lundi 7 novembre 2016

Interview with Eli « Paperboy » Reed







After a few setbacks in the ruthless business of music, Eli « Paperboy » Reed is back with a new record titled, « My way home », which lies closer to his musical roots. Eli told us about his path so far to his « home ».  Eli told us about the long path he had to take to get back to his « home ».

RG: The first thing I'd like to say is: « It's good to have you back »!
Do you like being on the road?
Eli Reed: Thanks (smile). Sometimes, it's (being on the road) not the easiest thing to do. But when you have a great show and so on, it's fun.

RG: After having been dropped by one of the major record labels, did you ever consider giving up music and getting a regular job - 9 to 5, 5 days a week?
Eli: It was more of a mutual departure but that's ok. It's a hard question. I don't know who hasn't considered that sometime in their career. Music is hard, man. Making music for a living is really hard. I like to be doing something every day. And when you're not touring or making or promoting a new record, sometimes you're just doing nothing. And that's not fun. And also you have setbacks and you're at the whims of fans and things that you can't control. It's not an easy way to make a living. Sometimes you wish you had a steady paycheck for sure.

RG: Why are you standing in a boxing ring on the album cover?
Eli: The exact same reason. It's a fight, man. It's always a fight. And especially when you're trying to get to where you want to be. When you're trying to achieve something musically. There are a lot of factors. It's always a battle. And I don't mean to be dramatic or anything. I also just like the idea of being in a boxing ring on the cover of my record. I think that's awesome.

RG: It's pretty cool indeed…
Eli: Yeah, we did it in that old boxing gym in Brooklyn. Everything about doing this is a fight, a battle. Always.



RG: The new album is called « My way home », how would you describe your “home” from a musical standpoint?
Eli: There is more than one way for different artists to be successful and make a living even if there aren’t that many people every night. But it's still hard. It's hard to find a home, I don't know I wish I had an answer for that. 

RG: Your lyrics are so serious sometimes, I'm thinking about a song like « What have we done »...
Eli: I don't like to be making political music but I think that people should take responsibility for the way we're treating our planet. I wanted to write a hymn. It's a hymn for today, I think we should all get behind. I don't have the answers to all the questions that I pose in the song. That's the point of it - that we don't know.

RG: Listening to the new album I thought you were coming to terms with your music. No offense, but I didn't really like the previous record… I didn't really recognize you on the record « Nights like these »…
Eli: Sure, no problem. It's a shame but I understand. I made the record myself, I wrote all the songs. There was a lot of me in there. I wanted to make a record that was different and push the boundaries and that wasn't the same old record. I'm happy I did it, no matter what happened. I wish I’d got more of an opportunity to promote it because I would have. Honestly, it's not necessarily what comes naturally to me but it doesn't mean it was a bad idea. Sometimes you have to push yourself to get out of your comfort zone. This new album is definitely what comes naturally to me. It's more of what just comes out of me when I start to play and sing. Which is great. There is a place for all things and if you’re not challenging yourself as an artist or musician you're gonna stagnate and not make good records. At this point in my career I had to go back and do something that was just what I know how to do.

RG: Have you been, in some ways, influenced by rock n' roll? I feel a real sense of urgency on this new record on songs like « The Strangest Thing » and « A few more days »...
Eli: « The Strangest thing » is a gospel number, a church song (laughs). I love The Sonics and stuff like that. It's a trashy record but I wouldn't say it's my main influence; I don't listen to rock n' roll music too much.



RG: Can you tell us about your involvement with the gospel for teens program?
Eli: It's a program that I work with in Harlem, New York. I’ve been working with them for the last three years. I teach a group of young men about gospel quartet music. It's a rotating class, some of the kids have been there the whole time and some are new. I get new kids every class. It's incredibly humbling and exciting to work with these kids, they're super talented and so much fun. I love it. It’s taught me a lot about music too. It has made me spend more time thinking about how it all comes together, the harmony and everything. It's been a very positive experience for me on every level.

RG: Did you think you needed something like that after what happened with the record label?
Eli: I was already doing it. But it sure saved me after that. I wasn't doing anything else after Warner Bros.

RG: Working with kids, was it a way to give back to music?
Eli: Sure, of course. Nobody was teaching any of these kids about quartet music, that particular kind of gospel. So I thought it was important that that music have a voice. Not just the big choirs. Because that is the stuff that I like, the small groups.

RG: I have seen you many times in concert with your band The True Loves and I remember that show with the Right Ons at Le Trabendo. It was the last show of the tour, you were fooling around on stage, it was funny. Was it hard to break up your band The True Loves, you seemed to be really good friends with them…
Eli (smiling): The band never broke up. It's the same band, same guys. It's not the True Loves anymore. It's just something we came up with. It wasn't really a band. Mike and JB who are playing with me tonight were in the True Loves. All those guys are my friends.



RG: Do you still feel close to the city of Boston?
Eli: Yes, I'm back all the time. I don't have family there anymore but my wife's family, they're all living there. I collect soul and gospel music 45 from Boston. I have a specific collection of that. There's a lot of them. Well, not that many actually but enough to keep me busy. I love living in New York, it's my home now, but I also love Boston. I've been living in New York for ten years, most of my grown up life. Boston is a special place for me.

RG: Just being curious, a few years back you were singing « I'm gonna break every heart I can », how did that work out for you?
Eli: That was a cover.

RG: Yes I know, it's a country song…
Eli: That's Merle Haggard.

RG: He passed away not too long ago…
Eli: I was such a huge Merle fan. I want to do a whole album of Merle's songs actually. One day I think I'll do it…

RG: So back to my question, did it work out for you, breaking every heart you can?
Eli: I was already married at that point anyway (laughs)…

Interview 3 JUNE 2016
Many thanks to Angela Randall !!!!!



Interview avec Eli « Paperboy » Reed






Tout clichée qu'elle soit, l'expression « revenir de loin » prend un sens particulier aujourd'hui. Assis dans les loges de la boule noire, quelques heures avant son concert, Eli Reed revient de loin. Lâché successivement par deux majors de l'industrie musicale, on le pensait fini, perdu pour la musique, après la sortie en 2013, de l'album, décevant, « Nights like these » ; comme une allégorie de notre monde moderne, ultra-rapide, où les carrières se font et se défont en un clin d’œil. Mais c'était mal connaître le personnage. D'inspiration gospel, dopé aux guitares garage rock, le magnifique « My way home » signe le retour en grande forme d'Eli « Paperboy » Reed. Assis sous l'impressionnant plafond, entièrement recouvert d'anciennes affiches de concert, des loges de la boule noire, il est temps de mettre le magnéto en route...

Bonjour Eli, la première chose que j'ai envie de te dire c'est : Ca fait plaisir de te revoir !
Eli Reed (sourire) : Merci !

Tu aimes être sur la route ?
Eli : Parfois, ça n'est pas la chose la plus simple. Mais quand le show se passe bien et tout, alors c'est fun.

Après avoir été lâché par une major, est-ce que tu as pensé abandonner la musique et prendre un boulot régulier, du genre neuf heures – dix-sept heures, cinq jours par semaine ?
Eli : C'était plus une séparation par consentement mutuel, mais c'est ok. C'est difficile comme question. Je ne connais personne qui ne se soit pas posé cette question à un moment donné de sa carrière. Mec, la musique c'est dur ! C'est un métier vraiment difficile. Moi, j'aime bien être actif tous les jours. Et quand tu n'es pas en tournée ou en train de faire ou de promouvoir un nouveau disque, et bien tu n'as rien à faire. Et c'est pas marrant. Sans parler des échecs et alors tu te retrouves à la merci des fans et d'autres choses impossibles à contrôler. Ce n'est pas la façon la plus simple de gagner sa vie. Parfois, tu aimerais avoir une fiche de paye à intervalles réguliers, ça c'est certain.



Pourquoi poser sur un ring de boxe sur la pochette du nouvel album ?
Eli : Pour la même raison. C'est un combat, mec. C'est toujours un combat. Surtout quand tu essayes d'atteindre un certain niveau. Quand tu essayes d'accomplir quelque chose, musicalement parlant. Il y a tellement de facteurs qui entrent en jeu. C'est toujours une bataille. Mais attention je ne veux pas donner l'impression d'être dramatique ou quoi que ce soit. Et puis j'aime bien l'idée d'être sur un ring de boxe sur la pochette de mon album. Je trouve ça génial !

C'est plutôt cool, en effet…
Eli : Ouais ! La photo a été prise dans une vieille salle de boxe à Brooklyn. Dans ce milieu, il faut se battre sur tout, tout le temps. Toujours…

Ce nouvel album s'appelle « My way home », comment décrirais-tu cette « maison », musicalement parlant ?
Eli : Il y a plusieurs façons pour un artiste d'avoir du succès et de gagner sa vie même si les salles ne sont pas pleines tous les soirs. Mais c'est toujours difficile. C'est difficile de trouver « une maison », je ne sais pas, j'aimerai avoir une réponse…

Les paroles sont parfois très sérieuses, je pense à une chanson comme « What have we done »...
Eli : Je ne voulais pas faire un disque politique, mais je pense que l'on doit prendre nos responsabilités quant à la façon dont on traite notre planète. Je voulais écrire un hymne. C'est un hymne pour aujourd'hui. Je pense qu'il faut que l'on dépasse tout cela. Je n'ai pas toutes les réponses aux questions posées dans la chanson et c'est justement le problème, on ne sait pas…

En écoutant le nouvel album j'ai eu l'impression que tu t'étais réconcilié avec ta musique. Sans vouloir te vexer, je n'ai pas aimé l'album précédent « Nights like these » sur lequel j'ai eu du mal à te reconnaître…
Eli : C'est dommage mais je comprends, pas de problème. Ce disque (Nights like these, ndlr) je l'avais fait moi-même, j'avais écrit toutes les chansons, il y a beaucoup de moi-même dedans. Je voulais faire un disque différent, repousser les limites, ne pas toujours sortir le même album. Et je suis heureux de l'avoir fait, quoi qu'il ait pu se passer par la suite. J'aurais aimé avoir l'opportunité de le promouvoir plus, parce que je l'aurais fait. Honnêtement, ce n'était pas forcément la musique que j'aurais fait naturellement mais cela ne signifie pas que c'était une mauvaise idée. Parfois, il faut se pousser soi-même hors de sa zone de confort. Ce nouveau disque, en revanche, ressemble à ce qui me vient naturellement quand je commence à jouer et à chanter. Ce qui est très bien. Il y a une place pour chaque chose et sans challenge, un artiste ou un musicien stagne et sort de mauvais disques. Arrivé à ce point de ma carrière, il fallait que je retourne vers quelque chose que je savais faire…



As-tu été d'une certaine manière influencé par le rock n'roll ? Il y a un sentiment d'urgence qui se dégage de certaines chansons comme « The strangest thing » ou « A few more days »…
Eli : « The strangest thing », c'est un gospel, une chanson d'église (rires) ! J'aime bien les Sonics et les trucs comme ça. L'album est un peu trash, mais je ne dirai pas que c'est mon influence majeure pour autant. Je n'écoute pas trop de rock n'roll.

Peux-tu nous parler de ton engagement auprès du programme « Gospel for teens » ?
Eli : C'est un programme, à Harlem, avec lequel je travaille depuis trois ans. J'enseigne les quartet gospels aux jeunes. C'est un cours un peu mouvant, certains gamins sont là depuis le début et d'autres arrivent en cours de route. J'ai des nouveaux gamins à chaque cours. Travailler avec ces gosses, c'est une leçon d'humilité et c'est aussi très excitant. Ils sont super talentueux et très marrants. J'adore ça ! Et j'ai aussi beaucoup appris sur la musique par la même occasion. Cela m'a obligé à réfléchir sur la façon dont tout s'imbrique. L'harmonie, tout ça. C'est une expérience très positive à tout points de vue.

Et penses-tu que tu avais besoin d'une expérience de ce genre après tes déboires avec le business ?
Eli : Je le faisais déjà avant. Et ça m'a sauvé en quelque sorte. Je n'avais plus grand-chose à faire après l'épisode « Warner Bros »…

Travailler avec des enfants, c'est un moyen de payer ta dette, de rendre quelque chose à la musique ?
Eli : Oui bien sur. Personne n'enseignait la musique des quartets à ces gamins. Ce genre particulier de gospel. C'était important, dans mon esprit, de donner une voix à cette musique. Le gospel ce n'est pas uniquement les grands chœurs. Moi j'aime les petits groupes.

Je t'ai vu plusieurs fois en concert avec ton ancien groupe The True Loves et je me souviens en particulier de ce concert au Trabendo avec les Right Ons. C'était la dernière date de la tournée et une grosse fiesta sur scène, c'était marrant. A-t-il été difficile de se séparer des True Loves, vous sembliez être très amis ?
Eli (sourire pensif) : Le groupe ne s'est jamais séparé en fait. C'est le même groupe, les mêmes personnes. C'est juste que maintenant on ne s'appelle plus les True Loves. C'étaot juste un truc qu'on avait monté comme ça, il n'y a jamais vraiment eu de groupe. Mike (Montgomery, basse, ndlr) et JB (Flatt, claviers, ndlr) qui vont jouer avec moi ce soir ont été dans les True Loves. Tous ces mecs sont mes amis.



Te sens-tu toujours proche de la ville de Boston ?
Eli : Oui, j'y retourne tout le temps. Je n'y ai plus de famille personnellement mais du côté de ma femme, ils sont tous de Boston. Je collectionne les 45 tours de soul et de gospel des groupes de Boston. J'en ai toute une collection spécifique. Il y en a beaucoup. En fait non, pas tant que ça mais suffisamment pour m'occuper. J'adore Boston mais j'adore aussi vivre à New York qui est devenu ma maison maintenant. J'y vis depuis dix ans, c'est une grande partie de ma vie d'adulte. Boston reste un endroit avec une signification spéciale pour moi.

Pour finir sur une note légère, il y a quelques années tu chantais « I'm gonna break every heart that I can » (je vais briser tous les cœurs possibles, ndlr). Comment ça a marché pour toi ?
Eli : C'était une reprise !

Oui je sais c'est une chanson country…
Eli : C'est Merle ! (Haggard, ndlr)

D'ailleurs, il nous a quitté il y a peu (le 6 avril 2016, ndlr)…
Eli : J'étais un grand fan de Merle. Je veux faire un album entier de reprises de Merle Haggard. Je pense que je vais vraiment le faire un jour !

Et donc pour en revenir à ma question, comment ça a marché pour toi (rires) ?
Eli : Oh tu sais, j'étais déjà marié à l'époque (rires)...

Propos recueillis le 3 juin 2016.


dimanche 6 novembre 2016

Interview with Leyla McCalla

(c) Sarrah Danziger

RG: How do you like being in France?
Leyla McCalla: I like it a lot. It's very different culturally than a lot of other places I get to travel to. I feel very well taken care of here. The social and political climate is a little bit intimidating here, globally too these days; it's a little bit heavy. But otherwise I like being here.

RG: There are a couple of French songs on the record. How close do you feel to French culture?
Leyla: I feel closer to the French language than I do to the French culture. Through colonization French has spread through parts of Africa, the West Indies and parts of the United States. And other places as well but those are the places where I’ve been and to where I feel connected. There is something about French that is really captivating, just sonically. To have grown up around a lot of people speaking Creole and to sort of connect with what the French language is and to what the Creole language is and why. It's very interesting to me as well.

RG: You were raised in the United States of Haïtian heritage. Listening to the record I feel as though you're constantly searching for your inner self. Was it hard to find a place to belong?
Leyla: In some ways yes. But in a lot of ways and in the way I live my life I've been following my intuition and my gut feeling that have kind of led me down a very unorthodox path. And I realize that my sense of home may not be because I am always on the go and I'm always searching and that's a part of being an artist and a touring musician. And now to be doing it with my family, I think it just changes my sense of what home is. Rather than being difficult to find a place to call home it was difficult to establish exactly what that meant to me.

RG: What is your definition of home?
Leyla: That is the hardest question on the interview (smile). I guess home is where you feel comfortable. Living the way I have been living and now raising a daughter and having my family on the road with me means that in my sense home is where I am. It's something I'm learning to establish wherever I happen to be. Not necessarily in one place. Because as soon as I start to get too comfortable in one place, it starts to get boring. But I think that home in general is a place where you can be yourself. 

RG: How did it feel when you went to New Orleans the very first time?
Leyla: I felt like it was a big tourist trap. I was very disenchanted, very disconnected. The second time I went I was committed to staying for a month. I was playing in the streets and I met these women in New York who invited me to play in New Orleans with them. I was with my bicycle and my cello and I felt the scent of freedom and magic. I fell in love with the city. I went back one more time and that is when I decided - I'm gonna move here. I wanna be in New Orleans, there is something there that is really calling me. A part of that was the music. It was such a contrast from how I had been living in New York. To be self-sustaining as a musician had been one of my goals for a long time. I felt like it was actually possible in New Orleans. In New York it was like a battle. I felt like I had to do a lot of other jobs in order to continue to afford to play music. And that felt very unbalanced to me. I've had a lot of different feelings about the city especially since it changed so much since I moved there in 2010. Gentrification.

(c) Sarrah Danziger

RG: What comparison would you draw between New Orleans and your Haïtian heritage?
Leyla: Haïti and the Haïtian revolution had a big influence on New Orleans culture and also political power in the West Indies, the United States and Europe. That is why I do my work to try to understand why that goes unrecognized. New Orleans has inherited a lot of things in terms of the language and the food: the spices, the rice, the cooking techniques. I'm sure Haïtian music had a big influence on the creation of jazz. The movement of the banjo from the West Indies to United States is an example. We like to say New Orleans is the birthplace of jazz but we don't ask ourselves, what is jazz? Where did that come from and what does it mean?. I think we like to think about history in a tunnel vision kind of way. When really there are a lot of different factors that come together in order to create change, to create culture. I feel New Orleans is a big example of the effect Haïti had on global history.

RG: How did you fit into the local scene?
Leyla: In some ways I fit in very well and in some ways I didn’t. I was a classical cellist and I was making a living playing classical music on the streets when I first lived there. I wasn't totally in the jazz scene. I fit in because there are so many people passionate about music and in New Orleans, music is a part of every gathering, every party, every show. Everything. There is always music around. I think that is something I wanted my whole life.

RG: There are a few traditional songs on the album. Are roots important to you?
Leyla: Yes.

RG: I think of it as some form of soul searching…
Leyla: It's a little bit of both. It's a little bit about looking back and kind of understanding heritage and roots, history and the origin of things. And in another way it's very much trying to understand my place and my role in it all.

RG: The album title « A day for the hunter a day for the prey » is coming from an Haitian proverb...
Leyla: It means a lot of different things to me. In one way you can hear it as every dog has it's day. In another way it's a day for the oppressor and a day for the oppressed. That felt more in line with what we're seeing in the world today and a lot of things happening in history. That title came from a book that I've read about music and power in politics in Haïti throughout the twentieth century. The book is about the coup d'état and troubles in Haïti where reflected in music and how music was used as a tool for a political party’s propoganda. On top of that there are issues about immigration, refugees, prisoners, people fleeing violence or persecution. That title came from all the research I did about Louisiana, Haïti, the United States and France and the intersection between all those places. The title became the umbrella for this album. All things fit with this title. It made sense with that feeling of helplessness or hopelessness. There is a lot of dichotomy in that title. I found it very interesting.

RG: This all seems very heavy but on the other hand the music itself is uplifting…
Leyla : Music is a such a great tool to be uplifted by. Spiritually. That's what I am doing with my music and hopefully that's what people are feeling while listening to it.

RG: In my opinion, there is a sort of timelessness quality to this album. How do you bring a fresh look to the traditional songs?
Leyla: I have fresh eyes (laughs)! Some of the traditional songs were written sometimes decades before I was even born. I was a teenager in the nineties and I graduated from College almost ten years ago now. I'm pretty young compared to a lot of these songs. And the world and my experience is very different than the world that shaped those songs. When you put those things together it's inevitable that something different and new is going to happen. Also I play the cello so everything is designed with my « cello mind ». My arrangements are designed with that in mind all the time too. I don't know how I do it. I am amazed (laughs).

(c) Sarrah Danziger

RG: That is where the magic lies…
Leyla (laughs): I really care about the music and how it's presented in the way that people can receive it. What is the best way to present this song? That is really what I am thinking about the whole time.

RG: We're going through some dark times right now and the world is a pretty violent place. Do you think music can bring healing in some way?
Leyla: I think music has an important role, certainly, in society right now. And there is definitely a lot of healing to do. I'm not sure about curing though, because even the music industry is completely sick you know (laughs). To me, having business be around music sounds like a spiritual paradox. That is not what my music is about but I need to eat and pay for my mortgage. I am pretty sure that is not what your question is about but I kind of feel that there is this capitalism underneath everything and then you have to create more and do more. It's always more, more, more and there is nothing that is ever enough - especially in American culture. Maybe it's different in France, or maybe not. I see the same things walking down the boulevard, it's all big brand names and everything is on sale. We've had to get rid of our stock in order to get more stuff. How do you create healing in a society that is so intend on consumption. I think that what I am interested in is creating something that is consumable as an emotional and spiritual tool. Maybe my label and people around me are like: « You've got to become a star and do this and that so we can make a lot of money ». I think that is clearly not what it's all about. So there is a bit of a conflict there, for a musician. Even for me. It's not like I'm in big business like Madonna or something. I do wonder about it. I guess we all have choices and we can make good choices about how we produce and release our music. And things we talk about in our songs and that is what I am focused on. The positive choices I can make. Because it all feels very much like the world is waiting to swallow you whole and take everything they want from you and squeeze all the good out. Leave you mentally, physically and spiritually exhausted. And I think this is now the risk for a musician. How to regenerate oneself without breaking down.

RG: And you need that in order to create…
Leyla: Exactly. You have to create that for yourself in order to share it. You can't just only be relying on what people want you to do. It has to come from inside at some level. It will be interesting to see what will happen in the world. It is a really sad, sad moment in history. We were supposed to play the Nice jazz festival that was our first date on this tour. That was that morning right after the big tragedy in Nice. Some people were worried about us and showed some concern. What can I say about the people that were there? Clearly we need to be talking about these things more and this is why I do the music that I do. I believe that things can be better. But it takes more than writing a few songs. You can change people's hearts. We need our politicians, and people who are representing us and making decisions to be interested in inspiring people and changing their hearts. It can't be just musicians alone.
Interview 22nd July 2016.
Many thanks to Angela Randall !!!!

Interview avec Leyla McCalla

(c) Sarrah Danziger

Quelques jours avant son concert parisien, la chanteuse et violoncelliste Leyla McCalla nous a reçu dans le hall de son hôtel pour évoquer son parcours et poser un regard, acéré, sur le monde qui l'entoure. Rencontre...


Tu aimes être en France ?
Leyla : J'aime beaucoup. C'est culturellement très différent de beaucoup d'endroits où j'ai la chance de pouvoir voyager. J'ai l'impression qu'on prend bien soin de moi ici. Le climat politique et social est globalement assez intimidant en ce moment, c'est un peu lourd. Mais sinon, à part ça, j'aime être en France.

Il y a quelques chansons en français et en créole sur le disque. Est-ce que d'une certaine façon tu te sens proche de la culture française ?
Leyla : Je me sens plus proche de la langue que de la culture en fait. Avec la colonisation, le français s'est répandu en Afrique, aux Antilles et dans une partie des Etats-Unis. Et dans d'autres endroits aussi certainement, mais ce sont les pays que je connais et avec lesquels j'ai une connexion. Il y a quelque chose de captivant dans le français. J'ai grandi avec beaucoup de gens parlant créole autour de moi. Faire la connexion entre le français et le créole et essayer de comprendre quelle est la relation entre les deux langues et pourquoi. C'est très intéressant.

Tu as grandi aux Etats-Unis, dans une famille Haïtienne. En écoutant le disque j'ai eu l'impression que tu étais constamment à la recherche de tes racines. Cela-a-t-il été difficile de trouver un endroit où tu te sentais bien ?
Leyla : D'une certaine façon oui. J'ai suivi mon instinct et cela m'a amené sur un chemin assez peu orthodoxe. Et j'ai réalisé que chez moi le sentiment d'appartenance est différent, parce que je suis tout le temps sur le départ, toujours en train de chercher et que tout cela fait partie intégrante de la vie d'artiste ou de musicien en tournée. Et maintenant que je tourne avec ma famille, je pense que ma définition personnelle d'une maison a changée. Plutôt que de trouver un endroit où vivre, ce qui a été difficile ç'a été de définir ce que signifie « maison » pour moi.

Et alors, qu'est-ce qu'une maison pour toi ?
Leyla : C'est la question la plus difficile de toute l'interview (sourire). Je suppose que la maison c'est un endroit où tu te sens à l'aise. La façon dont j'ai vécu, et maintenant j'élève ma fille et j'ai ma famille avec moi sur la route… Tout cela fait que la maison pour moi elle est là où je me trouve. C'est un sentiment que j'apprends à établir partout, où que je sois. Ce n'est pas un endroit précis. Mais dès que je suis trop à mon aise quelque part, cela devient chiant. Je pense que d'une manière générale, la maison pour moi, c'est un endroit où tu peux être toi-même.

Qu'est-ce que tu as ressenti quand tu as découvert la Nouvelle-Orléans la première fois ?
Leyla : J'ai eu l'impression d'un attrape touriste géant ! J'ai été désenchantée. La deuxième fois je suis restée un mois. J'avais rencontrée des personnes en jouant dans la rue à New York et elles m'ont invité à la Nouvelle-Orléans pour jouer avec elles. J'étais à vélo avec mon violoncelle et j'ai senti le parfum enivrant de la liberté. Magique ! Je suis tombée en amour avec la ville. Je suis revenue encore une fois et j'ai décidé à ce moment là de déménager. Je voulais être là-bas, il y avait quelque chose qui m'appelait. Cela venait en partie de la musique. C'était un tel contraste avec mon quartier à New York. Gagner ma vie en tant que musicienne, c'était un de mes buts depuis longtemps. J'ai senti que c'était possible à la Nouvelle-Orléans. A New York c'était une vraie bataille. Je devais faire plein de boulots différents juste pour avoir le luxe de continuer à faire de la musique. C'était un tel déséquilibre… Mes sentiments envers la Nouvelle-Orléans ont beaucoup évolués, cela a tellement changé depuis mon déménagement en 2010… L'embourgeoisement (soupir)…

(c) Sarrah Danziger

Quelle comparaison pourrais-tu faire entre La Nouvelle-Orléans et Haïti ?
Leyla : La révolution haïtienne, Haïti d'une manière générale, a eu une grande influence sur la culture néo-orléanaise et aussi sur le pouvoir politique aux Antilles, en Europe et aux Etats-Unis. Haïti a été la première nation noire indépendante (Haïti est une nation indépendante depuis le 1er janvier 1804, ndlr). J'ai étudié la question, j'ai essayé de comprendre pourquoi ce pan de l'histoire était aussi méconnu. L'influence d'Haïti sur la Nouvelle-Orléans est énorme, en terme de langage et aussi sur la nourriture locale : les épices, le riz, la manière de cuisiner… Je suis sûre que la musique Haïtienne a favorisé la naissance du jazz. Le mouvement du banjo depuis les Antilles jusqu'aux Etats-Unis est un exemple. On aime dire que le jazz est né à la Nouvelle-Orléans, mais on oublie de se demander ce qu'est le jazz ? D'où vient cette musique ? Que signifie-t-elle ? On regarde l'histoire avec des œillères. En réalité, beaucoup d'éléments s'emboîtent pour au final créer une culture, pour faire qu'il y ait un changement. J'ai le sentiment que La Nouvelle-Orléans est un bon exemple de l'influence haïtienne.

Comment tu te sens sur la scène locale ?
Leyla : Et bien parfois je trouve ma place et parfois je ne la trouve pas. J'étais une musicienne classique et c'était la musique que je jouais dans la rue au début. Je n'étais pas complètement dans la scène jazz à l'époque. J'ai trouvé ma place parce qu'il y a tellement de gens passionnés par la musique à la Nouvelle-Orléans. Il y a toujours de la musique à la Nouvelle-Orléans, à chaque rassemblement, à chaque fête, à chaque spectacle. Partout, tout le temps, il y a toujours de la musique. Et c'est quelque chose que j'ai toujours voulu toute ma vie.

Il y a quelques chansons traditionnelles sur le disque, les racines c'est quelque chose d'important pour toi ?
Leyla : Oui.

C'est une forme de recherche intérieure ?
Leyla : C'est un peu des deux. C'est important de regarder en arrière et de comprendre ses racines, son héritage. L'histoire et son origine. D'une certaine manière c'est comme comprendre quelle est ma place et mon rôle dans tout ça.

Le titre de l'album « A day for the hunter, a day for the prey » (Un jour pour le chasseur, un jour pour la proie, ndlr) vient d'un proverbe haïtien…
Leyla : Cela veut dire beaucoup de choses différentes pour moi. Tu connais cette expression : Chaque chien à son jour ? Cela signifie aussi un jour pour l'oppresseur, un jour pour l'oppressé. Il y a une résonance avec beaucoup de faits historiques et aussi avec ce que l'on vit aujourd'hui. Le titre est tiré d'un livre que j'ai lu sur la musique et le pouvoir politique en Haïti à travers le vingtième siècle. Le livre parle du coup d'état en Haïti (Leyla fait référence aux événements qui ont mis fin au régime des Duvalier en 1986, ndlr) et des événements troubles qui ont suivi. Comment ces événements ce sont reflétés dans la musique et comment la musique a été utilisée pour favoriser la propagande d'un parti politique. Là-dessus se greffent des problématiques liées à l'immigration, aux réfugiés, aux prisonniers, le peuple qui fuit la violence et la persécution. Ce titre vient de mes recherches sur la Louisiane, Haïti, la France (où Jean-Claude Duvalier a vécu en exil pendant 25 ans, ndlr) et les Etats-Unis et l'intersection entre tous ces endroits différents. Ce titre est comme un parapluie posé au-dessus de cet album. Le désespoir, l'impuissance, toutes ces notions trouvent leur place dans ce titre. Il y a aussi une dichotomie que je trouve intéressante.

Tout cela est lourd de sens, mais d'un autre côté la musique est très légère…
Leyla : La musique est un outil magnifique pour s'élever spirituellement. C'est ce que j'essaie de faire quand je joue et j'espère que le public l'entend.

(c) Sarrah Danziger

L'album semble intemporel, comment rafraîchir ces chansons traditionnelles ?
Leyla : Et bien mon regard est frais (rires) ! Certaines de ces chansons ont été écrites des décennies avant ma naissance. J'étais ado durant les années 1990 et j'ai été diplômée de l'université il y a pratiquement dix ans maintenant. Autrement dit, je suis très jeune comparée à ces chansons ! Le monde dans lequel je vis et mon expérience sont très différents de ceux qui ont façonnés ces chansons. Quand tu mets tout ça en perspective, c'est inévitable, quelque chose de neuf et de différent va se produire. Je suis violoncelliste, tout a été pensé avec mon « cerveau de violoncelliste ». Mes arrangements notamment. Je ne sais pas comment je fais, je me surprends moi-même (rires) !

C'est ça qui est magique !
Leyla (rires) : Je prends soin de la musique et de la façon dont elle va être présentée au public. Quelle est la meilleure façon de jouer cette chanson ? J'y pense tout le temps…

Nous traversons des heures assez sombres à l'heure actuelle et le monde est de plus en plus violent. Penses-tu que la musique puisse être un soulagement dans ce contexte ?
Leyla : La musique a certainement un rôle très important à jouer dans la société à l'heure actuelle. Et on a définitivement besoin de soulagement. Maintenant pour ce qui est de la guérison, je ne sais pas, même l'industrie de la musique est complètement malade (rires) ! Pour moi, faire du business avec la musique revient à un paradoxe spirituel. Ce n'est pas pour cela que je joue mais en même temps, il faut aussi que je mange et que je rembourse mes prêts. Je ne pense pas que cela soit le sens de ta question mais j'ai l'impression qu'il y a du capitalisme partout et que du coup il faut tout le temps créer et en faire toujours plus. C'est toujours plus, plus, plus, et ce n'est jamais assez. En particulier dans la culture américaine. C'est peut-être différent en France ou peut-être pas d'ailleurs. Je marche dans la rue et je vois exactement la même chose, que des grandes enseignes et tout est en solde. On doit se débarrasser de notre stock pour en avoir plus. Comment soulager une société basée sur la consommation ? Ce qui m'intéresse moi c'est de créer quelque chose de consommable comme un outil spirituel et émotionnel. Mon label, les gens autour de moi on va peut-être me dire : « Il faut que tu deviennes une grande star et fais ceci et cela et tout le monde va se faire un paquet de fric ». Ce n'est clairement pas le but. Il y a comme une pomme de discorde pour un musicien. Y compris pour moi. Ce n'est pas comme si j'étais Madonna ou quelque chose dans le genre. Mais j'y pense ceci dit. Je pense que l'on a tous la possibilité de faire les bons choix sur la façon dont on produit et distribue notre musique. Et sur les thèmes que l'on aborde dans nos chansons et c'est le point sur lequel je suis concentrée. Les choix positifs qui sont à ma disposition. Parce que j'ai parfois l'impression que le monde n'attend qu'une seule chose : t'avaler complètement, prendre tout ce qui est possible et essorer tout le bien en toi jusqu'à la dernière goutte. Et à la fin cela te laisse mentalement, physiquement et spirituellement épuisée. Et je pense qu'il s'agît à l'heure actuelle du plus grand risque pour les musiciens. Comment se régénérer sans se briser ?

Et tu en as besoin si tu veux continuer à créer…
Leyla : Exactement. Il faut d'abord créer pour soi avant de partager. C'est impossible de se reposer uniquement sur ce que le public attend de toi. Il faut que cela vienne de l'intérieur. C'est intéressant de voir ce qu'il va se passer à l'avenir dans le monde. Il s'agît vraiment d'un moment très triste de notre histoire. On devait jouer au festival de jazz de Nice qui devait être la première date de notre tournée. C'était prévu pour le lendemain de cette tragédie (les événements du 14 juillet 2016, ndlr). Nos proches étaient inquiets pour nous. Mais que dire à propos des gens qui se trouvaient là-bas ? Clairement, nous devrions parler plus de ces problèmes et c'est pour cette raison que je fais de la musique. Je crois que le monde peut s'améliorer mais écrire quelques chansons ça n'est pas suffisant pour cela. On peut changer le cœur des gens. Il faut que nos politiciens, ceux qui prennent les décisions et qui nous représentent, inspirent la population. Cela ne peut pas être le rôle des musiciens seuls.

Propos recueillis le 22 juillet 2016.
En concert à Paris (Théâtre des Bouffes du Nord) le 12 novembre.
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mercredi 2 novembre 2016

The Wanton Bishops : « Nowhere Everywhere »



Ils sont deux, jouent du rock et viennent de Beyrouth, The Wanton Bishops sont à eux seuls un résumé de la sono mondiale. Leur musique est au croisement de différentes cultures : du rock et du blues, bruts de décoffrage, auxquels ils rajoutent un soupçon d'électro et un peu de leur culture orientale perceptible à la fois dans les paroles où l'anglais et l'arabe se mélangent et dans les arrangements où l'oud électrique prend une part significative (« Hitman », « Waslaha »). Quand la sauce prend, c'est à dire tout le temps, cela donne un résultat assez festif et irrésistible, gorgé de refrains fédérateurs (« I don't dance », « Sailing Down », « The Kinda pain I love »). L'étiquette « Black Keys Libanais » qu'on leur avait accolé après la sortie de leur premier album est finalement trop réductrice pour un groupe à l'univers aussi riche. Ce nouvel EP de cinq titres nous en apporte une preuve supplémentaire.
En concert le 15/11 à Paris (Divan du Monde)


mardi 1 novembre 2016

Blossoms



De Joy Division à Oasis en passant par les Smiths ou autres Stone Roses, l'amateur de rock a souvent eu l'occasion d'être bercé par les accords made in Manchester. Nouvel impétrant, le quintet Blossoms a la ferme intention d'ajouter son nom au panthéon local. Jonglant avec le temps, faisant fi des modes, Blossoms trouve sa voie en faisant le grand écart entre les influences et les époques. La première chose qui frappe en écoutant l'album c'est cette dualité musicale entre les synthés, qu'on jurerait échappés de la collection personnelle de Martin Gore, et la guitare. Tout au long du disque, Blossoms semble tiraillé entre synth pop et rock psyché. Un peu comme si les Depeche Mode se lançait dans un album de reprise des Doors, ou vice-versa, tentant de faire le lien entre deux courants opposés (« Cut me and I bleed », "Blow"). Une impossible gageure donc le groupe se sort avec les honneurs grâce à une écriture pop de haute tenue (« Smashed Pianos », « Charlemagne », "My favourite room"), portée par le désir de créer, mettant la nostalgie en veilleuse. Un album aux ambiances variées mais remarquable de cohérence.
En concert avec Jake Bugg le 7/11 à Paris (Elysée-Montmartre)

lundi 31 octobre 2016

The Marshals : « Les Courriers Session »


(c) Sophie Hervet

Peut-être que finalement les plus belles choses sont celles dont on rêve… Du fin fond de sa Province (Moulins dans l'Allier), The Marshals rêve d'Amérique, grands espaces fantasmés retranscrits ici en musique. Au rock n'roll garage rêche à base de guitares âpres et de batterie, The Marshals ajoute un harmonica. D'ordinaire condamné à la portion congrue et aux interventions sporadiques (du moins dans le cadre d'un groupe de rock), l'harmoniciste tient ici une place de choix, celle d'un membre du groupe à part entière. Un choix pas si anodin que cela qui place le trio sur le terrain du blues. Au son sec et revêche du rock, le groupe oppose un feeling blues qui prend de l'ampleur au fil de compositions au long cours (cf. « Good old days »). Point d'assauts soniques ici (même si le disque comporte sa part de guitares saturées et bien senties) mais un sentiment hypnotique et répétitif. Plutôt que de foncer tête baissée, The Marshals préfère creuser son sillon, un peu plus profondément à chaque nouvelle sortie. Un bel album intime et minimaliste, idéal pour rouler le long de routes imaginaires. A écouter pendant une « Long night ».


vendredi 28 octobre 2016

Cleo T, les trois baudets, 27 Octobre 2016.


Hier soir, Cleo T, désormais installée à Berlin, a effectué un retour pour le moins surprenant sur une scène parisienne. Le regard tourné vers le futur, l'artiste a tourné le dos à son ancien groupe pour une nouvelle orientation électro. Ils ne sont plus que trois sur scène : Cleo au chant (quasi exclusivement en anglais), un guitariste et le fidèle Valentin qui use plus souvent de la table de mixage que de son violoncelle. Ce nouveau spectacle est placé sous le signe de la haute technologie. Un mince rideau transparent, sur lequel sont projetés différents motifs ressemblant à des lasers et évoquant parfois la pluie, sépare la scène du public. Comme nous l'explique Cléo, les projections sont "des vidéos issues de programmes interactifs qui réagissent en temps réel aux mouvements et aux sons" (création Maflohé Passedouet / Compagnie Mobilis Immobilis). Chaque chanson prend ainsi des allures de mini tableau avec une mise en scène et une ambiance en constante évolution servie par des éclairages particulièrement élaborés. Effacée derrière sa propre création, on aperçoit plus Cleo, en ombre chinoise, qu'on ne la voit réellement. En plus du chant, cette dernière danse de plus en plus, des chorégraphies très étudiées rendant très bien dans cette configuration. Aussi ténu soit-il, les anciennes chansons ont disparues du répertoire, le lien avec l'univers de Cleo existe, on retrouve sa voix et la mélancolie qui autrefois caractérisait parfois sa musique. Seule l'interprétation est finalement différente. Longtemps l'univers de Cleo T a été associé à une imagerie art déco/cabaret/art nouveau. Dorénavant l'artiste se charge de projeter ces mêmes influences dans le futur. Si le résultat visuel est bluffant, le spectateur est comme écrasé par tout ce dispositif. Tout le monde reste silencieux et ose à peine applaudir de peur de perturber le subtil ordonnancement de la chose. Le spectacle est pour l'instant toujours en rodage et on nous promet un show encore plus immersif à l'avenir. Quant au nouvel album de Cleo, ce dernier est prévu pour début 2017.

mercredi 26 octobre 2016

The Sore Losers : « Skydogs »



De Triggerfinger à Balthazar, il est entendu que depuis quelques années, la scène rock belge est à la fois riche, variée et incroyablement excitante… Une nouvelle preuve nous en est donnée avec The Sore Losers. Tout, chez les Sore Losers rappelle l'âge d'or du rock n'roll, une période fertile en chef d’œuvres allant de la fin des années 1960 au mitan de la décennie suivante. Dans « Skydogs », leur nouvel album, on retrouve la violence des Stooges, « Cherry Cherry », la lourdeur noire de Black Sabbath (le fantastique « Blood Moon Shining » d'ouverture) ou la déglingue blues des Rolling Stones (« Can't you see me running »). Les racines des Sore Losers sont ainsi très variées allant du garage rock au psyché en y ajoutant à l'occasion quelques touches de blues ou de hard rock. Au-delà de cette variété d'influences, un dénominateur commun : l'urgence. D'une durée comparable à celle d'un vinyle d'époque (une grosse demi-heure environ) l'album s'écoute comme un shoot d'adrénaline, d'une seule traite. Typiquement le genre de groupe pour qui le rock n'a d'intérêt que s'il est accolé au roll. Pas foncièrement original, certes, mais alors quelle efficacité ! Une claque !


En concert avec Birth of Joy le 9/11 à Angers (Le Chabada) et le 10/11 à La Roche-Sur-Yon (Fuzz'Yon)

vendredi 21 octobre 2016

Marie-France chante Jacques Duvall



Égérie du Paris by night des années 1970/1980, Marie-France est également une voix qui porte sur la scène rock n'roll française depuis un fabuleux album, 39° de fièvre, enregistré en compagnie de Bijou en 1981. Mais les racines musicales de Marie-France remontent bien au-delà du rock sixties ou garage à laquelle son œuvre discographique fait référence. Point de guitares fuzz déchaînées ou de rockabilly habilement adapté à la langue de Molière sur ce nouvel effort mais un élégant album de torch songs à la française joué majoritairement au piano et arrangé avec soin. Ce nouveau disque, a été concocté avec l'aide de Jacques Duvall, parolier historique de la chanson française (Lio, Alain Chamfort…) qui tricote un écrin sur mesure pour la Belle Marie. Étonnamment, ce nouveau disque ne fait pas tellement écho à sa discographie mais plutôt à sa carrière cinématographique (elle est également actrice). En effet Marie aborde chaque chanson comme on s'approprie un rôle et incarne les textes à merveille (cf. « J'veux cet homme »). Sa voix rauque et éraillée d'éternelle fumeuse brille ainsi de mille feux dans cet univers cabaret taillé sur mesure pour elle. Un très bel album à écouter un soir de solitude et de déroute sentimentale…

En concert à Paris le 25/11 (Cabaret de Mme Arthur)

jeudi 20 octobre 2016

Bigger : « Bones and dust »



(c) Rouge Poisson


Damien Félix est sur tous les fronts en ce moment. Alors que sort ces jours-ci le deuxième album de Catfish, le guitariste présente son nouveau projet au nom prophétique, Bigger, comme un résumé de sa carrière débutée en duo pour finalement jouer dans un groupe plus étoffé. Au côté de Damien dans cette nouvelle aventure on retrouve donc Kevin Twomey, le chanteur irlandais de Monsieur Pink ; sur scène le duo est accompagné de Mike Prenat à la basse, Antoine Passard à la batterie et Ben Muller aux claviers. Les présentations étant terminées, passons maintenant au cœur du sujet : le disque. Bigger, c'est ce genre de groupe, tout nouveau mais qui nous semble étrangement familier. La six cordes de Damien y est pour beaucoup. Son jeu emprunt de blues et rock garage trouve ici un nouveau terrain d'expression plus pop, on pense parfois aux Beatles, parfois teinté d'une atmosphère légèrement dark (« December » sous influence Nick Cave). Si on compare avec Catfish, le résultat est moins brut, la démarche moins marquée par le punk. Le groupe trouve ainsi la juste distance entre une écriture soignée (les harmonies vocales, les arrangement) et une puissance d'exécution justement dosée ; on ne se refait jamais tout à fait, le disque contient des parties de guitares assez corsées (cf. « Bigger »). Une variété d'ambiance qui fait le bonheur du chanteur Kevin Twomey à l'aise dans tous les registres, modulant à l'envie son timbre de crooner rock. Un véritable interprète, dans tous les sens du terme, se glissant dans les chansons comme un acteur fait corps avec son rôle. Un joli EP au goût de trop peu, on attend l'album avec curiosité…