Le gratin de l’Americana (ou presque) s’est donné
rendez-vous en ce lundi soir dans le cadre majestueux du Trianon pour la soirée
de clôture de la première édition du Fargo Rock City Festival organisé à
l’initiative du label et de la boutique de disques du même nom.
On commence avec les Two Gallants, le duo de San Francisco,
apparu il y a une dizaine d’années maintenant s’est crée une niche bien
particulière. Si la base semble être le folk (bien électrifié tout de même)
guitare et harmonica sur rack, le batteur, telle une déferlante sonore, donne
une ampleur grunge à l’ensemble. Le duo navigue en eaux troubles entre
apaisement (très jolie compo acoustique en toute fin de set) et furie sonore.
Très plaisant.
Sallie Ford and The Sound Outside
On poursuit avec celle qui est devenue l’une des chouchous
de cette page depuis son apparition sur la scène mondiale fin 2011, SallieFord. Creusant le sillon tracé par son deuxième album, « untamed
beast », le projet musical de Sallie Ford est en pleine mutation. Très
marquée par le rockabilly et le gospel sur son premier disque, « Dirty
Radio », Sallie Ford délaisse un peu ses influences premières au profit
d’une approche à la fois plus contemporaine et plus garage. Un peu plus sale en
quelque sorte. Comme un signe du temps qui passe, point de reprise de Buddy
Holly cette fois, mais un « Heart of Glass » (Blondie) assez étonnant
(mais réussi) en ces lieux et place. Autre détail marquant, Tyler Tornfelt a
délaissé sa, pourtant magnifique, contrebasse au profit d’un basse électrique
pendant tout le set. A part cela on retrouve le groupe tel qu’on l’aime, le
batteur Ford Tennis est toujours impeccable de swing voire même carrément
impressionnant de rectitude et le guitariste Jeffrey Munger semble être la
nonchalance incarnée. Quant à Sallie, si elle se professionnalise de plus en
plus, elle a gardé intact cette fraîcheur qui la distingue encore (mais pour
combien de temps ?) des grosses machines ultra calibrées made in USA. Et
j’ai oublié de le préciser, mais son timbre de voix de gorge fait toujours son
petit effet. Je reste un peu nostalgique des intermèdes country chantés par
Jeffrey mais bon, c’est comme ça…
Steve Earle
On garde le meilleur pour la fin avec un monument de la
musique étasunienne, rien de moins que Monsieur Steve Earle. Apparu au mitan
des années 1980 (premier album « Guitar Town » en 1986) comme un pur
chanteur de country, Steve Earle a ensuite évolué (grosso modo depuis son album
« Copperhead Road » de 1989) vers un style plus électrique, plus rock
voire même carrément heavy. Depuis Earle suit un chemin personnel : est-ce
de la country ? Oui mais pas complètement. Du rock alors ? Oui
également mais pas entièrement. De fait, Earle présente cette incongruité
d’avoir fait sien tous les styles sans jamais se renier, rock n’roll, folk,
country il n’y a guère que le blues qui échappe à son répertoire. La
quintessence du musicien américain. C’est surtout un songwriter fin et inspiré,
doté d’une conscience sociale en sus et n’ayant pas peur d’exprimer son
scepticisme à l’égard de son pays qu’il doit pourtant adorer (enfin j’imagine).
Ce qui lui a valu un certain nombre de déboires. Un peu à l’image de sa musique
Steve Earle a présenté un set en deux temps, une première partie plutôt folk /
rock axée sur la guitare, l’harmonica et une deuxième partie plus country
mettant en valeur la mandoline. C’est aussi avec un plaisir non feint que l’on
retrouve sur scène son guitariste Chris Masterson qui m’avait déjà fait forte
impression lors de son passage à la flèche d’or. Ses interventions sont
toujours justes et inspirées quelque soit le contexte. Ce type est tout
simplement brillant. Chris Masterson, retenez bien ce nom ainsi que celui de son
groupe The Mastersons.
Une programmation judicieuse et cohérente, un cadre
magnifique, celui du Trianon, cette première édition du Fargo Rock City
Festival a été une réussite en tout points. Espérons maintenant que l’événement
se pérennise (ce que n’a pas réussi le hélas défunt cool soul festival).
Vivement la deuxième édition et les suivantes…
C’est avec une joie sincère que l’on a retrouvé les
Hillbilly Moon Explosion, vendredi soir dernier au nouveau casino. Si le groupe
continue avec bonheur son petit bonhomme de chemin musical avec son excellent
nouvel effort « Damn right honey », les helvètes n’étaient pas venu
nous rendre visite depuis quelques années déjà (si mes souvenirs sont bons,
c’était au réservoir). Et c’est un groupe en forme olympique que l’on a
retrouvé ! Emanuela, toujours pleine de grâce, superbe dans son tee-shirt
Motorhead du plus bel effet, très en voix et auteur de chœurs et de
contre-chants poignants quand elle n’est pas la chanteuse lead. Derrière sa
magnifique Gretsch blanche demi-caisse on retrouve Duncan qui nous a gratifié
de ses six cordes magiques toute la soirée, excellent musicien aussi bien à
l’aise dans le rockabilly (la marque de fabrique du groupe) que dans les boogies
endiablés, très solide rythmiquement et soliste inspiré. C’est un bonheur de
l’écouter. Oliver et sa contrebasse assurent le show, petite escalade de
l’instrument pour une séance d’air surf au passage, et le lien avec le public.
Il est celui qui discute le plus. Bon chanteur, sa voix grave crée une
alternance intéressante avec le timbre féminin d’Emanuela. Et la distorsion sur
sa contrebasse apporte une note punk/garage originale et de la diversité dans
les ambiances très marquées par rockabilly des années 1950 du groupe. HME a un
nouveau batteur, Sylvain (et oui, il est français, hourra !), aussi bien à
l’aise avec les balais que les baguettes, son sens du swing, carré et efficace,
propulse le groupe dans une nouvelle dimension. L’association avec la
contrebasse fonctionne à merveille et fait renaître la magie du rock n’roll des
origines. Bref tout aurait été pour le mieux dans le meilleur des mondes si un
malheureux incident (une spectatrice tombée dans les pommes au premier rang au
cours d’un pogo bien agité, mine de rien on a frôlé la catastrophe) n’avait pas
mis fin au concert au beau milieu du dernier titre, jetant ainsi un voile
d’ombre sur une soirée jusqu’ici excellente.
Un petit mot pour finir sur le dj Erik Rug, que l’on a pu
écouter avant et entre les deux sets du groupe, et qui nous a balancé quelques
pépites 1960s rockabilly/garage/soul etc… vinyliques bien senties. Excellent Dj
set.
Arrivé à un certain point, Ben Harper, 42 ans dont 20 de
carrière et des disques écoulés par pelletés, essaye dorénavant à s’intégrer
davantage dans le paysage blues, milieu autour duquel il tourne depuis des
années (ses débuts en fait) sans vraiment en faire partie. Trop rock pour les
puristes. En Charlie Musselwhite, harmoniciste de son état, un vieux de la
vieille, actif depuis les années 1960, Harper a trouvé le partenaire dans le
crime idéal. Méconnu du grand public mais adulé des connaisseurs, garant d’une
certaine tradition, Musselwhite a le fond nécessaire pour hausser le niveau et
pousser Ben Harper hors de sa zone de confort, celle des standards FM. Le
premier titre dévoilé, « I don’t believe a word you say », pouvait
laisser pantois quant aux tenants et aboutissants d’une telle collaboration.
Gros riff de guitare, Musselwhite un peu sous-utilisé, le morceau portait
indéniablement plus le sceau de Ben Harper que celui du malicieux harmoniciste.
Les choses avaient-elles vraiment changées ? Après écoute du disque, on
peut l’affirmer, oui, mille fois oui et c’est pour le meilleur ! Le disque
révèle une complicité, une connivence (corroborée par les photos du livret)
entre les deux protagonistes. C’est le disque de deux potes, pas une
collaboration forcée débouchant sur un gain en crédibilité pour l’un et en célébrité
pour l’autre. L’album est équilibré, bien balancé, les musiciens aussi bien à
l’aise dans un environnement acoustique,
« Don’t look twice » qui ouvre les débats de fort belle
manière, très cool, qu’électrique « Blood side up ». « I ride at
dawn » est lourde et aussi oppressante que le plomb alors que « Get
up !», nettement plus jam, swingue comme pas possible, en partie grâce à
une ligne de basse absolument mortelle. Il n’y a ni règles, ni limites, le duo
tente tout et met dans le mille neuf fois sur dix. Mention spéciale pour
« She got kick », très réussie. Un très bel album et une perle
supplémentaire dans la discographie de Ben Harper, après l’album sorti avec les
Blind Boys of Alabama (« There will be a light ») en 2004.
Décidemment les bonnes surprises musicales arrivent avec une
régularité confondante dans notre cher Hexagone ces temps ci ! Et comment
est-il possible que l’on n’ait jamais entendu parler avant de ces Bubblies,
pourtant actif depuis le milieu des années 1990 ?? Biberonnés au son power
pop punky des années 1990 (Weezer, Pixies, Nada Surf, ce genre de choses) les
Bubblies viennent de sortir (enfin il y a déjà quelques mois) une petite perle
dans le genre. « Mastermind » et « Big Fake » qui ouvrent
l’album de la plus belle des manières n’ont rien à envier aux classiques du
genre, signés des groupes cités plus avant. Energie, évidence mélodique, refus
absolu de quitter l’adolescence (quelque part ça se comprend…) l’album sonne
comme un grand voyage dans la machine à remonter le temps. En gros, c’est comme
il y a vingt ans, une époque où le téléphone était pensé pour se parler !
Arrivé à mi-écoute, l’album prend un tour inattendu, moins porté sur les
guitares (encore que) et plus sur la pop électro-kitsch, à base d’orgue Moog,
les Rentals (les années 1990 toujours) ne sont pas bien loin. Une belle petite
réussite qui ravira aussi bien les nostalgiques de tout bord que les amateurs
de pop bien envoyée. Excellent.
Alors que l’album débute avec la douce acoustique « On
my way », on a l’impression de partir pour un beau voyage au cœur des
musiques roots en compagnie de Kesiena (joli grain de voix au passage). Hélas,
rapidement le versant pop de l’affaire prend le dessus, les arrangements
particulièrement d’une grandiloquence digne des années 1980. Quelques bons
morceaux malgré tout (« You may not be the one », « love is all
i have » "It was all written"). Une occasion manquée.
Quelle belle surprise que ce maxi (6 titres) signé
Klangfeld. Ressemblant à peu de choses déjà connues, Klangfeld préfère suivre
sa propre voie plutôt que de recréer les sons du passé. Bien lui en a pris.
Klangfeld se présente de prime abord comme un groupe de rock classique,
batterie, basse, guitare. Ce qui l’est beaucoup moins (classique) par contre,
c’est les compositions de Klangfeld. D’un format moyen assez long, c'est-à-dire
dépassant les trois minutes syndicales, Klangfeld révèle un entrelacs
expérimental où les sensations se bousculent. La musique part dans une
direction puis une autre, entraînant l’auditeur dans une sorte de grand huit
sonore assez ébouriffant. Et le tout en restant toujours assez simple d’accès
(la jolie ballade acoustique « Black Star »). C’est le tour de force
réussi par ce maxi, entraîner l’auditeur hors des sentiers battus sans jamais
tomber dans des expérimentations froides et stériles à la Radiohead (par
exemple). Et sans jamais utiliser le moindre synthé ou manipulation sonore.
Tout est « fait main », car dans sa forme, du moins, Klangfeld se
présente comme une formation rock classique. Belle réussite.
Deuxième effort pour cette artiste originaire du Nigéria,
qui aura eu bien du mal à arriver jusqu’à nous, et la promesse d’un superbe
voyage tout en musique. Réalisant le grand écart entre plusieurs cultures,
Layori chante en langue vernaculaire sur fond musical jazz soul typiquement
occidental. Acoustique chatoyante (guitare sèche, contrebasse), interventions
jazzy des cuivres (le saxophone notamment), Layori est de plus une vocaliste de
charme, tantôt douce, tantôt profonde, ce qui ne gâche évidemment rien à
l’affaire. L’absence de batterie remplacée par un cajon donne une note latine à
l’ensemble et favorise un sentiment d’intimité avec l’artiste. L’album est magnifique.
A première vue, mais à première vue seulement, The Relatives
se présente, à l’instar de The Heavy, comme une version masculine des Bellrays.
A savoir, un savant alliage entre chant soulful à souhait sur une musique
d’inspiration rock. Une écoute attentive permet de mieux définir le style des
Relatives. Moins punk que les Bellrays, The Relatives pencherait plutôt du côté
psychédélique de la chose rock. « Let your light shine » est
peut-être la plus représentative du style : orgue hammond B3, guitare
wha-wha, la chanson est formidable. « Bad Trip » vaut aussi son
pesant de décibels et nous ramène au meilleur des sixties. Les influences black
des Relatives serait plutôt à rechercher du côté du gospel, l’album s’ouvre et
se referme sur des morceaux inspirés par le chant choral à cappella. Cet amalgame entre rock,
soul, blues et gospel ainsi que le chant à plusieurs voix n’est pas sans
rappeler les Temptations (la grande époque « Psychedelic Shack »).
« The Electric Word », le premier album du trio après quelques
quarante ans d’existence, est non seulement une réussite indéniable, sans temps mort ni faute de goût, mais c’est également notre coup de cœur du printemps.
Le disque d’une rencontre, la passerelle entre deux univers.
A ma droite, Joe Driscoll le New Yorkais, c’est la face urbaine du duo. A ma
gauche, Sekou Kouyate, l’Africain incarne quant à lui la facette vernaculaire.
Joignant leurs forces, les deux hommes projettent de ramener le rap et par
extension le blues à ses racines africaines. Et c’est parti pour un beau voyage
le long de ces neuf plages dans les plaines africaines où dominent les
instruments ancestraux (« Passport 1 ») ; dans le fond résonnent
les sirènes et autres bruits de rue estampillés NYC (« Tanama » qui
ouvre l’album et "Birnakely"). L’amalgame prend particulièrement bien sur « Faya 1 »
ou le flow de Joe Driscoll se mêle à merveille à un gombo musical composé de
guitare wha-wha et de divers instruments acoustiques typiques. Plus soulful
« Lady 2 » est une autre belle réussite de cet opus plutôt réussi.
Attention, les chiens sont de retour ! Faisant fi des
traditions les Shaggy Dogs, un des fleurons de notre scène hexagonale soit dit
en passant, ne sont ni vraiment blues ni complètement rock n’roll mais un peu
tout ça à la fois (même si ils sont des bluesmen absolument crédibles). Passant
du garage au pub rock, les Shaggy Dogs ne suivent finalement qu’une seule voie,
celle du plaisir. Et c’est finalement ce que l’on entends tout les long des
treize plages qui composent ce cinquième effort : un groupe qui s’éclate,
dans le binaire comme dans le ternaire. Ce n’est pas plus compliqué que cela et
c’est finalement assez addictif. Les Shaggy Dogs empruntent de ci de là tout en
préservant l’essentiel : une rythmique pleine de groove, des guitares qui
se font tour à tour chatoyantes ou agressives et un piano ou un harmonica bien
senti pour compléter le tableau. Car les Shaggy Dogs savent aussi se faire
soulful à l’occasion. Et qu’importe si les puristes s’arrachent les cheveux, toute
la musique que l’on aime vient du même endroit : du cœur. Avec un cocktail
pareil, les concerts à venir s’annoncent explosifs…
Personnage complexe à la réputation atrabilaire, Bonnie
« Prince » Billy (Will Oldham de son vrai nom) est bien connu pour
avoir été le leader des Palace Brothers, mètre étalon de la country alternative
des années 1990. Après une énième réincarnation, Bonnie « Prince »
Billy est de retour, accompagné de la chanteuse Dawn McCarthy. Le nouvel album
s’intitule « What the brothers sang », les frères en question étant
les Everly Brothers, duo star des années 1950 aussi bien à l’aise avec la
country que la pop ou le rock n’roll. Rejoignant une longue lignée de musiciens
avant eux, McCarthy et Billy rendent ainsi hommage, avec beaucoup de classe, aux héros de leurs premiers
émois musicaux le temps de ce très bel album entièrement composé de reprises
des frères sus cités. En opposition avec la diversité musicale des originaux,
le duo rend hommage au Everly Brothers sur un ton essentiellement country, dans
une démarche qui n’est pas sans rappeler le couple Gram Parsons/Emmylou Harris
à la différence de taille que Bonnie et Dawn ne sont pas amants. Ce qui
s’entends d’ailleurs, le disque sonnant plutôt comme une conversation entre
deux potes de comptoirs évoquant des souvenirs communs. Les voix des deux protagonistes se mariant à merveille. Un album de country
donc, mais assez diversifié, certains titres mettant en avant un violon très
cajun alors que d’autres résonnent plutôt comme des ballades sur un mode lap steel/gratte sèche
(« So sad ») et « Somebody help me » prône une approche
plutôt rock. La country music étant victime de préjugés ridicules dans notre
hexagone, voici un très bel album pour (re)découvrir ce style musical hautement
estimable.
Premier album pour ce mystérieux artiste originaire de
Richmond, Virginie et qui arrive un peu sans crier gare. Brassant les styles,
c’est à une sorte de voyage initiatique que nous convie Matthew E. White.
L’inspiration première semble être le folk, tout part de la guitare acoustique
avec une appétence certaine pour les sons des années 1970 à l’image de la
ballade d’ouverture « One of these days ». Mais ce serait résumer un
peu rapidement le personnage, car cet album nous permet de découvrir un artiste
très soulful par ailleurs. Le piano de « Big Love » semble tout droit
sorti de la Nouvelle-Orléans, on pense à Allen Toussaint. L’album se termine
avec « Brazos », composition de pratiquement dix minutes, sorte
d’éveil spirituel, le gospel n’est pas bien loin. Un album court, sept titres
seulement, mais richement arrangé à force cuivres et cordes. Et puis il y a la
voix de Matthew, à la voix douce et profonde, pleine de nuances, parfaite pour
ses compositions laid back à souhait. Le géant barbu semble nous prendre par la
main pour mieux nous embarquer dans ce beau voyage au cœur des musiques
telluriques étasuniennes.
Audrey Ismaël, la moitié de Smoking Smoking, nous a reçu
avec beaucoup de gentillesse chez elle afin de répondre à quelques questions…
Au début quand j’ai découvert Smoking Smoking, j’ai tout de
suite trouvé la formule, avec un seul piano pour deux chanteuses/pianistes,
unique en son genre. Vous avez débuté comment ?
Audrey (piano/voix) : C’est assez naturel. Vanessa et
moi on se connaît depuis très longtemps, des années. Un jour on était en train
de discuter, comme deux super potes qui refont le monde autour d’un verre. Et
puis on a commencé à chantonner. On faisait toute les deux de la musique, mais
chacune de son côté. On a décidé d’essayer d’en faire ensemble. On s’est
enregistré. Le lendemain on s’est revu pour réécouter ce qu’on avait fait la
veille et qui est ensuite devenu le refrain d’Are we lucky ? On a trouvé
ça pas mal ! On s’est retrouvé chez Vanessa où il n’y avait qu’un seul
piano. Je me suis assise à gauche, Vanessa à droite et on a commencé à jouer.
Je faisais les accords alors que Vanessa arrangeait en direct le morceau. La
formule n’était ni pensée ni conceptualisée. On s’est juste retrouvée toutes
les deux avec un seul piano et une énorme envie d’en jouer (rires).
Vos voix se marient très bien, les harmonies vocales c’est
quelque chose que vous travaillez particulièrement ?
Audrey : Sur l’album on n’est pas automatiquement en
harmonie ni à l’unisson. C’est vraiment au service de la chanson. Parfois
l’unisson donne de la force, on chante la même chose, nos voix se confondent.
Quand on est parties sur des harmonies, elles n’ont jamais été travaillées au
sens classique. Tout vient de la mélodie, une fois qu’on avait trouvé le bon
mariage, ça restait.
Il y a quand même un côté très mélancolique sur l’album je
pense à un titre comme « dancing » par exemple…
Audrey : Oui, c’est un album très personnel. « It’s
all about love », le titre est clair. Après, il y a d’autres titres plus
épiques. En tout cas, on n’a jamais voulu faire une chanson triste, on essaye
plutôt de mettre un état d’âme en musique. On s’inspire autant de nos histoires
personnelles que de personnages fantasmés. Ceux qu’on retrouve dans le
clip : Marilyn, Elvis, l’astronaute, la diva désespérée en fin de carrière
qui attends le retour de son homme… Ces personnages, on a le sentiment de les
porter en nous, ils nous ont inspirés. Vanessa et moi on est très proches, on
est vraiment très amies dans la vie, ça nous a permis d’écrire des textes qui
nous sont très personnels à nous deux, ce qui est assez particulier quand même.
Tu parlais de Dancing, c’est l’histoire d’une danse entre moi (ou Vanessa) et
un marin et du souvenir de cette danse. Mais bon tu vois, ce n’est pas si
personnel que ça, car la chanson ne parle pas d’un marin en particulier mais
plutôt de l’image du marin en général. Ces personnages romantiques, le cow-boy,
le marin… Ces personnages qui nous permettait de parler de nos histoires
personnelles mais de manière très imagée.
L’album est très bien produit et même parfois très arrangé,
« Hold my hand », « Don’t let me down » qui est un peu
jazzy. Comment vous transposez tout cela sur scène ?
Audrey : Parfois on est toutes les deux, comme quand on
est parties en tournée avec Aaron, avant la sortie de l’album. Maintenant on a
un percussionniste avec nous, ce qui donne un côté tribal qu’on retrouve sur
« in circles ». On est parfois très proche de ce qui se passe sur
l’album même si on a seulement un piano et des percussions. On est en train de
travailler sur une tournée pour 2013, idéalement on aimerait que Jérémy, qui a
fait tout les arrangement de cordes sur l’album, et Thomas, qui s’est occupé
des cuivres, nous rejoignent.
L’image est une des composantes principales du groupe...
Audrey : Vanessa est également réalisatrice et
photographe. C’est d’ailleurs comme ça qu’on s’est rencontrée, elle travaillait
comme réalisatrice pour une boîte de production dans laquelle j’étais en stage.
L’image c’est vraiment lié à notre univers musical, les musiques nous inspirent
des images et inversement. Souvent quand on compose une chanson, on se regarde
et on se dit : « T’as vu quoi là ? ». On va avoir l’image d’un cabaret, d’un quai.
Ca inspire directement notre musique. Une fois l’album enregistré, le fait de
le mettre en images était totalement évident et naturel. En plus ça pouvait
être « fait maison » grâce à Vanessa. Après l’enregistrement on est
parties à New York toutes les deux pour faire le clip, la pochette et les
photos de l’album. Smoking Smoking, c’est autant la musique que les images et
vice-versa.
Il y a un côté à la fois très américain et très
cinématographique sur la pochette…
Audrey : Oui cela rappelle les affiches des films de
John Cassavetes. C’est le frère de Vanessa, un graphiste, qui a travaillé sur
la pochette. Il a complètement compris notre idée d’affiche de film, très
1970s. C’était super, on était très heureuses. Et puis tous les noms sont
indiqués sur la pochette, cela permet de mettre en avant les personnes avec qui
on a collaboré qui sont partie intégrante du projet et des chansons que l’on
retrouve sur l’album.
Quel genre de film aurait pu être « It’s all about
love » ?
Audrey : Dans l’absolu, ces personnages pourraient être
dans un film un jour…
Il y a aussi cette ressemblance physique entre vous deux, au
début j’ai cru que vous étiez jumelles…
Audrey : On n’est pas jumelles, juste des amies très
proches. On se connaît depuis des années et pendant des années personnes ne
nous a jamais dit que l’on se ressemblait. Et depuis que l’on a commencé ce
projet, on rencontre beaucoup de personnes qui nous demandent si on est sœurs
ou jumelles ! Même des personnes qu’on rencontre en vacances en dehors des
activités du groupe. Je ne sais pas, c’est peut être naturel vu que l’on
collabore énormément. Il y a des mimétismes qui se créent. Cela tient aussi des
vases communicants, on s’influence mutuellement. On s’est fait découvrir nos
univers respectifs de manière très profonde pour pouvoir travailler ensemble. C’est
un côté que l’on n’a jamais cherché à creuser en tout cas. Ca s’est fait tout seul.
On n’a jamais cherché à se ressembler, c’est juste la complicité créée avec le
temps.
C’est aussi une belle histoire d’amitié…
Audrey : C’est avant tout une belle histoire d’amitié.
On avait déjà travaillé ensemble sur le clip et les photos de mon projet solo.
Et j’ai toujours suivi de très près les projets de Vanessa que ce soit en
matière de musique ou de réalisation. J’ai posé pour elle pour ses photos. On
avait déjà un peu l’habitude de travailler ensemble. C’est une amitié très
forte.
Un petit mot sur le tournage du clip à New York ?
Audrey : Epique ! On est parties toutes les deux.
Encore une fois ce clip à New York cela a été possible parce que on avait déjà
un vécu commun très important Vanessa et moi. On avait déjà tout fait toutes
les deux ensemble. On n’avait absolument pas peur. Tous les flashs d’images que
l’on avait en tête au moment de l’enregistrement on les a trouvé là-bas à New
York. Vanessa était toute seule à cadrer, moi je l’assistais, je tenais les
lumières. On a rencontré des comédiens là-bas notamment l’actrice qui ressemble
à Gena Rowlands. On a eu la chance de tomber sur des comédiens qui ont été très
généreux et qui ont joué le jeu. On est parti deux semaines. Cela nous a donné
plein d’autres idées, d’autres envies. Vanessa a depuis fait des séances photos
qui déclinent l’univers visuel de l’album qui vont donner lieu à une expo photo
et à la publication d’un livre.
Et avant ce clip à New York, il y avait eu une autre vidéo
pour la même chanson réalisée par Mark Maggiori. Que s’est-il passé, c’est
assez rare deux vidéos pour le même titre ?
Audrey : Mark c’est une très belle rencontre, on est
très heureuses de ce clip. On avait envie d’avoir le point de vue d’un
réalisateur. Un regard masculin. Ensuite l’évolution du projet a fait que l’on
a eu envie d’autres images. On avait envie de faire un nouveau clip nous-mêmes.
Les deux vidéos sont très différentes, l’une est en noir et
blanc, l’autre est en couleur. Le clip à New York est beaucoup plus long et
ressemble plus à un court métrage…
Audrey : C’est vraiment quand on a enregistré l’album,
des images nous sont venues alors qu’on était en studio à La Frette. On a eu
envie de noir et blanc. C’est l’évolution du projet…
L’album est sous-titré : « 11 chansons sous
influence ». Quelle influence ?
Audrey : C’est un petit clin d’œil à Cassavetes, au
film « une femme sous influence ». On l’a laissé au singulier de
manière volontaire.
« The man who crashed my heart left for the
moon », c’est un peu mystérieux comme titre…
Audrey : Tout ça c’est des personnages. Le cow-boy,
l’appel à la liberté, ça nous parle, ça nous fait fantasmer. L’astronaute c’est
aussi un personnage. C’est le début du clip, une histoire un peu absurde :
« après cinquante ans d’hibernation sur la lune, l’astronaute revient sur
terre ». La lune, le ciel, les étoiles, c’est des appels à l’absolu, la
liberté. Tant qu’à se faire briser le cœur, autant que cela soit par un homme
qui part sur la lune. C’est plus romanesque. C’est un album très absolu et donc
du coup très romantique.
On dit souvent que pour les jeunes groupes français, l’album
sert de carte de visite pour décrocher des concerts (je précise que ce n’est
pas du tout ce que j’ai ressenti en l’écoutant). Qu’en penses-tu ?
Audrey : Le live et le studio c’est deux choses très
différentes. C’est comme de comparer le théâtre et le cinéma. L’enregistrement
d’un album c’est quelque chose de très intime. C’est très minutieux,
microscopique. On réécoute beaucoup tout ce qu’on a fait. On cherche si une
note de plus ne va pas apporter quelque chose. On a passé des heures et des
heures à enregistrer les voix avec Vanessa. On a pleuré, on a été émues…
C’était très fort et dense. Sur scène, on est en contact avec le public. On
n’est pas sur soi, on essaye de partager quelque chose avec le public. C’est un
travail complètement différent. Les chansons ne sont pas véhiculées de la même
manière. C’est complémentaire. Moi, personnellement, j’ai très envie de faire
des concerts.
Tu parlais de l’enregistrement comme d’un moment d’intimité,
comment est-ce que le groupe s’est senti quand le disque est sorti dans le
commerce ?
Audrey : C’était un peu fou. Pour Vanessa et pour moi,
c’est notre premier disque qui sort dans le commerce. Quand on a vu notre album
à la fnac la première fois, c’était l’euphorie. C’est tellement de travail…
Après le sentiment se dématérialise, on ne se rend plus vraiment compte. On a
reçu beaucoup de messages assez touchants. On avait quand même hâte de le
sortir cet album, c’est comme un accouchement après une gestation. On n’avait
pas peur.
« Are we lucky ? », vous êtes chanceuses
finalement ?
Audrey : Ah oui ! Mais ce n’est pas la question
soulevée par cette chanson. Notre destin ne dépend pas de la chance. Chanceux
ou pas, il faut se décider, vaincre ses peurs et se lancer dans un chemin qui
nous correspond. Après la chance elle vient ou pas. En l’occurrence, sur ce
projet on a plutôt été chanceuses. Tout ce qui se passe depuis deux ans, nous
fait dire que l’on est sur le bon chemin.
Carpe Dièse, école de musique par visioconférence, propose
une formule innovante dispensant des cours de musique par le biais d’un
ordinateur et d’une webcam, utilisant le logiciel skype. Si la formule n’est
pas vraiment idéale, elle permet néanmoins aux aspirants musiciens isolés, ne
pouvant se déplacer facilement ou tout simplement victime d’un emploi du temps
trop chargé de pouvoir malgré tout profiter d’un enseignement musical. Dans les
faits, il faut dans un premier temps s’inscrire sur le site internet.
Rapidement le conseiller pédagogique vous téléphone afin de définir les
contours de l’enseignement désiré et d’établir un rendez-vous pour un cours
d’essai gratuit. Il faut au préalable passer un test de connexion (de bande
passante précisément) afin de s’assurer que vous disposez du matériel
informatique adéquat. Il est dommage cependant que ce test doive se faire par
l’intermédiaire d’un site extérieur, et de supporter par la même de la publicité.
Avant ce fameux cours d’essai, Carpe Dièse vous fait parvenir par email, de la
documentation (par nécessairement utile) par email. Arrive le jour J et le
professeur est là, de l’autre côté de l’écran guitare en main pour ce premier
cours d’une demi-heure. Attention, seul ce premier cours d’essai est
individuel, le reste de l’enseignement est collectif et les cours ont alors une
durée de 40 minutes, ce qui laisse songeur (MAJ on m'annonce qu'il est possible de continuer les cours individuels ensuite). Si le professeur est plutôt sympa
et tout à fait compétent, l’expérience s’avèrera un peu frustrante. On a
parfois du mal à se voir et il faut changer l’ordinateur portable de position
afin de bien pouvoir observer le cours. L’image se fige de temps en temps et on
a globalement un peu de mal à se faire entendre et comprendre, du moins plus
que dans la vraie vie il me semble. Les cours suivants étant collectifs, le
risque de cacophonie me semble réel. J’insiste sur le fait qu’il est nécessaire
d’avoir à sa disposition du matériel informatique relativement récent car en
plus de l’enseignement via Skype, le professeur fait parvenir des partitions en
pdf qu’il faut ouvrir pendant le cours afin de les travailler. Le risque de bug
n’est pas loin. La demi-heure passe vite et s’achève finalement avant que l’on
ait pu aborder les points prévus au préalable (ce qui aurait été le cas de toute façon lors d'un cours physique). Une fois le cours terminé,
l’élève se rend dans son espace de révision personnalisé sur le site de Carpe
dièse ou on trouve des vidéos récapitulatives des points à réviser avant le
cours suivant. Prendre des cours de musique à la MJC (par exemple), c’est aussi
l’occasion de rencontrer, d’échanger avec d’autres élèves pratiquant un
instrument différent, ce qui peut parfois donner naissance à un projet
artistique. C’est un peu dommage de s’en priver en restant chez soi devant son
ordinateur portable… A chacun de voir…
Informations et tarifs sur le site de Carpe Dièse.
L’album commence avec toute la gravité que le nom du groupe
suppose. L’intro de « Spine » est sombre et oppressante puis d’un
coup sec, les guitares explosent dans une fulgurance sonique. Et c’est parti,
les écossais de Funeral for a friend sont de retour, plus en forme que jamais.
Situé au confluent de plusieurs courants, Funeral for a friend mélange la
lourdeur du métal avec une dynamique rythmique héritée du punk. Si la mélodie
n’est jamais laissée de côté (cf. le riff bien trouvé de « The
Distance ») l’album entier est une affaire de bruit, de fureur, de
martèlement sonore. Ca cogne, ça hurle, ça va vite (« Best friends and
hospital beds »), les titres ne dépassent guère les deux minutes. Agressif
juste à point, ce disque est une explosion de décibels particulièrement
jouissive. Le KO n’est pas loin.
Enregistré à quatre mains, ce petit maxi est la preuve
évidente que la seule passion peut être le moteur de bien des réussites. Giroux
et Henaux, c’est Alain Giroux le guitariste et Jean-Marc Henaux, harmoniciste
de Shake Your Hips. Les deux musiciens ont mis leurs compétences en commun pour
enregistrer ce sublime hommage au blues et au ragtime. L’apparente modestie de
l’affaire est en fait sa grande force, la sensation d’intimité partagée avec
les deux musiciens est très plaisante. Il y a finalement peu d’éléments dans ce
disque, de la guitare, de la voix, de l’harmonica, mais la passion transpire de
chaque note jouée. Cinq titres (trois reprises et deux compos originales) au
charme vintage indéniable.
Alors que l’on insert le cd dans le lecteur et que les
premières notes s’échappent, une évidence se fait jour : tout, absolument
tout, chez Jenny Lee & The Hoodoomen nous est immédiatement
sympathique ! Américaine de naissance, exilée en France, Jennifer Lee
Milligan et son groupe nous ont gratifié d’un mini-album (7 titres) plein de
charme. Il y a la voix de Jenny pour commencer, sexy à souhait et profonde. Et
puis la musique. Ces musiciens ont du swing plein les doigts ! Si le blues
(tendance jump) n’est pas absent des débats, c’est surtout au jazz que l’on
pense. Classieux et raffinés, les Hoodoomen pratiquent un swing élégant, aidés
par une pléiade d’invités, entre autres le saxophoniste Drew Davies. Si l’on
tient compte du fait, qu’en sus le disque compte trois compositions originales
(signées de Jennifer et du guitariste Pascal Fouquet), on n’est plus très loin
d’imaginer un futur radieux pour le groupe. Un excellent disque qui renoue avec
bonheur avec une esthétique héritée des 50s. A déguster le soir, lumières
tamisées et whisky d’âge a portée de main…
« Bonsoir, je suis Valerie June et je vais jouer cette
chanson toute seule ». S’en suit une interprétation déchirante au banjo.
C’est ainsi qu’a débuté le concert de vendredi soir signant le retour de
Valerie June, belle comme un cœur et toute de bleu vêtue, dans la capitale.
C’est aussi le seul moment du show qui a ressemblé à la Valerie d’avant,
l’artiste est aujourd’hui en pleine mutation et qu’il semble bien loin le temps
de l’ « organic moonshine folk music » de ses premiers albums.
Et pourtant il en reste quelque chose dans sa voix, entre folk, country et
bluegrass. Désormais accompagnée par un groupe complet (basse, batterie, chœur,
guitare, clavier/trompette) le creuset d’influences de Valérie s’est considérablement
approfondi. Les différentes influences se superposent, se croisent, entre rock,
blues et soul music. C’est un nouvel horizon qui s’ouvre devant elle et il est
absolument fascinant, d’écouter son chant passionné déchirer la nuit
parisienne. On pourrait facilement imaginer le Mississippi couler sous nos
pieds. La musique de Valerie June est profondément terrienne et ancrée dans son
sud natal. Et oui, quelque chose a changé chez Valerie June. Les yeux mi-clos,
concentrée sur son sujet, l’artiste semble grave et terriblement sérieuse.
Qu’est-il advenu de la chanteuse affable parlant au public entre deux
chansons ? Ou est la fille accessible qui n’hésitait pas à taper la
discute après les concerts ? Est-ce la notoriété nouvelle, le fait d’être
désormais produit par Dan Auerbach (leader des Black Keys) ? Les
sollicitations, les nombreux concerts, les voyages toujours plus longs ? La
liste des interrogations est longue et nous laisse bien esseulé dans la nuit
parisienne avec un seul regret au final : ce fût, beaucoup trop court…
Mais quel est le secret d’un bon vieux disque de rock
n’roll ? Epineuse question s’il en est. La réponse pourrait se trouver
dans les neuf compositions du premier effort des Suédois méconnus de Troubled
Horse. En effet, après dix ans d’existence, ces derniers se sont décidés à
compiler leurs meilleurs morceaux pour donner naissance au présent album,
« Step Inside », qui est donc leur premier. Pour en revenir à ce bon
vieux rock n’roll tout commence pour la science de la guitare, que celle-ci
soit diffusée dans un riff du feu de dieu, «Another man’s name » ou diluée
dans de furieux soli (la wha wha de « One step closer to my grave »).
Vient ensuite un art consommé du songwriting, en l’espèce les Suédois ont des
arguments à faire valoir et n’hésitent pas à marcher sur les plates bandes de
la pop, tendance musclée tout de même (« Your fears »). Empruntant à
différents courants (garage, métal, hard rock, psychédélique) tout en restant
fortement ancré dans les années 1970, Troubled Horse apporte ainsi sa réponse à
l’épineuse question inaugurale. Plaisant, parce que bien fait, à défaut d’être
original, cet album mérite d’être découvert.
The Blue Van poursuit sa route. Apparu au début des années
2000 comme un pur groupe de garage rock très porté sur les années 1960 et 1970,
The Blue Van n’a eu de cesse depuis d’élargir sa palette, de s’ouvrir sur des
nouveaux sons, un peu comme si ces Norvégiens bon teint essayaient de donner
une couleur européenne nordique à ce genre intrinsèquement étasunien. Ce nouvel
effort, le cinquième, poursuit donc dans cette nouvelle voie. Concrètement, le
quartet lorgne désormais en direction des années 1980, l’orgue farfisa qui
avait fait le bonheur de leur premier album « The art of rolling » et
un peu délaissé au profit de synthés apportant une note electro fuzz (cf. le
morceau titre « Would you change your life ? »). La
transformation est particulièrement spectaculaire sur « Dreamers »
qui les voit empruntant un chemin carrément new-wave, sur que le clip (si tant
est qu’une vidéo soit prévue sur ce titre) aurait naturellement trouvé sur le
MTV made in 1987. Pourtant, signe de la richesse de cet album, The Blue Van est
resté, fondamentalement, un groupe de rock n’roll débridé, l’excellente
« Harder than a diamond » et le speed blues « Wake the
tiger » (la pièce de choix de cette nouvelle livrée) se chargeront bien de
contenter le rockeur en manque d’adrénaline. Saluons donc l’inventivité et la
prise de risque (le solo de flûte sur « Gospel of dust » il fallait
oser). Plus globalement le disque est très bien produit, pensé et rayonne d’une
ampleur pop pas désagréable (« Weary Eyes » ; « I thought
you like me »). Un excellent album, décidément The Blue Van fait bien
partie du peloton de tête des groupes actuellement en activité sur le
continent.
Spécialisé dans la signature de groupes plutôt bruyants et
évocateurs des années 1970 (Electric Wizard, Uncle Acid, Horisont) ; le
label anglais Rise Above Records diversifie ses activités avec ses nouveaux
poulains, les anglais de Diagonal. Il est cette fois question de rock
progressif. Majoritairement instrumental, ce nouvel effort « The Second
mechanism » ne comporte en effet que cinq titres. Cinq titres seulement,
mais quelle épopée ! Les compositions sont assez longues et partent
souvent d’un thème répété à l’envie autour duquel les musiciens gravitent
empruntant des détours allant du jazz au métal en passant par les ambiances
orientales. La musique est faîte de haut et de bas, d’accélérations ou de
moments calmes. Le tout rappelle fortement les années 1970, ce qui est une
constante chez les productions Rise Above. Il ne faut pas bien sur être
allergique aux soli de guitares de plusieurs minutes, mais qui sont autant de
démonstrations de virtuosité, pour pouvoir pleinement apprécier la chose. Tout
juste pourrait-on regretter certains arrangements tirant trop sur la corde du
kitsch. Mais pour le reste, l’album est très bien fait.
Groupe assez méconnu, les Suédois d’Horisont nous livrent
avec « Second Assault » l’un des albums les plus excitant qu’il nous
ait été donné d’écouter ces derniers temps. Horisont, c’est du rock n’roll, du
pur, du vrai sans concession. C’est surtout un groupe qui refuse le passage du
temps, qui arrête les horloges et rock aussi dur que dans les années 1970.
Aussi puissante que le métal, la musique est servie avec une rage digne du
garage rock. Sacré mélange, explosif à souhait. La virtuosité est présente à
tous les étages, le toucher des musiciens est précis, fin, délicat à l’occasion
(« Crusaders of death »). Et enfin, bonheur suprême, Horisont
n’occulte pas non plus l’influence du blues voire même du jazz ce qui leur
permet d’atteindre une musicalité extrême. Superbe album qui nous replonge avec
délectation dans les grandes heures du heavy/hard rock des années 1970.
L’ « Horisont » est bien dégagé, c’est une grande nouvelle.
Une chouette programmation jouant la carte roots/americana (Steve Earle, Sallie Ford, Houndmouth) dans la plus belle salle de Paris, le Trianon, le Fargo Rock City Festival semble né sous les meilleurs auspices...
A peine cinq ans d’existence et déjà culte, c’est
l’incroyable destin des très mystérieux anglais d’Uncle Acid and the deadbeats.
Au début, il était un groupe qui vivotait comme il pouvait dans son Angleterre natale
et vendant ses deux premiers albums « Vol 1 » et le présent album
« Blood Lust » par l’intermédiaire de son site internet et sur CD-R
uniquement. Le groupe réussi cependant à attirer l’attention du label Rise
Above, qui décide, en 2011, d’éditer une édition vinyle de « Blood
Lust ». C’est alors que l’histoire s’emballe, le disque à peine sorti est
déjà épuisé. La toile s’enflamme pour Uncle Acid and the deadbeats, sur ebay il
faut alors débourser la bagatelle de 7500 livres sterling (8773 euros) pour acquérir
la version vinyle dudit album. Et tout cela pour un groupe quasiment invisible,
très peu de photos circulent, les concerts sont rarissimes, et dont personne ne
sait précisément qui sont les membres qui le compose. Jusqu’à ce que Rise Above
ne décide, en fin d’année dernière, de rééditer « Blood Lust » et
nous donne ainsi l’occasion de vérifier par nous-mêmes tout le bien que l’on
dit d’eux par ailleurs. Situés au confluent de plusieurs influences, Uncle Acid
mélange les influences dans un chaudron bouillonnant de magie noire maléfique.
Du doom metal, Uncle Acid garde les tempi lourds et obsédants, une sorte de
psychédélisme/progressif forcément très sombre (« Curse in the
trees »). La science du riff de guitare nous ramène du côté du Stoner
(« 13 candles ») et le côté un peu « sale » de la
production et les quelques légères influences blues qui traînent de ci, de là
rapprochent Uncle Acid de la scène garage (« Deaths door »,
« I’m here to kill you »). Le tout baigne dans une ambiance matinée
du second degré des films d’horreur de série B (voire Z). Et même si tout cela
est extrêmement ancré dans les années 1970 et rappelle Black Sabbath (ou
Electric Wizard pour citer un exemple plus récent), cet album est une
incontestable réussite de bout en bout.
Contrairement à d’autres duos rock guitare/batterie en vogue actuellement, les
Canadiens de Japandroids n’ont jamais donné dans le revival blues garage. Leurs
précédents enregistrements privilégiaient les strates de guitares qui
s’empilaient les unes sur les autres dans des tonalités post-rock. Rien de tel
sur ce nouvel album, le deuxième, « Celebration Rock » le bien-nommé.
En effet, le duo formé de Brian King et David Prowse, qui chantent chacun à
tour de rôle, a considérablement clarifié sa formule. Fini les
expérimentations, place au gros son, tout est absolument énorme, le potards à
fond dans le rouge. Le duo renoue ici avec un songwriting simple, privilégiant
les hooks et les refrains qui font ouh et ah. Aucun morceau ne dépasse les cinq
minutes et il n’y a que huit titres, le disque reprend ainsi la durée standard
d’un vinyle d’autrefois. Certes, tout ceci pourrait être vécu comme une
régression au regard de la presse « arty » qui les a portés aux nues.
Sauf que l’album regorge de tubes en puissance. Et on retrouve le plaisir tout
simple de monter le volume et de headbanger en cadence. A noter une chouette
reprise, « For the love of Ivy » du Gun Club. Fan de rock en manque d’adrénaline ?
Ce disque est pour toi !
Bienvenue chez Stagnant
Pools, preuve qu’il se passe des choses formidables au pays de la fuzz. Dans
une droite lignée qui passerait par My Bloody Valentine et The Jesus and Mary
Chain, les américains de Stagnant Pools, groupe formé par les deux frères jumeaux Enas,
crée une toile sonore absolument fascinante. Assez éloignés de la conception
classique du songwriting, les deux frères misent tout sur la simplicité des
lignes. Le son des guitares est travaillé en profondeur, tout en échos et
résonances, créant ainsi une sorte d’hypnose permanente allant chercher les
notes au fin fond de la gamme et faisant ressortir chez l’auditeur abasourdi
des sensations oubliées. La batterie soutient le tout en puissance, comme pour
les guitares, son martèlement est sans fin et reste en tête de manière durable.
Et puis il y a la voix, grave, sombre, elle apporte une couleur gothique à
l’affaire. C’est un bel album.
Quelle classe ce James Hunter tout de même ! Tout chez
lui respire l’élégance. Les instruments utilisés tout d’abord :
contrebasse, orgue hammond B3, deux saxes, batterie et la Gibson Les Paul de
Sir James. Tirés à quatre épingles, en costumes, les musiciens se présentent
sur scène. Le batteur arbore un magnifique chapeau. Evoluant entre jazz, blues
et soul, l’Anglais se distingue de la concurrence par sa capacité à faire le
show. Il y a tout d’abord son petit pas de danse sur un pied pendant le solo de
guitare. Ensuite on a le glissé/tombé de guitare qui non seulement assure le
spectacle mais est en plus, signifiant sur un strict plan musical. Et enfin,
dernier move au répertoire, le solo de guitare à terre. Triomphe assuré. Vous
l’aurez compris, James Hunter, c’est un véritable entertainer. Dans le cadre
intime de la maroquinerie, c’est absolument parfait, avec les poteaux de
briques rouges dans le fond de la scène, on se serait cru à New York voire à
Londres, partout sauf à Paris. Pour ne rien gâcher le concert est superbement
mis en lumières. Le groupe ultra soudé swingue, groove à point, les saxes
donnent la note jazz, la guitare celle du blues et du rock n’roll. Seul petit
regret, James semble un peu enroué et ne chante pas aussi bien que d’habitude.
Ce qui ne l’a, ceci dit, nullement empêché d’assurer le spectacle avec beaucoup
de professionnalisme mais aussi d’humour, de petites blagues parsèment la
soirée, il a l’air d’un type vraiment agréable. Une excellente soirée placée
sous le sceau de l’élégance.
Cela aurait
dû être une fête de la guitare, une sorte de recréation du festival de
Woodstock, ou ils ont été tous deux à l’affiche, malheureusement, le décès
d’Alvin Lee, il y a à peine un mois, laisse notre Johnny Winter un peu esseulé.
La soirée fut malgré tout très belle, grâce à la réactivité de la production
qui a réuni un plateau cinq étoiles pour entourer Johnny Winter. On commence
par le virtuose Tommy Emmanuel, seul à la guitare folk pour un set acoustique. Pas
mal du tout même si la présence d’Emmanuel parait un peu décalée, un sorte de
calme avant la tempête. Celle-ci prendra la forme de « l’ogre
Irlandais », Johnny Gallagher, totalement inconnu et qui repartira sous
les vivas de la foule qu’il n’a eu aucun mal à se mettre dans la poche. Entre
blues électrique bien envoyé et rockabilly, ce dernier n’a aucun mal à
s’attirer les faveurs de la foule. Excellent d’un bout à l’autre, Johnny
Gallagher, la grande révélation de la soirée. Direction ensuite le bar où on
retrouve un Manu Lanvin, bien esseulé avec son ampli de cinq watts. Entouré de
son contrebassiste et de son batteur, ce dernier a bien du mal à se faire
entendre. Un petit showcase pour patienter, trois titres et deux reprises
« got my mojo working » et « Gloria ». Saluons la
performance de l’artiste dans des conditions franchement pas évidentes. Retour
ensuite dans la fosse pour le gros morceau de la soirée Johnny Winter,
accompagné de deux guest stars exceptionnelles (en plus de son groupe
habituel) : son frère, l’inénarrable Edgar Winter (saxophone et claviers)
qui annonce le concert (comme à Woodstock !) et un autre guitar-hero le
bluesman Robben Ford, dont on a pu admirer la finesse du touché (Gibson SG) le
temps de trois titres. C’est la grande
nouvelle de la soirée, Johnny Winter va mieux, beaucoup mieux. Presque
sémillant ce dernier se présente seul sur scène et marche sans aide extérieure
jusqu’à sa guitare et joue le premier titre debout. Laissé quasiment pour mort
après des années d’excès, je me souviens encore de mes premiers concerts de Winter quand il fallait quasiment le porter jusqu’à son instrument… Derrière
moi le public approuve et des « Ouais, il n’est pas mort » se font
entendre. Winter semble avoir retrouvé toutes ces capacités musicales et
balance ce son du Texas entre blues et rock comme à la grande époque des années
1960. On pourrait juste regretter cette horrible guitare sans tête que plus
personne n’utilise depuis les années 1980.
Côté set-list pas de grosses surprises, reprises bien senties, la bien
nommée « Johnny be good » et son refrain « Go Johnny go »
repris comme une antienne par le public ; « Sunshine of your
love » (Cream), des titres des Stones. Quelques compositions originales
parsèment le tout. Le saxophone d’Edgar est une valeur ajoutée vers un son plus
jazzy. Ce fût une belle soirée. De là haut, Alvin doit être content.
Deuxième EP (quatre titres) pour ce jeune quatuor parisien
qui rêve d’Angleterre (cf. l’accent british plus vrai que nature de leur
chanteur). Au confluent de plusieurs cultures, les Clock n’Works livrent ici un
EP plutôt convainquant, mélangeant une accroche de guitares rock n’roll à des
mélodies pop avec un soupçon très léger de disco dans les rythmes, histoire de
danser un peu (« Landscape »). Le songwriting est suffisamment
incisif pour accoucher de petites perles pop que l’on se prend à siffloter sans
y prendre gare, l’excellente et assez 70s « Face to face » ;
« Midnight talking », ce qui est généralement considéré comme un gage
de qualité. Les Clock n’Works tiendront-ils la distance sur la longueur d’un
album ? Affaire à suivre…
Une des plus fines formations du moment, les Rival Sons font
revivre les grandes heures du hard rock et du rock n’roll garage des années
1970. Il suffit pour s’en persuader d’observer la foule bigarrée composant le public
réuni au Trabendo en ce samedi soir. Un public inter générationnel, où tous les
âges se croisent, certains portant cheveux blancs et tee shirts à l’effigie des
grands noms du rock du passé, alors que le groupe n’existe que depuis quelques
années seulement. Dans les faits, les Rivals Sons ont faits leurs tous les
codes régissant le rock d’avant. Personne, dans la scène actuelle, ne vocalise
comme Jay Buchanan. Installé sur la droite de la scène, Scott Holiday, redonne
toute sa signification à la notion de guitar hero. Et celle-ci n’a rien de
ringard. Groupe fin techniquement s’il en est, cette virtuosité des quatre
musiciens ne vire jamais à la démonstration froide et stérile. Au contraire,
tout est mis au service de l’émotion et du feeling. De longs soli
psychédéliques émaillent le concert, jamais ennuyeux et le groupe prend bien
soin d’alterner les ambiances et d’électriser le public grâce à la science du
riff de Scott Holiday (ah « Pressure and time », « Get what’s
coming » c’est quelque chose…). Enfin comme tout bon groupe qui se
respecte, le blues voire le jazz pour certaines parties de batterie, n’est
jamais bien loin. Et là la paire rythmique Michael Miley (excellent batteur) et
Robin Everhart (basse) apporte le recul et le groove nécessaire. Un groupe de
musiciens monstrueux au service d’un répertoire de qualité, pas besoin d’aller
chercher plus loin…
Premier EP pour ce duo anglais, désormais installé en
France. Composé de Dave Crowe et d’Andy Balcon, cette formation pour le moins
originale donne de nouvelles couleurs au blues tout en restant fidèle à
l’idiome original. Sacré gageure. Les Heymoonshaker sont avant tout une
affaire de bouche. Celle du chanteur/guitariste Andy Balcon tout d’abord, son
chant est exalté, toujours au bord de la rupture, les cordes vocales soignées
au whisky et au tabac. L’autre bouche, c’est celle de Dave Crowe, beatboxer
exceptionnel (écoutez le sur « Devil in mind » et « Cream F
feeling » cela se passe de commentaire), responsable à lui seul de la
rythmique, c’est le groove littéralement fait homme. La rencontre des deux
hommes, en Nouvelle Zélande où les deux musiciens de rue se côtoyaient (la
plage « London part 2 » donne une idée assez précise de ces
performances de rue), a donné naissance à cet étrange duo, les Heymoonshaker.
Etrange car à brut, sans électricité (la majorité des guitares sont
acoustiques) on imagine le duo se produire dans les champs de coton du Delta.
Et pourtant il se dégage de fondamentalement moderne de ce duo. L’absence de
batterie et le remplacement de cette dernière par du beatbox donne une note
étonnante, intrinsèquement originale, on pense parfois à du dubstep un peu
comme si Skrillex s’était mis en tête de remixer les bluesmen originaux du
Delta. On avait jamais rien entendu de tel avant et quelque chose nous dit que
l’on n’est pas prêt d’oublier ces neuf compositions…
Cela débute par un martèlement sourd de la batterie. Un peu
comme si une certaine tendance sombre s’était emparée du jazz. Dès les
premières notes, « El tiempo de la revolucion », le nouvel album du
trompettiste suisse Erik Truffaz, entraîne l’auditeur sur des chemins tortueux
à l’écart des voies express toutes tracées. Limite oppressant, ce nouveau
disque trouve pourtant quelques rayons de lumière dans les notes s’échappant de
la trompette de son auteur ou dans la voix de la chanteuse pop Anna Aaron,
invitée sur trois titres. A l’écoute, le jazz vu selon Erik Truffaz doit
beaucoup à la musique de film, et comme tout bon thriller, ce nouveau disque
est riche en suspense et en moments de tensions.
Nouvelle petite pépite soul/funk que ce quarante cinq tours
en provenance directe de Brighton, œuvre du groupe The Impellers. A l’aise dans
plusieurs registres, The Impellers livrent ici une curieuse arme à double
tranchant. « Do want i wanna do », qui occupe la face A, est une
bombe funky en diable étonnamment latine (pour un groupe anglais s’entends)
avec cuivres et percussions à l’avenant et un pont chanté dans la langue de
Cervantès. C’est chaud et ça donne plutôt envie de remuer. A l’opposé, la face
B, « Signs of hope and happiness » (peut-être bien ma préférée) est
beaucoup plus soul et deep. Groove lent et émotion à fleur de peau, sur un son
typé années fin sixties/début seventies. Magnifique voix chaude et profonde de
la chanteuse, c’est beau !
Buridane l’affirme bien fort, elle n’est « pas
fragile ». Pourtant à l’écoute de son premier album, on ressent certes une
personnalité et une plume bien affirmée mais aussi une sensibilité à fleur de
peau qui lui fait chanter « mieux que moi ». Depuis qu’on l’avait découvert sur son
premier ep, entièrement acoustique, Buridane a parcouru du chemin jusqu’à ce
premier album. Le propos s’est épaissi, entre légèreté, « Badaboum »,
et gravité, « Le serment », carrément dramatique. Buridane se livre
tout en métaphores retenues. Musicalement, la collaboration avec Pierre
Jaconelli (Benjamin Biolay) a donné de la profondeur à Buridane, parfois plus
rock (« Jusqu’où petite », « Si y’a personne ») même si la
voix cristalline et la guitare folk, « le serment », « la
caillasse », de la jeune lyonnaise reste au centre des débats. Un premier
album, un peu convenu certes, c’est le problème récurrent de la chanson
française, mais œuvre d’une jeune auteure à suivre…
Découvert avec son premier album « Studiorange », Alex Toucourt poursuit son chemin tranquillement. Son deuxième
disque, intitulé « Mémoire d’éléphant rose », nous permet de
découvrir un artiste en pleine mutation. Si le premier effort d’Alex brillait
d’un minimalisme pop folk, acousticool comme il le disait lui-même, ce nouvel
opus voit le lorrain tenter des choses nouvelles. Arrangements de cordes, de
cuivres, expérimentations rythmiques sur « Ca va aller » ou
« Tes crasses », tout le disque brille d’une opulence nouvelle,
jamais ostentatoire mais toujours juste. Tour à tour optimiste ou mélancolique,
Alex soigne ses textes et brosse le portrait de personnages hauts en couleurs,
« Gary Malabar » ou émouvants « Chienne de vie ». Un bel
album de chanson française, œuvre d’un artiste attachant. A découvrir.
