Ramon Pipin : « C’est mieux qui si c’était pire »

 

Du haut de son expérience, une carrière débutée dans les années 1970 au sein d’Au Bonheur des Dames, Ramon Pipin n’a toujours pas perdu la foi dans la musique. Son nouvel album, le dix-huitième soit dit en passant, se révèle particulièrement ambitieux et se présente sous la forme d’un double EP. Deux disques, deux ambiances. « C’est mieux que si c’était pire », sept titres dans une veine plutôt enjouée où Ramon montre son savoir-faire en matière de rock humoristique, il est, en effet, l’un d’un rare à ne pas être ridicule en la matière (« Les Chiffons » seule chanson au monde consacrée aux chiffons). Le deuxième EP, « C’est pire que si c’était mieux » représente la face sombre de l’artiste, neuf plages où le ton se veux plus sérieux, voire grave (cf. « Mort devant la télé »). Musicalement, conformément à ses habitudes, Ramon Pipin vise large en faisant appel à un large panel d’instruments divers (harpe, cordes, synthés vintages divers, le Solina notamment) tout en restant fidèle à ses marottes habituelles (cf. le riff Stonien de « Est-ce que tu sais ? »). Enfin, de cette large collection de chansons, un titre émerge, émouvant au possible, « Pitchipoï » en duo avec Sarah. Le titre mérite que l’on s’y arrête une seconde et appelle quelques explications. Née dans le camp de Drancy, parmi les enfants déportés, l’expression « Pitchipoï » (le trou du cul du monde en yiddish) désigne un endroit mystérieux et effrayant soit, vous l’aurez certainement compris, le camp d’Auschwitz où finiront tant de déportés dans les conditions abominables que l’on sait. A l’heure où l’antisémitisme devient, toute honte bue, « tendance », grâce soit rendue à Ramon de ne pas oublier les heures sombres de l’Histoire et de faire honneur, avec autant de talent que de délicatesse, au devoir de mémoire.

En concert le 11 avril au Café de la Danse.

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MÔ’TI TËI : « Ant 1 : The Scam Of The Mystical Cicadas »

 

Déjà auteur d’un premier album remarqué en 2021, Mô’ti tëi nous revient avec un deuxième effort toujours aussi émouvant mais où le folk se pare de nouveaux atours tout en gagnant en profondeur. Dès la première plage, « My Deaf Friend », nous sommes saisis par l’ampleur sonore de la musique, sa profondeur et le soin apporté aux arrangements (cf. « Decline » au raffinement swing déglingué avant la grande tornade électrique). La contrebasse, le banjo, la guitare électrique (sublime solo sur « The Best Songs I Write », tirant la musique vers le blues ; « The Point » étonnamment funky dans son intro) sont autant d’éléments apportant une grande diversité d’ambiances tout en diffusant une émotion palpable (cf. « A Second ») du début à la fin du disque. La voix élastique du chanteur, qui nous prends aux tripes, y est également pour beaucoup, n’hésitant pas à s’aventurer dans les aigus à des hauteurs rarement fréquentées, portant l’émotion à un nouveau sommet à chaque titre. Au fil des écoutes, l’album réussit ce petit exploit de créer une véritable intimité avec l’auditeur, comme si ce dernier était invité aux agapes. Une belle réussite.

En concert le 4 juin à la Dame de Canton.

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Malted Milk : « Time Out »

 

Chez Malted Milk on ne se contente pas d’écrire des chansons et de les enregistrer par la suite pour produire des disques. Non, chez les Nantais, le blues et la soul sont un véritable mode de vie, et ce depuis 1999 ! Ce nouvel album, le huitième, ne nous contrediras pas. Ce qui compte pour Arnaud Fradin et son groupe, c’est la rencontre, l’ouverture vers de nouvelles sonorités, la collaboration avec de nouveaux artistes. Ainsi ce nouveau disque ressemble à une collection de moments de vie, captés sur le vif, et voit le groupe poursuivre une collaboration, entamée sur l’album précédent, avec Marco Cinelli (Cinelli Brothers) tout en ouvrant le micro à Ben l’Oncle Soul ou au collectif Le BIM (Benin International Musical) pour un résultat entre soul, funk et afrobeat tout à fait inédit et qui démange sacrément les oreilles. Et c’est ainsi que, tout en restant fidèle à ses passions premières, le groupe continue d’évoluer, creusant toujours un peu plus profondément le sillon du groove, langoureux ou puissant (au choix), proposant, à chaque fois, un disque différent, mais toujours d’égale qualité. D’albums en albums, c’est un corpus attachant qui se dessine, se prolonge, et c’est l’un des plus précieux de la soul à la française. « Time Out » ne déroge pas à la règle : il ne déçoit pas !

En concert le 26 mars à Paris (La Cigale)

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Discover : « California Suite »

 

C’est une sensation assez rare finalement, celle de tomber sur un album dont la pochette, tant elle évoque un imaginaire puissant, semble nous exhorter : « Ecoute-moi ! » Une voiture vintage, une route en forme de ligne droite infinie, un couché de soleil, la skyline de Los Angeles qui se profile au loin à l’horizon et un titre évocateur au possible, « California Suite », posent le décor. Pour son (miraculeux) deuxième album, le duo Discover affiche ses influences. Enfin presque. Plutôt que de parler d’influences, le terme « ambiance » semble plus approprié. Discover fait de la pop estivale, de plage, de la sunshine pop au sens premier du terme, dans la mesure où les chansons semblent gorgées de soleil. Délicats arpèges de guitare folk, bruits de vagues dans le fond et harmonies vocales à tomber par terre, le tableau est parfait, relaxant, apaisant. Il faut dire que derrière l’alias Discover se cache un artisan pop à la musicalité imparable : Olivier Albert Brion. Faisant fi des moyens limités mis à sa disposition et faisant de cette économie de moyens forcée une force, Olivier bâtit, une composition après l’autre, un écrin précieux et idéal pour la sublime voix de la chanteuse Nova. A la fois sensuel et éthéré le chant de cette dernière ajoute une légère intonation soul aux compositions des plus séduisantes. Après un premier album sorti il y a 20 ans, et un peu tombé dans l’oubli depuis, cette renaissance inattendue de Discover relève du miracle. Et loin d’être un coup d’épée dans l’eau, puisque un troisième album est d’ores et déjà annoncé pour ce printemps.

En concert le 3 avril au Truskel

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Julii Sharp : « Burning Line »

 

Au début était Julii Sharp, chanteuse évanescente de balades cotonneuses. Puis est arrivé ce premier album, conçu et enregistré, dans les conditions du live, comme celui d’un véritable groupe (et non plus comme un ensemble de musiciens accompagnant la chanteuse). Un véritable effort collectif donc, apportant relief et profondeur aux compositions de Julii qui a désormais adopté l’anglais. Un choix qui convient plutôt bien à l’univers de l’album, à la fois emprunt de délicatesse folk (« Phantom »), d’ambiances vaporeuses aux moult effets sonores sur les guitares (« Balconies ») mais aussi de poussées de fièvre rock’n’roll (« AB November » ; « Rainbow » ; « Chrysalis »), les amplis qui crépitent et les aiguilles dans le rouge. D’une extrême à l’autre, le chant de Julii plane au-dessus de la mêlée toujours emprunt de douceur, que cette dernière soit à l’avenant de la musique ou, au contraire, en contrepoint des guitares hurlantes, sans pourtant nuire à la cohérence de l’ensemble. Un album qui s’écoute comme un rêve éveillé, comme un écho lointain aux turbulences qui agitent Big Thief de l’autre côté de l’Atlantique.

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Kendra Morris : « Next »

 

Deux ans après son remarquable album « I am what I am waiting for », la chanteuse new-yorkaise revient avec un nouveau disque, son quatrième, prenant remarquablement le contre-pied du précédent. Ce nouvel effort, plutôt introspectif, est dénué des oripeaux modernes qui faisaient tout le sel de son album précédent. La démarche tient ainsi du retour à l’essentiel, prenant la forme d’une soul à l’ancienne, à la fois classique et intemporelle, s’inscrivant parfaitement dans la lignée du label Karma Chief (Colemine) qui le commercialise. Cependant, il serait par trop réducteur de considérer ce nouvel effort comme un pas en arrière de la part de l’artiste. D’une part, parce que ce dernier se révèle, une fois encore, remarquable et riche de moments précieux (les intimistes « After Midnight » ; « Bill »). Ensuite, même si la focale est cette fois-ci réduite, l’éclectisme reste pleinement inscrit dans la conception de la musique que se fait l’artiste. Même circonscrite dans un périmètre plus réduit que par le passé, cette dernière notion fait entièrement partie de ce dernier album recyclant l’influence des girls groups des sixties (« In my house ») aux somptueux arrangements de cordes façon Philly Sound en passant par quelques poussées de fièvre funk (« Don’t wanna be happy ») voire rock’n’roll (« If I called you » ; "Go Nowhere") bien senties. Une réussite supplémentaire à mettre au crédit de l’artiste.

En concert le 5 mai au New Morning

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Kat May : « Le Sacre »

 

Deuxième album d’une série de quatre, suivant le cycle des saisons, « Le Sacre » de Kat May, évoque le (sacre du) printemps. Toute référence à Vivaldi ou Stravinsky écartée (car l'album n'a musicalement rien à y voir), quelle riche idée de mettre les saisons en musique alors que l’hiver se termine et que le besoin de luminosité se fait cruellement sentir ! Pour se faire, l’artiste ne lésine pas sur les moyens. Arrangements de cordes soyeux qui se mélangent harmonieusement aux nappes électroniques, l’album est à la fois délicat et riche d’arrangements ouvragés, le tout installant l’auditeur dans une bulle bienfaisante. Faisant fi des styles et des contingences s’y rattachant, Kat May ne cherche pas à s’inscrire dans la foulée de quiconque. Sa vision de la pop est éminemment personnelle passe de la mélancolie à des ambiances plus rythmées et enjouées ; de l’intime à des paysages sonores de grande ampleur. « Paysage », le mot est utilisé à bon escient tant la nature (la forêt, le vent, le ciel, la mer, la rivière) est une grande source d’inspiration pour la musicienne, maintes fois évoquée au cours de ce disque bilingue français et anglais. Aussi beau et apaisant qu’une balade printanière.

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Pacôme Rotondo : « Crimson Rêverie »

 

Après un premier album, chouette mais inabouti, mettant surtout en valeur ses qualités de guitariste, Pacôme Rotondo revient avec un deuxième effort nettement plus conséquent et abouti. Commençons par dire que le disque baigne dans une délicieuse ambiance seventies, au goût électrique fort prononcé entre blues heavy à la Led Zeppelin (« Lying in the desert ») et lourdeur métallique plus proche de Black Sabbath comme sur « Moonlit Beams ». Ce dernier titre mérite qu’on s’y attarde car il représente (de par sa position dans le tracklisting) une porte d’entrée dans le nouvel univers de Pacôme, qui a élargi la composition de son groupe, pour y intégrer un clavier, et offre une coda tout en groove à ce même morceau. A partir de ce moment, le champs des possibles est grand ouvert pour le guitariste de plus en plus enclin à embrasser des ambiances psychédéliques, la magnifique reprise de « For what it’s worth » (Buffalo Springfield) en compagnie de Raoul Chichin, parfois teintée de folk (« A man needs ») et culmine enfin avec le sublime « Crimson Rêverie » (titre en forme de clin d’œil à King Crimson et à son guitariste Robert Fripp), 7 minutes en apesanteur entre les Doors et Pink Floyd, quasiment progressive. Loin d’être un détail, l’ajout du clavier offre donc une dimension supplémentaire au groupe, créant un écrin tout en groove, propre à faire briller de mille feux la guitare, toujours aussi habile, du jeune musicien (« Back From The Storm »). Ce disque est une belle réussite.

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Joseph Martone : « Endeavours »

 

Personnage fascinant, Joseph Martone a un destin unique, vécu des deux côtés de l’Atlantique alors que sa vie a basculé de Little Italy (le quartier de New-York) à l’Italie où il s’est installé afin de travailler dans le vignoble familial. Entre deux récoltes, Joseph fait de la musique, et plutôt bien. Le présent album est son deuxième après un premier effort « Honey Birds », sorti en 2020. Cette trajectoire de vie unique, Joseph en fait des chansons, baignant dans une ambiance assez sombre, entre Nick Cave et Tom Waits (pour le grain de voix graveleux et éraillé). Les références se bousculent à l’écoute, on y retrouve à la fois un peu du génie d’Ennio Morricone dans les ambitieux et magnifiques arrangements cinématographiques, et un soupçon de Calexico pour l’ambiance désertique qui drape les compositions d’un voile de poussière poisseuse.

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Mafia Sofa : « Unexpected Voice »

 

Venu des rivages de l’océan Atlantique (Capbreton dans les Landes) Mafia Sofa s’inscrit dans une lignée très particulière du rock psychédélique, proche du rock garage voire du punk. Enregistré en live, et sous tension, ce premier album est symptomatique du genre. A l’image des vagues de sa région d’origine, le groupe ménage, régulièrement, des moments de calme (relatif) dans ses compositions. Ces dernières semblent suivre le rythme de l’océan entre tempête et accalmie. Une accalmie de façade, loin d’être apaisées, ces périodes semblent surtout annoncer le grand chambardement des guitares qui ne manquent jamais à l’appel (« Ghost Song »). C’est un album nerveux. Les guitares sont bien mises en avant, la rythmique est survoltée, la voix à l’arrache. Adepte de la trouvaille, voire de l’expérimentation, le trio fait également un usage parcimonieux, mais judicieux, du synthé, ajoutant un soupçon de bizarrerie, parfait contrepoint d’un disque par ailleurs brut de décoffrage, bien sentie (« The Cog »). Une démarche parfaitement maîtrisée de la part du groupe tout au long de cet album plutôt réussi. Une voie (voix) inattendue c’est certain.

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Une Nuit dans le désert, Festival Sons d'Hiver, Maison des Arts, Créteil, 14 février 2026.

Quelle plus belle promesse que celle de passer une nuit dans le désert, alors que la neige tombe derrière la fenêtre à l’heure où sont écrites ces lignes… Une nuit dans le désert, c’est la nouvelle création du festival Sons d’Hiver qui se propose d’organiser la rencontre de plusieurs musiciens venu du Sahel, entre le Maroc et le Niger.

On débute avec deux fines pointures Majid Bekkas (gembri) et Jamaaladeen Tacuma (basse), un ancien musicien d’Ornette Coleman, entourés, entre autres, du guitariste Hervé Samb ou du balafoniste Aly Keïta. Le groupe ainsi constitué fait le trait d’union entre le jazz, le blues et la musique gnanoua. Les compositions sont assez longues pour laisser le groove désertique s’installer à plein. C’est le souffle du désert qui habite le swing et l’occasion d’un fabuleux dialogue entre gembri et guitare, les instruments se répondent, les musiciens s’écoutent sous le haut patronage du bassiste Jamaaldeen et de son injonction : « Talk to each other ». C’est beau un monde qui joue ensemble.

Après 20 ans et quelques de carrière le guitariste Bombino a réussi son pari de placer le Niger (un pays où la guitare électrique a été interdite pendant un temps) sur la carte du blues et du rock. Pour son retour sur scène le guitariste est accompagné de nouveaux comparses, une deuxième guitare rythmique ainsi qu’une chanteuse font leur apparition dans son groupe. Le set débute par deux titres joués en acoustique qui seront les moments, suspendus, les plus mélodiques de sa prestation avant que les choses ne s’emballent brusquement lorsque le batteur prend place et que les amplis sont branchés. Les premières minutes scotchent le spectateur sur place, soufflé par la puissance musicale, le feeling et la technicité de Bombino. Hélas, l’esprit décroche un peu sous les coups de boutoir d’un batteur survolté qui multiplie les descentes à mille à l’heure alors que Bombino répète les mêmes phrases à l’envi, tout au long de compositions interminables qui hypnotisent un temps avant de lasser. Une prestation un peu en demi-teinte donc mais qui n’altère en rien le parcours et la discographie de Bombino, un guitariste marquant de notre époque.

Komodor : « Time And Space »

 

De la pointe bretonne (Douarnenez) nous vient une secousse électrique qui semble née encore plus loin, au-delà de la Manche. Time and Space, nous pose Komodor. La question mérite en effet d’être posée tant le groupe semble posséder des codes qui ne sont ni ceux du rock français ni du 21ème siècle. Temps et endroit. Telle semble être la problématique de ce deuxième album qui s’applique avec un soin maniaque à faire revivre un temps révolu, du siècle ancien, où l’électricité décomplexée menait le jeu. Plus qu’une époque, c’est un émoi que fait renaître Komodor. Celui où un jeune adolescent dans sa chambre découvrait le rock’n’roll, via T-Rex ou le MC5. Entre glam, psychédélique ou garage, Komodor n’a peur de rien, ni du chant maniéré que peu oserait ou de laisser les guitares à l’abrasivité justement contrôlée prendre la poudre d’escampette. Entre deux éclairs électriques, le groupe laisse le champ libre à la répétition hypnotique (« Once upon a time »), au vol sous secousses qui n’attendent que de repartir de plus belle (« Ladies »). Une collection de riffs dévastateurs, il n’y a pas à dire, ça fait du bien ! Et il paraît qu’ils ont même sorti une bière artisanale à boire en écoutant l’album !

En concert le 26 mars à La Maroquinerie (avec After Geography)

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Handsome Jack : « Barnburners !»

 

Après vingt ans de carrière et douze ans après la sortie de leur premier album, le trio de Lockport (dans la lointaine campagne new-yorkaise) et toujours aussi méconnu chez nous. Quel dommage ! Car avec son cocktail millésimé de blues et de rock garage ce n’est pas les granges qui risquent de prendre feu (comme sous entendu par le titre de l’album) mais plutôt vos enceintes qui, à coup sur, vont s’enflammer. Handsome Jack, c’est le genre de groupe peu écouté auparavant mais qui pourtant semble familier depuis toujours. Le feeling général et le groove enveloppant la musique ramène inévitablement vers le blues hypnotique (« It’s only business » ; « Blue Falls Motel ») alors que lorsque les amplis et les guitares s’emballent, les aiguilles dans le rouge, la chose prend résolument une tournure garage et sauvage (« Let’s go downtown »). Ajoutez à cela un goût très sur, via une reprise impeccable de « Polk Salad Annie », du regretté Tony Joe White, et on obtient un album aussi chouette que rondement mené. Un vrai groupe de rock’n’roll, ça fait du bien !

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Necko II

 

Le sublime packaging pourrait rappeler celui d’un groupe gothique. Que nenni ! A l’écoute il ne reste rien de cette première impression visuelle. Venu de Sydney, Australie, Necko se fait fort de renouer avec une tradition séculière du rock’n’roll : le power trio. Ainsi, ce premier album des Australiens est une collection de riff dévastateurs (« Sinner » ; « Wicked Woman ») servis par un sens du groove tout à fait particulier, propre au trio. Tout ceci est bien évidemment éminemment sympathique et donne envie à l’auditeur de sauter au plafond, comme un ado plongeant pour la première fois avec délices dans les affres du rock’n’roll. Mais conscients des limites de la formule, le groupe a le bon goût de varier les plaisirs tâtant de la psychédélie (« Beggar on the throne of gold ») mâtinée de lourdeur métallique (« Bathed in glory » ; « What Remains ») ou sort, par surprise, les guitares folk le temps d’un couplet entre deux amplis en surchauffe (« Hymn of the broken ») faisant ainsi preuve d’une véritable ambition en matière de composition, d’arrangement et de production, dépassant très largement tous les clichés revival 70s que le groupe ne manquera pas d’attirer par ailleurs. C’est une excellente surprise.

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Tio Manuel : « The Track of the magnificient 9 »

 

Après la septième route, Tio Manuel (a.k.a. Manuel Castillo) nous mène sur la piste des « Magnificient 9 ». Car il en est ainsi avec Manu, chaque album est numéroté suivant son ordre dans sa discographie, le présent disque est donc son neuvième. Neuf efforts au cours desquels Manu, l’ancien punk, s’est métamorphosé en auteur/compositeur entre folk et blues. L’Amérique est toujours au cœur des préoccupations de Manu, dans la grandeur de ses paysages (« Polvo en el alma »), dans ses dérives politiques également (« El Golfo »). Ce nouvel album ne déroge pas à la règle et reste fidèle à cette proposition musicale affinée avec les années. Au folk et au blues tutélaires, Manu ajoute un piment Tex-Mex personnel, quelques textes en espagnol, fidèle à ses origines, et un jeu de guitare à se faire soulever la poussière du désert (« Fall-La Caida » ; « Hope is better than dope ») lorsque les moteurs rugissent (« Let’s Ride »). Désormais installé en Bretagne, Tio Manuel est toujours amoureux des grands espaces qu’il s’applique à décrire en musique et s’offre même un petit détour par la Nouvelle-Orléans en fin de programme (« Louisiana Blues »). Une réussite.

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Nelson B. Le Bronx : « Bad Mojo »

 

Voici un disque tout à fait étonnant par son ampleur et son ambition sur la scène française. En effet, Nelson B. Le Bronx a choisi de s’exprimer dans un registre relativement inédit par chez nous, celui de la country music. Un genre tout à fait respectable, séculaire outre-Atlantique, mais peu compris et très méconnu de ce côté-ci de l’océan. Et c’est tout à fait dommage en vérité. D’autant que M. Le Bronx possède de sérieux atouts pour se distinguer dans le domaine. Un grain de voix tout d’abord, éraillé et sentant le vécu. D’autant plus que le chant en anglais est parfait, sans accent perturbateur et aussi vrai que nature. L’écrin musical se révèle à l’avenant, doux et mélodique (« Hear me roar » en duo avec Dear Adèle) et n’est pas exempt d’un excès de fièvre rock’n’roll bienvenu (« Broke as a joke »). Entouré de ses comparses, violon et harmonica entre autres, Nelson B. Le Bronx nous offre un album des plus séduisants situé au carrefour du folk, du blues, de la country et du rock’n’roll, à l’instar du regretté Calvin Russell.

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Rodney Crowell

 

Airline Highway (2025)

S’il est un fait que son album précédent (voir ci-dessous) avait mis en lumière, c’est bien celui-ci, Rodney Crowell sait s’entourer. Ce nouveau disque s’inscrit dans cette même veine puisqu’on y retrouve Lukas Nelson (Promise of the Real), Larkin Poe ou Charlie Starr (Blackberry Smoke). La fine équipe a réussi a entraîner l’artiste, une figure majeure du songwriting country/folk, vers un terrain plus rock’n’roll, plus électrique (« Rainy Days in California » ; « Some Kind of Woman »), sans pour autant trahir son univers personnel façonné depuis un demi-siècle. Du haut de son immense expérience, Rodney Crowell sait comment faire un disque mais il garde les oreilles curieuses et ouvre son univers à des musiciens ayant l’age d’être ses enfants. Le résultat est d’une grande fraîcheur tout en conservant ce sentiment d’intemporalité, marque de fabrique de ses disques récents.

 The Chicago Sessions (2023)

« Je ne vais pas vivre très longtemps comme ça » clamait-il sur la pochette de son premier album en 1978. Quarante-cinq ans plus tard, non seulement Rodney Crowell est toujours là mais il est dans une forme remarquable ! Avec son visuel évoquant une carte postale, quasiment la même pochette que son premier disque remise au goût du jour, Rodney nous envoie des nouvelles. Une carte postale de Chicago où le disque a été enregistré en compagnie de Jeff Tweedy (Wilco) dans le studio de ce dernier (The Loft) en compagnie de musiciens texans et de deux batteurs chicagoans dont Spencer Tweedy, le fils de Jeff. Et le résultat est un pur bonheur d’écoute ! Un disque dont le nombre limité d’intervenants confère une grande unité de style et un sentiment d’intimité paratagée pour l’auditeur. Les musiciens se sont visiblement fait plaisir sur ce projet et ce dernier est communicatif ! Une main dans le folk et une autre dans la country, la troupe délivre une collection de chansons intemporelles aux allures de classique instantané.

 En concert le 30 avril 2026 au Café de la Danse.

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« De quelle couleur est la passion ? » Album hommage à Philippe Pascal

 

Un véritable voile tragique entoure le groupe Marquis de Sade, dont le présent album rend hommage à son chanteur, Philippe Pascal, décédé en 2019, quelques années avant la disparition, dans des circonstances assez troubles, du guitariste Frank Darcel, également membre de Marquis de Sade, en 2024. Mais revenons à Philippe Pascal qui nous occupe aujourd’hui. En dehors de Marquis de Sade, Philippe Pascal a été le chanteur des groupes Marc Seberg et Philippe Pascale, deux formations fondés avec sa compagne Pascale Le Berre, la cheville ouvrière du présent album hommage. Philippe Pascal aura donc été une personnalité forte du rock français, une voix unique brillant d’un étrange charisme, un personnage mystérieux et mélancolique, autant de qualificatifs décrivant à la perfection ses chansons. Délicat et désenchanté (« Les Ailes de Verre » par Nouvelle Vague et Jeanne Cherhal), en partie acoustique, l’album est une réussite mélodique (cf. « Jeux de Lumières » par Axelle Renoir) permettant de faire revivre, dans un effet miroir, la scène des années 1980 au travers de quelques illustres de ses représentants tels qu’Etienne Daho ou Denis Bortek (Jad Wio). Outre un titre de Marc Seberg (« Recueillement ») qui ouvre le disque, on retrouve à mi-programme une pépite inédite de Philippe Pascale, « I am a book », enregistrée en l’an 2000. Attention, on achève l’écoute de cet album rare relativement tourneboulé.

Stone of a bitch : « Ludwigtory »

 

Reprenant à son compte une esthétique qui fit, naguère, les beaux jours de groupes fameux, et ce depuis Kiss dans les années 1970, Ludwig arbore un sublime masque de tête de mort à crête. Ceci ajouté à la photo d’un ampli après implosion dans l’artwork intérieur du disque pourrait laisser à penser que l’on est en présence d’un nouvel avatar punk. Ce qui est à la fois vrai mais par trop réducteur. Du punk Ludwig en a gardé l’attitude et une certaine appétence pour les guitares saturées, dans une juste mesure, qui parsèment le disque (« Shacket to the royal »). Et qui en l’espèce s’amalgament à des nappes électro (la magnifique « Home » flirtant avec la cold wave), pour un résultat parfois surprenant, comme « ł-Twin », la moins rock et peut-être la meilleure de cette courte livrée.

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The Harlem Gospel Travelers : « Rhaspody »

 

C’est ce bon vieux Eli « Paperboy » Reed qui a suggéré à Ifedayo, George Marage et Dennis Keith Bailey III, un magnifique trio de chanteurs, d’enregistrer cet album de reprises piochées dans le catalogue de Numero Group. N’y allons pas par quatre chemins, le résultat est absolument sublime ! Ancré dans le gospel, mais aussi la soul, dans la grande tradition des années 1960 et 1970, le disque est à la hauteur des grands classiques du genre. Entouré d’un groupe aux petits oignons (dont Eli « Paperboy » Reed à la guitare), le groupe magnifie les reprises, toutes débordantes de soul et de groove. Véritables Temptations des temps modernes, les trois membres des Harlem Gospel Travelers se relaient derrière le micro, le trio en profite pour varier les plaisirs, de la voix de tête parfaite pour les ambiances plus soul au timbre de gorge plus musclé pour les titres débordants de ferveur gospel. Trente et une minutes, c’est presque avec frustration, un sentiment de trop peu, que s’achève l’écoute de ce merveilleux album, dont la moindre seconde est à chérir.

En concert le 2 février à La Maroquinerie (Festival Les Nuits de l’Alligator)

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