Alicia Witt, The Mixtape, 25 Août 2026

La nouvelle est arrivée comme une surprise, Alicia Witt, comédienne bien connue pour son travail avec David Lynch ou pour avoir joué dans la série Les Sopranos, sort un nouvel album (le 28 Août) intitulé « Between Heaven and Earth »). Son huitième, et dire que jusqu'à présent on ignorait totalement qu'elle chantait ! Une excellente surprise donc ! Cette semaine, Alicia a donné son tout premier concert en France (un showcase plutôt) dans le cadre intimiste de la Mixtape, un disquaire niché aux Abbesses. La foule s'est donc précipitée dans l'endroit, assez petit et donc rapidement rempli, pour écouter la chanteuse, seule au piano. Première constatation, Alicia Witt a été formée au piano classique et cela s'entend, dans sa manière d'organiser les harmonies, les mélodies et aussi dans son jeu. C'est donc avec ce prisme bien particulier que la chanteuse aborde la pop music. Ses chansons sont empreintes de classicisme, quelque part entre Tom Waits et Carole King, et une voile mélancolique se pose sur ces dernières, Alicia a également un grain de voix à l'avenant pour ce style de musique, qu'elle chante, qu'elle susurre, qu'elle pousse dans les aigus, une émotion palpable émane de sa musique. Très belle découverte d'un talent bien caché jusqu'ici !

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Blues Corner : « All What We Are »

 

On peut-être un groupe indépendant, spécialisé dans un genre, le blues, boudé et incompris dans ce pays, et, pourtant, déborder d’ambition. Prenez Blues Corner par exemple qui, faisant fi de la crise actuelle, n’a pas froid aux yeux au moment de se jeter dans le grand bain. Un double-album, 16 titres, marqué par des collaborations prestigieuses avec des invités marquant de la scène nationale (le guitariste Fred Chapellier), européenne (Marco Cinelli) et internationale (Sonny Landreth). Rien que ça ! Et le résultat est plus que convaincant, mû par une belle dynamique (« Music is King ») croisée avec un soupçon d’americana (« Our Legacy »). Voix soulful, belle maîtrise instrumentale (guitares, harmonica, claviers, section rythmique) : le résultat devrait faire des étincelles sur scène. Belle découverte, belle réussite !

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Marco Bartoccioni : « Bartok »

 

La scène italienne ne cesse de produire des artistes étonnants, dans le champs des musiques qui nous captivent, dont le point commun est, toujours, d’être impeccablement sapés ! Après Superdownhome, voici donc venu Marco Bartoccioni, aka Bartok qui n’entretient, bien évidemment, aucun rapport avec Béla Bartók (le pianiste et compositeur hongrois). Non le Bartok qui nous occupe aujourd’hui évolue dans le champ du blues, auquel il conviendrait d’adjoindre le qualificatif « rock » tant est impressionnante l’énergie ici déployée ! Première singularité, à l’exception de la batterie, Marco fait absolument tout en solitaire (avec quelques invités quand même). Véritable one man band à lui seul, Marco a décidé d’élargir au possible la palette des instruments utilisés. A la guitare lap-steel dont il joue, étonnamment, debout Marco adjoint une touche électronique. Ce genre de crime de lèse majesté, qui d’ordinaire nous fait bondir, passe ici étonnamment bien et c’est une surprise. Et même un véritable plus au niveau rythmique, qui passe à la vitesse supérieure (« I’ve got no money »), ajoute du groove (« Wild Dogs ») et se marie bien aux guitares saturées, la véritable signature de l’artiste lorgnant avec insistance du côté du rock’n’roll. Et même si Marco se fait fort de faire chauffer les amplis, l’émotion et le feeling ne sont jamais absents du disque (« Love is gone » ; « Burn in your soul » dédiée à son père récemment décédé). Une bonne surprise venue de l’autre côté des Alpes.

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Franck Carducci : « Sheeple »

« Nul n’est prophète en son pays » ; ce célèbre adage, Franck Carducci pourrait aisément le faire sien. Célébré dans toute l’Europe, en particulier en Allemagne et en Angleterre, Franck Carducci, signé sur le vénérable label anglais Cherry Red, et qui a fêté la sortie du présent album avec un concert au mythique Cavern Club de Liverpool (quel autre artiste français peut-il en dire autant ?), reste largement inconnu, voire ignoré, en France, son pays natal. Il faut dire que Franck ne s’est pas facilité la vie en choisissant de s’exprimer dans un style ne valant que misère, commisération voire moqueries par la presse de chez nous : le rock progressif. Quel dommage ! Car pris tel que, sans aucune considération, l’album est de très haute facture. Porté par deux piliers « The Betrayal of Blue » (10 minutes) et « Love or Survive » (13 minutes) l’album dévoile un univers cinématographie au long cours, virtuose où les mélodies se développent en des courbes étonnantes. Entre les deux, Franck s’adonne, avec bonheur, à un classic folk/rock qu’il semble affectionner (« Sweet Cassandra » et son harmonica ravageur) balançant entre orgue groovy et guitares abrasives (« Self Righteousness » ; « The Limits of Freedom ») où son sens de l’attaque à la six cordes fait des merveilles. Vraiment, l’album a tout de la pépite secrète. Et en plus la pochette est sublime !

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The Wooden Wolf : « Indigo Prayers » Op.8

 

Sur ce huitième album (et oui déjà huit albums pour cet artiste qui jusqu’à ce jour avait totalement échappé à nos radars) le Franco-Canadien Alex Keiling livre un album folk à l’os. Le musicien place l’idiome dans un territoire assez sombre et hanté, où son chant, habité et profond, évoque des destins tragiques entre autres paroles empreintes de gravité. Instrumentation réduite, l’album est toutefois assez varié entre folk écorché et quelques envolées électriques. Arrivé à ce niveau l’économie de moyens, outre le fait qu’elle soit, on l’imagine, en partie imposée, relève d’un véritable choix esthétique. Celle d’une musique, criante de vérité, mais de douleur aussi. Une mise à nu musicale qui place The Wooden Wolf sur le sentier torturé (dont on ressort rarement indemne) emprunté autrefois par Songs:Ohia (Jason Molina) ou Kurt Cobain, à l’époque où ce dernier enregistrait l’album « MTV Unplugged ».

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Rodney Crowell : « Then Again »

 

Le vénérable Rodney Crowell vient de vivre une expérience particulière, celui de retrouver un album, enregistré majoritairement en 2006 (avant même l’existence de ce blog), jamais sorti à l’époque et qu’il avait, dans l’intervalle, totalement oublié, ajoutant ainsi son obole à cette légende rock des albums perdus. Revenant sur cette expérience, Crowell indique : « quelque chose ne sonnait pas bien à l’époque » et on se demande bien quoi ! Entouré d’une équipe de fines lames (Crowell admet sans peine qu’il s’agît là de son meilleur groupe) et de quelques invités de prestige, Benmont Tench (Tom Petty) à l’orgue et Lyle Lovett, Crowell accouche d’un excellent album americana, entre folk et country teinté d’une énergie rock (l’étonnante « Whatcha Gonna Do Now # 2 »), tantôt enjoué (« Bring It on Home To Memphis ») ou délicatement arpégé (« I Won’t Lie » qui ouvre les débats avec grâce). Encore mieux, avec la patine du temps, l’album gagne en émotivité. On pense notamment au bassiste Michael Rhodes et à Guy Clark (avec qui Crowell partage le duo « Are You One of Us ? ») tous deux décédés depuis. La voix de Crowell elle-même a changé avec le temps. A ce magnifique programme, Crowell a rajouté deux inédits : l’émouvant « If I Could Speak To Leonard », en hommage à Leonard Cohen, également décédé depuis, et le duo « Go Light A Candle » avec Emmylou Harris et Lera Lynn. C’est un tout cas un pièce de choix qui s’ajoute à la discographie de ce géant du songwriting, il aurait été dommage d’en avoir été éternellement privé.

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Jack White : « Frozen Charlotte »

 

Septième album solo, déjà, pour l’ex leader des White Stripes, devenu depuis 25 ans une icône rock mondiale, l’auteur de « Seven Nation Army » qui a, depuis, largement dépassé le statut de tube rock pour atteindre l’étage supérieur, celui de chant universel qui s’est propagé au-travers de tous les stades et autres terrains de sport du monde entier. Depuis Jack White évolue en électron libre, fait ce qu’il lui plaît quand cela lui sied le mieux, et s’inscrit en gardien du temple rock, aussi bien pour sa carrière solo que pour son travail de préservation du patrimoine avec son label Third Man Records. Ce que Jack aime le plus, et c’est heureux pour nous, c’est le rock’n’roll. Ainsi M. Blanc n’a pas son pareil pour dégainer plus vite que son ombre des albums urgents, où ses riff n’en finissent pas de décaper les oreilles. Infusé, depuis toujours, au rock garage et au blues, Jack White reproduit ici une formule qu’il connaît sur le bout des doigts tout en réussissant à faire sien des styles à priori plus éloigné, comme le métal, qu’il réussit à intégrer avec parcimonie dans l’attaque des guitares (cf. « G.O.D and the broken ribs »). Mais pas question pour autant de faire un disque plan-plan essayant d’émuler du mieux possible les années 70, décennie de référence dans l’œuvre de Jack White. Non, le présent album est complètement dingue et assez baroque, laissant une large part de lumière à ses acolytes (l’orgue barré de « Raising the grain ») ou le martèlement démentiel de la batterie (« You’ll never fix me »). Ajoutez à ceci la science des six cordes de Jack White, au chant totalement habité par ailleurs, et vous n’êtes plus très loin du graal rock de cet été où les amplis chauffent autant, si ce n’est plus, que le soleil caniculaire.

Bjørn Berge : « Morphine »

 

S’il est bien un groupe qui a marqué son époque, par son instrumentation unique, c’est bien Morphine qui, après réflexion et le recul du temps, est le groupe le plus marquant des années 1990. A ce titre, Mark Sandman (décédé en 1999), le regretté leader du trio a crée un truc unique. A la fois luthier, musicien et auteur-compositeur, ce dernier a inventé un instrument (une basse à deux cordes), écrit le répertoire autour dudit instrument et à fondé le trio (batterie et saxophone) pour l’accompagner dans cette aventure. Très peu de guitare, à l’exception de quelques titres, et pourtant un sacré groupe de rock’n’roll imprégné de swing, de jazz et de blues. Un truc unique vous disait-on ! Il faut donc une bonne de courage, voire d’inconscience, pour s’attaquer au répertoire de ce groupe au son si caractéristique, et ils sont très peu à s’être essayé à l’exercice de la reprise. Il y en a un qui n’a pas eu froid aux yeux, c’est le norvégien Bjørn Berge, qui se distingue déjà par son utilisation très personnelle de la guitare folk (la « stringmachine », la machine à cordes comme il se décrit lui-même). Piochant dans l’intégralité du corpus de Morphine, voire dans des titres obscurs et oubliés (« Potion »), Berge a choisi huit titres qu’il reprend dans une formule plus classique, guitare, basse et batterie. A la fois fidèle aux originaux tout en s’en écartant sensiblement, Berge réussit l’exploit de retrouver le feeling si particulier de Morphine. Sa voix est certes plus grave, de gorge, que celle de Mark Sandman, son approche générale est plus musclée mais le tout n’est pas exempt de swing (une composante essentielle du son Morphine) ni de feeling. Bjørn Berge est un artiste bien trop clivant pour faire l’unanimité chez les fans du trio, néanmoins voici un album propre à séduire les nostalgiques du groupe mais aussi de convertir les autres à ce trio essentiel.

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The Claypool Lennon Delirium : « The Great Parrot-Ox and The Golden Egg of Empaty »

 

Le titre, à lui seul, rappelle les grandes heures des concept-albums progressifs des années 1970 ! Pour sa quatrième sortie, le duo composé de Les Claypool (Primus) et Sean Ono Lennon (The Ghost Of A Saber Tooth Tiger) a décidé de faire honneur au « Delirium » du patronyme de leur groupe ! Complètement barré, tour à tour psychédélique, baroque ou progressif ce copieux nouvel effort (14 titres soit une heure de musique) en fait voir de toutes les couleurs à quiconque aura le courage d’y poser une oreille ! Comme un tie and dye musical, l’album n’a peur ni des détours sinueux (« Simplest of deeds »), sitar à l’appui (« The wake-up call ») ou des ruptures rythmiques assez franches, le tout culminant avec les douze minutes incandescentes d’« It’s a wrap » qui ponctuent le disque, comme son titre l’indique avec acuité. A ce niveau là, il n’est même plus la peine de se poser la question d’un quelconque revival musical ou d’une nostalgie certaine des années 60/70. Les questions sont d’une inanité totale tant l’album échappe à toutes les règles, styles ou modes. Planant largement au-dessus de la mêlée, l’album s’envole à son propre rythme, en complète autarcie. Un ovni. Le disque emporte littéralement l’auditeur, ce genre de prise de risque totalement inconsidérée est devenu tellement rare que le geste en devient salvateur. Ouvrez grand les oreilles et lâchez prise !

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Samantha Martin & The Delta Sugar : « A Beautiful Buzz »

 

Combien d’artistes restent confidentiels alors que la bande FM déborde de médiocrité ? Ainsi en va-t-il de l’artiste qui nous occupe aujourd’hui, la Canadienne Samantha Martin, dont on peut avouer sans peine que le « buzz » du titre de l’album nous a, hélas, malheureusement, jusqu’ici échappé. Active depuis 2015, la Canadienne a sorti jusqu’ici trois albums, le quatrième, celui dont il est question dans cette chronique, fait ainsi figure de best-of sous la forme d’un album live survolté. Il y a d’abord, et avant toute autre considération, la voix, éraillée et profonde, une petite cassure soul au fond de la gorge, idéale pour toute forme de musique nécessitant un feeling prégnant du rock’n’roll au blues en passant par la soul. La comparaison peut paraître éculée, mais et si on tenait là la digne descendante de Janis Joplin, une Sarah McCoy qui aurait tenu toutes les promesses que son talent original laissait apercevoir, ou une lointaine cousine d’une Kaz Hawkins venue de l’autre côté de l’Atlantique ? L’instrumentation est riche, guitares, basses, batterie, orgue soulful mais aussi une section de cuivres, les petits plats sont mis dans les grands afin de créer l’écrin musical que cette voix incroyable mérite. C’est un grand moment de soul, de blues, de rock’n’roll, pas foncièrement original, ce dont on se fiche un peu tant la passion et l’engagement débordent de cet album intemporel et euphorisant !

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Soledad Brothers + Las Robertas, Petit Bain, 28 juillet 2026.

La soirée débute avec un énorme coup de cœur pour Las Robertas, formation psychédélique venue du Costa-Rica, dont le son ressemble à celui du Brian Jonestown Massacre, en moins foutraque, plus électrique et avec une chanteuse. Il n’y a cependant rien de latin dans leurs chansons, chantées en anglais. Le groupe ne manque pas de charme et développe quelque de profondément addictif dans leurs compositions fleuves, comme de longues dérives psyché, à la répétition hypnotique entêtante, dont l’effet conjugué de la guitare et de la batterie provoque quelques coups de sang contrebalancés par un clavier rêveur et planant. Très très belle découverte !

Débuté en l’an 2000, achevé six ans plus tard au terme d’une discographie composée de quatre albums, le parcours des Soledad Brothers fait figure de comète. On avait appris leur séparation un soir, à la Maroquinerie, un événement annoncé sur scène, alors que le groupe devait assurer la première partie des BellRays quelques minutes plus tard… Les Soledad Brothers n’avaient plus joués en France depuis 20 ans. Formé dans l’Ohio mais à quelques encablures du Michigan (et donc de Detroit), le son des Soledad Brothers reste profondément marqué par ces origines prolétariennes et industrielles produisant un rock’n’roll débridé et fou furieux. La composition du groupe, atypique avec ses deux guitares et une batterie, est identique à celle de Jon Spencer Blues Explosion et annonciatrice de groupes plus tardifs comme GA-20 ou Daddy Long Legs. Apparu au sein de l’explosion rock’n’roll du début du siècle au milieu des Strokes et autres Black Keys, le groupe est resté proche des White Stripes (connexion Detroit oblige) mais surtout de Jack White avec qui ils ont collaboré. Au milieu de cette masse de groupe apparus à cette époque, les Soledad Brothers se sont distingués par leur appétence pour le blues, un idiome dans lequel ils sont tout à fait crédibles, harmonica à l’appui. La présence, et le bourdonnement caractéristique, du saxophone bariton en fin de set rappelle le son des regrettés Morphine mais aussi des Stooges (époque « Funhouse ») pour ce mélange avec les guitares saturées. Quoi qu’il en soit, après une aussi longue absence, le répertoire des Soledad Brothers n’a pas bougé d’un iota, toujours aussi efficace, entre blues et rock garage, et il n’en faut guère plus pour que le public bouge avec ardeur, faisant fi des années qui passent. Les chansons ont même gagnées en patine pour prendre des allures de classiques. En fin de set, le saxophone change la donne et la musique paraît moins structurée, le chaos s’installe dans une longue dérive noise, semblant improvisée, avant-gardiste et expérimentale. C’est avec un plaisir non feint que l’on a retrouvé ce groupe !

Kay ! Lettres à un poète disparu, Théâtre des Halles, Avignon, 25 juillet 2026.

Traditionnellement consacré au théâtre, le festival d’Avignon réserve toujours une place à la musique dans la bagatelle des 1 500 spectacles qui constituent la programmation du festival off. Ainsi, cet été, il nous a été donné la possibilité d’assister à une représentation du sublime spectacle « Kay ! Lettres à un poète disparu ». Le trio articulé autour de Lamine Diagne, à la fois saxophoniste, conteur ou slammeur, prend possession de la scène. Autour de lui se trouve le batteur Cédric Bec et le guitariste Wim. Ni vraiment un spectacle, ni vraiment un concert, mais un peu les deux à la fois, la représentation est un dialogue avec Claude McKay (1889-1948), poète né en Jamaïque et disparu à Marseille, assez largement oublié de nos jours, et vise à la fois à remettre en lumière la vie, l’œuvre de l’auteur et aussi à la mettre en résonance avec l’époque à travers notamment d’un long passage consacré à la ville de Marseille. Ainsi, lectures, témoignage et musique live alternent. Les thématiques abordées sont évidemment terribles puisqu’il y est question d’exil, d’esclavage, de commerce triangulaire, de racisme et de ségrégation. Et pourtant au-milieu de toute cette misère, le trio réussit à trouver un peu de lumière et d’espoir, grâce à la beauté formelle des mots mais aussi grâce au groove irrésistible développé par le remarquable trio de musiciens. Un voyage à la fois sublime et ubuesque, emprunt de jazz, de soul et d’afrobeat. Le spectacle est décliné sous la forme d’un disque cd-livre audio.

Une Vraie Gothique : "Nuée Ardente"

 

Le charmant duo, découvert en première partie de Je t'aime, est de retour avec un nouveau titre fleurant bon la dark wave !

Soledad Brothers en tournée

 

Attention événement ! Après 20 ans de séparation et d'absence scénique en France (on reste traumatisé par l'annulation en dernière minute de leur date en première partie des BellRays) les Soledad Brothers seront de retour pour trois dates dans l'héxagone dès ce week-end à Binic puis à Paris (Petit Bain) le 28 juillet et à Bordeaux le lendemain !

BILLETTERIE

Little Barrie : « Gravity Freeze »

 

2017. Le trio londonien s’apprête à sortir son ambitieux double-album « Death Express » lorsque le destin frappe emportant soudainement le batteur Virgil Howe, qui succombe à une crise cardiaque à l’age de 41 ans, donnant des airs de prédiction morbide au titre dudit album. S’ensuit un long tunnel de neuf années au-cours desquelles le duo composé du merveilleux guitariste Barrie Cadogan et du bassiste Lewis Wharton ne sera pas resté inactif, sortant deux albums en compagnie du batteur Malcolm Catto. Deux pas de côté, le projet étant sensiblement différent avec Catto, plus psychédélique à la limite de l’abstraction. Ce nouvel effort signe donc le retour du « vrai » Little Barrie avec cette fois-ci Tony Coote, un batteur capable du grand écart entre James Brown et The Stone Roses, derrière les fûts. Le nouveau batteur change la donne, le groove, le swing est plus affirmé et s’il est toujours question de psychédélisme (« December »), la guitare retrouve ses envolées funk et rock’n’roll garage (« Anything you are ») pédale wha-wha à l’appui (« Luggin’Hurt »). Trois musiciens fusionnels et virtuoses (Cadogan est un véritable guitar-hero totalement méconnu), une section rythmique très solide (on ne vantera jamais assez les qualités de Wharton à la basse) et une écriture soignée, le trio signe un sublime retour !

En concert le 5/10 à La Maroquinerie

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Boris Maurussane : « Tears of English Town »

 

Alors que la musique générée par une « intelligence » qui brille surtout par son artificialité, inonde les plateformes d’écoute, qu’il est bon de retrouver un véritable artiste ! Pour son deuxième album, après le remarquable « Social Kaleidoscope », Boris Maurussane se fait fort d’emmener la musique là où aucune intelligence artificielle ne serait capable d’aller : aux confins de la pop, du jazz et de la musique brésilienne. Un endroit bien improbable il est vrai. Et pourtant ! Les références s’y bousculent, qu’elles soient attendues (Robert Wyatt, Beach Boys) ou plus surprenantes (Antonio Carlos Jobim, Herbie Hancock ou Philipp Glass!) Une large palette sonore est déployée, bois et vents (cor, basson, hautbois), piano ou des synthés utilisés judicieusement qui apportent cette note extravagante, digne d’un film de SF des années 50, aux arrangements. N’ayant pas froid aux yeux (ni aux oreilles) Boris tente le tout pour le tout et c’est un véritable grain de folie qui s’empare des musiciens, lorsque ces derniers se lancent dans de folles improvisations (les sept minutes de « Christians from the lake » ou les huit de « Decipher ») donnant du corps à cette notion d’extravagance évoquée plus tôt. L’album sort sur l’excellent label Hot Puma Records, qui, après les sorties récentes d’Orwell, Reed Conservation Society, William Pears ou Discover, se trouve plutôt en verve sur ce créneau de la pop raffinée et élégante.

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Orwell : « Composite »

 

A la tête de son groupe, Orwell, Jérôme Didelot creuse, depuis l’an 2000, un sillon original sur la scène pop française. Ce nouvel album « Composite » nous donne a (re)découvrir une formation pour qui n’a pas son pareil pour se glisser dans les interstices. Celui qui sépare la chanson française de la pop ambitieuse anglo-saxonne. Ou pour combler celui qui sépare des mélodies simples, lignes claires, d’arrangements classieux. Les grands moyens sont de mise pour ce nouvel album, quitte à sortir des sentiers battus : vibraphone, cor, cordes, flûtes, synthés contribuent à créer cette impressionnante palette sonore, flirtant avec l’abstraction (cf. « Composite ») qui enrobe l’auditeur à l’écoute du disque. Mais cela ne serait rien sans les chansons et l’indispensable qualité d’écriture de Jérôme Didelot, qui convoque l’universalité derrière des formules cryptiques dont il a le secret. Seule escapade dans la langue de Shakespeare « Long is the race » apparaît, dans ce contexte, comme une (charmante) anomalie. Pour le reste, ce nouvel effort plonge l’auditeur dans une bulle confortable, intemporelle et hors d’age, les oreilles saisies par la limpidité de ce nouvel album.

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The Reed Conservation Society : « Sing a song that never ends »

 

Après un premier album, totalement francophone, The Reed Conservation Society effectue un spectaculaire mouvement inverse avec un deuxième effort renouant avec les textes en anglais. Il flotte ainsi un petit air de retrouvailles avec le groupe comme à l’époque des trois premiers Eps, dont ce nouvel album pourrait constituer la suite directe. Et pourtant que de chemin parcouru depuis... En effet, au duo composé de Stéphane Auzenet et Mathieu Blanc s’est adjoint une section rythmique (Nicolas Pain, basse et contrebasse et Cédric Bermond à la batterie). La véritable nouveauté est que cette dernière a été pleinement impliquée dans le processus depuis les prémices de ce dernier. Enregistré tous ensemble dans la même pièce, l’album possède un aspect organique plus affirmé (Stéphane parle d’un disque plus « organique, instinctif et naturel ») et ouvre le champ des possibles vers une énergie plus rock (« Goldfish with Glitter Gleam »). Mais, pour le disque qui nous occupe, le quatuor retrouve cette tonalité si particulière mariant la mélancolie du folk britannique a une forme psychédélique plus américaine, voire californienne. Finalement, au-delà de l’écoute, c’est un album qui exige une forme d’abandon de part de l’auditeur. Ces nouvelles chansons emportent littéralement au gré des magnifiques soli de trompette (Mathieu), du tapis de cordes somptueuses déroulé sous nos oreilles (arrangé par Mathieu) ou des magnifiques harmonies vocales qui le parsèment. Magnifique ouvrage de la part d’un groupe qui gagnerait à être plus massivement connu tant il incarne un des plus précieux représentants de la pop française contemporaine.

En concert le 26 juin au Supersonic Records (avec The Gentle Spring)

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Autour de Lucie : « Hors monde »

 

Comptant parmi les groupes les plus précieux de l’Hexagone, Autour de Lucie, entretient une aura fantomatique sur la scène française avec une discographie (6 albums en 30 ans) restreinte, mais ô combien précieuse, entrecoupée de longues pauses entre chaque disque et très peu de concerts. « Hors monde » mais surtout hors du temps, ce nouvel album est le premier depuis 2015 de la formation recentrée autour du duo Valérie Leulliot (chant) et Sébastien Lafargue (à peu près tout le reste). Avec ce nouvel effort, le duo creuse son sillon d’une pop à la fois organique et électronique, aux arrangements raffinés et élégants. En effet, si le cœur en reste les instruments (guitare, basse, piano) qui constituent l’épine dorsale du projet, les arrangements électroniques apportent cette touche si particulière qui n’appartient qu’à eux, cette mélancolie diffuse et impalpable, qui sied si bien au chant délicat de Valérie Leulliot. L’album évoque aussi bien le temps qui file (« Mars 85 » ; « Diana ») que la nostalgie (« Quelque part » ; « Mes Raisons ») sans pour autant s’y enfermer. C’est une nouvelle pièce maîtresse à mettre au crédit du groupe.

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Franck Tortiller et Misja Fitzgerald Michel : « The Open Chords of David Crosby »

 

Franck Tortiller serait-il le plus rock des jazzmen ? On se souvient qu’il y a quelques années, son passage à la tête de l’Orchestre National de Jazz s’était soldé par un excellent album de reprises de Led Zeppelin (« Close to heaven », 2005). Vingt ans plus tard le vibraphoniste remets le couvert, en compagnie de son comparse guitariste pour s’attaquer à un autre monument des années 60/70, David Crosby. Le regretté est le fil rouge de ce nouvel effort et propose une relecture, entre folk et jazz, de son corpus avec pas moins de six reprises (dont « Guinnevere » et « Déjà Vu »), deux compositions originales et une reprise cousine de « Judy Blue Eyes » (Stephen Stills) complètent cet alléchant programme. L’album est magnifique et tient toutes ses promesses ! Au terme de « reprises » on préférera celui de « relecture » tant le duo imprime sa marque et s’approprie les compositions. Déjà parce que l’album est entièrement instrumental. Ensuite, en choisissant la formule du duo guitare/vibraphone, les deux compères réussissent à extraire la substantifique moelle des compositions. C’est à un dialogue intime entre deux musicien auquel nous sommes conviés, telle une petite souris espionnant les sessions depuis un interstice minuscule. C’est à la fois beau et émouvant mais aussi lumineux tant l’album est aussi doux que la caresse du soleil californien. L’album est propre à séduire aussi bien les amateurs de folk 70s que les exigeants mélomanes jazz. Une réussite totale !

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The Lords of Altamont + The Highmarts, La Maroquinerie, 16 mai 2025.

De The Bawdies (découverts aux Eurockéennes de Belfort) à Thee Michelle Gun Elephant en passant par Guitar Wolf et The 5.6.7.8’s, les Japonais ont maintes fois eu l’occasion de prouver leur savoir-faire en matière de rock’n’roll, inspirés par le punk, le rock garage et le rhythm’n’blues déjanté, une tradition entamée depuis les pionniers Flower Travellin’ Band en 1970. A ce florilège déjà bien fourni il convient d’ajouter The Highmarts, pour un très rare passage sur scène chez nous en première partie du soir. Parce qu’elles sont deux filles (à la batterie et à la basse/chant) sur trois (un garçon tient la guitare) il est facile de rapprocher The Highmarts de The 5.6.7.8’s (souvenez-vous « Kill Bill » de Tarantino). Le trio s’inscrit en tout cas dans la même lignée, joue vite et fort (et plutôt très bien) les reprises sont choisies avec soin (« Hound Dog » d’Elvis) et vitriolées avec cet inimitable grain de folie typiquement japonais. Ainsi le set se déroule comme une mayonnaise rondement menée, monte tranquillement les paliers de la folie électrique, pour finir dans un tonnerre d’applaudissements d’une foule totalement conquise. Belle découverte, nous espérons les revoir, il serait dommage que ce groupe ne finissent pas dans les limbes de notre mémoire.

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La salle chauffée à point et le terrain parfaitement balisé, comme on l’a vu précédemment, par le trio en première partie, nos Californiens préférés jouent sur du velours. On a déjà vu le groupe au look de bikers, tatouages, cuirs et lunettes noires, mettre l’audience à genoux, cette dernière finissant les concerts dans un état lamentable. La prestation du soir ne fera pas exception à la légende, l’excitation est à son summum à tel point qu’il devient dangereux de s’aventurer dans la fosse. Ca saute et slamme à tout va, le sol rendu luisant par la quantité de bière renversée. Loin d’être freiné par les soucis techniques, pied de micro et basse récalcitrante (il était dit que rien ne fonctionnerait correctement ce soir-là), le groupe s’en retrouve galvanisé, démarre son set le pied au plancher pour ne quasiment plus jamais le relever et enchaîne les morceaux sur un rythme effréné tel un gros cube lancé à fond sur l’autoroute. Quelques passages plus psychédéliques offrent cependant une respiration bienvenue. Quelle prestation ! On n’en finit plus de s’étonner que l’orgue survive au traitement de choc infligé par le chanteur Jake Cavaliere soir après soir…

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Romy Liz Rose : « I am June »

 

Venue des Pays-Bas, Romy Liz Rose (Romy Laarhoven à l’état civil) fait souffler un air nouveau sur l’Americana. Peut-être parce qu’elle n’est pas américaine elle-même, Romy contemple les grands espaces étasunien de loin. Dans sa musique, la chanteuse conserve cette attitude distante. Ainsi, c’est une boîte à rythme légère et discrète qui ouvre les débats (« The Remedy »). Le reste de l’album est à l’avenant. Si la guitare folk et la lap-steele inscrivent les chansons de Romy de l’autre côté de l’Atlantique, les arrangements ramènent l’ensemble du côté de l’indie pop trouvant l’interstice secret qui sépare Nada Surf des Cowboy Junkies ou des Great Lake Swimmers, dont elle a récemment assuré la première partie. L’album est portée par ces ambiances éthérées, parfaitement incarnées par la voix délicate et aérienne de la chanteuse. Un pied dans les deux mondes, quoi de plus indiqué pour un album ayant pour thèmes principaux, le changement et le passage à l’âge adulte ?

The Lords Of Altamont : « DFFL »

 

Attention, tous aux abris, les Lords Of Altamont reviennent et ils vont martyriser vos enceintes et, accessoirement, vos oreilles ! Huitième album donc pour le groupe de Jake Cavaliere et, depuis 2002, la formation s’est imposée comme un classique du rock garage étasunien. Point de révolution copernicienne à attendre de ce nouvel opus, les groupe se concentre sur l’écriture de chansons et les délivre avec la justesse nécessaire. Car oui on peut voir les Lords of Altamont comme un groupe de gros durs en cuir noir, bardé de tatouages délivrant un rock’n’roll fou furieux. Il y a bien évidemment de cela, guitares abrasives et chant rugueux à l’appui. Mais il y a aussi dans ce groupe un orgue (joué par Jake en personne) ce qui ouvre considérablement le champ des perspectives, ajoute un soupçon de groove bienvenu (« Get Out Of My Head ») dans la musique (ainsi l’album est costaud mais jamais bourrin) et fait basculer l’ensemble dans le psychédélisme, musclé et saturé certes, ce qui se traduit ici en un « Rusty Guns » particulièrement réussi ou un « A Procession For A Gorehound » entêtant à souhait. Une réussite, habituelle, pour ce groupe qui déçoit rarement.

En concert le 16 mai à La Maroquinerie.

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Hugh Coltman + Natascha Rogers, L’Archipel, 13 mai 2026.

Pour sa nouvelle résidence à l’Archipel, Hugh Coltman a décidé d’inviter chaque soir un invité différent pour une collaboration voyant l’Anglais s’attaquer au répertoire de son invitée et inversement. Pour cette deuxième soirée Hugh a invité la chanteuse/pianiste/percussionniste Natascha Rogers. Un choix plutôt judicieux tant l’aspect « trippant » des compositions de la chanteuse s’accorde parfaitement au « voodoo » New Orleans qui préoccupe le Britannique, installé en France depuis de longues années, depuis quelque temps. L’instrumentation est classieuse et soignée, contrebasse, batterie et la fabuleuse guitare du génial Mathis Pascaud (la paire a déjà consacré un album au corpus de Dr John), Hugh prenant en charge la deuxième guitare et l’harmonica. Car Hugh Coltman a jusqu’ici eu un parcours sinueux, atypique et foncièrement passionnant qui l’a vu évoluer du rock au jazz en passant par le folk ou la pop. Dernièrement c’est le blues qui le préoccupe. Finalement Hugh Coltman ne rentre dans aucune case mais en remplit plusieurs à lui tout seul. Le concert du soir ressemble finalement un peu à tout ça et donnera lieu a de nombreux moments d’anthologie, l’alchimie entre Hugh et Natascha semblant naturelle. Peu à peu, c’est une véritable transe qui s’empare des protagonistes sur scène au point que le chanteur en perdra ses lunettes, envolée dans la ferveur du moment. Sublime soirée.

Hugh Coltman sera de retour à l’Archipel le 11 juin accompagné cette fois de Thomas de Pourquery

Parlor Greens + Kendra Morris + Taylor Williams, New Morning, 5 mai 2026.

Précieux label de la scène soul actuelle, Colemine Records est à la fête en ce mardi soir sur la scène du New Morning avec pas moins de trois artistes à l’affiche.

On commence avec la plus récente signature, le chanteur Taylor Williams qui ne manque pas d’arguments. Joli grain de voix, un falsetto dans la lignée de Curtis Mayfield, habile à la guitare, le talent de Taylor Williams est réel mais, hélas, passe difficilement le cap de la scène dans cette configuration bien particulière du solo guitare/voix, avec par la suite le support de son ordinateur portable. Ce n’est lors que des derniers titres joués en groupe avec l’aide des musiciens de Kendra Morris et du guitariste Jimmy James que Taylor Williams emporte réellement l’adhésion et emballe l’affaire. Mais il s’agît assurément d’un talent en devenir, à suivre…

Place ensuite à la première vedette de la soirée, la new-yorkaise Kendra Morris, talent sûr de la soul actuelle dont on s’entonne qu’elle ne soit pas encore la superstar que son talent suppose. Chanteuse/guitariste, Kendra Morris est entourée d’un groupe resserré, guitare, basse et batterie, finalement assez rock dans l’esprit. Ainsi va le set de la soirée, tantôt charmeuse, tantôt intimiste, seule à la guitare, avant de finir en trombe avec les chansons les plus nerveuses et groovy (jolie démonstration hendrixienne du guitariste) de son répertoire, majoritairement issu de son récent album « Next », sorti à l’automne dernier.

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On termine enfin avec Parlor Greens, un trio que nous n’avons jamais eu l’occasion d’évoquer sur cette page, mais dont les membres sont loin d’être des inconnus ! Pour son nouveau projet, le génial guitariste Jimmy James a gardé la configuration de son groupe précédent (Delvon Lamarr Organ Trio) à savoir un trio guitare/orgue/batterie, la proposition musicale de l’ensemble étant entièrement instrumentale. A la batterie, nous retrouvons Tim Carman (GA-20) et enfin derrière l’orgue se tient Adam Scone (Sugarman 3). Un sacré casting donc dont l’association tient à la fois du Delvon Lamarr Organ Trio et de The Sugarman 3 (la guitare à la place du saxophone) en y ajoutant l’habile guitare de Jimmy James, plus que jamais sous l’influence d’un autre Jimi (Hendrix). Entre groove jazz et puissance rock’n’roll le trio ensorcelle le public n’ayant pas peur des longues dérives instrumentales, solo à l’appui. La musique devient alors une puissance organique évoluant au fil des regards échangés par les musiciens. C’est à la fois beau, émouvant et diablement groovy !

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Foo Fighters : « Your Favorite Toy »

 

Surmontant toutes les épreuves, le décès du batteur Taylor Hawkins, le recrutement raté de Josh Freese en remplacement du regretté batteur, le groupe mené par le vaillant Dave Grohl sort son douzième album ! Un album de résilience dont la porte d’entrée serait « Caught in the echo » titre inaugural qui ouvre les débats de manière classique avec ce riff de guitare saccadé typique du son du groupe. Mais une fois la porte d’entrée passée, l’horizon s’étoffe et l’ambiance de ce nouvel album prend de l’ampleur avec les assauts punks (« Of All People », « Spit Shine ») des années que les Foo Fighters n’avait pas déclenché un tel bazar dans les enceintes ! Il faut ensuite peu de temps pour tomber sur un tube, « Window », remarquable bonbon power-pop, qui s’attache aux oreilles aussi sûrement que le sparadrap du Capitaine Haddock, dans une veine quelque peu mélancolique. C’est d’ailleurs ce sentiment qui traverse en filigrane la totalité de l’album telle une constante fantôme. Un album résilient disait-on en ouverture de cette chronique. A qui Dave Grohl s’adresse-t-il lorsqu’il chante « Of all people you should be dead » (sur le titre « Of All People ») ? Confronté par deux fois aux décès (Kurt Cobain, Taylor Hawkins), dans des conditions dramatiques, dans le cadre de ses différents groupes (Nirvana, dont il fut le batteur, Foo Fighters) Dave Grohl, derrière ses allures de gai luron, semble marqué par les épreuves et en fait la synthèse sur un titre poignant « Asking For A Friend » en forme d’épitaphe qui ponctue le disque sur une note émouvante. L’album possède donc plusieurs dimensions et autant de lectures possibles, un vrai bon disque de rock, entre punk et power-pop, euphorisant et procurant un plaisir d’écoute immédiat, mais sous-tendu par une mélancolie persistante (« The clock is ticking » affirme-t-il sur « Unconditional »), signe des années qui passent : « If you only knew » (si seulement tu savais) chante Dave Grohl sur le titre du même nom…

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Rodney Crowell + Bobbie, Le Café de la Danse, 30 avril 2026.

Nous retrouvons en première partie une vieille connaissance, la chanteuse Bobbie, dont le premier album nous avait bluffé. Seule avec sa guitare folk, la chanteuse égrène les chansons dudit album et profite de l’occasion pour présenter quelques nouveaux titres. Dans un registre folk, teinté d’Americana mélancolique, Bobbie charme : son grain de voix s’éraille légèrement sous l’émotion et peut aussi descendre dans les graves. Dans ce genre bien spécifique, difficile de trouver mieux à l’heure actuelle en France ! Bobbie aura même l’honneur d’un duo avec Rodney Crowell un peu plus tard dans la soirée.

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Soixante-dix ans passés, une carrière débutée dans les années 1970, Rodney Crowell est un légende, une vraie, de la musique américaine, bien trop méconnue par chez nous, il s’agît seulement de son deuxième passage sur une scène française. Chemise à carreaux et jeans fatigués, utilisant une seule guitare folk durant tout le set, le chanteur, qui n’a jamais joui d’une telle exposition en France auparavant, n’est pas là pour prendre la pose et préfère laisser parler les chansons. He’s the real deal dit-on en anglais ! En trio, accompagné d’une pianiste et d’un violoniste (également à la mandoline de temps à autres) le chanteur impressionne par sa présence rythmique et sa capacité à créer du groove en dépit de la formule limitée, là où tant d’autres alignent les performance monolithiques. Parfaitement placé rythmiquement le trio alterne morceaux enlevés et passages lents et mélancoliques. Le chanteur prend également le temps d’expliquer comment lui viennent les chansons, avec humour souvent, d’expériences, de rêves, de cauchemar (comme cet adultère cauchemardé) et, surtout, des rencontres. Des destins compliqués, voire brisés, que le chanteur évoque avant de conclure souvent par la même formule : « He deserved a song » (il méritait que je lui écrive une chanson). Cette humanité est ce qui nous a le plus touché chez le chanteur, le concert fût sublime !

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The Animeros + Marco Ferreira, L’Archipel, 29 avril 2026.

En première partie, nous avons pu découvrir Marco Ferreira, jeune talent, l’air un peu geek avec son tee-shirt X-Men, qui, seul avec sa guitare, nous a fait voyager entre ses deux pays, la France et le Portugal. Loin de se contenter du chant, bilingue sur quelques titres, son jeu de guitare semble également imprégné de cette double culture, empreint d’influences latines venues du fado. Précis et délicat, ses doigts arpègent les cordes de sa guitare avec un raffinement soigné, à l’instar de son chant. Lorsqu’il se saisit de sa guitare électrique, sur un titre seulement, sa musique change d’aspect et emprunte des voies plus aventureuses, sans saturation électrique excessive, mais avec toujours la même délicatesse. Belle découverte.

Les politiciens peuvent bien construire tous les murs possibles et imaginables, il n’en reste pas moins que les cultures, (musiques, cuisines etc...) restent, et c’est heureux, poreuses. En ce sens, le cas des Animeros, est bien symptomatique. Venu du Texas, le quintet est imprégné de cette culture latine venue de l’autre côté de la frontière. Pour résumer, The Animeros c’est un groupe de rock, garage et psychédélique, qui aurait remplacé la batterie par des percussions latines, des congas notamment. Menée tambour battant, pulsant le groove et le soleil à plein, la musique emprunte à plusieurs idiomes, du blues (un peu), une pédale wha-wha à réveiller le fantôme de Jimi, un orgue psyché et des percussions soul inspirées par Curtis Mayfield ou les Dap-Kings de Sharon Jones. Quelque part entre Los Lobos et Xixa (sans le côté goth) la proposition musicale des Animeros est, en majorité, instrumentale, et les quelques chœurs qui agrémentent les compostions sont, bien évidemment en espagnol. Le groupe présente un avantage considérable, celui de rendre joyeux et de bonne humeur ! Quel concert ! Pour sa toute première européenne, The Animeros (dont le premier album sortira à la fin de l’été) a choisi Paris. Qu’ils en soient ici remerciés !

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Cat Clyde + Valentine Lambert, Supersonic Records, 28 avril 2026.

La petite scène du Supersonic Records prend des airs de hootenanny avec une soirée placée sous le signe des guitares et des chanteuses. On commence avec Valentine Lambert qui, derrière son patronyme bien de chez nous, cache une artiste grandement influencée par le folk et l’americana. Le tout dans la langue de Molière ! Malheureusement gênée aux entournures par une guitare récalcitrante, la chanteuse égrène des accords arpégées avec talent et délicatesse, à l’instar de son chant velouté, et des textes inspirés par sa vie quotidienne, les rencontres, le tout constituant une sorte de fuite en avant, vers un imaginaire musical (« La tête ailleurs » chante-t-elle) magnifié. Une manière d’embellir la vie de tous les jours, d’enluminer le quotidien, comme un rayon de soleil mélodique. Belle découverte.

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On monte dans les tours, en intensité, les amplis chauffent dans le rouge, attention la tornade Cat Clyde arrive sur scène ! Méconnue dans nos contrées, en dépit d’un parcours discographique déjà conséquent, la Canadienne nous avait soufflé avec son dernier album au titre prophétique « Mud Blood Bone » soit, dans l’ordre, de la boue, du sang et des os. C’est, à peu de choses près, le programme de la soirée. De la boue, la chanteuse se situant dans une forme de ruralité musicale, le folk, la country, le blues et, forcément, du rock’n’roll, en tête de gondole de ses préoccupations musicales. Le concert fut absolument formidable, d’une énergie euphorisante (le sang et les os du titre) emprunt de feeling, et traversé de moments émouvants lorsque le pied se relève de l’accélérateur. Quelque soit le contexte la chanteuse adapte son chant aux accents country bien aidée dans sa tâche par un groupe (guitare, basse et batterie) aux petits oignons. On en redemande !

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Cat Clyde : « Mud Blood Bone »

 

Attention talent ! D’aucuns, et ils sont nombreux, n’ont jamais entendu parler de Cat Clyde. Active depuis 2017, la Canadienne en est à son sixième album et quel album ! Partant d’un canevas classique de folk, de blues et d’Américana, la musicienne imprime sa marque personnelle avec un disque débordant de feeling, flirtant avec la soul (« Dark Back »). L’album, à peine inséré dans le lecteur, électrise l’auditeur dès lors que rugit la guitare survoltée (« Where is my love » ; « Wanna Ride » quasiment garage). Quelque titres plus avant la donne change totalement alors que résonne le piano mélancolique d’« Hold my hand », titre minimaliste où la chanteuse donne la pleine mesure de son talent vocal. Une approche intimiste prolongée par « I am now » déroulant un tapis de cordes dont le bruissement évoque la tombée des feuilles mortes en automne. Couvrant un large spectre d’émotions, d’une extrême à l’autre, l’album évoque des milliers d’émotions ressenties lors de la découverte de Karen Dalton, Cat Power ou les grandes prêtresses country Patsy Cline et Bobbie Gentry. On achève l’écoute avec le sentiment d’une découverte majeure. Un classique instantané.

En concert au Supersonic Records le 28 avril.

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Emerald Moon : « The Sky’s The Limit »

 

Né, entre autres, sur les cendres du projet United Guitars, une série de compilations rassemblant la fine fleur des guitaristes français dans le but de promouvoir l’instrument, voici venu Emerald Moon, nouveau groupe classic rock. Évidemment, avec un pedigree pareil : Michaal Benjelloun (Gaëlle Buswel ; United Guitars) et Fabrice Dutour (Back Roads ; United Guitars), Emerald Moon fait vibrer la membrane des amplis, multipliant les riffs et autres solis, dans la lignée de Led Zeppelin, soit cette fibre particulière à la fois heavy, psychédélique et blues, voire folk (« Shriking Violet » qui sonne comme un inédit du troisième album de Led Zep). Le chant puissant de Vanessa Di Mauro apporte quant-à-lui un feeling plutôt soul et rentre-dedans qui rappelle plutôt, pour citer un exemple plus récent, Blues Pills (« Devil Woman » titre en forme de clin d’œil au groupe suédois). La section rythmique est composée du bassiste François C. Delacoudre (un autre ex du projet United Guitars) et du batteur Laurent Falso et pratique parfaitement ce groove puissant, façon rouleau compresseur, tantôt ravageur, tantôt compact (« Show me your colours ») fin et raffiné. Vous l’avez certainement compris avec un tel casting Emerald Moon plane très très haut au-dessus de la sphère du rock français. Mais au-delà de la virtuosité affichée par les uns et les autres, le groupe trouve sa note personnelle dans cette volonté de remettre au goût du jour ce son 70s en l’émulant tout en le modernisant. Un classique instantané certes mais à la personnalité bien affirmée et qui vaut bien plus que l’addition de toutes ses influences.

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