Jesse Malin : « Sad and Beautiful World »

 

Sa voix fluette et haut perchée possède un petit quelque chose de Neil Young alors que le souffle épique qui habite ses compositions, et plus généralement le feeling east coast qui s’en dégage, évoque plutôt Bruce Springsteen. Depuis une bonne vingtaine d’années, le New-Yorkais Jesse Malin est l’un des songwriters les plus attachants de sa génération. Et prolifique avec ça comme le prouve ce copieux, mais jamais lassant, une prouesse, nouvel effort de 15 titres. D’une certaine manière la quintessence de l’art de Jesse Malin, capable de scotcher l’assistance avec une simple guitare acoustique et des mots touchants racontant le quotidien des gens simples (cf. « Crawling Back to You ») dans un grand croisement entre Springsteen, une certaine conception noble de la pop, et la country (« Tall Black Horses » ; « Lost Forever » ; « Dance on my Grave »). Ailleurs, le piano et/ou le rythme endiablé du rock’n’roll sous l’influence des années 1970 (« State of the Art » ; « We Used to Roll » ; "Dance with the System") se charge d’apporter un contrepoint bienvenu aux compositions intimes et émouvantes, complétant ainsi le panorama d’un album riche et varié.

En concert à Paris (La Boule Noire) le 2 novembre.

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François Premiers + Parlor Snakes + Fuzzy Vox, Petit Bain, 27/10/2021.

Pour commencer la soirée, François Premiers, le groupe du Havre articulé autour des deux François, Lebas (Fixed Up, Backsliders, Asphalt Tuaregs) et Frandol (Roadrunners) nous a donné une magnifique leçon de rock’n’roll ! Fougueux, mené tambour battant par une section rythmique folle et un duo de guitares survoltées qui décollent les oreilles ! La mandoline électrique ajoute une note psychédélique au cocktail garage, ce qui ne gâche rien à l’affaire. Le résultat d’années d’expérience qui n’ont pas altéré l’énergie des musiciens et la rage d’en découdre. La classe absolue tant dans les compositions originales que dans les reprises choisies avec soin. Seulement trente-cinq minutes et un fort goût de trop peu mais qui a le don de mettre de bonne humeur !

Cela faisait un certain temps que l’on n’avait pas recroisé la route des Parlor Snakes. Dans l’intervalle, le line-up a changé et intégré une toute nouvelle section rythmique qui a profondément changé la donne. La nature du groupe, cet arc de cercle qui relierait la pop au rock garage, s’en retrouve renforcée. Ainsi, la dualité du groupe, entre guitares brûlantes et clavier froid, apparaît dans toute sa splendeur. Plus que jamais, les Parlor Snakes jouent sur la retenue, contenant la violence froide des compositions autant que possible avant le grand lâché de décibels, alternant passages éthérés, limites planants, et brutale explosion de guitare saturée. La section rythmique se révèle parfaite dans le rôle jouant à merveille le rôle de modérateur comme celui d’accélérateur. Le magnétisme de la chanteuse Eugénie fait le reste et assure le show. Après des mois de confinement et de privations, le groupe est survolté et a visiblement envie de croquer la scène. Ça fait plaisir à voir !

On termine avec le trio Fuzzy Vox qui s’exprime dans un registre complémentaire aux deux formations précédentes en ajoutant une note synthétique au cocktail de guitare saturée et de rythmes endiablés, le tout mené avec énergie et bonne humeur par le chanteur/guitariste, qui aime bien parler visiblement. En dépit d’un répertoire manquant un peu de relief, l’affaire fonctionne et certains titres sortent du lot.

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KRIILL

 

Etonnant parcours que celui du trio, qui a choisi une voie originale, sortant de nouveaux singles à intervalles réguliers que l’on retrouve regroupés sur le premier album du groupe. Autre incongruité, si le groupe a choisi de s’exprimer dans l’idiome électronique, les musiciens sont également tout à fait capables de se produire en acoustique (cf. le final de « Shabalala »). Une forme de dualité que l’on retrouve dans les compositions, un pied dans la musique électronique et un autre, fortement ancré, dans la pop. Ainsi, pour le groupe, le but du jeu semble avant tout de composer des chansons qu’ils se chargent ensuite de vitrioler d’arrangements tantôt sombres et angoissants, tantôt doucereux (« Shoebox » ; « Brittany »), où plane, parfois, un spectre rock sous la forme d’éclairs de violence savamment orchestrés (« The Rabbit »), tout en évitant de reproduire le moindre cliché. Ce qui ne les empêche nullement d’intituler un de leur titre, avec beaucoup d’ironie, « Mick Jagger ».

En concert le 2/11 à Paris (La Maroquinerie)

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Alex Henry Foster & The Long Shadows, Elysée-Montmartre, 23 octobre 2021.

 

Dans l’espace des quarante-cinq minutes de première partie qui lui ont été imparties, alex henry foster aura, en tout et pour tout, joué... Deux titres ! Mais alors, quelle odyssée ! Quelle ode à la liberté que cette musique, libérée des carcans de toutes sortes, qui respire, plane avant de retomber brutalement à terre. Les grands moyens sont de mise, un groupe élargi où parfois cohabite la bagatelle de deux batteries et trois guitares. Le tout dans le but de créer cet espace de liberté où les guitares (l’ensemble du groupe joue sur des Jazzmaster) alanguies, parfois jouées au bottleneck ou à l’archet (comme The Creation dans les années 1960) volent, libérées des contingences terrestres, avant de sonner la charge dans une brutale décharge électrique, un rappel bien orchestré par une rythmique de plomb due au martellement conjugué des deux batteries. Signe de la conception très libre de la musique d’Alex, ce dernier joue d’un instrument abscons, une manière de guitare miniature pour enfant à quatre cordes (mais qui n’est pas une basse) jouée à l’archet. Placée dans le fond, la clarinette apporte une touche orientalisante à l’ensemble et rappelle que l’artiste aime laisser filer le temps à Tanger, à l’extrême pointe du Maroc. Enfin, toute la sophistication de façade ne saurait cacher la profonde humanité, qui anime tant sa musique, que le chanteur lui-même qui aime à montrer, de façon très tactile, son attachement aux musiciens de son groupe comme aux spectateurs après la fin du set. Comme il aime à le proclamer à la fin du concert : « Il est temps maintenant de célébrer la vie » !

En concert le 27/10 à Bruxelles (Ancienne Belgique) et le 28/10 à Strasbourg (La Laiterie)

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Laughing Seabird : « The Transformation Place »

 

A la fois synonyme de voyage et de vol aérien, Laughing Seabird (littéralement L’Oiseau de Mer Rieur), le nom de scène choisi par Céline Mauge, se révèle pertinent à bien des égards. D’abord parce que ce nouvel album, son deuxième, est un subtil agrégat pop/folk aux accents majoritairement celtiques (« I feel fat » ; « Direction Oubliée ») en hommage à ses racines bretonnes, mais aussi hispaniques (« Vivre (No Way Back) »). La musique de Laughing Seabird voyage donc, mais plane aussi très haut. Par la grâce de sa voix délicate qui se love au gré des arpèges délicats de guitare acoustique mais dans les arrangements psychédéliques délicats qui ornent « The Transformation Place », aux accents Pink Floydiens, ainsi que la baroque « My Shell ». Un album rêveur au sein duquel les poussées de rock fiévreuses, « Karmen KéroZen », « Le Somptueux Règne des Absents », font brusquement monter la tension. A noter enfin que l’on retrouvera bientôt, au cinéma, deux titres de l’album dans la bande originale du film « Ça tourne à Saint-Pierre et Miquelon », réalisé par Christian Monnier, dans lequel Céline joue également aux côtés de Philippe Rebbot.

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Fanelly : « Metro Stories »

 

Il se passe, parfois, de belles choses dans le métro ! C’est en tout cas là, sous terre, dans cet immense creuset de l’humanité, que l’Italienne, Française de cœur et d’adoption, a trouvé l’inspiration pour son nouvel effort. Dans les visages fermés du petit matin, comme dans ceux fatigués du soir, avec ou sans masque, la chanteuse a trouvé milles petites histoires et autant de destins à raconter en chansons, écrites dans les transports en commun bien sûr, par Fanelly au cours de ses propres longs trajets. Toutes chantées en anglais, exceptions faîtes de « Koria » et du refrain de « Superhero » où l’Italienne retrouve les sonorités chaleureuses de sa langue natale, les textes sont à la fois touchants, émouvants ou tragiques (« It’s gonna make a little difference » écrite dans l’écho tragique du 13 novembre 2015) et trouvent un habitat naturel dans les inflexions ourlées de sa voix. Pour accompagner ses textes en musique, Fanelly fait appel à des compagnons des deux côtés des Alpes, qui habillent le tout d’un swing élégant (ah, cette contrebasse) entre pop, folk et jazz où les arpèges délicats de la guitare acoustique côtoient une pointe de latinité par le biais de percussions alors que la flûte traversière ajoute une touche hippie à l’ensemble. Un beau voyage.

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Demian Dorelli : « Nick Drake’s Pink Moon, A Journey on Piano »

 

Sur les photos intérieures qui ornent le disque, deux portraits se font face. A gauche le pianiste italien Demian Dorelli, les mains sur le clavier, et à droite, Alberto Fabris, producteur du disque, les doigts sur la console. Les deux images, qui se répondent dans un étrange écho, nous disent tout du cœur du projet, à savoir l’intimité dans laquelle la chose a été fomentée. De fait, alors qu’il se décide à relire l’œuvre séminale (sortie en 1972) de Nick Drake (1948-1974), Demian Dorelli s’attaque à un monument sacré du folk britannique. L’exercice de la relecture d’un album entier, en respectant scrupuleusement le track-listing du disque original, n’a rien d’évident. Dorelli a trouvé la clef en respectant le fond (l’acoustique) tout en trahissant la forme ; en remplaçant la guitare par le piano. Point de guitare folk ici, ni d’arrangement de cordes neurasthéniques, ni même de chant (soit à peu près tout ce que l’on entends sur le disque original) puisque la relecture est entièrement instrumentale. Une approche qui donne tout son sens au titre « A Journey on Piano » soit « un voyage en piano ». L’âme rêveuse, Dorelli voyage au fil des notes, les compositions originales guident le chemin, le pianiste, et lui seul, trace la route, trouvant une voie originale et personnelle au sein d’un matériau ultra-connu. Un faux jumeau dizygote du disque de 1972, calme, triste et beau.

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John R. Miller : « Depreciated »

 

Issu de la bouillonnante scène de Nashville, un lieu chargé de traditions en matière de songwriters, John R. Miller débarque avec un magnifique album folk-rock, sa première sortie d’ampleur après deux disques autoproduits. Ni d’hier, ni d’aujourd’hui, l’album prends la forme inédite d’une madeleine de Proust des temps modernes, tant l’album évoque les souvenirs des premiers émois musicaux, lorsque jeune impétrant, on découvrait le picking délicat ou le coulé tranquille du bottleneck sur la lap-steel sur les vieux albums de Neil Young ou de Steve Earle. Car oui, derrière ce nom passe-partout et anonyme de John R. Miller se cache un songwriter de la même eau et digne héritier des artistes précédemment cités. Derrière ses mots simples, Miller charrie les émotions auxquelles son grain de voix éraillé et ses intonations country apportent un relief supplémentaire indéniable. Ainsi l’écoute de l’album ravira les voyageurs immobiles, les routards du son, tant il évoque avec acuité l’environnement dans lequel il a été écrit, composé et enregistré. Fermez les yeux, écoutez et rêvez, vous ne serez pas déçus du voyage.

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Alex Henry Foster : « Windows in the sky »

 

Après un premier album au sein de l’excellente formation post-rock Your Favorite Enemies, c’est en solo que le parcours musical d’Alex Henry Foster se poursuit. Enregistré dans un contexte personnel assez lourd, après le décès de son père qui a perdu sa bataille contre la maladie, le disque a hérité de sa tonalité si particulière, issue de l’audacieux mélange entre post-rock, shoegaze et krautrock psychédélique, le tout agrémenté de furieuses accélérations de guitares noise, où le Montréalais embrasse à bras le corps l’héritage de Sonic Youth. En ce sens l’album peut se concevoir comme un pont entre les époques et les cultures, enregistré entre Tanger et Montréal, où la dimension progressive héritée des années 70 côtoie le bruit et la fureur du rock des années 1990, dans un cheminement musical jamais franchement apaisé où pointe toujours un relent anxiogène sous la forme d’un bourdonnement des nappes électroniques ou d’une stridence de guitare électrique. Mais, l’on ne saurait se contenter de cette lecture du disque. Car la musique gravée ici résulte d’un cheminement de vie et se révèle éminemment intime. Véritable odyssée, l’album est un voyage en soi (et là, impossible de ne pas mentionner les 14 minutes de « The Hunter », véritable sommet de l’album) où la voix d’Alex, qui parle plus qu’il ne chante, nous guide par l’oreille dans les méandres poétiques, au cœur de sa créativité, exhalant des vertus aussi cardinales que l’amour, l’espoir et la bienveillance. C’est bouleversant.

En concert à Paris (Elysée-Montmartre) le 23 octobre.

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Créteil en scène 2021

 

Nathaniel Rateliff : « Red Rocks 2020 »

 

Appelons cela un effet collatéral de la pandémie, l’année 2020 aura vu la résurgence d’albums étonnants, enregistrés en solo intégral ou en live mais sans public. C’est la deuxième option qu’a choisi Nathaniel Rateliff afin d’éviter de perdre totalement une année entière. Entouré d’un groupe de musiciens, mais sans sa formation fétiche des Night Sweats (avec laquelle le chanteur va renouer le mois prochain), Rateliff explore de nouveaux horizons musicaux. Un effort riche et protéiforme donc (18 titres) évoquant à la fois Leonard Cohen, dans son versant le plus acoustique (on se rappelle alors les débuts folk du chanteur), mais aussi emprunt d’un swing jazzy irrésistible (« Right On ») ou défrichant des territoires country. Une réussite empreinte d'émotions.

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Le Petit Nénuphar

Lorsqu’il pousse la porte du Petit Nénuphar, le client a pour objectif de s’offrir un temps pour soi, un moment suspendu, hors du temps et à l’écart des contingences du quotidien. Lumière tamisée, encens, thé et musique douce vous accueillent avant de débuter le soin. Les soins pratiqués, Chi Nei Tsang (un massage du ventre), Nuad Naman (un massage à l’huile) ou Le Petit Nénuphar (le soin signature de Sarah combinant les deux), ne vont pas sans appréhensions, celle de se dévêtir ou de se faire manipuler le ventre. Autant d’écueils évités avec délicatesse par notre hôte Sarah, douce et bienveillante, prenant d’infinies précautions pour ménager l’intimité de chacun. Dans la médecine traditionnelle chinoise, le ventre est considéré comme le deuxième cerveau, où siègent les émotions telles que la peur ou la colère, souvent bloquées. Les exercices de respirations visent a faire ressortir lesdites émotions, ce qui peut se traduire par de la toux par exemple. Lorsqu’elle manipule ses clients, une concentration extrême s’affiche sur le visage de Sarah, qui peut se révéler assez impressionnante, mais est le signe de son implication auprès de chacun. Les massages, à la fois doux et fermes, sont délicats et toujours emprunts d’une grande bienveillance. Il est incroyable de constater à quel point tout est connecté, une pression sur un point d’acupuncture sur le ventre se fait sentir dans le dos ou les reins. Les bienfaits, une grande détente corporelle et un relâchement complet du corps, se font sentir immédiatement. Si l’on choisit le massage signature, « Le Petit Nénuphar », vient ensuite le moment du soin sonore. Une sorte de sieste musicale, on est alors invité à fermer les yeux, alors que Sarah s’active autour de la table avec toute une série de clochettes, percussions et autres instruments traditionnels (étonnamment, il nous semble reconnaître quelques sonorités entendues sur son premier album « Miracles »). Un moment étonnant, expérimental, visant à l’apaisement. Attention, il est difficile de quitter le cocon. Le retour au quotidien peut s’avérer cruel, violent même, surtout si on reste coincé, pour une raison ou une autre dans des transports en commun surchargés, en sortant…

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The Supersoul Brothers : « Shadows & Lights »

A bien des égards, cette nouvelle sortie, marque le début d’une nouvelle ère au sein du label Dixiefrog, qui vient récemment de changer de mains. Une nouvelle charte graphique habille l’album, rétro et en noir et blanc, qui n’est pas sans rappeler les premières sorties de chez Daptone. Et également, une plongée en profondeur dans les arcanes de la soul avec ce nouveau groupe particulièrement bien nommé. Un disque en noir et blanc donc, mais surtout entre ombres (Shadows) et lumières (Lights) qui donne leur nom à l’album et aux deux faces qui en composent la version vinyle. C’est un fait particulièrement heureux d’avoir nommé la formation Supersoul, tant le feeling déborde de chaque plage. Enregistré à l’ancienne, c’est à dire tous ensemble et en live, limitant les prises et overdubs, l’album retranscrit l’émotion d’un moment parfois mélancolique (« Shadows & Lights » ; « Please forgive my heart ») mais le plus souvent explosif et plein de groove. La voix de Feelgood Dave, va vous scotcher tant elle véhicule d’émotions mises en sons par un groupe au diapason, funky et soulful, cuivre et clavier à l’appui. Le groupe a produit lui-même le disque, et l’on ne peut que le souligner, tant la production s’avère claire et dynamique. Un exercice soul rétro de haut vol évoquant autant le versant étasunien (d’Otis Redding aux Meters) que l’influence du rock anglais (des Animals à Dr Feelgood). C’est excellent !

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Fuzzy Vox + Parlor Snakes + François Premiers, le 27/10 au Petit Bain

 

Strange As Angels : « Chrystabell sings The Cure »

Habitué à l’exercice de la reprise, Marc Collin, s’est associé à la chanteuse Chrystabell pour ce nouveau projet. Contrairement à ses habitudes prises avec Nouvelle Vague, Collin a cette fois réduit le périmètre des reprises à un seul groupe, The Cure, toutes interprétées par la même chanteuse. Mine de rien, c’est une première ! C’est donc à la chanteuse Chrystabell que revient la charge d’incarner vocalement l’affaire. Son grain de voix fragile épouse à la perfection le contour sombre des chansons toutes recrées en respectant le fond tout en trahissant la forme. Autrement dit, point de guitares ni de synthés ici, ni de cette folle intensité électrique qui faisait tout le sel d’un album comme « Pornography » (1982). Prenant systématiquement le contre pied des versions originales, Collin drape les compositions dans un voile de douceur mélancolique, ce qui sied à merveille à la voix de la chanteuse. Un angle original et cinématographique, rehaussé d’arrangements gothiques et baroques, thérémine, cordes, cuivres et clavecin à la clé. La noirceur qui habite naturellement la musique des Cure (on ne chante pas « It doesn’t matter if we all die » par hasard) trouve ainsi un nouvel habit entre la musique de film (l’ombre de David Lynch, le mentor de la chanteuse, plane sur le projet) et le cabaret berlinois d’avant-guerre. Une magnifique réincarnation.

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Sweet Scarlett : « Rockin’ that soul »

 

Derrière le doux patronyme se cache une belle aventure familiale, celle d’un père, Patrick, guitariste, qui entraîne ses deux fils, Vincent (basse) et Rémi (batterie) ainsi que sa compagne, Caroline, dans la grande aventure du rock’n’roll. Et de leur propre aveu : « Nous sommes certes de la même famille, mais chacun d’entre nous a son propre parcours, a choisi une voie qui a forgé sa personnalité ». A vrai dire on ne saurait mieux définir cet album aux contours riches et fuyants, bien loin de la seule inspiration 1970s qui se dégage de la (sublime) pochette aux couleurs chaudes et chatoyantes. Certes, l’inspiration des années 60/70 est bien là, dans le moindre riff de guitare par exemple, ou dans la voix grave et profonde de la chanteuse, particulièrement à l’aise dans un registre soul/blues, en digne et lointaine héritière de la grande Janis. Mais loin de constituer une fin en soi, cette attirance pour le siècle dernier constitue plutôt en l’espèce un socle sur lequel bâtir une identité sonore, un style. Ainsi, sous le vernis rétro blues, soul et rock, c’est toute une galerie souterraine d’influences qui se fait jour, une dynamique électro (le beat dansant de « Jostle »), les quelques éclairs (néo) métalliques qui habitent les fulgurances guitaristiques un peu partout, ou le flow hip-hop qui s’invite sans crier gare dans les chœurs. Et on en veut pour preuve ultime l’intensité qu’ils arrivent à tirer d’« All along the watchtower », le classique de Bob Dylan déjà transfiguré en son temps par Jimi Hendrix. A chaque plage, l’écoute nous prouve la véracité du vieil adage, les bons musiciens empruntent, seuls les mauvais copient…

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