Resto Basket : « Le Seum »

 

Expression bien connue de nous jeunes amis, « Le Seum » désigne cet état de dégoût, semi-dépressif dans lequel on se retrouve lorsque l’on a « les boules » comme on disait autrefois. Le seum les cinq membres de Resto Basket le connaisse bien, l’ont probablement assez souvent, et ont en fait leur source principale d’inspiration qu’ils transforment en bombinettes punk et pop, voir ska (« Kérosène »), survitaminées, où le dynamisme de la musique contraste avec la noirceur des paroles (« Mauvaises décisions », « Kérosène », « Boulevard »). Ca déménage !

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The Heavy Heavy : « One of a kind »

 

D’une profondeur insondable, la scène britannique ne cesse de surprendre, et de ravir, l’amateur de rock’n’roll. Dernier exemple en date, le duo Heavy Heavy, venu de Brighton (ne pas confondre avec The Heavy), qui vient de sortir un premier album comme on aimerait en écouter tous les jours. Réussissant, avec bonheur, à ressusciter une classe sixties intemporelle, par la grâce d’un mélange entre le crunch typique du mersey beat et le psychédélisme, voici le genre de disque qui nous fait revivre nos premiers émois, ces moments d’écoute qui nous ont fait tomber en amour avec le rock’n’roll ! Le mariage des voix entre le chant féminin de Georgie Fuller et celui, masculin, de William Turner, évoque quelque chose des Mama’s and Papa’s, faisant de ce disque une synthèse idéale entre cultures rock britannique et américaine. Outre le fait qu’il soit produit à la perfection, avec un son à se damner, l’album regorge de petites perles procurant une envie irrépressible de bouger. On en aura bientôt l’occasion puisque le groupe débarque sur nos scènes le mois prochain !

En concert le 10/02 aux Etoiles

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Ramon Pipin : « Chants Electriques »

 

Ancien membre d’Au bonheur des dames, dans les lointaines années 1970, puis d’Odeurs lors de la décennie suivante, Ramon Pipin est de retour avec son septième album en solo. Dans le fond, Ramon Pipin, est resté fidèle à sa passion d’adolescent pour le rock’n’roll et c’est en cela qu’il est un artiste profondément attachant. En ce sens, ce nouvel effort peur s’envisager comme une suite de son travail au sein des Excellents, ce groupe parodique dans lequel il s’amuse à « massacrer avec amour » les classiques du rock. Ainsi, ce nouvel album n’a de cesse de citer quelques classiques chers à son cœur mélomane. D’un riff de guitare chipé chez The Nice (« Obsolète »), à une boucle de synthé digne des Who époque « Won’t get fooled again » (« Dans la ville où que je vis » ; « Fais de beaux rêves »), en passant par un « Gaba-gaba-hey » clamé en forme de clin d’œil aux Ramones (« Les comédies pas drôles »). Un riff stonien syncopé (« Je joue de la guitare ») par ici, quelques ambiances évoquant Devo ou Procol Harum, par là, Ramon embrasse totalement ses influences, mais toujours dans une volonté de les dépasser, à la recherche d’une voie personnelle. Plutôt que la lettre, c’est bien à l’esprit des années 60 que le musicien est fidèle. Les sixties sont pour lui une question cruciale, et en particulier la créativité débridée, qui fut l’apanage des grands de ces années là, Brian Wilson et autres Paul McCartney, dans les pas desquels il tente de s’inscrire. Maîtrisant le grand écart, ce nouvel album propose quelques-uns des assauts les plus métalliques de sa carrière (« Daisy Belle », « Je suis très content »), servis par une brochette de merveilleux guitaristes (Brice Delage, Stéphane Daireaux, JM Kajdan, Michaël Ohayon, soit autant de virtuoses méconnus de la six cordes) et des titres acoustiques, d’une tendresse infinie (« Dans le tiroir du bas » dans laquelle il est difficile de ne pas voir le fantôme du deuil ubuesque qui l’a frappé l’an dernier ; « Une chanson émouvante » qui ponctue le disque sur une note bouleversante). Coup de gueule contre l’absurdité de l’époque, pratiquant avec bonheur l’humour crétin et trash, ce nouvel album prouve que, contrairement à ce qu’il chante dans le titre inaugural, Ramon Pipin est loin d’être obsolète !

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The Cactus Blossoms : « Everytime I think about you »

 

Scandaleusement méconnu dans nos contrées, le duo formé de Jack Torrey et Page Burkum sort son quatrième album, le premier a bénéficier d’une sortie en France après 14 ans de carrière ! Et il s’agît là d’une révélation et quelle révélation ! En effet, le duo a le chic pour créer cette atmosphère rêveuse, vaporeuse, qui transporte immédiatement quiconque aura la chance de poser une oreille sur cet album. Mélodies lumineuses et arrangements soignés constituent une véritable carte postale musicale évoquant le grand ouest américain, le désert infini, dans lequel la poussière se soulève, sous un ciel d’un bleu céruléen, au soleil couchant. Il y a dans ces dix pistes quelque chose de l’Amérique éternelle celle qui a vu naître la country et le rock’n’roll, qui constituent, avec le folk, les sources nourricières du groupe. Le tout servi avec un groove lancinant et magnifiquement incarné vocalement, par un chant évoquant un feeling aux nuances multiples. Chaque riff de guitare fait frissonner, et sonne comme le résultat d’une jam impromptue rassemblant la coolitude de JJ Cale, le charme de Roy Orbison et la sophistication des Byrds. Qui d’autre joue cette musique de nos jours et avec un tel bonheur ???

En concert le 12/02 à La Marbrerie (Montreuil)

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Emma Sand Group + In My Head, Pop Up du Label, 4 janvier 2025.

Cette nouvelle année de concerts commence tôt et en fort belle compagnie ! Dans l’enceinte du Pop Up du Label le trio In My Head, déjà auteur d’un EP et d’un album, nous a gratifié d’un set indie de très belle facture débordant d’influences britanniques de toutes sortes et de différentes époques avec une énergie bienvenue et communicative. Une belle découverte pour bien commencer l’année.

Place ensuite à une vieille connaissance, Emma Sand, toujours entourée de son « Group » dans lequel on retrouve un nouveau batteur, Guillaume Lebel. Le set commence d’une très belle manière avec un « Beautiful Boy » absolument envoûtant, par la grâce des arpèges bouleversants échappés de la guitare du Frank Joannès, ce génie méconnu de la six cordes. La section rythmique n’est pas en reste, le nouveau batteur révèle un sens du groove inspiré, l’association avec le bassiste Cyrille Latour fonctionne merveille dans cette succession de tensions/détentes qui emporte le spectateur, loin, très loin (jusqu’au désert du Mojave en Arizona), comme emporté par une vague dans laquelle les émotions se succèdent. Emma Sand joue le rôle à la perfection, forçant sa voix ou jouant la retenue suivant ce que la musique réclame, au point de finir les cordes vocales bien enrouées. Enfin, le quatuor nous réserve quelques surprises, de nouveaux titres laissant échapper d’étonnantes syncopes reggae et une reprise de Johnny Cash pour conclure cette belle soirée.

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Regular Girl

 

Bien qu’originaire de Lyon, il plane comme un petit air du Laurel Canyon chez cette « fille ordinaire », dont le premier album a constitué l’une des excellentes surprises de l’année. Son timbre diaphane évoque Joni Mitchell ou Judee Sill alors que l’ombre de Neil Young plane sur son folk délicat mâtiné de country, notamment grâce à la lap-steel assurée par Raoul Vignal (on note également la présence de Théo Charaf dans son groupe). Que de belles références, qui pourraient se révéler encombrantes, mais que l’artiste embrasse totalement dans un univers personnel. Ses arpèges délicats, à l’unisson de sa voix, constituent la bande originale d’une soirée d’été dans le soleil couchant, ou d’hiver, au coin de la cheminée (« Foolish Wish »). Et même lorsque la musique s’emballe, (cf. « Shelter » qui sonne comme un inédit de Neil Young & Crazy Horse, « Western Lights ») ce n’est jamais sans se départir d’une certaine douceur. Ce n’est pas le moindre accomplissement de ce disque, à la fois désenchanté, nourri par une certaine noirceur (« The End »), et pourtant lumineux, calme et apaisant. Un fort bel album donc, à écouter quelque soit la saison.

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Théo Charaf & Raoul Vignal : « Two way street »

 

L’un fait partie de la prometteuse jeune garde folk/blues française, l’autre est un fin songwriter pop/folk. Si ce n’est leur amour commun pour la guitare, pièce centrale de l’album, la présence simultanée de Théo Charaf et de Raoul Vignal dans le même studio, tient du hasard si ce n’est de l’accident heureux. Entouré du percussionniste Lucien Chatin et du mystérieux Disque Noir au rôle obscur, le duo a tout enregistré à deux. Trois chansons originales de l’un, trois nouvelles chansons de l’autre et deux reprises. Il est des rencontres heureuses et à la manière des duo de superstars gravés sur disque ces dernières années (Elton John/Leon Russell, Elvis Costello/Allen Toussaint, Wilko Johnson/Roger Daltrey etc.) Théo et Raoul nous en offre le pendant français. L’album grave dans la cire, et pour l’éternité, cette rencontre inattendue. Un moment suspendu, d’une pureté acoustique apaisante, particulièrement roots et serein, que l’on imagine capté dans une cabane en rondins, au fond des bois. Laissez-vous bercer par les arpèges délicats, ils sont d’une beauté irréelle, d’une sérénité définitivement étrangère à notre époque.

Gaspard Royant : « All the best for Christmas »

 

Gaspard Royant incarne une sorte d’incongruité sur la scène rock française : c’est un crooner ! Une sorte de pendant français de Chris Isaak et de Richard Hawley, une voix remarquable, qui n’hésite pas à mâtiner son timbre de guitares rock’n’roll. Après un album très personnel, touchant mais en demi-teinte, notre homme Gaspard signe son grand retour en forme avec un album de Noël ; reprenant à son compte une tradition bien ancrée dans le showbiz US, mais relativement peu usitée ici. Une prise de risque, donc. De cet exercice pour le moins codifié, Gaspard s’en sort la tête haute et avec les honneurs ! Bien entouré (Bobbie, Aurélie Saada, Nicole Atkins, Maxwell Farrington – qui avait déjà sorti son album de Noël à lui - et le SuperHomard) Gaspard soigne ses mélodies (« Next Train to Memory Lane ») et varie les ambiances, tournant autour du thème imposé, en suivant des angles originaux. A l’exception de deux reprises, l’album propose un répertoire original, clochettes de rigueur, et toutes guitares dehors. Le genre sied à ravir à son timbre de stentor (l’emphase exhalant de sa reprise de « White Christmas »), l’album n’est pas avare, ni en émotions (« Wishing you a Merry Christmas », duo de charme avec Aurélie Saada, l’émouvante « Christmas Prayer » qui ponctue le disque) ni en groove (« Perfect Christmas Song » avec Nicole Atkins). Une excellente collection de chansons folk-rock qui devrait survivre à l’obsolescence programmée qui frappe généralement les albums de Noël dès le 26 décembre.

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Jeanne Rochette : « Live au Gesù »

 

Reine de la démultiplication, Jeanne Rochette, a, à la fois, un pied dans le théâtre, l’autre dans la musique où elle se partage entre chant lyrique, chanson jazz et pop. Entre sa France natale et le Québec, où elle a vécu de nombreuses années, Jeanne Rochette fait le point sur sa carrière avec cet album live, enregistré à Montréal, revisitant ses trois disques studio : « Elle Sort » (2010), « Cachée » (2016) et « La Malhonnête » (2021). Les petits plats sont mis dans le grand sur cet album, enregistré avec le (grand) Orchestre National de Jazz de Montréal, regroupant la crème des musiciens québécois, avec force cordes, bois et cuivres, piano, batterie et contrebasse. La richesse des arrangements, entre jazz et classique, va à ravir à la chanteuse qui peut ainsi déployer toute l’expressivité de son interprétation, ses intonations rappelant au passage l’actrice qu’elle est également. Elégant et soyeux, l’album n’est pas exempt de swing (« L’escalier » ; « Coup de bol ») mais ménage aussi de longues envolées tantôt mélancoliques (« Etre là »), tantôt lyriques et primesautières (« Ce Mec ») au-dessus desquelles plane l’ombre des bandes originales signées de l’immense Michel Legrand. Une soirée de prestige gravée sur disque, cela ne se refuse pas ! Une réussite !

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Shades : « Witchcraft »

 

Il est de ces albums qui offrent des parenthèses, des moments suspendus, et dont l’écoute relève autant de la pause primesautière que du la faille temporelle dans laquelle on tombe avec délectation. Ainsi va, le deuxième album du sextet Shades, intitulé « Witchcraft » (sorcellerie), un titre bien trouvé tant il se dégage une sorte de chimie magique née de l’addition des talents conjugués de ces six musiciens. Shades, c’est d’abord et avant tout une composition atypique. Seulement deux instruments en composent la musique, une guitare (Antoine Laudière), qui swingue aussi fort que celle de Django, et une clarinette basse (Etienne Quezel), assez peu usitée dans les genres musicaux qui nous préoccupent habituellement. Le reste du groupe se compose de trois chanteuses (Elora Antolin, Marion Chrétien et Ellinoa) et d’un chanteur (Pablo Campos). Dans ce contexte, les voix ne se contentent pas de chanter mais crée également la mélodie par le biais d’harmonies vocales particulièrement élaborées. Elles sont le cœur battant du groupe. L’approche se révèle ainsi particulièrement humaine, l’ensemble dégage un sentiment de proximité et d’intimité assez prégnant et redonne un coup de jeune à un répertoire essentiellement pioché dans le Broadway des années 40 et 50 (à noter un détour par le blues « Saint James Infirmary Blues » et un titre en français « La Tendresse »). Le swing de Shades est imparable !

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March Mallow : « The Silence »

 

Pensé comme un hommage au jazz des années 1940/1950, March Mallow se veut le chantre d’une approche acoustique et intimiste. Ainsi, le mal nommé « The Silence », tant on voudrait que le groupe n’arrête jamais de jouer, deuxième album du groupe, offre un pause rétro tout autant qu’il coince l’auditeur dans une véritable bulle intemporelle salvatrice et charmante. La formation restitue parfaitement l’ambiance de ces années, grâce au charme vocal, vénéneux et irrésistible, de leur chanteuse Astrid Veigne, et à une orchestration volontairement restreinte (guitare, piano et contrebasse) qui d’emblée nous plonge dans l’ambiance d’une soirée dans un cabaret rétro. Précisons qu’également qu’à l’exception de deux reprises (dont un petit détour vers le blues avec « I put a spell on you ») l’album se compose d’un répertoire entièrement original, ce qui place d’emblée le groupe au-dessus de la mêlée et signe une véritable ambition artistique, renforcée par des arrangements ambitieux sur quelques titres. Une batterie et un saxophone, renforcent le swing sur l’irrésistible et dansant « Fools’train », alors qu’à l’opposé, un quatuor à cordes donne du corps à la mélancolie se dégageant de leur reprise de « Mr Bojangles ». Quelques titres en français (« Les Couleurs », « Simplement ») complètent le programme avec bonheur. Une réussite !

En concert le 28/02/2025 au Barbizon (Paris 13)

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Wendy Pot : « Poppy Field »

 

Le quintet montpelliérain poursuit un fantasme bien ancrée dans l’histoire du rock d’ici, celui du groupe français de pop anglaise. Ce nouvel avatar, regroupé autour du chanteur/guitariste Sylvain Grout prolonge l’aventure de son groupe précédent (Grout/Grout) avec un line-up féminisé, la chanteuse/claviériste Pauline Montels, et une réussite certaine à la clef. La chose s’intitule « Poppy Field », que l’on pourrait traduire, de manière hasardeuse, par « champ pop ». Et dans le fond, l’écoute de l’album s’apparente un peu à cela, une balade dans un champ, autrefois arpenté par les Beatles et autres Kinks, soit un chemin bien connu mais que l’on retrouve avec un plaisir à chaque fois renouvelé. Il en faut peu pour tomber sous le charme à vrai dire. Harmonies et mélodies se mélangent au fil de chansons chatoyantes, douces et chaudes. L’omniprésence de la guitare acoustique procure un sentiment d’intimité immédiate. Un album qui, sous des atours humbles, révèle bien des trésors, concoctés avec un amour véritable de la pop intemporelle, nous ne sommes pas prêts de nous en lasser !

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October Drift, Point Ephémère, 16 décembre 2024.

Il est de coutume pour les groupes de rock de répéter avant les concerts. Chez October Drift, on répète bien sûr, mais on agrémente l’exercice d’un petit tour au mur d’escalade, histoire d’être prêt à grimper poteaux et autres échafaudages des salles de concert avant de se laisser tomber dans la foule ! Faisant ainsi honneur à la photo ornant la pochette de leur dernier album, les Anglais nous ont gratifié d’un show monumental et électrisant. Et c’est peu dire que l’on a en vu de toutes les couleurs ! De l’énergie, des musiciens qui sautent dans tous les sens au rythmes de guitares infernales, mais également de la pop aux accents cold dont les arrangements passent beaucoup mieux sur scène que sur leur dernier album à la réussite aléatoire. Ce fut un grand moment de partage terminé en duo au milieu de la fosse sur une note quasi folk (à l’esthétique totalement opposée à celle du début du concert) et tout le monde qui chante en cœur au son d’une guitare électrique non saturée. Des émotions en pagaille et une énorme générosité de la part du groupe qui n’hésite pas à briser le quatrième mur au contact direct du public, visitant régulièrement la fosse. Quelle soirée, quel groupe !

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Vera Sola + Anthony da Costa, La Maroquinerie, 6 décembre 2024

Un peu avant de le retrouver jouant de la guitare au sein du groupe accompagnant Vera Sola, c’est en solo que le chanteur/guitariste Anthony da Costa a ouvert la soirée. Prenant le contre-pied d’un chanteur folk classique, c’est à la guitare électrique qu’Anthony da Costa s’est accompagné durant son set. Un instrument au spectre large, grâce aux pédales d’effets, que le musicien utilise dans sa totalité passant de passages éthérés, comme autant de vagues hypnotiques, à de brusques éclairs aussi électriques que brutaux. Sa voix, plutôt de tête, s’accommode de tous les registres, pourvoyant les émotions. Une belle première partie, en attendant de le revoir, espérons-le, une fois son album, qu’il vient à peine d’achever, sera sorti.

Place ensuite à la magnifique Vera Sola, qui a publié son magnifique deuxième album (« Peacemaker ») un peu plus tôt cette année, six longues années après un premier effort (« Shades », 2018) qui avait déjà marqué les esprits à l’époque, entourée d’un groupe de haut vol dans lequel on retrouve, et c’est à peine croyable, le « legendary » Elvis Perkins à la basse ! Toute de noir vêtue, Vera Sola marque les esprits par sa beauté magnétique, que l’on découvre à l’occasion, elle qui a plutôt l’habitude de se cacher sur les pochettes de ses albums. Petite brunette, coiffée de nattes et au regard clair, la chanteuse est totalement habitée sur scène et impressionne par son regard fixe, comme absent, totalement absorbée par la musique. Quand elle ne s’accompagne pas à la guitare folk, instrument dont elle joue magnifiquement grâce à une impressionnante technique d’arpège de la main droite, Vera danse et bouge beaucoup sur scène comme si la musique transperçait totalement son corps. La prestation hypnotise tout autant que sa voix, grave dans tous les sens du terme, habitant ses compositions entre folk, rock et americana, aux accents vintage sans ostentation, non dénués d’éclairs violents, dans lesquels se retrouve le guitariste Anthony da Costa, lui aussi totalement habité, dans la foulée d’une batterie au jeu atypique. Magnifique concert.

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Nada Surf + Elephant, Le Bataclan, 29 novembre 2024.

Déjà auteur de deux albums, les Hollandais d’Elephant seront de retour au cours du premier trimestre 2025 avec un nouvel effort. En attendant, le quartet s’échauffe en première partie de Nada Surf et, à ce titre, vient honorer la scène du Bataclan pour la première partie du soir. Et alors que les premières notes résonnent, on en vient à penser immédiatement que ce groupe était le choix parfait pour coller à l’univers mélodique des New-Yorkais. Evidence mélodique des compositions, groove ouaté tout en douceur, les chansons d’Elephant possèdent ce petit je ne sais quoi qui les rends inoubliables. Servi avec un chant doucereux, accentuant la douceur mélancolique du répertoire, le quatuor nous a gratifié d’un set impeccable d’un bout à l’autre. 45 minutes suspendues dans le temps…

Depuis 20 ans, l’auteur de ces lignes n’a jamais assisté à un mauvais concert de Nada Surf et ce n’est pas la prestation du soir qui nous fera mentir ! Depuis deux décennies le trio fait à peu près la même chose, explorant le côté mélodique, mélancolique, de la pop à coups de délicats arpèges de guitares. Chose impensable par ailleurs, ils n’ont jamais ni lassés, ni ennuyés, alignant les albums impeccables et son lot de chansons mémorables. L’ajout d’un quatrième membre, Louie Lino aux claviers et à la guitare, permet d’accentuer la texture sonore du groupe, toujours mené par le groove puissant du batteur Ira Elliott, en très grande forme sous sa chapeau. Parfaitement francophones, depuis leurs années au Lycée Français de New York, la paire Matthew Caws (guitare/voix) et Daniel Lorca (basse) n’a pas son pareil pour créer une connexion unique avec le public français et se sent « comme à la maison » dès lors qu’ils jouent en France partageant avec le public, qui répond bruyamment et avec enthousiasme, de grands moments de partage et d’émotion. Le sommet est atteint lors de l’ultime rappel « Blizzard of 77 » joué entièrement débranchée, guitare folk et voix, écoutée dans un impressionnant silence de cathédrale. Un merveilleux moment.

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Cinelli Brothers + Eddie 9V, Pan Piper, 25 novembre 2024.

Voyager en restant immobile, laisser son esprit s’envoler au gré des rythmes et des mélodies, les joies apportées par l’écoute de la musique sont multiples… Et l’on a fort à parier que l’un de nos pourvoyeurs de son du soir, Eddie 9V l’a bien compris, en attaquant son set par la fort bien nommée « New Orleans ». Et c’est ainsi qu’un bout de l’impasse Lamier (Paris 11ème), dans une salle à l’acoustique excellente mais manquant quand même d’âme, de personnalité, de charme, se retrouve brutalement délocalisée en plein French Quarter ! Rythmique d’enfer de la batterie, attaque incisive de la guitare, voix soulful et une nappe d’orgue pour faire groover le tout, le doute n’est point permis nous y sommes ! C’est que le natif d’Atlanta occupe un crossroad à lui tout seul ! En plein milieu du blues, de la soul et du rock’n’roll. Excellent de la première seconde à la dernière tout en multipliant les ambiances, nous avons trouvé le vol le plus court et le moins vers le sud des Etats-Unis ! « Et bon courage pour les suivants » souffle-t-on des les travées sous le charme (et le choc aussi) de la prestation qui vient de s’achever…

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La barre placée aussi haut, il fallait un groupe d’une sacrée qualité, et de haut vol, pour assurer la suite. Les suspects idéaux sont tout trouvés : les Cinelli Brothers, assemblage hétéroclite de musiciens, basés à Londres, où se croisent les nationalités, français, britannique ou italiens, en même temps que les instruments passent d’une main à l’autre, passant de l’harmonica à la guitare, de la guitare à la batterie puis de la batterie à la basse et un petit tour derrière le clavier avant de retrouver la guitare. Vous suivez ? Chez les Cinelli Brothers, tout le monde joue à peu près de tout, chante à chacun son tour, sans que jamais la qualité de la musique n’en souffre. Là aussi le crossroad est bien occupé, du blues, de la soul, du rock’n’roll, une grande variété d’ambiance pour un groove qui ne jamais ne cesse mais semble prendre de l’ampleur à chaque minute au point de ressembler à un rouleau compresseur prêt à tout dévaster sur son passage. Langoureux et puissant à la fois, quel groupe ! Et puis, en guise de rappel, tout ce beau petit monde se retrouve, à 8 sur scène, autour de ce vieux saucisson de « Got my mojo working » un peu scolaire (chacun à droit à son solo à tour de rôle) mais quel pied !

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LeNoise, Concert Tribute à Neil Young, le 23 janvier 2025 à la Salle Pleyel

 

Depuis l'annonce tonitruante de Neil Young et son renoncement à prendre l'avion, pour raisons écologiques, actant de fait la fin des concerts hors des Etats-Unis, chaque tribute prend depuis des airs de célébration. Après la Maison Tellier reprenant "Harvest", rendez-vous est donc pris dans le cadre majestueux de la Salle Pleyel le 23 janvier 2025.

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Garciaphone : « Ghost Fire »

 

Troisième album pour le discret, mais ultra-talentueux, Clermontois Olivier Perez (a.k.a Garciaphone). Un troisième effort court, une petite trentaine de minutes, mais dense sans aucun superflu. Centrées sur la guitare acoustique, la qualité des compositions et l’émotion transmise à leur écoute n’est pas sans rappeler les grandes heures du folk mélancolique, de Nick Drake à Elliott Smith ("Heard of the Hermit"). Mais la grande réussite réside dans la capacité de Garciaphone à délivrer une musique à la fois sobre, délicate et intimiste mais aussi extrêmement arrangée. L’album brille par une luxuriance tout sauf superfétatoire mettant en valeur des instruments aussi variés, voire inédits, que le saz, le zither, le bouzouki ou le violoncelle. Une belle variété d’ambiance n’altérant nullement l’unité de ton passant des sonorités indie, légèrement rock, aux expérimentations quasi-psychédéliques (« Conditional love », « Weathercocks »). Une réussite.

En concert le 30/11 à la Chapelle (Châtillon)

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Moonkiddo : « On a silver edge »

 

La musique peut parfois être assez simple. Ce premier album de Moonkiddo appartient à une catégorie rare, celle des albums qui, cachés derrière des atours modestes, atteignent des petits sommets. Portés par les instruments à cordes (banjo, mandoline, guitares) qui constituent le cœur battant de sa musique, Moonkiddo nous invite à fermer les yeux et à rêver, portés, bercés, que nous sommes par la gracieuseté des cordes délicatement arpégées sous les doigts de fée de Julien Omé, dont le talent conjugué à la voix délicate de Véronique Lechat nous caresse les oreilles (« Silver Edge », « Tough Man »). Parfait condensé de folk et de pop, ce premier effort ne hausse jamais le ton mais explore parfois différentes voix parfois plus électriques (« Spaces »), jouant de la répétition hypnotique (« And a light ») ou aventureuses (l’évanescente et quasi psyché « Let Me ») mais plaçant, toujours, la mélodie au centre de ces préoccupations. Preuve d’un savoir faire mélodique évident en matière d’arrangement. Légères et aériennes, les chansons de Mookiddo planent au-dessus des contingences, survolant peut-être cette fameuse côte rêvée figurant sur la pochette. Une très belle réussite.

En concert le 24/11 à Fontenay-Aux-Roses

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Emma Sand Group + Nick Wheeldon, La Dame de Canton, 6 novembre 2024.

Assurant la première partie de la soirée, Nick Wheeldon innove en se présentant pour la première fois en solo à la guitare folk. Une plongée dans l’inconnu pour l’artiste habitué au solo, mais en général à la guitare électrique. Le changement est fondamental, la musique devient moins colérique, moins brutale, mais gagne en profondeur et en émotion. Plus doux, mais toujours aussi intense, sa voix dégage des émotions jusqu’alors inconnues. Nick Wheeldon est un chanteur remarquable, toujours sur le fil, donnant l’impression de pouvoir se briser à tout moment tout en dégageant un coffre incroyable. Sa voix émotive remplit l’espace de sa puissance alors même qu’il se trouve un mètre derrière le micro. Seul à la guitare folk, son jeu retrouve un peu des intonations de Dylan, c’est une première partie remarquable et émouvante.

Nous retrouvons ensuite le quatuor Emma Sand Group qui, eux aussi, présentent un tout nouveau set mélangeant quelques nouveaux morceaux et des anciens qui avaient été laissés de côté ces derniers temps. Le résultat est, une fois encore, remarquable grâce à l’agilité des musiciens qui, alternant les aplats et les déliés, offrent une musique subtile et tout en nuances, entre douceur et montées en tension contenue. Toujours très intense, le rendu évoque les grandes étendues désertiques et la poussière dans un mélange de rock et d’americana. Un mélange des genres propre à faire honneur à la virtuosité des musiciens qui donnent tous l’impression de mettre leur âme dans les notes jouées, cherchant le feeling au fin fond du tempo. C’est fort, émouvant et débordant de feeling.

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Cy : « Day after day »

 

Jour après jour, ou plus exactement, note après note, Cy affine son univers. Le deuxième EP de l’artiste s’articule autour de la guitare folk, toujours arpégée avec beaucoup de raffinement, sur laquelle se superpose les influences, de l’électronique légère aux sonorités plus lointaines, venues d’Afrique (« Come Back ») ou d’Inde (les tablas qui ornent « Human »). Pris dans leur globalité ces cinq titres (dont un en français, « Décrocher ») constituent une bulle pop atmosphérique, douce et délicate, propice à l’introspection ; comme le carnet sonore d’un voyage intérieur.

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Catchy Peril : « Disco Sucks »

 

Le premier EP du quartet marseillais font montre d’une maîtrise certaine et d’un univers foncièrement attachant. Si le titre, voire la pochette, laisse penser à une attaque punk frontale, l’univers de Catchy Peril est vaste et aux ramifications multiples. Si le beat implacable de la batterie évoque, ironiquement, la disco, les synthés nostalgiques (« She’s Bored ») nous ramènent du côté de la cold/synth wave (« Deserve Better » à l’influence Cure prégnante) et forment un séduisant contraste avec l’attaque (post) punk des guitares (« Angry Kids », seul titre en français évoquant une fusillade dans les rues marseillaises). Il se dégage de l’ensemble une ambiance, un feeling évoquant tour à tour le psychédélisme ou le glam bouclant ainsi un tour à 360° tantôt enjoué (« Dancing ») tantôt nostalgique (« Nico »). Un EP inaugural des plus séduisants.

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Lowland Brothers : « Over the fence »

 

Ce deuxième album voit les frères Lowland passer au-dessus de la barrière. Ou plutôt des barrières. Quelles barrières ? Celles séparant l’americana de la soul et du rock’n’roll. Un grand bain de musique racinienne, inspiré par les années 60 et 70, sans pour autant entrer la sympathique formation dans la course effrénée au vintage. Une manière pour le groupe de faire entrer ses influences diverses dans un cadre personnel et surtout intemporel. Un groove de basse irrésistible (« For a while » ; « We shouldn’t be here »), un chant soul à vous retourner le cœur (« Little Big Man ») un soupçon de fièvre électrique qui traverse les guitares (« Can you hear me ? ») tout autant qu’il transperce les oreilles de l’auditeur : l’album est somptueux de bout en bout ! Le tempo alangui, l’omniprésence des claviers créant un forme de bulle ouatée (« Sound from the attic »), si l’album place parfois l’auditeur dans un cocon, c’est pour mieux le secouer par la suite (« Shape Up » ; « Don’t let me fall »). Une proposition caractérisée par un travail sur le son, loin des standards habituels, qu’ils transforment en chansons irrésistibles. Une réussite !

En showcase le 8/11 aux Balades Sonores et en concert le 9/11 au Trianon (première partie de Robert Finley)

https://lowlandbrothersband.bandcamp.com/album/over-the-fence

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Duplessy & The Violins Of The World : « The Road with you »

 

La route avec toi. On ne saurait rêver un meilleur titre pour décrire le parcours musical du guitariste et compositeur Mathias Duplessy. Depuis 2010, ce dernier poursuit un projet, intitulé les Violons du Monde dans lequel le guitariste croise les cordes avec différents instruments, tous dérivés de la vielle, elle-même un instrument précurseur du violon, venant de tous horizons et des quatre coins du monde. Sur ce nouvel effort, le quatrième, le groupe est ainsi constitué du fidèle Guo Gan (erhu, un instrument traditionnel chinois), et de Zied Zouari (violon oriental), Mandakh Daansuren (morin Khuur, instrument mongol), Aliocha Regnard (nyckelharpa suédoise), Sabir Khan (sarangi, Inde), enfin le contrebassiste Damian Nuevo et le pianiste Rehann Duplessy complètent le dispositif. Si la démarche de Duplessy est belle, c’est parce qu’elle donne à écouter un monde qui joue ensemble. Il n’est point question ici d’une musique dite « du monde » ou traditionnelle mais de fusionner l’ensemble desdites traditions autour des compositions du guitariste. D’obédience plutôt classique, le guitariste laisse de la place à différents styles musicaux, l’ombre du folk et du jazz manouche plane sur sa musique, certaines pièces évoquent la musique de film, le western ou le kung-fu. Grand fan de Bruce Lee depuis son enfance, paraît-il, la légende veut que ce dernier ait fait basculer le compositeur dans ces influences orientales et asiatiques qui depuis fleurissent dans sa musique. Quoi qu’il en soit, ce nouvel album est, une fois de plus, un sublime carnet de voyage musical, qui transporte l’auditeur dans une odyssée mélodique, orné d’une sublime pochette à l’avenant.

En concert le 29 janvier 2025 à La Cigale

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https://mathiasduplessy.fr/

Eddie 9V : « Saratoga »

Contrairement à ce que son pseudonyme très électrique pouvait laisser penser, ce nouvel album du songwriter d’Atlanta, se révèle une petite merveille d’éclectisme ! Débarrassé des afféteries inhérentes au son vintage, le groove toujours en ligne de mire, la guitare présente sans envahir l’espace, ce nouvel effort rapproche le musicien multi-instrumentiste d’un Gary Clark Jr. De fait sur ce nouvel album, Eddie brille surtout par ses qualités vocales, à la façon d’Eli « Paperboy » Reed, ou chaque chanson se révèle être un nouvel exercice de charme pour le crooner. Point de démonstration de force électrique donc, mais une soul ouaté mâtinée de funk et de rock’n’roll. Le blues, toujours présent (« Red River » ; « Wasp Weather » ; « Truckee » qui sonne comme du Stephen Stills), n’est pas le point central de la musique mais une influence qui plane au-dessus du disque. Peut-être plus FM dans sa production, une anicroche que l’on peut effectivement lui opposer et qui fera sans doute bondir les puristes, le disque a le mérite de dépoussiérer les influences des années 60, bien présentes en sous-texte (« Cry like the river »), par une dynamique plus contemporaine que l’on ressent surtout dans le traitement des batteries et du beat d’une manière générale. Un reproche bien mince au regard du sentiment feelgood général ressenti à l’écoute de ces nouvelles compositions.

En tournée française en novembre avec The Cinelli Brothers (le 25/11 au Pan Piper).

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https://www.eddie9volt.com/

Johnny Montreuil, La Cigale, 29 octobre 2024.

Manière de Renaud (enfin, celui des années 70) des temps modernes pour sa manière d’évoquer avec tendresse sa banlieue natale, Johnny Montreuil (évidemment il s’agît d’un pseudonyme) fait son retour sur la scène d’une Cigale, bien remplie, après une Maroquinerie complète l’hiver dernier. Derrière sa contrebasse, dont il joue d’une manière assez atypique dans sa façon d’attaquer les cordes, Johnny fait montre d’un univers tendre et poétique derrière ses allures de gros bras. Le Montreuillois n’a pas son pareil pour voir de la beauté là où le commun des mortels ne voit que le béton moche et dégueulasse des barres HLM. Ainsi chez Johnny, un bateau en papier flottant sur le caniveau devient un irrésistible appel à prendre le large. Le large et l’évasion sont la grande affaire de Johnny qui aime prendre le frais dans les pissenlits, ses textes, « Les goémons », le duo avec Flavia Coelho, n’a de cesse d’appeler à sortir du béton. Son univers musical se veut à l’avenant. Ancré dans les années 50, le rock’n’roll, la guitare twang, l’harmonica, mais aussi un soupçon de country/western, idiome qu’il a parfaitement su adapter à la langue de Molière, se révèle particulièrement riche et varié, fort en swing (super, la batterie!) et marqué par les fulgurances de la guitare où le vibrato joue un rôle prépondérant. Mais il y a chez lui un côté tendre et poétique, quand seul dans une atypique formule contrebasse/voix, il évoque l’artiste de bar qu’il reste intrinsèquement sur un mode quasiment jazz, où quand sa musique bascule dans le psychédélisme (« Les Goémons »). Une belle soirée marquée par la générosité du chanteur et une magnifique ambiance démontrant la proximité entre l’artiste et son public.

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The Cinelli Brothers : « Almost Exactly »

 

Fait unique, suffisamment rare pour être souligné, les Cinelli Brothers sont tous multi-instrumentistes, et à l’instar du Band, s’échangent régulièrement leurs instruments. Est-ce la raison pour laquelle ils excellent dans tant de genres différents ? Toujours est-il que le quatuor anglais est auréolé, à juste titre, de la réputation, encombrante mais justifiée, de meilleur groupe de blues européen. Si le groupe coche la case avec justesse, il serait trop restrictif de les cantonner au seul idiome tertiaire. Ainsi, ce nouvel effort se révèle être, aussi, un disque de soul de première classe (cf. « Dozen Roses » ; "Lucky Star"). Et probablement parce qu’ils sont anglais, une énergie pop et rock (« Nobody’s fool »), héritée des années 60, infuse leur musique, les rapprochant ainsi de la scène mod. Bref, vous l’aurez compris, ce nouvel effort c’est du tout bon du début à la fin, dès les premières notes euphorisantes de « Last throw of the dice » qui ouvre les débats. Groove impeccable, chant soulful (« Ain’t blue but I sigh »), interventions de la guitare ou de l’harmonica inspirées, rien ne manque pour rendre cet album définitivement inoubliable.

En concert le 25/11 au Pan Piper (avec Eddie 9V)

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Boogie Beasts : « Neon Skies & Different Highs »

 

Déjà repéré avec son album précédent, le quatuor belge est de retour, bien décidé à passer à la vitesse supérieure, et faisant honneur à sa réputation de « blues éclectique ». Ainsi l’écoute de l’album relève d’une expérience tout à fait euphorisante pour l’auditeur. C’est un sentiment particulier qui s’empare de vos oreilles dès la première plage « Save Me », l’harmonica (omniprésent sur l’intégralité du disque) nous place en territoire connu, celui du blues. Mais débarrassé des afféteries inhérentes aux années 60 et 70, qui en général habillent la musique de la plupart des groupes de blues-rock actuels, les Boogie Beasts se placent en position inédite. « Different Highs » nous indique le titre de l’album. Différente est donc la musique du groupe. Au côté roots de l’harmonica, la guitare imprime un son contemporain, la dynamique tout à fait moderne du groupe qui se prolonge sur le traitement de la voix et de la batterie. Néanmoins, et c’est là que réside le tour de force réussi par le groupe, à aucun moment des effets malvenus ne viennent polluer la musique, tout autant de risquer de la faire vieillir prématurément. Nous sommes donc en présence d’un véritable album de blues-rock où le fantôme de RL Burnside entre en collusion avec les Black Keys. Inspiré et dynamique, moderne et énergisant. Une réussite.

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Les Doigts de l’Homme : « Erratic the art of roaming »

 

Le sextet fête ses vingt ans avec ce nouvel album, instrumental, particulièrement ambitieux. Un double album de vingt-trois titres répartis en deux cds, le premier est acoustique, le deuxième est électrique. Précisons qu’il s’agît bien de deux disques et non pas d’un album accompagné de sa version acoustique. Et c’est précisément cela qui justifie le titre du double programme que l’on pourrait traduire par « l’art de l’errance ». Le nomadisme musical caractérise ce nouvel effort jonglant entre différentes esthétiques, du jazz manouche à une forme beaucoup plus free, entre lesquels le groupe se promène avec bonheur. Qu’importe le flacon tant que l’on ait l’ivresse pourrait être le fil conducteur de cet album aventureux explorant les différentes facettes du swing. En particulier sur le disque électrique, où les trois guitares tricotent un swing aux allures d’odyssée s’exprimant bien sur la longueur.

En concert le 22/11 au Studio de l’Ermitage

https://lesdoigtsdelhomme.bandcamp.com/album/erratic-the-art-of-roaming

Bacchantes : « Pas un bruit »

 

A bien des égards la musique fonctionne suivant un système de chapelles. Il y a les nostalgiques qui pensent que rien d’intéressant n’est arrivé depuis 1974, ceux qui poussent le curseur une décennie plus loin, les faiseurs au kilomètre et les expérimentateurs fous au point de perdre le fil et l’auditeur avec. Et puis il y a les autres, les ovnis atypiques, qui non contents de rentrer dans une case préfèrent en cocher plusieurs à eux seuls. Ces disques là sont rares, forcément précieux, et à n’en point douter les filles de Bacchantes rentrent dans cette catégorie. Les Bacchantes sont quatre : Faustine, Astrid, Claire et Amélie, elles sont chanteuses lyriques et font figure d’exception, elles se sont converties aux vertus du rock garage et des guitares électriques (!!) ce qui avait déjà donné un premier album magnifique sorti en 2021. Ce deuxième disque voit les filles pousser encore un peu plus la démarche au point de trouver le point de rencontre fort improbable entre Gérard de Nerval (cf. « Vertigo », 1828) et l’exaltation électrique d’amplis en fusion. Loin de fonctionner de manière linéaire et de répéter à l’infini une formule toute trouvée, Bacchantes au contraire aime à varier les ambiances, du folk éthéré (« Cantique de la poussière ») au psychédélisme oriental de l’harmonium indien (« Interlude » / « Ô Fontaine »). Ainsi, l’album est parcouru par une sorte de grain de folie qui fait basculer la musique dans le registre baroque. Le pied sur le frein, dégageant une sorte de colère intériorisée, les compositions de Bacchantes flirtent avec ce point de rupture où la tension rentrée explose brutalement (« La chanson du masque »). Déstabilisant peut-être mais surtout irradiant de beauté baroque, il s’agît assurément là de l’une des réussites majeures de l’année.

https://www.facebook.com/bacchantesmusic/

https://bacchantes.bandcamp.com/