Rock en Seine, 24, 25 et 26 Août 2018.

Ah ça, si l'édition de Rock En Seine 2018 restera dans les annales, ça sera pour de très mauvaises raisons. Une programmation pauvre (aucune tête d'affiche réellement à la hauteur), une présence de plus en plus marquée des sponsors, des barrières partout en forme de cache misère pour masquer le manque criant d'affluence le premier jour et de nombreuses inepties dans le planning : programmer Theo Lawrence à la même heure que The Psychotics Monks, on a connu des moyens plus intelligents de mettre en valeur la scène en développement ; Idles et Ezra Furman en concurrence directe c'est idiot… Et au final le spectateur sort de ce week-end un brin frustré. Rock en Seine... Le fan de rock aura eu bien peu de choses pour se sustenter ce week-end (et on ne nous fera pas avaler que Thirty Seconds To Mars est un groupe de rock!) Néanmoins, dans ce morne paysage d'automne avant l'heure, on a quand même retenu les choses suivantes :

First Aid Kit (c) Olivier Hoffchir

First Aid Kit : Mené par deux sœurs suédoises le groupe a débuté dans une veine folk/country avant de propager une fièvre pop et électrique. De la lap-steel, du trombone autant d'instruments que l'on entends peu en festival ça fait du bien. On démarre sur une bonne note, c'est déjà ça.

The Liminanas (c) Christophe Crenel

The Liminanas : Si il y a un groupe sur lequel on peut toujours compter pour avoir sa dose de rock' rock’n’roll c'est bien eux. Compact, impressionnant le groupe ensorcelle la foule dans une veine psyché/garage. Emmanuelle Seigner et un étrange et impassible go-go dancer en guests...

Nick Murphy (c) Olivier Hoffchir

Nick Murphy : On ne connaissait rien de ce type avant d'être interpellé par une boucle froide de synthé vintage sous influence cold wave. Porté par un bassiste virtuose, Nick Murphy joue au crooner, ses torch songs faisant le grand écart entre électro et ambiances jazzy au piano totalement organique. Un registre étendu et plutôt une agréable surprise.


Gothking : Le patronyme du groupe était prometteur. A l'arrivée la déception d'un groupe plus punk que goth et un équilibre instable entre électro et punk. Quelques instants de fièvres, trop fugaces, via des lignes de guitares bien senties quand même. La formule manque encore de cohésion et de maturité. Ca va venir, espérons-le.

 Theo Lawrence (c) Olivier Hoffchir

Theo Lawrence & The Hearts : Dans la foulée d'un album appelé à devenir un futur classique Theo et son groupe confirment tout le bien que l'on pensait d'eux, le répertoire franchissant aisément le passage à la scène. Hélas on n'aura que bien peu profité de leur prestation, la faute d'un planning absurde et mal pensé.

The Psycchotics Monks (c) Christophe Crenel

The Psychotics Monks : Evidemment, arriver à la moitié de leur concert n'est pas le meilleur moyen d’apprécier leur performance qui s'envisage comme un tout. On note néanmoins une certaine évolution chez le quatuor moins porté sur les ambiances psychés et adepte d'une démarche plus noise et expérimentale, comme si un groupe punk se mettait au rock psychédélique. « On a découvert Sonic Youth », nous a confié Arthur (chant/guitare) après coup.

Tamino (c) Christophe Crenel

Tamino : On ne vous fera pas le coup du nouveau Jeff Buckley tant le talent de ce dernier était unique et irremplaçable (tristesse). Cependant il y a un peu de cela chez l'Anversois adepte d'ambiances feutrées au phrasé de guitare élégant et voluptueux. Une bonne surprise.

King Gizzard and the lizard wizard (c) Olivier Hoffchir

King Gizzard and the Lizard Wizard : Les Australiens voient tout en double, trois guitares et deux batteries, pour une ambiance survoltée, électrique, hypnotique, qui vaut bien plus qu'un énième revival. Une claque, enfin !

Liam Gallagher (c) Olivier Hoffchir

Liam Gallagher : Une prestation calibrée qui peut s'apprécier ou se détester pour les mêmes raisons. Côté pile : un best-of d'Oasis, chouette alors ! Côté face : aucune surprise ni bonne, ni mauvaise. L'ex chanteur d'Oasis a délivré ce que l'on attendait de lui ni plus, ni moins. Reste un sens de l'humour imparable : « C'est le festival où Oasis s'est séparé, non ? Les backstage me semblent familières... » Quel comique ce Liam !

Charlotte Gainsbourg (c) Christophe Crenel

Charlotte Gainsbourg : Entourée d'un impressionnant dispositifs de néons, Charlotte embrasse son passé (les reprises de « Lemon incest », « Charlotte for ever ») ainsi que l'histoire familiale, on pense beaucoup à Melody Nelson, mais sur une note plus moderne via l'ambiance électro froide tissée par Sebastian, alternant avec quelques passages funky bien sentis (cf. « Sylvia »). Plus familière et délurée avec le public, assise derrière son clavier, Charlotte est enfin devenu musicienne ! C'est une excellente nouvelle !

The Regrettes (c) Christophe Crenel

The Regrettes : Un combo féminin survolté ou les harmonies vocales dignes d'un girl group des sixties côtoient une électricité punk. Pas mal du tout.


Belako : les Basques sont adeptes d'un clash entre noise, cold wave et électro punk entre My Bloody Valentine et les Cure. Un groupe soudé et compact (cf. les nombreux sourires échangés par les musiciens pendant leur set) qui joue réellement ensemble, ça fait du bien !

Ezra Furman (c) Olivier Hoffchir

Ezra Furman : Le chanteur arrive travesti en femme. Chez Ezra Furman le travestissement transpire une note émouvante, on l'image outkast, incompris et solitaire. Une transgression à la Bowie, une ambiance évoquant Lou Reed, saxophone à l'appui, c'est une magnifique découverte.

Jessica 93 (c) Olivier Hoffchir

Jessica 93 : Depuis la séparation d'avec ses musiciens Jessica assure tout, tout seul. Une basse, une boîte à rythme et deux guitares, de l'art de faire beaucoup avec peu. Forcément l'impact live s'en trouve considérablement réduit mais d'un autre côté les pédales loop, et l'aspect répétitif qui en découle, tissent une toile hypnotique, répétitive, entêtante, ensorcelante. Un hybride étrange noise et psyché.

Interview avec Belako

Dans un Rock En Seine plutôt morne cette année, le quatuor basque a constitué une authentique et magnifique surprise. Quelques minutes après une prestation survoltée, nous avons eu la chance de pouvoir échanger avec le groupe dans l'espace presse en compagnie de l'ami Jérôme Vaillant de Songazine… 

Aussi surprenant que cela puisse paraître, en raison de la proximité avec la frontière, Belako n'avait jamais eu jusqu'à présent l'occasion de jouer de ce côté-ci des Pyrénées. Eux, en tout cas, sont tout heureux d'être ici apportant fraîcheur et enthousiasme dans un espace VIP à l'ambiance plutôt guindée, et communiquent avec passion sur leur musique : « C'est notre première fois en France et le public a été génial ! » Le moment revêt une importance toute particulière pour la chanteuse du groupe, Cristina, parfaitement francophone depuis ses études au lycée français, et presque une habituée du festival depuis une première visite, en tant que festivalière, il y a dix ans. 

La première chose qui frappe lorsque l'on découvre le quatuor sur scène, c'est la densité de la musique, le fait que les musiciens jouent réellement ensemble, comme en témoigne les nombreux sourires échangés entre eux pendant le concert : « On est ensemble depuis 7 ans, on est une équipe, une famille ». Une bonne humeur partageuse qui n'empêche pas cependant de faire passer quelques messages biens sentis à l'égard des personnes malveillantes envers le public féminin du festival : « On ne veut pas de mauvais comportements ! On est plus engagés dans les paroles du dernier album » (« Render me numb trivial violence », nda) 

Musicalement la chose surprend ! Une sorte de clash géant entre post-punk, cold et new wave, une pointe d'électro limite expérimentale, au-dessus de laquelle on croît reconnaître quelques ombres, My Bloody Valentine pour les strates de guitares stridente et un soupçon de Cure dans la basse. Le résultat est ultra vitaminé et la section rythmique tient la baraque en toute circonstance. C'est assez rare dans le rock pour être souligné mais la guitare reste muette en plusieurs occasions. L'affirmation d'une volonté d'aller de l'avant : « On essaie d'atteindre le point où on ne va pas se conformer à la norme. On copie mais à notre façon, on a même fait un morceau reggae ! (« Strangers in a box », nda) » Sauf qu'à l'écoute on est bien loin du reggae roots des années 1970 ! « On prend les éléments pour les emmener ailleurs, par exemple on a deux morceaux assez électro (dont le fameux raggae, nda). On essaye de trouver le moment où la distorsion va en quelque sorte briser la chanson. On adore le lo-fi, la majorité de l'album a été enregistré sur bande, on a un titre enregistré à partir d'un simple téléphone. » Mais tout cela prend évidemment une toute autre ampleur, plus puissante, sur scène : « Je suis habituellement une grosse dormeuse » nous confie la chanteuse Cristina « mais impossible de trouver le sommeil après un concert tellement la décharge d'adrénaline est forte. C'est pour ça que finalement jouer la journée (17h50, nda) ne me déplaît pas finalement ». Tout le contraire de Lore, la bassiste, qui elle est résolument une musicienne de nuit. Mais qu'importe dans le fond pourvu qu'on puisse les revoir bientôt sur scène par chez nous, de jour comme de nuit… 

Propos recueillis le 26/08/2018 à Rock en Seine
Un grand merci à Lola et Lucie de La Mission, à Jérôme, à Belako et à Cristina pour le cd !

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Rosaire : « Crystal Eyes »

« Crystal Eyes », premier album des Français de Rosaire, sorti en mai dernier, vient confirmer l'excellente tenue de la scène psychédélique hexagonale et c'est une surprise aussi grande qu'inattendue ! Rosaire donc, un quatuor venu de Bretagne, sort les guitares du garage et cela fait du bien ! A cheval entre yin et yang, le groupe prend son temps pour laisser le charme agir et se révèle particulièrement efficace sur des formats moyens, entre trois et cinq minutes, le temps idéal pour laisser se développer les thèmes psychédéliques, la répétition hypnotique, sans pour autant lasser (« A gate to heaven »). Sous des atours psychés, Rosaire se révèle un groupe de rock'n'roll brut, aux guitares râpeuses (« No more »), une déglingue savamment organisée qui n'est pas sans rappeler la première (et la meilleure) période du Brian Jonestown Massacre (« Sunday Night ») ou les Black Angels (« Ecstasy »). Le feu couve ainsi sous la glace entre nappes de guitares, stridentes ou vaporeuses, harmonies vocales éthérées et autres délires grandiloquents (« Mimi »), parfaitement assumés et mis en valeur par une production près de l'os, brute de décoffrage et sans ostentation. Une signature sonore qui participe pleinement au charme de ce premier disque réjouissant. 

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I Me Mine : « Ellipsis »

Ce nouvel album du duo toulousain s'impose comme une véritable, et excellente, petite surprise. L'intention de fond est pop et il ne faut pas creuser bien loin pour trouver les racines de l'affaire : les Beatles ! Encore, me direz-vous à juste titre. Sauf que là le résultat est différent. Plutôt que de rechercher l'authenticité à tout prix, I me mine a fait sienne cette influence plus qu'encombrante. Un parti pris que l'on retrouve dans l'orchestration riche et soignée de l'affaire. Les claviers, utilisés à bon escient, permettent au groupe de s'échapper de la masse. Loin de plomber l'affaire, le verso électro du disque apporte une nouvelle dimension plus progressive à la musique sans gommer pour autant les guitares et les racines rock du groupe. Voici donc un disque tortueux plein de surprises et de rebondissements, d'arrangements alambiquées et de jolies harmonies vocales, dont le charme agît à plein dès la première écoute grâce à son aspect primesautier joyeux et printanier. C'était loin d'être gagné d'avance et c'est une réussite ! 

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The Wealthy Hobos : « Piece of chic »

Un petit truc chic qu'ils disent… Et effectivement il y a un peu de cela dans le nouvel EP du groupe parisien. En cinq titres ils nous livrent une démonstration parfaite du blues/rock. Car de blues il est effectivement question, dans cette rythmique qui swingue, dans ce piano (électrique ou acoustique), discrètement virtuose, léger comme l'air et qui confère à l'ensemble un air (effectivement) chic et élégant (« Smoke'Em all down », « Mrs Jackson »). Un habillage classe qui contraste avec le véritable cœur de l'affaire, la facette rock'n'roll du groupe, ces guitares, grasses et sales, qui électrifient autant les amplis que l'auditeur (« Bloom », « Beat goes on »). Et le groupe de s'amuser à faire le grand écart entre les deux extrêmes au sein du même morceau (« Ghetto Blaster », saxophone tendance Stooges en prime) pour le plus grand plaisir de l'auditeur. Une petite pépite cachée derrière une magnifique et évocatrice pochette art déco. 

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France de Griessen : « Orpheon »

Artiste pluridisciplinaire (musique, poésie, comédie, aquarelles...), France de Griessen ne pouvait se contenter d'un album balancé en streaming sur la toile. Se faisant forte de réhabiliter l'objet physique, France a conçu son nouvel effort sous la forme d'un livre disque. L'objet est beau, désirable, le toucher délicat du papier fait un bien fou en ces temps de digitalisation forcée. Pour l'auditeur c'est également une expérience particulièrement immersive puisque le livre regroupe, outre la totalité des paroles, des notes explicatives expliquant la genèse de chaque titre, et l'ouvrage est richement illustré d'aquarelles de l'artiste et de nombreuses photos documentent l'aventure californienne de ce nouvel album. Car ce fût une aventure… En effet, ce nouvel album marque une évolution significative dans la carrière de France : la volonté de s'assumer comme une musicienne accomplie. Ce nouveau disque a été enregistré en petit comité, France et sa guitare, accompagnée du producteur Jamie Candiloro. A eux deux ils ont enregistré, à Los Angeles, l'album dans sa totalité. Le cœur de l'inspiration de France réside dans le punk, mais sa volonté était de faire un disque folk à son image, punk et acoustique, folk mais sauvage (« Tell me why », « A taste of you »). Ici point de balades gentillettes grattouillées sur des cordes en nylon mais un disque transpercé par des éclairs percussifs (« Civil War »), l'accent ayant été mis sur le rythme, la pulsation, la percussion qui prend ici diverses formes, psychédéliques et orientalisantes sur le premier titre « The Chosen One » (qui rappellent un peu le travail du batteur de Tool, Danny Carey, avec les tablas) mais qui le plus souvent incarnent l'élément « sauvage » de l'équation (cf. « Orpheon »). Enfin, l'album met en évidence le lien profond entretenu par l'artiste avec la nature. Une ballade en forêt, le chant des oiseaux ou une fleur sont autant de motifs d'émerveillements ou d'inspirations pour la chanteuse, qui, ici, ne se prive pas du plaisir d'arranger ses morceaux au moyen de bruits enregistrés au hasard comme le crépitement d'un feu de cheminée. Ainsi, l'album se termine de la plus belle des manières avec le bruit du roulement de vagues enregistrées sur la plage. Une manière de dire que l'on aborde le rivage signifiant la fin de ce magnifique voyage. 

L'album est également disponible seul au format digital.

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Ian Siegal : « All the rage »

C'était en 2008. Une voix venue d'outre-tombe éructait « Who's gonna take my damn soul » sur l'album « Road movies » de l'harmoniciste Greg Zlap. Cette voix, qui avait tant marqué à l'époque, c'était celle de Ian Siegal, un personnage fascinant autant pour son talent, sa prestance et sa voix que pour son mode de vie supposément « décalé ». Autant dire que l'on s'est fait une joie de recevoir son nouvel album, le douzième d'une carrière s'étalant sur trois décennies (!) le tout dans un relatif anonymat... Donc, la chose s'intitule « All the rage », toute la rage, titre auquel on serait tenté d'ajouter l'adjectif « contenue ». En effet le blues de Siegal repose sur un équilibre délicat entre sa fameuse voix, râpeuse, qui possède un petit quelque chose de Tom Waits et de Calvin Russell, un vécu dont le blues traverse les cordes vocales, et la musicalité extrême du groupe qui l'accompagne. Des pointures dans leurs domaines respectifs : les guitaristes Jimbo Mathus et Dusty Cigaar, le bassiste Danny Van't Hoff et le batteur Rafael Schwiddessen. La bande des quatre tisse une toile classique et élégante dont la fluidité rappelle celle de Robert Cray. Tout le charme vient de cette opposition, le grand écart, entre le timbre de gorge, écorché, tabagique, faîte pour le blues, du chanteur et l'accompagnement faussement sage, car les apparences sont trompeuses et, derrière le calme apparent, l'orage gronde (« One-eyed king »). Le résultat est un disque hallucinant traversé d'éclairs baroques (« Jacob's ladder », « Ain't you great ? ») et d'effluves country sur les titres les plus acoustiques (« Won't be your shotgun rider », « My flame »). Un magnifique voyage. Puisse ce nouvel album ouvrir à Ian les portes d'une large reconnaissance amplement méritée. 

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Shane Guerrette

Du folk psychédélique (« Ivory and gold ») au rock teinté de blues et de soul (« Good times »), le jeune impétrant Shane Guerrette a, visiblement, beaucoup écouté de disques dans années 1960 et 1970, influence majeure qui constitue aujourd'hui le cœur de sa musique. Un décade magique dont il a parfaitement intégré les codes, de quoi donner un petit air de Black Crowes (cf. « Runaway blues ») a son premier EP. Parfaitement produit et bien écrit, cette première livraison constitue en soi un aboutissement. On peut toutefois regretter le côté patchwork du disque, sautant d'un genre à l'autre, qui brouille un peu l'écoute et dans laquelle on peine encore un peu a distinguer une véritable identité. C'est le majeur du disque, son côté scolaire auquel il manque un peu de folie, une prise de risque ou une signature personnelle. Un défaut de jeunesse qui se gommera probablement avec le temps, une simple question de maturation. Bien peu de chose dans le fond au regard des promesses ici esquissées. Car les débuts sont pour le moins encourageants… 

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Ben Harper et Charlie Musselwhite : « No mercy in this land »

Et dire qu'on pensait qu'il s'agissait d'un one shot… Quel ne fût pas notre plaisir lorsque l'on a appris, au printemps dernier, que la collaboration entre Ben Harper et l'harmoniciste vétéran Charlie Musselwhite allait connaître une suite après un premier effort commun « Get Up » sorti en 2013. Surtout quand cette dernière se révèle de cette qualité. On connaît tous Ben Harper, une idole des nineties qui a le bon goût de particulièrement bien vieillir, le guitariste et songwriter inspiré, le chanteur au timbre de voix émouvant. Et pourtant on a l'impression de le découvrir sous une nouvelle facette. Car l'âme de ce disque vient de l'harmonica de Musselwhite. Sa seule présence propulse Harper dans une nouvelle dimension, celle des classiques. Chaque ligne d'harmonica charrie avec elle un torrent de vécu, d'émotion (cf. le morceau titre « No mercy in this land », climax émotionnel du disque), et poursuit une lignée entamée il y a bien longtemps quelque part entre le Sud et Chicago. « Bad Habits », « Love and trust », « The bottle wins again » autant de titres sortant en 2018 et qui auraient aussi bien pu être enregistrés dans les années 1960. C'est là que réside tout la différence avec la cohorte des suiveurs revivalistes. Le duo ne cherche pas à recréer, il poursuit une œuvre, s'ancre dans une tradition. Décidément, Ben Harper n'est jamais aussi inspiré que lorsqu'il collabore avec ses aînés (cf. son album enregistré en 2004 avec les Blind Boys of Alabama)… 

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Tio Manuel : « Dos Tios »

Tio Manuel est un duo composé de Manu Castillo (guitare, voix, harmonica) et Gilles Fégeant (dobro). Le communiqué de presse nous apprend qu'il s'agit là de leur sixième effort : comment un tel groupe a-t-il pu passer entre les mailles de notre filet aussi longtemps ? Sixième album donc, qui s'articule autour de deux choix artistiques forts : enregistrer un disque acoustique et chanter en espagnol la majorité des titres, langue natale du chanteur Manu. Deux choix déterminants donnant une identité forte au groupe et une signature sonore qui permet au duo de se démarquer du tout venant blues. Chanter dans sa langue natale, voilà un conseil qui pourrait s'appliquer aux trois quarts des scènes rock et blues d'ici. Ici point de pose ou d'idiome mal maîtrisé. Au contraire, le chant de Manuel y gagne un plus incontestable en termes de véracité. Son expression transcende la barrière de la langue, chaque mot pèse son poids, le vécu transperce les cordes vocales du chanteur. Qu'importe si l'on a gardé quelques vagues souvenirs des cours d'espagnol du lycée (mea culpa), l'émotion est bien là, palpable et encore renforcée par le timbre rocailleux du vocaliste. C'est même presque mieux ainsi, l'imagination travaille à plein et s'invente des romans imaginant ce que peuvent bien cacher ses mots mystérieux servis par une voix d'outre-tombe. Le destin de quelques âmes perdues au fin fond d'un bouge interlope en tôle ondulée peut-être ? Les titres en anglais semblent un brin pâlots, scolaires, en comparaison. Ce choix de l'espagnol est corroboré par l'acoustique du disque, la grain et la chaleur des guitares sèches renforce la latinité du projet, la cohérence est parfaite. Le tout y gagne en intimité sous laquelle gronde l'orage. Car aussi chatoyant soit-il on sent le feu brûler dans les doigts des musiciens. Un superbe moment de musique, c'est aussi simple que cela. Merci. 

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Hooka Hey : « War Cry »

Cela fait un petit moment que nous étions sans nouvelle d'Hooka Hey... Relocalisé à Austin, Texas, Hugo, chanteur de son état, sort un mini album de sept titres (disponible en digital uniquement) enregistré avec une nouvelle incarnation, étasunienne, du groupe. Au plus près de ses inspirations musicales, Hooka Hey vit probablement un rêve éveillé et la musique du groupe en est bouleversée… Certes, l'univers du groupe reste le même, entre blues et gros rock 70s, mais l'ensemble s'est considérablement densifié. Le bottelneck creuse un peu plus profondément le sillon du blues (cf. les huit minutes de « Burn »), l'écho des guitares d'obédiences stoner résonnent plus lourdement (« Bullseye »), plus violemment (« Expected Rejected »). Ainsi, Hooka Hey fait l'aller retour entre ces deux extrêmes, parfois au sein du même morceau, et part en toupie, invente des lignes de guitare baroques (cf. « Coney Island »), étire les chansons à l'extrême (les sept minutes de « Twisted Reality»), joue de la répétition hypnotique (« Herlock ») et parsème le tout d'effets bizarroïdes qui donnent le tournis tout en réinventant une nouvelle manière de psychédélisme, traditionnel -pas la moindre trace d'électronique ici- mais cependant moderne et sans clichés nostalgiques. Etourdissant ! 

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Theo Lawrence & The Hearts : « Homemade Lemonade »

Ce premier album appartient à une catégorie rare. Celle de ces disques qui sonnent immédiatement familiers aux oreilles des auditeurs. Intemporels, qui en rappellent des milliers d'autres tout en proposant un contenu frais et original. Un classique immédiat. Et il faut dire que pour un premier album, Theo Lawrence et son groupe The Hearts fait fort. La chose est située dans un espace temps très précis. Une sorte DeLorean musicale qui nous ramène immanquablement aux Etats-Unis, à la fin des années 1960, début 1970. C'est là que se situent, assurément, les racines qui ont produit ce magnifique album de rock’n’roll soulful (« A house but not a home »), teinté de folk (« Who was I »). Theo Lawrence n'a que 22 ans et on doit se pincer pour y croire, tant l'album est maîtrisé tant sur le plan vocal (écoutez le râle sur la coda de « Heaven to me ») que musical. Produit avec un sens du détail qui confine à la maniaquerie, l'album dégage une âme, une atmosphère, une ruralité de bon goût comme un couché de soleil sur les champs de blé ("Shaghai Lady"), entre un bon vieux Creedence (« Chew me up ») et un classique de la soul sudiste (« My Sunshine is dead », « Sucker for love »). Excellent. 

En concert le 25/08 à Rock en Seine
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Nevermind The Car : "EP2"

Qu'il s'agisse du musicien en tournée, de quelques notes sortant de l'autoradio pour accompagner le voyageur occasionnel ou de tout ceux qui, à l'instar de l'auteur de ces lignes, ont une passion pour l'automobile et adorent écouter la musique en conduisant, la route, et par extension la voiture, est indissociable de la musique. Heureuse chance, le groupe, bien nommé, Nevermind The Car, vient de sortir le disque idéal pour faire groover l'autoroute, un nouveau compagnon de voyage que ce nouvel EP, quelle merveilleuse nouvelle ! Et, pour ce faire, le trio (quatuor sur scène) a mis au point un mélange des plus efficace au croisement des années 80 et 90. Deux influences parfaitement digérées ici, ces six titres s'avérant plus intemporels que nostalgiques. Des années 80, le groupe garde un certain spleen, pas nécessaire flagrant au premier abord, mais lancinant, perceptible dans quelques nappes de claviers ou un désenchantement perceptible dans la voix (cf. « Elastic », « Angels Fall »). De la décennie suivante, les années 1990, le groupe a retenu surtout la pèche, la patate, de la power pop de l'époque (cf. « Sweet Love », « Innocent » à la limite du stoner). De l'énergie et des guitares qui dépotent et qui constituent, dans le fond, le cœur de l'affaire, le spleen et la retenue agissant comme un vernis posé sur les compositions (« Ghost Crisis », « Never let you go »). Le visuel de la pochette, une muscle car épurée, en impose. Et traduit finalement bien la chose : attention à manier avec précaution, sinon gare au danger. 

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Nine Inch Nails : « Bad Witch »

Un début et une fin. Avec ce nouvel EP, le duo Trent Reznor et Atticus Ross achève une trilogie entamée avec « Not the actual events » en 2016, poursuivie avec « Add Violence » l'an dernier et terminée ici. Une fin. Et un début car à l'écoute du disque le sentiment qu'un cycle se termine pour le groupe se fait jour. Friand d'expérimentations en tout genres, le duo pousse le bouchon assez loin, et accouche d'un disque déstabilisant à plus d'un titre. Depuis longtemps, Reznor tente d'inoculer une dose de groove (une conséquence des ses années à La Nouvelle Orléans ?) dans sa musique toujours estampillée industrielle. Là, Reznor est passée à l'étape suivante, celle du free jazz : le saxophone fantôme de l'instrumental « Play the goddamned part », le chant crooner de « God break down the door » et de « Over and out ». Comme il a toujours su le faire avant, Reznor incopore ces éléments dans sa musique pour l'enrichir sans la dénature tout à fait, mais suffisamment pour lancer une sorte de défi à ses fans. Ainsi, le disque enchaîne les coupures brutales, les éclairs de guitare d'une violence inouïe, les rythmiques tordues et les nappes de claviers biscornues et malsaines (« Shit Mirror », « Ahead of ourselves »). Tout un décorum mis en place pour sublimer le pessimisme extrême de Reznor : l'humanité court à sa perte, il en est pleinement conscient (« Shit mirror »), en conclut qu'il ne peut pas être de ce monde (« I'm not from this world ») et signe finalement un disque en forme de bande originale de l'apocalypse. Nihiliste comme à ses plus belles heures. Et pourtant l'ep annonce un nouveau cycle pour le groupe, plus cinématographique et d'une certaine manière plus aéré (« I'm not from this world », « Over and out »). Enfin, si nous survivons à la catastrophe annoncée… 

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ECS BROGH'N

Voici un étrange objet. Visuel abscons, aucun mention des titres nulle part, aucun crédit et ce nom de groupe imprononçable... Avant même d'avoir écouté la moindre note le disque éveille un sentiment ambivalent entre crainte et curiosité un tantinet malsaine. On sent la chose inquiétante. Puis vint le moment d'insérer le disque dans le lecteur. Et là le choc. La musique, d'obédience métallique est-il besoin de le préciser, est d'une brutalité extrême. La voix, gutturale au possible, égrène des paroles inaudibles, incompréhensibles, d'où quelques mots se dégagent tantôt en français, tantôt en anglais. Puis vint la deuxième plage (toujours pas de titre) expérimentale, une sorte de fusion jazz/métal déglinguée, la voix émet des sons s'harmonisant aux guitares. Le tout semble avoir été capté sur le vif, une sorte d'happening sonore. Arrivé à ce point deux solutions. Soit le décrochage complet, soit on s'accroche. On opte pour la deuxième solution et on plonge alors dans un abîme de perplexité et de noirceur. Quelque fois l'horizon s'éclaire, le temps de quelques mesures moins brutales. Un disque manifeste autant fascinant, qu'effrayant, un pavé jeté dans la mare de nos enceintes. Faites du bruit.

Robin Foster : « La Forêt / Ma Unan »

Robin Foster fait partie de ces anglo-saxons, exilés dans l’Hexagone et qui font les beaux jours de nos oreilles. Ce nouvel EP se veut un hommage à sa terre d'adoption et à la forêt. Et c'est l'esprit de la forêt, tantôt sombre et inquiétante, mais également havre de paix, qui habite les cinq titres de ce nouvel effort. Cela commence par un grondement, une nappe de clavier, sourde et menaçante avant qu'une guitare teinté de blues ne fasse son entrée en son. Et c'est dans cet entre-deux, ambivalent, entre quiétude et intranquillité, que le disque fait son petit bout de chemin. La musique est ample, cinématographique, traversée d'éclairs lyriques (le chant de Madelyn Ann en langue bretonne sur « Ma Unan ») singuliers et mystérieux, post-rock rehaussé de légères touches électroniques de bon aloi. A noter une magnifique reprise aérienne, du classique du Velvet Underground « Oh ! Sweet Nuthin » (Sigur Ros n'aurait pas fait mieux) en compagnie de Pamela Hute qui a eu le bon goût de signer l'artiste sur son propre label My Dear Recordings. 

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The Blind Suns : « Offshore »

(c) Antoine Villiers

A en croire la pochette de ce nouvel album, l'océan, les grands espaces, le surf et la quête de liberté sont autant d'éléments constitutifs du groupe The Blind Suns. Mais là, ou on pouvait s'attendre à un disque rétro et ensoleillé, le trio étonne par sa démarche. Car oui si il est bien question de surf music ici, en partie grâce à quelques parties de guitares inspirées qui parsèment l'album (cf. « Ride »), la reddition qui est faite de l'idiome est bien loin des clichés. A la plage ensoleillée, le groupe préfère les gros rouleaux sous un ciel orageux. Ainsi l'ambiance du disque est plutôt froide, entre synthés cold wave (cf. « Brand new start ») et nappes brumeuses de guitares atmosphériques (cf. « Hush », "Offshore") rappelant le shoegaze. Le tout forme un étrange agglomérat faisant le lien entre les années 1960 (le rock psychédélique, la surf music), les années 1980 (la cold et la new wave) et les années 1990 (le shoegaze). Un album assez bizarre dans le fond, inclassable, loin des clichés et de la nostalgie dont la voix, diaphane et éthérée, de la chanteuse Dorota (d'origine polonaise) renforce la singularité. A découvrir ne serait-ce que pour la fabuleuse « Texas Sky » avec Dirty Deep en invité, que l'on n'attendait pas du tout dans un tel contexte, pour un résultat évoquant Jesus and Mary Chain ou le Black Rebel Motorcycle Club. Une affaire de grand écart stylistique, toujours…

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BIJOU Dauga : « Sans pitié – En public »

La photo a vieilli, on l'a sans doute un peu oubliée. Mais à la fin des années 1970, la France avait une scène rock rock’n’roll de haute tenue : Little Bob Story, Dogs et Bijou. Ce dernier avait nos faveurs, pour sa capacité a amalgamer les tendances : mod, blues ou pub rock, peu importait dans le fond, Bijou avait la fièvre et le démon du rock rock’n’roll chevillé au corps. Et contrairement aux autres groupes précités, chantait en français sur des compositions soutenant, haut la main, la comparaison avec le sacro-saint modèle anglo-saxon. Là, dès 1981, Bijou mettait la clé sous la porte en même temps que ses membres tombaient peu à peu dans l'oubli. Et puis, Philippe Dauga, le bassiste/chanteur, tentait tant bien que mal de relancer la machine. Il y eut un 45 tours en 1988 (Passage Souterrain/Lola) resté sans suite. Puis un nouveau line-up « SVP » (sans Vincent Palmer, l'emblématique guitariste devenu journaliste à Rock n'Folk) mais avec le batteur Dynamite Yan. Puis sans ce dernier pour cette formule Bijou Dauga. Enregistré live à Annemasse, l'album ouvre, dans un premier temps, la boîte aux souvenirs reprenant les titres du trio d'origine : « Danse avec moi », « C'est un animal », « Je connais ton numéro de téléphone ». La première séquence donne le frisson, on retrouve les chansons avec un grand plaisir. Le rendu est parfait et les nouveaux venus Frantz Grimm (guitare) et Fred Maizier (batterie) se glissent sans peine dans les baskets des anciens, ce qui n'avait rien d'évident. Mais, probablement parce qu'il refuse d'être ancré dans son passé et aussi parce que sa carrière ne se résume pas à son trio, Dauga dégaine ses nouvelles compositions et les raretés issues de son œuvre en solo. Soyons honnêtes, on découvre cette nouvelle facette du guitariste avec ce live. Mais les compositions tiennent le coup. Sans chercher à réinventer l'eau chaude, Dauga fait ce qu'il réussit de mieux : du rock rock’n’roll, c'est simple et ça marche à tout les coups. L'excitation est la même qu'il y a quarante ans, imparable (« Descente aux enfers », « Au nom de l'amour ») ! A noter une chouette reprise de « Harley Davidson » (à la grande époque, le trio avait collaboré avec Gainsbourg, cf. « Betty Jane Rose ») et une virée très réussie du côté du blues « C'est encore l'automne ». Intemporel, le disque transcende la nostalgie, c'est un tour de force ! La sélection des titres est d'une grande homogénéité, les musiciens impeccables, le répertoire apparaît plus dense en live au point que l'excitation passe à travers les enceintes. Voici le disque parfait pour relancer la machine de ce grand bonhomme oublié du rock français. 

Sortie le 31/08.
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Céline Tolosa : « Vendredi Soir »

Nous sommes donc vendredi soir et le moment semble idéal pour évoquer le nouvel EP de la chanteuse, six titres qui marquent une évolution notable de la direction musicale de l'artiste. Le fond, celui de la cover girl nostalgique, une vision romantique des sixties, reste mais la forme diffère ; mettant l'accent sur les synthés new-wave, tout en maintenant un noyau dur organique (« Dis-moi », « Les Beaux Garçons »). En ce sens ce nouveau disque rappelle Etienne Daho et Arnold Turboust qui, à l'époque, avaient réinterprété le mythe yé-yé en le mettant au goût du jour synthétique. Céline Tolosa a grandi dans une famille de comédiens, sa voie première, qu'elle a abandonné pour s'adonner à la musique. Il en reste un fond aujourd'hui car Céline habite, et interprète littéralement sa musique. En ce sens la reprise de « L'amour en fuite », chipée chez Souchon mais aussi (surtout) chez François Truffaut (extraite de la bande originale du film du même nom) prend tout son sens. Ailleurs, Céline nous fait un grand numéro de charme (cf. « Dis-moi » : aïe aïe aïe, on est à deux doigts de tomber en amour là!) ou donnant des accent de film noir au « Beaux Garçons », dont l'ambiance rappelle la bande originale d'un polar 70s signée François de Roubaix ou Philippe Sarde. Mais le thème de prédilection de Céline reste Paris, son spleen, sa solitude, ses désillusions, les trottoir arpentés de la ville que l'on adore mais que l'on rêve pourtant de quitter (cf. « Bahia »). Ainsi l'ep collectionne les mots touchants évoquant une mélancolie paradoxalement joyeuse. Voici un magnifique disque nocturne, un voyage en musique, que l'on prendra plaisir à réécouter tous les soirs de la semaine… 

Sortie le 5 octobre.

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Steve Amber : « From a temple on the hill »

Quelque part entre Brest et Paris, se cache un jeune impétrant, un certain Steve Amber, qui a le bon goût de s'exprimer, musicalement, dans un idiome que l'on affectionne particulièrement par ici : la psychédélie. A l'écoute on devine sans peine la discographie qui habite la demeure (ou plutôt le temple sur la colline) : Brian Jonestown Massacre, King Gizzard et une bonne dose de pop anglaise. Comme ses modèles, Amber n'a pas son pareil pour tisser une toile sonore addictive, superposant les couches sonores (de guitares entre autres) dans un amalgame répétitif et entêtant (cf « Dust ») assez irrésistible. Mais contrairement à certains, cités plus avant, Amber ajoute un soupçon de pop à la facture, prenant soin de la forme. Voix comme guitare ou batterie, tout est cadré dans certaines limites, empêchant à l'ensemble de sombrer dans le chaos, une caractéristique certes fascinante chez certains mais épuisante chez (beaucoup) d'autres. Une petite couche de vernis pop pour gommer le brouillon qui en l'espèce ne fait pas de mal (cf. la bluesy « At road's end », « The self as a wave » dont les arpèges progressifs rappellent le Radiohead des débuts). La démarche a l'avantage de mettre en valeur les compositions et les arrangements. Ainsi l'ep ressemble à un vieux coffre à jouets de notre enfance dont on redécouvre les trésors oubliés au fil du temps et des écoutes, de plus en plus agréables. 

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Sapiens Sapiens : « Sex on the beach »

Sous le titre évocateur de « Sex on the beach » (on se calme les loulous il s'agît du nom d'un cocktail, le genre qui se boit) Sapiens Sapiens est de retour avec un troisième EP coloré et festif qui se veut idéal pour la saison estivale. Le duo électro entends ainsi rendre hommage à tout un pan de la musique électronique allant de la french touch au big beat sans oublier le hip hop ou les tendances plus récentes de l'électro. Dans les faits on apprécie surtout le premier titre « Every Booty Up and Down », l'ouverture vers les musiques noires et le subtil alliage entre son organique et électronique (dans un style plus hip hop « This is the town » est aussi très réussi). Mais hélas c'est à peu près tout. La deuxième plage « She's about to jump off » commence plutôt bien avec une intrigante intro tout en synthés hypnotiques avant que le martèlement sonore ne débute sous la forme d'un déluge technoïde (un défaut récurrent, cf. « My Venus »), qui symbolise point de rupture pour nous. Pas nécessairement mauvais mais disons que nos oreilles ne sont pas nécessairement les plus indiquées à recevoir ce disque assez éloigné de nos préoccupations habituelles. 

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Guillaume Fontaine : « Le complexe du zèbre »

Il serait trop simple de ne voir qu'en Guillaume Fontaine un énième avatar de l'éternel revival des années 1980. Certes à l'écoute, les souvenirs de l'époque affluent et il ne fait aucun doute que la New rave a laissé une marque indélébile chez le chanteur que l'on perçoit dans le son cristallin des synthés que l'on imagine d'époque. Mais à cette patine nostalgique, attendue mais attachante à défaut d'être originale, Guillaume ajoute une touche de rock par le biais de guitares tranchantes (« Le dernier fossoyeur ») voire franchement Heaviside (« C'est quoi ce cirque ») et un peu de noirceur perceptible dans le chant maniéré et dans la toile hypnotique de ces synthés froids patiemment tissée (« Je n'irai pas me battre », « Ma Reine ») et qui finit par encercler l'auditeur. Produite avec un soin manique, la musique et les mots profonds et lourds de sens (« La mort du philosophe ») de Guillaume Fontaine finissent par emporter nos suffrages. A découvrir… 

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The Beach Boys with the Royal Philarmonic Orchestra

Que les fans les plus impatients calment leurs ardeurs. Il ne s'agît là ni d'un album instrumental, ni même d'un disque de reprises et encore moins d'un nouvel album. Plutôt un disque hybride (voix d'époque et nouveaux arrangements philharmoniques), qui a tout du best-of pour béotiens, couvrant l'essentiel de leur carrière partant du groupe rock’n’roll des débuts, inspirés par Chuck Berry (la bien nommée « Fun fun fun ») à la formation pop à la mélancolie transperçante (« Wouldn't it be nice », « God only knows ») en passant par le franchement anecdotique (« Disney Girls », « Kokomo », sérieusement?) Ceci étant posé, alors ces nouveaux arrangements ? Assez mitigés dans l'ensemble… L'ensemble philharmonique apporte un supplément majestueux qui cadre assez bien avec l'ambition démesurée de Brian Wilson (« Heroes and Villains », « Good Vibrations »), de la fin des années 1960 et renforce encore un peu la mélancolie, déjà prégnante à l'origine, des morceaux (« God only knows », « Sloop John B », « California Suite », « California Girls », « Wouldn't be nice »). Sur « Fun, fun, fun », l'orchestre apporte un nouveau regard sur le titre sous la forme d'un décalage amusant avec les guitares rock’n’roll inspirées par Chuck Berry. Un disque assez agréable dans l'ensemble, quoi que assez anecdotique dans le fond, même s'il est entendu que l'on parle d'une formation majeure de l'histoire de la pop, ce que personne ne contestera.

The Sloths : « Back From The Grave »

De retour de la tombe, en voilà une histoire qu'elle est bonne ! C'est dans un garage de Los Angeles que s'est formé le groupe, comme tant d'autres, en 1964. Cinquante-quatre ans plus tard ils sont de retour avec leur premier album (comme ils le chantent eux-mêmes, j'ai survécu à mes 27 ans, ah ah!). Le groupe s'est séparé après un premier 45 tours « Makin'love » qui n'avait pas rencontré le succès. Des années de silence et d'oubli plus tard et « Makin'love » réapparaît sur une compilation intitulée « Back from the grave ». Le pressage original du disque atteint alors des sommes folles sur internet (6,500 $ en 2011) et le groupe, auréolé d'une réputation de trésor perdu du garage-rock, décide, l'année suivante, de se reformer pour quelques concerts. Quelques shows qui ont eu le mérite d'inoculer le virus du rock chez ces vétérans toujours aussi verts. Au-delà d'un disque formidable, c'est un véritable voyage dans le temps qui est proposé à l'auditeur : « One way out », « Gotta get fired », des quasi-retraités qui chantent les diverses frustrations de l'existence, avec beaucoup de recul et d'auto-dérision, la voix marquée par les caprices du temps qui passe, c'est un grand moment ! Jubilatoire ! Le disque est aussi un sommet de guitares rageuses (« Lust », « Never enough girls ») marquées par Détroit (Stooges, MC5). On pense aussi à leurs contemporains (Seeds, Sonics, Remains, Standells) qui revivent un peu à travers eux. Mention spéciale pour le morceau country-western « Haunted » qui prouve que la formation peut également exister sans amplification démentielle et pour le blues, toujours une preuve de bon goût, « Before I die ». The Sloths sont donc sortis de la tombe pour le plus grand plaisir de nos oreilles. Un album addictif. 

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Jamie Gallienne : « Under the radar »

Angevin, né d'un père britannique, Jamie Gallienne a le profil du suspect idéal pour incarner ce rock français qui se rêve en anglais tout en étant bien incapable de maîtriser la langue. Point d'accent ridicule, c'est déjà un (très) bon point pour commencer. Ensuite, pour ce qui est de la musique, Ken Stringfellow (The Posies, REM), rencontré à l'occasion d'un tribute à Elliott Smith et producteur ici, a délimité un pré-carré idéal pour le jeune homme : du rock au nord, de la pop au sud, un rond-central psyché (« Bad Fluid ») pour encercler le tout et notre Jamie au milieu pour incarner tout cela. Et plutôt bien au demeurant. Les guitares sont agressives, mais pas trop, juste suffisamment pour rentrer dans le costume pop (« Brighter Days », « Brain Twister », « Sophisticated Animal ») et faire un peu de place pour une approcher tour à tour planante teintée de psychédélisme (« Key man », l'addictive « Busy bee », l'excellente « Sisco bay », « Free Electron ») ou plus funky (« I love to see you dance »). D'apparence modeste, la chose s'avère finalement rafraîchissante. A l'heure où les groupes se disputent la palme du vintage, Jamie, lui poursuit sa route, les influences des années 60 et 70 parfaitement assimilées et digérées dans un contenu original. L'album est comme un poison qui se distille lentement dans les oreilles de l'auditeur et ce n'est qu'après quelques écoutes que l'on saisit pleinement toute l'ampleur sonore de la chose et le brio dont le disque fait preuve. De la belle ouvrage… 

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The Kinds : « What do we know ? »

Alors que le trois s'impose comme le chiffre magique du rock, eu égard aux nombreux power trio qui ont émaillé l'histoire du rock, The Kinds, dont le premier EP est sorti au printemps dernier, reprend l'équation à son compte. C'était attendu, ce premier disque offre son lot de riffs de guitares acérés (« Walk and fly ») dopés par une section rythmique de feu, illustrant la symbiose parfaite du trio survolté. Ce qui est moins attendu, c'est l'habillage qui entoure le trio, les arrangements électro (cf. la très brève « Blinded ») qui ne dénaturent pas la nature intrinsèquement rock de la chose, mais lui donnent de nouvelles couleurs évoquant tour à tour la cold wave (« In a fight ») ou le space rock progressif (« Here I stand »), dans une sorte de grand écart musical schizophrène (« Prod 7 »). Dans les meilleurs moments, le groupe réussit a étreindre l'auditeur dans une bulle cotonneuse aussi étouffante qu'inquiétante (« Fear is nothing »). On se demande bien ce qu'ils nous réservent pour leur premier album… 

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Scandale ! #1

Derrière le patronyme, absolument scandaleux, se cache un duo à l'histoire rocambolesque. Deux individus, Mounir et Ben, deux ex de la même femme. Forcément une situation tendue qui a, d'après ce qu'en dit le communiqué de presse, occasionné son lot de bagarres et autres explications mais qui a, surtout, donné naissance à un groupe ! Aujourd'hui sort leur premier EP, six titres naviguant entre électro et guitare électrique chantés en français. Assez joueur, le duo se révèle assez funky (« Histoire », « Est-ce que tu sais ? ») et d'obédience pop. Et pourtant dans une sorte de schizophrénie créative, la musique, enjouée, est mise au service de textes touchants (« Ce soir ») aux refrains assez sombres (« Ce soir je vais me foutre en l'air, c'est pas comme si j'avais mieux à faire »…) « Automne » et « Tout est pardonné » donnent un nouvel angle d'écoute plus atmosphérique, dégageant un sentiment mélancolique, apportant de la profondeur à cette affaire pas aussi désinvolte et joyeusement anecdotique qu'on le pensait de prime abord. Placés en clôture « Tout est pardonné » et « On verra ça demain » terminent l'EP sur une note positive. Comme ils le chantent eux-même, « Parce que l'été arrivera (...) Soyons en paix ». 

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Dudes of groove society « Donut »

Intitulé « Donut » le nouvel EP de la formation strasbourgeoise porte bien son nom. En effet, c'est à une délicieuse dégustation à laquelle nous sommes conviés le temps de ces cinq plages. Partant du principe que le revival soul 60s à la Daptone est un brin encombré ces jours-ci, le groupe d'organiser un revival à sa manière croisant funk et hip-hop grâce à un chanteur à l'aise dans les deux genres et dans plusieurs langues. Et l'amalgame fonctionne au-delà des espérances entre guitares wha-wha survoltées croisant le fer avec des scratches furieux et une section de cuivres sous haute tension ("Mead"). « Quero viver perto do mar » ajoutant même une touche latine à la recette alors que "Mirror" joue une carte plus atmosphérique, faisant preuve d'un magnifique éclectisme. Voici en tout cas une magnifique friandise à croquer tout l'été, la saison idéale pour ce genre de sucreries. 

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Helluvah : « Echo Valley »

Du folk au post-punk Helluvah a toujours préféré le fond à la forme. Peu importe le style, il est surtout question de ressenti à l'écoute d'un nouvel effort de la chanteuse. Enregistré dans la foulée d'une tournée aux Etats-Unis, Helluvah nous transporte sur place, « California Sun », « Early Days », les meilleurs titres de cette nouvelle fournée, fidèles aux racines folk de la chanteuse qui s'enrobent d'une étonnante touche électro pop suffisamment éthérée pour évoquer les grands espaces (« Let it go »). Pas forcément évident de faire le lien entre les différentes compositions, très variées, et le saut entre les langues, puisqu'elle chante également en français pour la première fois (« La fête » en ouverture du disque) la voix si caractéristique et maniéré de la chanteuse s'imposant comme le chaînon manquant dans cet univers multi-facettes. 

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Fabulous Sheep

POUR PARTICIPER AU CROWDFUNDING DU PREMIER ALBUM DE FABULOUS SHEEP C'EST PAR ICI :

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Alexandre Nadjari : « Chambre Noire »

Après deux albums, en anglais, sous le nom de Yalloh, salués par la critique, Alexandre Nadjari, change tout ! Le voilà de retour, sous son vrai nom, et chantant dans sa langue maternelle. Probablement la dernière étape de l'émancipation de l'artiste qui a abandonné une fructueuse carrière professionnelle et une vie confortable pour s'adonner au démon de la musique. Et puisqu'il question de musique, celle d'Alexandre est tout simplement belle. Intrinsèquement mélancolique, la qualité d'écriture d'Alexandre fait que ces cinq titres auraient déjà constitués un excellent effort joués seuls au piano où à la guitare sèche. Mais le magnifique travail de production et d'arrangement, signé Séverin et André Baille Barrelle, fait prendre à l'affaire une toute autre tournure lui confèrent un aspect pop et aérien, convoquant de nombreux souvenirs de la pop 60s évanescente : un son de basse chaud et rond qui se conjugue à la perfection avec le groove feutré de la batterie, les arrangements au clavier (un mellotron probablement vintage) jamais intrusifs, toujours à bon escient et une note baroque au thérémine parachevant magnifiquement le tout. Seul petit bémol la tonalité automnale de l'ensemble un peu contraire à la saison mais qui tombe à pic puisque cet EP constitue un avant-goût d'un futur album, ambitieux vu les hauteurs tutoyées ici, annoncé pour la fin de l'année. Vivement la suite ! 

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