Joon Moon : « Chrysalis »

 

Derrière l’alias de Joon Moon se trouve le multi-instrumentiste Julien Decoret, que l’on croise plutôt sur la scène électro, accompagné pour l’occasion de la chanteuse Liv Warfield. Le duo est l’occasion pour Decoret de renouer avec les sonorités organiques et une diversité d’influences allant de la soul au gospel, incluant toutes les nuances de funk entre deux. La durée, plutôt brève, de la chose, renouant avec la longueur d’un ancien vinyle (soit une grosse demi-heure) pourrait se révéler frustrante pour l’auditeur. Mais, au contraire, la brièveté oblige le duo à une forme d’efficacité sans temps mort. En seulement huit titres, Decoret et Warfield, font étalage d’un nombre impressionnant de qualités, en premier lieu le feeling (« Young », la minimaliste « Lover ») débordant du ton séduisant de la chanteuse et de son timbre chaud, puis l’ingéniosité (les arrangements de cordes de « Bill » tirant vers la musique de film et Bernard Herrmann) et, enfin, un sens du groove funk assez irrésistible (« Feel It ») présent à tous les étages. Plutôt pas mal en 30 minutes !

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Tex Perkins & The Fat Rubber Band

 

Figure bien connue du rock australien, Tex Perkins et son partenaire dans le crime Matt Walker se lancent dans ce nouveau projet de groupe à vocation blues et rurale. Doté d’un grain de voix marquant, dans un registre grave, de gorge, transpirant le vécu et le bourbon, mais néanmoins mélodique et intelligible, Tex Perkins trouve ainsi un répertoire idoine pour faire montre de ses qualités de chanteur et de conteur. L’accompagnement se révèle à la hauteur de son interprète et l’écho western, évoquant le grand ouest étasunien, des guitares fantomatiques résonne ainsi longtemps chez l’auditeur. Acoustique ou électrique, quelques poussées de fièvre rock’n’roll ne sont ainsi pas à exclure, le blues existentiel du groupe sonne avec acuité et s’inscrit en digne successeur des pionniers des années 1950. Un des must de l’année sans aucun doute.

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The Sore Losers : « Ultra Elektric »

 

Attention, le terrible groupe belge est de retour ! Un retour, que le groupe a voulu « ultra électrique » et se distingue, après les errances de leur dernier album, par des guitares autant saturées que véloces, le temps de titres courts et ultra efficaces, menés tambour battant. Douze titres et autant de décharges d’adrénaline, au-dessus desquels plane toujours l’influence du rock des années 1970, esthétique à laquelle le groupe reste fidèle, tout en se détachant du paradigme hérité de Black Sabbath auquel l’album « Skydogs » faisait référence. La recette en est somme toute assez simple, soli saillants, potards des amplis à fond dans le rouge (même leurs tentatives psychédéliques « Birds Of A Feather » et « Magnum Epos » restent marquées par le sceau du gros son) et groove (tout de même!) de la section rythmique. Voilà le genre d’album qui accroche immédiatement l’oreille, réveillant l’excitation rock’n’roll tapie au fin fond de notre être, une sensation salvatrice et qui fait du bien. Au final, une grosse demi-heure galvanisante de bonheur heavy / garage rock, ça réveille !

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The Bobby Lees : « Skin Suit »

 

Les hésitations qui marquent l’intro du premier titre de l’album nous disent tout de l’urgence et de la rage de jouer qui habitent The Bobby Lees, tout jeune groupe originaire de Woodstock mené par Sam Quartin. S’en suit une décharge électrique d’une demi-heure absolument implacable ou défile tout ce qui caractérise le gros son étasunien. Guitares dont la saturation flirte avec le métal (« Riddle Daddy »), inspiration rock garage qui ne néglige pas la mélodie (« Redroom » ; « Wendy » ; « Mary Jo » ; la formidable reprise de "I'm a man") et vélocité punk tout du long, surtout perceptible dans le traitement sonore de la batterie, cohabitent ici dans un effort dominé par le chant terrible et incarné de la chanteuse Sam Quartin. Cette dernière apporte un grain de folie à l’album, module sa voix à l’envi suivant les ambiances, tout de même assez variées, et incarne le petit plus propre à distinguer son groupe du tout venant punk. D’une efficacité remarquable l’album file sans temps mort. S’il ne fallait qu’une seule raison de se précipiter, ce serait certainement ce « Ranch Baby », tentative psyché flippante situé en milieu de disque, que n’aurait pas reniée Iggy Pop. Un album qui vient rappeler, fort à propos, qu’une petite décharge électrique rock’n’roll ne fait jamais de mal.

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Cedric Burnside : « I Be trying »

 

Etrange parcours que celui de Cedric Burnside, batteur devenu chanteur/guitariste, et petit-fils de R.L. Burnside, une légende du Mississippi Hill Country Blues. Sur ce nouvel album Cedric reprend le flambeau de son grand-père s’illustrant avec maestria dans le même genre tout en mettant en valeur son talent multi-facettes et unique en son genre. A l’aise dans un contexte acoustique, c’est la sublime « The world can be so cold » qui ouvre l’album avec beaucoup de feeling. Mais comme on l’a vu auparavant, Cedric fut également batteur et cela s’entend avec beaucoup de bonheur sur ce nouvel effort tant il imprime un groove terrible aux compositions, avec feeling, au point de faire tourner la tête de l’auditeur et de rendre son blues hypnotique et totalement addictif (« You really love me » ; « Love is the key »). Cedric ne se contente pas d’essayer comme le prouve ce magnifique effort de haute volée !

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Meskerem Mees : « Julius »

 

Attention talent ! Il ne faut guère que 30 secondes de guitares folk délicatement arpégées avec feeling à la jeune Belge pour mettre l’auditeur sous sa coupe et ne plus le lâcher. Ainsi « Julius » le premier album de la chanteuse Meskerem Mees s’impose par sa simplicité et son caractère intemporel, l’artiste est d’une telle classe que seule une voix et une guitare suffisent pour que la magie opère. Quelques bruits de vagues ici, un violoncelle discret là, soulignent la voix éraillée transpirant le vécu de la chanteuse. Folk assurément mais la soul et l’esprit du blues ne sont jamais bien loin des aspirations de la musicienne, bien plus mature que ses 22 ans (seulement!) ne le laissent supposer. Cet album en forme de joyau sort aujourd’hui comme il aurait pu sortir en 1966, et s’il n’y a qu’une seule chose à retenir de ce bijou, c’est bien que la valeur n’attends point le nombre des années. La beauté n’a pas d’âge, ne cherchez plus la digne héritière de Joni Mitchell ou de Karen Dalton, elle est ici !

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François Joncour : « Sonars Tapes »

Vous vous souvenez d’« Harvest » de Neil Young ou de « Bryter Layter » de Nick Drake ? Deux disques dont puissance mélodique était si forte qu’ils arrivaient à faire voyager l’auditeur dans les grands espaces de l’ouest étasunien pour l’un ou les vertes prairies anglaises pour l’autre. Et bien, toutes proportions gardées et dans une esthétique électro pop radicalement différente, le nouvel album du Finistérien relève pourtant de la même logique, à savoir transporter littéralement quiconque aura le bonheur d’y jeter une oreille. Elaboré en collaboration avec les chercheurs BeBEST du CNRS, qui a mis a disposition du musicien sa bibliothèque sonore, on retrouve sur le disque les sons maritimes captés en bord de mer, par hydrophones ou par Joncour lui-même, de l’Arctique à la rade de Brest (des glaciers se déchirant par exemple) comme autant de témoignages de la catastrophe du réchauffement climatique actuellement en cours (« la beauté d’une catastrophe » entends-t-on en cours d’album). Quand l’art vient au secours de l’écologie. Le matériau ainsi collecté est riche et François Joncour, par ailleurs adepte de pop, d’expérimentation électronique et de musique répétitive, le met à profit en mélangeant sons, électronique et instruments acoustiques (violons, guitares) dans un amalgame somptueux et hypnotique quoi que légèrement menaçant. Un enregistrement de terrain à classer tout près du « 60°43’Nord » de Molécule. Embarquement immédiat.

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Olivier Rocabois et Pollyanna, Péniche Antipode, 16 décembre 2021.

Un petit mot tout d’abord pour annoncer la naissance du label Acoustic Kitty dont l’artiste phare Pollyanna ouvre la soirée. Seule à la guitare, tantôt acoustique, tantôt électrique, cette dernière fait preuve d’une belle aisance sur scène dont elle occupe l’espace avec un humour qui transpire le vécu et les petits malheurs, rigolo ou non, du quotidien et les émerveillements de tous les jours. Plutôt d’obédience folk la musique de Pollyanna n’exclut pas quelques poussées de fièvre rock’n’roll et la chanteuse se révèle une guitariste remarquable arpégeant les cordes de son instrument avec beaucoup de feeling.

Vint ensuite notre héros du jour, Olivier Rocabois, qui, une fois n’est pas coutume, se produit ce soir entouré d’un vrai groupe comprenant basse, batterie, piano et, alternativement, trompette et une seconde guitare électrique. Une véritable armada bien décidée à faire honneur au remarquable dernier album du chanteur (« Olivier Rocabois goes too far ») une ode à la pop de chambre, entre baroque et psychédélisme. Pari tenu haut la main tant l’assemblage remarquable de musiciens ainsi regroupés retranscrit sur scène toute la folie douce qui anime l’artiste dans la création de sa musique. Groove terrible de la section rythmique et envolées barrées (selon les propres termes du chanteur) du clavier, sont ainsi au programme le tout souligné par l’ingrédient venu d’ailleurs, une forme de cheveu sur la soupe rock, incarné par la trompette. Sur scène, Olivier Rocabois exprimait le désir que sa « musique serve à quelque chose et au moins à rendre les gens heureux », qu’il se rassure le contrat est rempli au-delà des espérances. Voilà de quoi conclure en beauté une année de concerts, tronquée et bizarre, mais tout de même riche de quelques bons moments malgré tout.

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The Dead South : « Sugar & Joy »

 

C’est au Canada, dans la province de Saskatchewan, bien loin des collines du Kentucky qui ont vu naître le bluegrass, qu’est né The Dead South, un groupe de bluegrass donc, à l’approche toute personnelle. Petit rappel pour commencer, le bluegrass, la country des collines, est exclusivement jouée sur des instruments à cordes (point de batterie par exemple). Dans le cas qui nous intéresse, banjo, mandoline et violoncelles sont à la fête (on note toutefois l’absence de violon). Mais la note toute personnelle vient de ces refrains d’inspiration pop/rock (cf. « Blue Trash ») qui viennent faire des irruptions impromptues au milieu des chansons, au débotté, avant une de ces accélérations démentielles typiques du genre. Une forme de grand huit au swing infernal (cf. « Black Lung ») où se côtoie folk (la magnifique « Broken Cowboy ») rock et country. L’auditeur finit l’écoute étourdi ! Alors The Dead South, faux groupe de rock ou vrai formation bluegrass ou inversement ? Peu importe dans le fond, « Sugar & Joy » est le genre d’album qui fait voyager, emmène très loin l’auditeur et ça fait du bien !

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Howlin' Jaws : « Strange Effect »

 

Howlin' Jaws, soit Mâchoires Hurlantes en français, réussit, par un étrange effet, à faire mentir la promesse de bruit et de fureur contenue dans le nom du groupe. Point de hurlements à la mort ici, ni d’attaques délirantes de guitares saturées. Nous avons droit, au contraire et c’est tant mieux, à un cocktail musical particulièrement fin, très inspiré par les années 60, dont l’influence se fait surtout sentir dans le chant (les voix sont sublimes cf. « Love makes the world go round »), et où le groove règne en maître du clavier à la batterie. Il ne fait point de doute que le trio s’y entend pour écrire et composer de chouettes ritournelles inspirées par le rhythm’n’blues, le blues (« Dust »), le rock garage et traversées d’éclairs de guitare psychédélique (« She lies »). L’idée de génie a été d’enregistrer l’album dans les mythiques studios londonien Toe Rag où le producteur Liam Watson a su magnifier le tout en cet album sublime et intemporel.

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Sarah Amsellem : « Muses, les filles de la mémoire »

 

Si l’on prend en compte le fait que son premier album est sorti il y a seulement deux ans, tout est allé relativement vite pour Sarah Amsellem, artiste qui, jusqu’à présent, s’était distinguée avec des disques « faits maison » (cf. « Hidden Echoes », « Miracles ») ou acoustiques à l’esthétique dépouillée (l’ep « Sésame »). Ainsi ce nouvel effort de la chanteuse, sa quatrième sortie (en deux ans donc), marque une nouvelle étape avec, pour la première fois, le travail avec un producteur au regard extérieur, Jean-Charles Versari. La collaboration avec ce dernier a véritablement fait passer un cap à l’artiste qui enlumine les compositions et confectionne, à grandes lampées d’arrangements, entre sophistication et expérimentation, l’écrin parfait pour la voix protéiforme de Sarah (également comédienne voix-off) qui chante, récite ou susurre délicatement dans le creux de l’oreille, magnifiquement du début à la fin. Ainsi, ce nouvel effort s’impose comme la somme, la synthèse de tout ce qui a précédé. Les arrangements psychédéliques et barrés vont relativement loin, jusqu’à l’incandescence folle («Le Brasier »), et côtoient une forme d’évidence irrésistiblement pop et addictive (la délicieuse « Le Serment » construite sur une ligne de piano brisée et savamment déconstruite). Les ballades au charme rétro (« Au revoir à présent ») où le piano (jouet?) aigu fait planer un léger air de cabaret (« Ode à la plume de la ménagère ») constituent une autre esthétique prisée par la musicienne qui clôture, comme souvent, son album sur une composition dépouillée aux accents classiques (« L’hiver ») bouleversante à vous retourner le cœur. « Muses » est non seulement son travail le plus abouti à ce jour, mais également son projet le plus ambitieux, inspiré par la littérature (les textes sont signés de poétesses et autant de grandes plumes) et accompagné d’un recueil de neuf poèmes, composés par l’artiste, qui en a également dessiné pochette et couverture.

Sortie numérique le 10 décembre.

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Laurence Jones Band, Jazz Club de l’Etoile, Le Méridien, 02/12/2021

Qui de mieux que lui pour accompagner en musique le vernissage de l’exposition « Music Revolution » de Roger Kasparian (visible jusqu’au 2/03/2022 dans le hall de l’hôtel Le Méridien) ? En effet, par son habilité guitaristique, Laurence Jones s’impose comme le digne héritier du Blues British Boom des sixties, une position devenue hélas rarissime dans le pays d’Alexis Korner et de John Mayall. Une influence première que le jeune musicien mélange un son rock typé 60/70, clin d’œil au Rolling Stones et reprise de Jimi Hendrix à la clef, chargé en électricité donc mais auquel le clavier apporte la dose de groove nécessaire. Même s’il a parfois un peu tendance à trop couper les cheveux en quatre et à forcer un peu dans le rock, là où un supplément de feeling serait bienvenu, le concert réserve tout de même quelques chouettes moments où on se prend à taper du pied et à dodeliner de la tête. Et ça fait du bien de retrouver, même de manière artificielle, un peu de l’insouciance capturée sur les clichés de M. Kasparian dans les années 1960.

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Modern Men : « Partout en France »

 

On peut, à l’écoute, se demander dans quelle faille spatio-temporelle Adrian d’Epinay (MNNQNS) et Quentin Pinçon (Greyfell) sont tombés quand ils ont fondé ce duo radical, dans le fond comme dans la forme. Faisait sien l’idiome punk, le duo en donne une rendition unique remplaçant l’électricité saturée par toute une artillerie électronique évoquant une rave party industrielle voire expérimentale, menée tambour battant sur un beat implacable, quelque part entre les années 1980 et 2021. Sombre, voire nihiliste, le duo met en sons son incompréhension, salutaire, face au monde. On reçoit le résultat comme on se prend une droite et ça fait mal ! Ames sensibles s’abstenir…

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Dirty Deep : « A wheel in the grave »

 

Pour fêter dignement sa décennie d’existence, Dirty Deep sort ce livre rétrospectif. Et il s’en est passé des choses en dix ans, des premiers concerts en one man band, en passant par le duo guitare/batterie, pour finir en power trio. De l’électricité furieuse à l’acoustique, en collaborations prestigieuses (Jim Jones, James Leg), le groupe n’aura eu de cesse de se réinventer, de renforcer son idiome pour mieux asseoir son identité. Enfin pour que la fête soit complète, le livre est accompagné d’un EP au concept étonnant ou le groupe lâche la bride à ses invités (tous anglophones, ce qui en dit long sur le rayonnement international du trio) qui ont choisis les reprises. Du blues bien entendu (« Jealous Hearted Men » de Muddy Waters) en compagnie de Left Lane Cruiser mais aussi, bien plus surprenant, un essai au flow rap en compagnie de Pete Dio (« Catfish blues ») ou une version déchirée du « You’re gonna miss me » (13th Floor Elevator) avec l’excellent Scott H. Biram. Mark Porckchop Holder, Jim Jones et James Leg complètent le casting pour que la fête soit complète. Chouette !

Sortie le 03/12.

En concert le 10/12 au Supersonic (Paris)

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Edith Nylon, Le Trabendo, 27/11/2021

Météorite punk/new wave à la toute fin des années 1970 (trois albums entre 1979 et 1982), séparés en 1983, Edith Nylon a remis le contact début 2020. Un retour stoppé net par la calamité qui a mis le monde à l’arrêt. Le nouvel album, le premier depuis 38 ans, est sorti il y a deux semaines et s’intitule « La fin de la vie sauvage ». Le ressenti des anciens punk, survivants dans notre « monde d’après » à la fois masqué et hyper connecté ? Quoi qu’il en soit, c’est masqué (puisque c’est désormais l’usage) que l’on reçoit le message ce soir au Trabendo, dans un étrange choc des époques. Et la musique dans tout ça ? Les cheveux ont certes un peu blanchi chez certains, mais l’efficacité est toujours de mise, les guitares bien en avant, le synthé en soutien, si le punk d’hier a gagné en maturité, en précision, signe d'une ambition musicale revue à la hausse, le geste reste, encore et toujours, imprégné de la rébellion électrique d'antan. Mais c’est bien au niveau des textes et des thèmes abordés que le groupe touche à l’intemporel. De « Mariage dernier délai » à « Attendez-moi » ; de « Femmes sous cellophane » à « Edith Nylon » (la chanson du même nom) les thématiques abordées par le groupe, sont toujours totalement actuelles aujourd’hui. Pas sûr cependant qu’il faille sans réjouir. Tout le contraire de la proposition musicale faite par le groupe, totalement euphorisante en 2021, comme elle l'était en 1979.

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Music Revolution, vernissage de l'exposition le 2/12

 

Le vernissage de l'exposition, le 2 décembre prochain, sera suivi d'un concert des Britanniques Laurence Jones Band au Jazz Club Etoile (81 boulevard Gouvion Saint-Cyr).

Mô’ Ti Tëi : « Well Dressed Exile : Second Hummin »

 

Derrière le pseudonyme barbare, que l’on se gardera bien d’essayer de prononcer, se cache un premier album tout en nuances folk et rock. Et oui, rock, car, derrière l’acoustique se niche des accès de rage vocaux (« Falling Down ») où une cavalcade de percussions folles (« Distant Madness ») entraîne la musique sur un terrain rugueux pour mieux s’en éloigner par la suite empruntant des sentiers délicatement arpégés (« Dying of boredom » ; « Gently Kissing »). Un album tout en nuances donc, un grand huit émotionnel où la férocité musicale monte redescend aussi vite qu’elle est montée, magnifiquement incarné par un chant renouant avec certaines intonations du regretté Jeff Buckley (c’est dire!) Un soupçon de blues ou de country, voire de flamenco, savamment entretenu et gentiment enivrant (« A brand new start »), achève de nous convaincre du bien fondé de la démarche. C’est album qui va vous faire voyager très loin !

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MASSTØ : ĀPĪ

 

A eux trois, Thomas Orlent (chant, guitare), Timothée Poncelet (batterie) et Matthias Colombel (basse) forment le groupe Masstø. Un power trio de facture classique mais qui a l’art de détourner l’habituel sens de la formule. Pas tout à fait rock, pas totalement blues ni franchement soul mais un peu des trois à la fois, le trio n’a pas son pareil pour faire cohabiter un sens du groove ravageur (« Ocean ») avec des guitares vitaminées (« Woman » ; « Misery ») pour un grand numéro de charme blues (« I’m not your man anymore » ; "Black Snake") dont l’apparente économie de moyen sert le propos. En effet, enregistré près l’os et sans ostentation, la musique met en valeur la sincérité des protagonistes dont le feeling vénéneux se propage à chaque note. Réussi !

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Cancre : « Étrangler »

 

Le trio des frères Millasseau hausse le ton sur ce deuxième EP. Toujours inspirée par les poèmes écrits par leur arrière-grand oncle Marcel Millasseau, en plein cœur des tranchées de la première guerre mondiale, et redécouverts par hasard dans un grenier familial, la fratrie se place dans un étrange entre-deux temporel. La plume, les mots de Marcel Millasseau sont très ancrés dans l’époque où ils ont été posés sur le papier, une ambiance surannée à laquelle la musique prend le contre-pied, avec habileté, dans une dynamique tout à fait contemporaine. Il est tout d’abord captivant, et inquiétant aussi, de constater à quel point les mots du début du vingtième siècle résonnent avec acuité aujourd’hui. Ensuite, force est de constater que Cancre à réussi son coup et à trouvé le juste titre pour ce nouveau disque. « Étrangler », oui c’est tout à fait cela tant la musique prend l’auditeur à la gorge dans ses moments les plus intenses (cf. « Survivants »).

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Olivier Rocabois et Pollyanna en concert à La Péniche Antipode le 16/12

 

Phillip-Michael Scales : « Sinner-Songwriter »

 

Neveu du légendaire BB King, Phillip-Michael aurait pu facilement passer pour un enfant de la balle. Erreur, car c’est loin du blues que l’artiste a débuté son parcours musical avant d’être rattrapé à son tour, au décès de son célèbre oncle. Pour se faire, Phillip-Michael a inventé son propre style celui de sinner (pécheur) songwriter (auteur-compositeur) et ce n’est pas par hasard que l’album débute avec le titre « Feels like home ». Car si effectivement le chanteur se sent comme à la maison dans la note bleue ("Troubled Water"), l’envie de passer la porte vers d’autres horizon, gospel (« Send me there ») ou soul (« Lay it on me ») se révèle rapidement irrépressible ; alors que « When they put me in my grave » scelle la rencontre avec un autre célèbre neveu, Archie Lee Hooker. Doté d’un véritable savoir-faire et bien entouré, le chanteur incarne vocalement à merveille les différents styles dévoilant, au fur et à mesure, les différentes nuances et émotions restées planquées dans le fond de sa gorge. Et il y a là largement de quoi passer la déprime hivernale (l’euphorisante « Another man’s sin ») en dépit d’une production parfois un peu trop grandiloquente (« Your love’s working me to the bone »).

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The Lonely Tunes of Pepper White

Lorsque les Madcaps, dont il était le chanteur, ont tiré leur révérence, Thomas Dahyot pensé être définitivement rangé des guitares. Mais c’était sans compter sur ce piano, qui lui faisait de l’œil. Dès lors, deux options se proposaient à Thomas, remiser les rêves artistiques et s’engager sur une autre voie ou alors entamer sa mue. Et Thomas devint Pepper White. Un drôle d’ingrédient que ce poivre blanc, piquant sans avoir l’air d’y toucher. Un peu comme ses nouvelles compositions, remisées du garage rock qui a fait la réputation de son groupe précédent, et dont l’épice rock’n’roll est bien planquée sous le vernis pop. Appelons cela un pas de côté, une incarnation différente des mêmes sources d’inspiration : le rock et la pop des années 60 (l’excellente « Rom Com »), l’acoustique chaleureuse (« Ok Alright ») et un soupçon de blues/soul (« Still in love with you » qui découle de « Fever » ; « Home Alone » comme un Screamin’ Jay Hawkins revisité) comme un grand écart entre le Swinging London et le Delta du Mississippi. Tout ce qui fait qu’un album se dit intemporel se retrouve ici. Le sentiment d’intimité immédiate avec la musique, la chaleur qui découle naturellement des enceintes, alors que les chansons défilent. C’est dans le fond, assez réconfortant.

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Komodor

Des Who (dans leur acceptation la plus synthétique) à Peter Frampton, un peu de psychédélisme, de hard rock et beaucoup de glam, c'est le trio gagnant, et tout un pan du rock des années 1970, que le groupe breton se fait fort de faire revivre, en assumant jusqu'au bout leur obsession nostalgique. Après deux vidéos efficaces, et fortes en décibels, on peut d'ores-et-déjà affirmer que la sortie de leur premier album "Nasty Habits", le 17 décembre prochain (pile pour Noël dis-donc !) s'annonce comme l'évènement de cette fin d'année.

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Malted Milk : « Riding High »

 

Le groupe nantais plane très très haut avec cette nouvelle mini-sortie de 4 titres, disponible uniquement en digital (hélas, hélas, hélas). Toujours fidèle à l’idiome soul, le groupe teinte désormais sa musique d’un sens de l’espace unique en son genre. Ces nouvelles compositions respirent comme jamais, portées par la voix soulful d’Arnaud Fradin. L’EP est aéré, les éléments sont tous en place sans jamais se disputer les fréquences (une gageure à sept musiciens !), et le résultat atteint des sommets d’émotions (cf. la fantastique « I wanna go home »). Et une réussite de plus !

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Adam Wood : « Hello Again »

 

Adam repasse nous faire coucou avec cette mini livraison de quatre titres. Quatre titres seulement serait-on tenté de dire. Cela semble peu, dit comme ça, mais l’artiste nous offre tellement à travers les notes dispersées sur le disque... Car il y a une constante dans tout cela, qu’importe le temps qui passe et les disques qui sortent, Adam garde intacte sa capacité à brosser de grandioses paysages musicaux, désertiques, évoquant une terre autant rêvée que promise. Les grands moyens sont de sortie : banjo, trompette, flugelhorn (en sus des habituels guitare, basse, batterie et piano), Adam met en œuvre toutes les ressources à disposition (et plus encore) pour redessiner en notes harmonieuses les contours de cette americana, vue de Clermont-Ferrand, c’est à la fois original, classique, intemporel, et, surtout, joué avec passion.

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tôt Ou tard, l'album des 25 ans.

 

Plutôt que de sortir une compilation de plus, le label tôt Ou tard a décidé de fêter son quart de siècle de façon originale avec ce double album copieux et ludique qui voit les artistes du label se reprendre mutuellement. 

Disponible en digital, sortie physique le 26 novembre.

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Natalia M. King : « Woman Mind of my own »

 

Américaine exilée en France, débusquée, la guitare en bandoulière, dans un couloir du métro, la chanteuse Natalia M. King avait dès le départ de sérieuses prédispositions pour chanter le blues. Mais c’est pourtant dans un autre registre, le grand fourre tout alternatif, que Natalia a sorti ses premiers albums. C’est donc avec ce nouvel effort, le huitième, que la chanteuse part à la découverte de l’idiome bleu, en entraînant l’auditeur dans son sillage. Et arrivé à ce stade de sa carrière, après 20 ans d’expérience, il n’est pas tant question pour Natalia de faire du blues mais plutôt d’aller le rechercher un peu partout, dans ses expériences passées (cf. la relecture bluffante du « One more try » de George Michael). Parfaitement interprété par des musiciens spécialistes du genre, ce nouvel album n’est ni passéiste, ni la victime collatérale d’une mode vintage comme en témoigne la dynamique très moderne qui anime « AKA Chosen ». Les invités Elliott Murphy, un autre exilé étasunien ou le Néo-Zélandais Grant Haua offrent de très grands moments à la chanteuse le temps de duos partagés sur « Pink Houses » (John Mellencamp) ou « (lover) You don’t treat me no good ». Enfin, en l’acoustique de « Woman mind of my own » ou de « So far away », la chanteuse trouve la matière pour exprimer une émotion vive, à fleur de peau, tout à fait bouleversante.

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Cecil L. Recchia : « Play Blue »

 

D’une chouette idée naît souvent un chouette disque ! La confirmation nous en est donnée une nouvelle fois avec ce nouvel effort qui voit la chanteuse s’attaquer au répertoire du label Blue Note (« Play Blue », CQFD). Dans ce corpus, pourtant archi-connu, Cecil a trouvé le matériau idoine pour faire éclater son charisme, la séduction vénéneuse qui émane de son chant ourlé, son sens du placement et du rythme et, d’une manière générale, le charme éclatant qui irradie de sa personnalité. Les compagnons de jeu de Cecil sont tous à l’avenant jouant un jazz classieux débordant de feeling et au sens du swing certain. Elégant est bien le maître mot ici. Jouant la carte de l’intimité avec l’auditeur, on ressent à l’écoute un sentiment de familiarité immédiat et une forte connexion intime à la musique (cf. « Sleeping dancer sleep on »). Tour à tour délicat ou enjoué, le disque se révèle un plaisir du début à la fin. Pas original pour un sou certes, mais que le jazz est bon quand il est joué ainsi !

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Sarah Amsellem : « Je me nomme poète »

Lorsque nous avions quitté Sarah, avec l’ep « Sesame », cette dernière prenait alors un virage stylistique vers un son folk, chanté en français. Prenant un habile contre-pied, cette nouvelle vidéo, annonciatrice de son troisième album (sortie le 10/12 uniquement en digital hélas, hélas, hélas), voit l’artiste renouer avec une veine psychédélique, expérimentale, celle là même qui infusait « L’âme innocente », « Cap vers les étoiles » ou « La fille au regard perdu » de "Miracles", son premier disque. Produit avec maestria par Jean-Charles Versari, la chanson est animée par un battement, semblable à un rythme cardiaque, qui fait vibrer le cœur de la musique. Et celui de l’auditeur aussi ! Le résultat hypnotise, enivre et embrume l’esprit aussi sûrement que des vapeurs d’opium musicales. Fidèle à ses influences, les Doors ou Pink Floyd, la chanteuse réussit ici à émuler un idiome aussi codifié que le psychédélisme/progressif à son univers hautement personnel, sans la moindre trace de revivalisme vain. Du grand art ! En choisissant de mettre en musique les textes de poétesses qui l’ont inspirée (Andrée Chédid en l’espèce), Sarah a trouvé le matériau idéal pour mettre en valeur ses talents de chanteuse mais aussi de conteuse, rappelons en effet qu’elle est également comédienne voix-off, pratiquant un chanté/parlé qui lui sied à merveille. Enfin, cette sortie sera accompagnée d’un recueil de poèmes composés et illustrés par l’artiste elle-même. Vivement la suite !

En concert le 15/12 au Walrus.

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François Premiers : « Space Time »

Selon un principe établi depuis leurs deux premiers 45 tours, cette nouvelle sortie des Havrais se compose d’une reprise et d’une composition originale. Toujours aussi efficace, la formule fonctionne avec un bonheur égal sur cette nouvelle sortie (uniquement en digital pour le moment, les indépendants ayant de plus en plus de mal à faire fabriquer des disques physiques), à savoir un cocktail de guitares abrasives, de voix écorchées avec un petit soupçon de bizarrerie psychédélique en sus pour la note décalée. Et il ne faut guère plus de trois minutes aux François Premiers pour coller la banane à l’auditeur, entraîné dans ce cocktail primesautier de décibels joyeux mené tambour battant. Frais et entraînant. A l’instar d’un bon vieux Stooges d’antan, à écouter le matin pour bien commencer la journée.

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Bloom Bat : « Full Dawn - EP#1 »

 

Entre envolées jazz de la guitare (« Daylight Radio » ; « Outsider ») et groove tranquille de la boîte à rythmes, qui claque comme dans un vieux morceau de hip-hop, ce premier EP du jeune artiste apporte de nouvelles couleurs à la soul aussi sûrement qu’il impressionne par la maturité de sa production. A mi-chemin des sonorités organiques (guitare, vents) et électroniques (boîtes à rythmes et quelques nappes éparses), l’EP trouve le point d’équilibre où tous les éléments s’amalgament naturellement pour former un ensemble cohérent, tout en contrastes créatifs. Enfin, dernière pièce du puzzle, les voix de Serena Stranger et de Joe Bruce the Waterbearer, enluminent l’ep, lui apportant l’incarnation humaine nécessaire afin d’éviter la froideur mécanique de s’installer. Nous sommes emballés !

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Kuunatic : « Gate of Klüna »

 

Attention, danger ! Sur ce premier album, le trio féminin japonais se fait fort de livrer une version tout à fait personnelle de l’idiome psychédélique. En un sens, le groupe est le produit de sa culture dans la mesure où y retrouve cet angle frappadingue qui anime bon nombre de projets musicaux issus de l’archipel et fait prendre aux compositions du groupe des trajectoires franchement inattendues ; portées par les voix à l’unisson et mues par une lourdeur métallique sous-jacente. Une violence qui ne se fait jamais vraiment jour encore renforcée par l’aspect tribal de la musique, incarné par des percussions énormes et qui sonnent aussi sûrement que le tocsin (cf. la mortifère « Desert Empress part. 2 »). Enfin dernière pièce du puzzle, de nombreux instruments traditionnels cohabitent avec les habituels batterie, basse et claviers (on note au passage l’absence de guitare qui signe la singularité du groupe sur la scène rock) formant une passerelle entre modernité et tradition.

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Fred Barreto Group : « Moving On »

 

On avait déjà repéré le guitariste brésilien aux cotés de Archie Lee Hooker. Mais dans une vie musicale parallèle, le musicien est également le leader de son propre groupe, FBG pour les intimes, dans lequel on retrouve Nadja Prange (orgue), Daniel Fastro (basse) et Michael Stein (batterie). Sur ce premier album, la troupe ainsi constituée défends une version assez brute du blues guitares pétaradantes à l’appui, flirtant avec le hard-rock. Et c’est d’ailleurs ainsi que débute le disque, sur les chapeaux de roues, avec l’explosive « Living and Loving », tout un programme, prônant la joie de vivre dans une explosion d’électricité saturée. Mais derrière le mur de décibels, bat le cœur d’un bluesman (« Everything comes and goes »). L’orgue joue un rôle majeur pour ajouter ce feeling soul dans la musique, contrepoint parfait à la puissance de frappe de l’ensemble, alors que la section rythmique sait faire groover toute cette affaire sans rien perdre de son tranchant (« Golden Age »). Si l’ensemble est fortement ancré dans les années 1970, il n’est pourtant point de nostalgie à l’horizon. Mettant à profit son approche unique de l’instrument, faite d’expérimentation sonore, Fred Barreto pare l’album d’un angle psychédélique barré (« Moving On » ; « Dream Again ») et ravageur. C’est ainsi à un festival de la guitare auquel on assiste où Barreto fait montre de son adaptabilité jouant au besoin tour à tour sur le feeling, la déflagration électrique ou la souplesse, sans jamais perdre de vue l’intérêt supérieur de la chanson. Un chouette album, bien plus profond qu’on pouvait l’imaginer de prime abord, et qui nécessite une écoute attentive et répétée pour bien en saisir les nombreuses saveurs et nuances.

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Baba Wazo : « Animal »

 

A eux trois, Basile Théoleyre (chant, guitare, trompette), Maximilien Helle-Forget (claviers) et Benjamin Colin (batterie), forment un drôle d’animal ! Baignant depuis longtemps dans la world music, Basile a décidé de rendre hommage à l’idiome mais à sa manière, c’est à dire en chantant en français, sur une musique qui voyage de part le monde où résonne les influences diverses venue d’Afrique (l’excellente « Animal ») comme du Maghreb ou de l’Amérique Latine (« Paresse »). Le postulat ainsi posé est déjà prometteur d’une grande diversité mais reste pourtant réducteur. Tout comme elle traverse les frontières, la musique du trio n’hésite pas non plus à sortir de son genre de prédilection piochant l’inspiration aussi bien dans le jazz que dans l’électro (« La vie » ; « Sanza Tristesse ») alors que le chant en français nous ramène immanquablement à la chanson française. Et c’est justement cet éclectisme qui sauve le groupe de l’écueil dans lequel sont tombés bon nombre de chanteurs de variété à la recherche d’un nouveau souffle. Respecter les styles abordés tout en leur insufflant un souffle nouveau sans les affadir, voilà le secret de la réussite de ce voyage musical plus que réussi.

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Burning Casablanca d’Ismaël El Iraki

Rock star au bout du rouleau, Larsen Snake (Ahmed Hammoud) est de retour dans sa ville natale. C’est autour d’un accident de voiture que se noue une rencontre improbable…

C’est très probablement un hasard, mais en affublant le métrage du titre de « Burning Casablanca », l’équipe marketing du film a visé juste. En effet, débordé par son désir ardent de cinéma et son enthousiasme imprimant chaque millimètre de pellicule, Ismaël El Iraki, a fini par se brûler les doigts sur l’autel de sa créativité bouillonnante. Ne réussissant jamais à dépasser le postulat posé par ses influences encombrantes (Tarantino, Sergio Leone, « Sailor et Lula » de David Lynch) El Iraki livre un film bancal et brouillon, partant dans tous les sens, ponctué par des excès de violence injustifiés, pénibles à regarder qui plus est, et développant une obsession, lourdingue à la longue, pour les serpents. Et c’est bien dommage car, dès lors qu’il est question de musique, le réalisateur fait preuve d’un véritable talent pour retranscrire à l’écran la puissance charnelle du rock’n’roll, la magie de l’improvisation ou l’excitation provoquée par un concert, bien aidé en cela par la voix magnifique de son actrice Khansa Batma, comme autant d’éclairs de génie brillants au milieu du maelström. Alors que le récit s’éloigne peu à peu du rock, pour virer quelque part entre le film noir et le western spaghetti, livrant un rendu kitsch et cliché, limite embarrassant, le spectateur décroche peu à peu du film, des personnages et de ses enjeux dramatiques. Autre problème, souligné par l’amie bilingue qui m’a accompagné à l’avant-première, le film souffrirait d’une traduction approximative dans les sous-titres (« ma viande » plutôt que « ma chair » par exemple) conférant à l’ensemble une tonalité beaucoup plus vulgaire qu’elle ne le serait en réalité. Un rendez-vous loupé, mais il s’agît d’une œuvre inaugurale rappelons-le. Souhaitons toutefois au réalisateur de réunir le budget lui permettant de poursuivre son aventure cinématographique et de trouver enfin une voie qui lui soit propre. Il serait dommage en effet que les choses en restent là.

Julien Ribot : « Do you feel 9 ? »

 

Le chiffre neuf symbolise bien des choses, les neuf mois de la grossesse, la fin d’une décimale avant le début d’une autre. Mais, autre curiosité de la langue, le mot « neuf » peut-être compris au sens de nouveau. Et tout neuf, Julien Ribot l’est assurément avec ce nouvel effort de (tiens, tiens) neuf titres après neuf années d’absence discographique, entièrement en anglais, ce qui est nouveau également ! Personnage étonnant, charismatique et hyper créatif, Julien évolue sur une autre planète, qui lui est unique assurément. Album foisonnant, partant dans tous les sens mais sans jamais perdre la direction principale, l’écoute de ce « Do you feel 9 ? » s’apparente à un grand plongeon, la tête la première, dans un bain bouillonnant de créativité. On y trouve tout d’abord ces grandes envolées mélancoliques au piano qui prennent à la gorge (« hey, you know wonderland » ; « Annabelle part. II» ). Autant de tentatives maussades aussitôt contrecarrées par l’enthousiasme débordant d’une pop psychédélique gagnée par le retro futurisme des synthés analogiques (« we obi diva » ; « Neon Juju » ; « time is a fruit ») et ce, parfois, au sein de la même chanson (« le rayon vert ») ! Produit au millimètre avec un soin du détail maniaque, et un sens de l’arrangement dont la grandiloquence laisse pantois, l’album, n’est jamais écrasé par l’influence de David Bowie (que Julien a visiblement beaucoup écouté) mais, au contraire, magnifie cette dernière. Un artiste pluri-disciplinaire (la pochette est la reproduction d’une de ses toiles et il réalise lui-même ses clips) ne saurait de toute manière se contenter d’évoluer en faussaire de l’ombre. Sa musique, et celle de ce dernier album en particulier, est faite pour briller au firmament.

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Jesse Malin : « Sad and Beautiful World »

 

Sa voix fluette et haut perchée possède un petit quelque chose de Neil Young alors que le souffle épique qui habite ses compositions, et plus généralement le feeling east coast qui s’en dégage, évoque plutôt Bruce Springsteen. Depuis une bonne vingtaine d’années, le New-Yorkais Jesse Malin est l’un des songwriters les plus attachants de sa génération. Et prolifique avec ça comme le prouve ce copieux, mais jamais lassant, une prouesse, nouvel effort de 15 titres. D’une certaine manière la quintessence de l’art de Jesse Malin, capable de scotcher l’assistance avec une simple guitare acoustique et des mots touchants racontant le quotidien des gens simples (cf. « Crawling Back to You ») dans un grand croisement entre Springsteen, une certaine conception noble de la pop, et la country (« Tall Black Horses » ; « Lost Forever » ; « Dance on my Grave »). Ailleurs, le piano et/ou le rythme endiablé du rock’n’roll sous l’influence des années 1970 (« State of the Art » ; « We Used to Roll » ; "Dance with the System") se charge d’apporter un contrepoint bienvenu aux compositions intimes et émouvantes, complétant ainsi le panorama d’un album riche et varié.

En concert à Paris (La Boule Noire) le 2 novembre.

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François Premiers + Parlor Snakes + Fuzzy Vox, Petit Bain, 27/10/2021.

Pour commencer la soirée, François Premiers, le groupe du Havre articulé autour des deux François, Lebas (Fixed Up, Backsliders, Asphalt Tuaregs) et Frandol (Roadrunners) nous a donné une magnifique leçon de rock’n’roll ! Fougueux, mené tambour battant par une section rythmique folle et un duo de guitares survoltées qui décollent les oreilles ! La mandoline électrique ajoute une note psychédélique au cocktail garage, ce qui ne gâche rien à l’affaire. Le résultat d’années d’expérience qui n’ont pas altéré l’énergie des musiciens et la rage d’en découdre. La classe absolue tant dans les compositions originales que dans les reprises choisies avec soin. Seulement trente-cinq minutes et un fort goût de trop peu mais qui a le don de mettre de bonne humeur !

Cela faisait un certain temps que l’on n’avait pas recroisé la route des Parlor Snakes. Dans l’intervalle, le line-up a changé et intégré une toute nouvelle section rythmique qui a profondément changé la donne. La nature du groupe, cet arc de cercle qui relierait la pop au rock garage, s’en retrouve renforcée. Ainsi, la dualité du groupe, entre guitares brûlantes et clavier froid, apparaît dans toute sa splendeur. Plus que jamais, les Parlor Snakes jouent sur la retenue, contenant la violence froide des compositions autant que possible avant le grand lâché de décibels, alternant passages éthérés, limites planants, et brutale explosion de guitare saturée. La section rythmique se révèle parfaite dans le rôle jouant à merveille le rôle de modérateur comme celui d’accélérateur. Le magnétisme de la chanteuse Eugénie fait le reste et assure le show. Après des mois de confinement et de privations, le groupe est survolté et a visiblement envie de croquer la scène. Ça fait plaisir à voir !

On termine avec le trio Fuzzy Vox qui s’exprime dans un registre complémentaire aux deux formations précédentes en ajoutant une note synthétique au cocktail de guitare saturée et de rythmes endiablés, le tout mené avec énergie et bonne humeur par le chanteur/guitariste, qui aime bien parler visiblement. En dépit d’un répertoire manquant un peu de relief, l’affaire fonctionne et certains titres sortent du lot.

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KRIILL

 

Etonnant parcours que celui du trio, qui a choisi une voie originale, sortant de nouveaux singles à intervalles réguliers que l’on retrouve regroupés sur le premier album du groupe. Autre incongruité, si le groupe a choisi de s’exprimer dans l’idiome électronique, les musiciens sont également tout à fait capables de se produire en acoustique (cf. le final de « Shabalala »). Une forme de dualité que l’on retrouve dans les compositions, un pied dans la musique électronique et un autre, fortement ancré, dans la pop. Ainsi, pour le groupe, le but du jeu semble avant tout de composer des chansons qu’ils se chargent ensuite de vitrioler d’arrangements tantôt sombres et angoissants, tantôt doucereux (« Shoebox » ; « Brittany »), où plane, parfois, un spectre rock sous la forme d’éclairs de violence savamment orchestrés (« The Rabbit »), tout en évitant de reproduire le moindre cliché. Ce qui ne les empêche nullement d’intituler un de leur titre, avec beaucoup d’ironie, « Mick Jagger ».

En concert le 2/11 à Paris (La Maroquinerie)

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Alex Henry Foster & The Long Shadows, Elysée-Montmartre, 23 octobre 2021.

 

Dans l’espace des quarante-cinq minutes de première partie qui lui ont été imparties, alex henry foster aura, en tout et pour tout, joué... Deux titres ! Mais alors, quelle odyssée ! Quelle ode à la liberté que cette musique, libérée des carcans de toutes sortes, qui respire, plane avant de retomber brutalement à terre. Les grands moyens sont de mise, un groupe élargi où parfois cohabite la bagatelle de deux batteries et trois guitares. Le tout dans le but de créer cet espace de liberté où les guitares (l’ensemble du groupe joue sur des Jazzmaster) alanguies, parfois jouées au bottleneck ou à l’archet (comme The Creation dans les années 1960) volent, libérées des contingences terrestres, avant de sonner la charge dans une brutale décharge électrique, un rappel bien orchestré par une rythmique de plomb due au martellement conjugué des deux batteries. Signe de la conception très libre de la musique d’Alex, ce dernier joue d’un instrument abscons, une manière de guitare miniature pour enfant à quatre cordes (mais qui n’est pas une basse) jouée à l’archet. Placée dans le fond, la clarinette apporte une touche orientalisante à l’ensemble et rappelle que l’artiste aime laisser filer le temps à Tanger, à l’extrême pointe du Maroc. Enfin, toute la sophistication de façade ne saurait cacher la profonde humanité, qui anime tant sa musique, que le chanteur lui-même qui aime à montrer, de façon très tactile, son attachement aux musiciens de son groupe comme aux spectateurs après la fin du set. Comme il aime à le proclamer à la fin du concert : « Il est temps maintenant de célébrer la vie » !

En concert le 27/10 à Bruxelles (Ancienne Belgique) et le 28/10 à Strasbourg (La Laiterie)

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