les influences soul et hip hop. Complété par une
kyrielle de versions instrumentales et de remixes, ce court EP ne
comprend que deux originaux. Trop peu pour se faire une idée
définitive mais notre curiosité est définitivement éveillée.
Affaire à suivre…
Blues, gnôle et
rock n'roll, c'est un sacré programme que nous a contacté Manu
Lanvin pour son troisième album. Alléchante sur le papier, la
proposition tient toutes ses promesses sur disque. Passé par la case
« chanson rock » à ses débuts, c'est après une
collaboration avec le regretté Calvin Russell en 2009 (« Dawg
eat dawg », l'ultime disque du Texan) que Manu a vu la lumière
(bleue of course) ! Ce nouvel album s'impose donc comme l'étape
suivante, un disque au feeling blue incontestable perceptible aussi
bien dans le touché de guitare inspiré (« Whipping boy »)
que dans le chant grave, éraillé, légèrement cassé au fond de la
gorge et transpirant le vécu, les hauts et les bas, les coups durs,
la vie quoi ! Serré par des guitares foncièrement rock/garage
au gros son bien gras, Manu canalise son énergie en soignant ses
arrangements usant du piano, de l'harmonica ou des cuivres (« She's
da bomb »), rendant ainsi hommage au blues dans toute sa
diversité, clignant de l’œil aussi bien vers le Nord (Chicago)
que vers le Sud (New-Orleans). Qui sait si l'expression « Blues
rock » a un jour eu un sens ? Quoi qu'il en soit elle
trouve en ce nouveau disque un formidable exemple. Un album touchant
même lorsqu'il débranche les amplis (l'acoustique « R U
There ») ou rend hommage au grands disparus (« JJ Cale on
the radio »). Conseillé.
Découvert sur scène
l'été dernier lors des Eurockéeennes de Belfort, Pumarosa nous
avait fait une excellente impression confortée par l'écoute du
premier EP du quintet Londonien. Se jouant des contrastes, Pumarosa
mélange guitares post rock et punk et influences électroniques.
Entre six cordes brûlantes et nappes synthétiques froides, Pumarosa
trouve la bonne formule, terriblement accrocheuse dès la première
écoute et dégageant un fort pouvoir de séduction hypnotique. C'est
sur la longueur que Pumarosa exploite le mieux ses qualités
intrinsèques, lorsqu'ils arrivent à conjuguer efficacité pop/rock
et répétition de motifs hypnotiques sans jamais tomber dans l'ennui
(cf. « Cecile »). Agressif et planant en même temps,
Pumarosa trouve ainsi son créneau, naviguant à vue entre psyché,
cold wave et punk. Nulle surprise dans ce contexte, le fantastique
« Priestess » d'ouverture (pas loin de 8 minutes) est la
meilleure chanson du lot, un véritable tube en puissance, la grande
réussite de cette première livrée fort prometteuse. A suivre.
En concert le 20
novembre à Paris (La Boule Noire)
En 2014, The Pretty
Reckless a rencontré un succès monstrueux avec « Going to hell », un album faisant revivre les grandes heures du hair
métal des années 1980. Des années qu'une chanteuse dans un vrai
groupe de rock n'avait rencontré un tel succès public (surtout aux
Etats-Unis). Menée par la chanteuse/actrice Taylor Momsen (vue dans
la série Gossip Girl) la troupe opère un virage en douceur sur ce
nouvel effort. C'est peu dire que le disque débute de manière pour
le moins surprenante avec une intro en piano/voix (magnifique « The
walls are closing in »), étonnant venant de la part d'un
groupe qui avait fait du déluge de décibels sa signature. Si le
reste de l'album n'est pas forcément du même acabit (« Oh my
God » vaut son pesant de watts) force est de constater que ce
nouvel album voit le groupe délaisser le gros son au profit d'une
démarche plus nuancée, inspirée en partie par le blues (« Take
me down », « Prisoner », « Back to the
river »), idiome qu'ils maîtrisent de manière imparfaite,
incapables qu'ils sont d'abandonner leurs tics hérités du rock FM.
Ailleurs, « Wild City » et sa guitare wha-wha marche sur
les plates-bandes de Jimi Hendrix émulant la BO de « Shaft »
(Isaac Hayes) !!! Les puristes du blues et de la soul auront
bien du mal à trouver leur bonheur dans ce disque, car The Pretty
Reckless reste en dépit de tout un très bon groupe de rock, dont la
nouvelle inspiration sied à merveille à la chanteuse Taylor Momsen
dont le chant, suave et terriblement sexy, n'a jamais été aussi
bien mis en valeur.
After a few setbacks in the ruthless business of
music, Eli « Paperboy » Reed is back with a new record
titled,
« My way home », which
lies closer to his musical roots.
Eli told us about his path so far to his
« home ». Eli told us about the long path he had to take to get back
to his « home ».
RG: The first thing I'd like to say is: « It's
good to have you back »!
Do you like being on the road?
Eli Reed: Thanks (smile). Sometimes, it's (being
on the road) not the easiest thing
to do. But when you have a great show and so on,
it's fun.
RG: After having
been dropped by one of the major record labels, did you ever consider
giving up music and getting
a regular job - 9 to 5, 5 days a week?
Eli: It was more of a mutual departure but that's
ok. It's a
hard question. I don't know who hasn't considered that sometime in
their career. Music is hard, man. Making music for a living is really
hard. I like to be doing something every day. And when you're not
touring or making or promoting a new record, sometimes you're just
doing nothing. And that's not fun. And also you have
setbacks and you're at
the whims of fans and things that
you can't control. It's not an easy way to make a living. Sometimes
you wish you had a steady paycheck for sure.
RG: Why are
you standing in a boxing ring on the
album cover?
Eli: The exact same reason. It's a fight, man.
It's always a fight. And especially when you're trying to get to
where you want to be. When you're trying to achieve something
musically. There are
a lot of factors. It's always a battle. And I
don't mean to be dramatic or anything. I also just like the idea of
being in
a boxing ring on the cover of my record. I think that's awesome.
RG: It's pretty cool indeed…
Eli: Yeah, we did it in that old boxing gym in
Brooklyn. Everything about doing this is a
fight, a battle. Always.
RG: The new album is called « My way home »,
how would you describe
your “home” from
a musical standpoint?
Eli: There is more than one
way for different artists to be successful and make a living even if
there aren’t
that many people every night. But it's still hard. It's hard to find
a
home, I
don't know I wish I had an answer for that.
RG: Your lyrics are so serious sometimes, I'm
thinking about a song like « What have we done »...
Eli: I don't like to be making political music but
I think that people should take responsibility for the way we're
treating our planet. I wanted to write a
hymn. It's a
hymn for today, I think we should all get behind. I don't have the
answers to all the questions that
I pose in the song. That's the point
of it - that we
don't know.
RG: Listening to the new album I thought you were
coming to terms with your music. No offense, but I didn't really like
the previous record… I didn't really recognize you on the
record « Nights like these »…
Eli: Sure, no problem. It's a shame but I
understand. I made the record
myself, I wrote all the songs. There was a lot of me in there. I
wanted to make a record that was different and push the boundaries
and that wasn't the same old record. I'm happy I
did it, no matter what happened. I wish I’d
got more of an opportunity to
promote it because I
would have. Honestly, it's not necessarily what comes naturally to me
but it doesn't mean it was a bad idea. Sometimes you have to push
yourself to get out of your comfort zone. This new album is
definitely what comes naturally to me. It's more of
what just comes out of me when I
start to play and sing. Which is great. There is a place for all things
and if you’re not
challenging yourself as an artist or musician you're gonna stagnate
and not make good records. At this point in
my career I
had to go back and do something that was just what I
know how to do.
RG: Have you been, in some ways, influenced by
rock n' roll? I feel a real sense of urgency
on this new record on songs like « The Strangest Thing »
and « A few more days »...
Eli: « The Strangest thing » is a
gospel number, a church song (laughs). I love The Sonics and stuff
like that. It's a trashy record but I wouldn't say it's my main
influence; I
don't listen to rock n' roll music too much.
RG: Can you tell us about your involvement with
the gospel for teens program?
Eli: It's a program that
I work with in Harlem, New York.
I’ve been
working with them for the last three years. I teach a group of young
men about gospel quartet music. It's a rotating class, some of the
kids have been there the whole time and some are new. I get new kids
every class. It's incredibly humbling and exciting to work with these
kids, they're super talented and so much fun. I love it. It’s
taught me a lot about music too. It has
made me spend more time thinking
about how it
all comes together,
the harmony and everything. It's been a very positive experience for
me on every level.
RG: Did you think you needed something like that
after what happened with the record
label?
Eli: I was already doing it. But it sure saved me
after that. I wasn't doing anything else after Warner Bros.
RG: Working with kids,
was it a way to give back to music?
Eli: Sure, of course. Nobody was teaching any of
these kids about quartet music,
that particular kind of gospel. So I
thought it was important that
that music have
a voice. Not just the big choirs. Because that is the stuff that I
like, the small groups.
RG: I have
seen you many times in concert with
your band The True Loves and I remember that show with the Right Ons
at
Le Trabendo. It was the last show of
the tour, you were fooling around on stage, it was funny. Was it hard
to break
up your band The True Loves, you seemed to be really
good friends
with them…
Eli (smiling): The band never broke up. It's
the same band, same guys. It's not the True Loves anymore. It's just
something we came up with. It wasn't really a band. Mike and JB who
are playing with me tonight were in the True
Loves.
All those guys are my friends.
RG: Do you still feel close to the city of Boston?
Eli: Yes, I'm back all the time. I don't have
family there anymore but my wife's family, they're all living there.
I collect soul and gospel music 45 from Boston. I have a specific
collection of that. There's a lot of them. Well, not that many
actually but enough to keep me busy. I love living in New York, it's
my home now, but I also love Boston. I've been living in New York for
ten years, most of my grown up life. Boston is a special place for
me.
RG: Just being curious, a
few years back you were singing
« I'm gonna break every heart I
can », how did that work
out for you?
Eli: That was a cover.
RG: Yes I know, it's a country song…
Eli: That's Merle Haggard.
RG: He passed away not too long ago…
Eli: I was such a
huge Merle fan. I want to do a whole album of Merle's songs
actually. One day I
think I'll do it…
RG: So back to my question,
did it work
out for you, breaking every heart you can?
Eli: I was already married at that point anyway
(laughs)…
Tout clichée
qu'elle soit, l'expression « revenir de loin » prend un
sens particulier aujourd'hui. Assis dans les loges de la boule noire,
quelques heures avant son concert, Eli Reed revient de loin. Lâché
successivement par deux majors de l'industrie musicale, on le pensait
fini, perdu pour la musique, après la sortie en 2013, de l'album,
décevant, « Nights like these » ; comme une
allégorie de notre monde moderne, ultra-rapide, où les carrières
se font et se défont en un clin d’œil. Mais c'était mal
connaître le personnage. D'inspiration gospel, dopé aux guitares
garage rock, le magnifique « My way home » signe le
retour en grande forme d'Eli « Paperboy » Reed. Assis
sous l'impressionnant plafond, entièrement recouvert d'anciennes
affiches de concert, des loges de la boule noire, il est temps de
mettre le magnéto en route...
Bonjour Eli, la
première chose que j'ai envie de te dire c'est : Ca fait
plaisir de te revoir !
Eli Reed (sourire) :
Merci !
Tu aimes être sur
la route ?
Eli : Parfois,
ça n'est pas la chose la plus simple. Mais quand le show se passe
bien et tout, alors c'est fun.
Après avoir été
lâché par une major, est-ce que tu as pensé abandonner la musique
et prendre un boulot régulier, du genre neuf heures – dix-sept
heures, cinq jours par semaine ?
Eli : C'était
plus une séparation par consentement mutuel, mais c'est ok. C'est
difficile comme question. Je ne connais personne qui ne se soit pas
posé cette question à un moment donné de sa carrière. Mec, la
musique c'est dur ! C'est un métier vraiment difficile. Moi,
j'aime bien être actif tous les jours. Et quand tu n'es pas en
tournée ou en train de faire ou de promouvoir un nouveau disque, et
bien tu n'as rien à faire. Et c'est pas marrant. Sans parler des
échecs et alors tu te retrouves à la merci des fans et d'autres
choses impossibles à contrôler. Ce n'est pas la façon la plus
simple de gagner sa vie. Parfois, tu aimerais avoir une fiche de paye
à intervalles réguliers, ça c'est certain.
Pourquoi poser sur
un ring de boxe sur la pochette du nouvel album ?
Eli : Pour la
même raison. C'est un combat, mec. C'est toujours un combat. Surtout
quand tu essayes d'atteindre un certain niveau. Quand tu essayes
d'accomplir quelque chose, musicalement parlant. Il y a tellement de
facteurs qui entrent en jeu. C'est toujours une bataille. Mais
attention je ne veux pas donner l'impression d'être dramatique ou
quoi que ce soit. Et puis j'aime bien l'idée d'être sur un ring de
boxe sur la pochette de mon album. Je trouve ça génial !
C'est plutôt cool,
en effet…
Eli : Ouais !
La photo a été prise dans une vieille salle de boxe à Brooklyn.
Dans ce milieu, il faut se battre sur tout, tout le temps. Toujours…
Ce nouvel album
s'appelle « My way home », comment décrirais-tu cette
« maison », musicalement parlant ?
Eli : Il y a
plusieurs façons pour un artiste d'avoir du succès et de gagner sa
vie même si les salles ne sont pas pleines tous les soirs. Mais
c'est toujours difficile. C'est difficile de trouver « une
maison », je ne sais pas, j'aimerai avoir une réponse…
Les paroles sont
parfois très sérieuses, je pense à une chanson comme « What
have we done »...
Eli : Je ne
voulais pas faire un disque politique, mais je pense que l'on doit
prendre nos responsabilités quant à la façon dont on traite notre
planète. Je voulais écrire un hymne. C'est un hymne pour
aujourd'hui. Je pense qu'il faut que l'on dépasse tout cela. Je n'ai
pas toutes les réponses aux questions posées dans la chanson et
c'est justement le problème, on ne sait pas…
En écoutant le
nouvel album j'ai eu l'impression que tu t'étais réconcilié avec
ta musique. Sans vouloir te vexer, je n'ai pas aimé l'album
précédent « Nights like these » sur lequel j'ai eu du
mal à te reconnaître…
Eli : C'est
dommage mais je comprends, pas de problème. Ce disque (Nights like
these, ndlr) je l'avais fait moi-même, j'avais écrit toutes les
chansons, il y a beaucoup de moi-même dedans. Je voulais faire un
disque différent, repousser les limites, ne pas toujours sortir le
même album. Et je suis heureux de l'avoir fait, quoi qu'il ait pu se
passer par la suite. J'aurais aimé avoir l'opportunité de le
promouvoir plus, parce que je l'aurais fait. Honnêtement, ce n'était
pas forcément la musique que j'aurais fait naturellement mais cela
ne signifie pas que c'était une mauvaise idée. Parfois, il faut se
pousser soi-même hors de sa zone de confort. Ce nouveau disque, en
revanche, ressemble à ce qui me vient naturellement quand je
commence à jouer et à chanter. Ce qui est très bien. Il y a une
place pour chaque chose et sans challenge, un artiste ou un musicien
stagne et sort de mauvais disques. Arrivé à ce point de ma
carrière, il fallait que je retourne vers quelque chose que je
savais faire…
As-tu été d'une
certaine manière influencé par le rock n'roll ? Il y a un
sentiment d'urgence qui se dégage de certaines chansons comme « The
strangest thing » ou « A few more days »…
Eli : « The
strangest thing », c'est un gospel, une chanson d'église
(rires) ! J'aime bien les Sonics et les trucs comme ça. L'album
est un peu trash, mais je ne dirai pas que c'est mon influence
majeure pour autant. Je n'écoute pas trop de rock n'roll.
Peux-tu nous parler
de ton engagement auprès du programme « Gospel for teens » ?
Eli : C'est un
programme, à Harlem, avec lequel je travaille depuis trois ans.
J'enseigne les quartet gospels aux jeunes. C'est un cours un peu
mouvant, certains gamins sont là depuis le début et d'autres
arrivent en cours de route. J'ai des nouveaux gamins à chaque cours.
Travailler avec ces gosses, c'est une leçon d'humilité et c'est
aussi très excitant. Ils sont super talentueux et très marrants.
J'adore ça ! Et j'ai aussi beaucoup appris sur la musique par
la même occasion. Cela m'a obligé à réfléchir sur la façon dont
tout s'imbrique. L'harmonie, tout ça. C'est une expérience très
positive à tout points de vue.
Et penses-tu que tu
avais besoin d'une expérience de ce genre après tes déboires avec
le business ?
Eli : Je le
faisais déjà avant. Et ça m'a sauvé en quelque sorte. Je n'avais
plus grand-chose à faire après l'épisode « Warner Bros »…
Travailler avec des
enfants, c'est un moyen de payer ta dette, de rendre quelque chose à
la musique ?
Eli : Oui bien
sur. Personne n'enseignait la musique des quartets à ces gamins. Ce
genre particulier de gospel. C'était important, dans mon esprit, de
donner une voix à cette musique. Le gospel ce n'est pas uniquement
les grands chœurs. Moi j'aime les petits groupes.
Je t'ai vu plusieurs
fois en concert avec ton ancien groupe The True Loves et je me
souviens en particulier de ce concert au Trabendo avec les Right Ons.
C'était la dernière date de la tournée et une grosse fiesta sur
scène, c'était marrant. A-t-il été difficile de se séparer des
True Loves, vous sembliez être très amis ?
Eli (sourire
pensif) : Le groupe ne s'est jamais séparé en fait. C'est le
même groupe, les mêmes personnes. C'est juste que maintenant on ne
s'appelle plus les True Loves. C'étaot juste un truc qu'on avait
monté comme ça, il n'y a jamais vraiment eu de groupe. Mike
(Montgomery, basse, ndlr) et JB (Flatt, claviers, ndlr) qui vont
jouer avec moi ce soir ont été dans les True Loves. Tous ces mecs
sont mes amis.
Te sens-tu toujours
proche de la ville de Boston ?
Eli : Oui, j'y
retourne tout le temps. Je n'y ai plus de famille personnellement
mais du côté de ma femme, ils sont tous de Boston. Je collectionne
les 45 tours de soul et de gospel des groupes de Boston. J'en ai
toute une collection spécifique. Il y en a beaucoup. En fait non,
pas tant que ça mais suffisamment pour m'occuper. J'adore Boston
mais j'adore aussi vivre à New York qui est devenu ma maison
maintenant. J'y vis depuis dix ans, c'est une grande partie de ma vie
d'adulte. Boston reste un endroit avec une signification spéciale
pour moi.
Pour finir sur une
note légère, il y a quelques années tu chantais « I'm gonna
break every heart that I can » (je vais briser tous les cœurs
possibles, ndlr). Comment ça a marché pour toi ?
Eli : C'était
une reprise !
Oui je sais c'est
une chanson country…
Eli : C'est
Merle ! (Haggard, ndlr)
D'ailleurs, il nous
a quitté il y a peu (le 6 avril 2016, ndlr)…
Eli : J'étais
un grand fan de Merle. Je veux faire un album entier de reprises de
Merle Haggard. Je pense que je vais vraiment le faire un jour !
Et donc pour en
revenir à ma question, comment ça a marché pour toi (rires) ?
Eli : Oh tu
sais, j'étais déjà marié à l'époque (rires)...
