Dead Chic : « The Venus Ballroom »

 

A peine un an après leur coup de poing live inaugural « Bastion Session », le supergroupe mené par Andy Balcon (Heymoonshaker) et le guitariste Damien Félix (Bigger, Catfish) est de déjà de retour avec ce premier EP studio de six titres. Psychédélique (« The Belly of the Jungle ») et baroque (« Les Fleurs séchées »), Dead Chic fait montre d’un savoir faire certain en matière de rock garage entêtant où l’art consommé de la guitare fuzz dispute le premier rôle au chant écorché venu des tripes. Les échos western (« El Malecón » ; « Ballad of Another Man ») complètent ce trip hallucinogène en terra incognita rock. A découvrir.

En concert le 8 juin au Backstage BTM

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Moonlight Benjamin : « Wayo »

 

Toujours accompagnée du guitariste Matthis Pascaud, Moonlight Benjamin, une authentique prêtresse vaudou née à Haïti, est de retour avec un troisième album, « Wayo », une expression signifiant « cri de douleur » en créole haïtien. Une fois encore, l’association entre le chant puissant et expressif et les guitares abrasives, saturées, puisant à la source du rock’n’roll et du blues crée des merveilles ! Un magma hypnotique et enivrant porté par la transe rythmique des batteries et autres percussions (assurées par Raphaël Chassin) scellant la rencontre rêvée des Black Keys et de Dr John. C’est peu dire que l’album crée des étincelles ! Après des projets orientés jazz auprès de la chanteuse Marion Rampal ou à la tête de sa propre formation Clap Clap, et un hommage remarquable à Dr John en compagnie d’Hugh Coltman, le guitariste Matthis Pascaud fait montre une fois de plus de la largeur de sa palette et de son touché tout en feeling qui ne disparaît jamais en dépit de l’avalanche de décibels (cf. « Limiyè »). Et il fallait bien ça pour accompagner Moonlight Benjamin, chanteuse au coffre impressionnant qui déclame et scande avec aplomb. Finalement, preuve que la musique est universelle, c’est vers le blues africain que l’on trouverait une filiation probable, pour une question de répétition hypnotique. Pour en avoir été témoin, on sait que la chose fait des ravages équivalents à une tempête tropicale sur scène. On attend la tournée avec impatience !

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DeLayne : « Karu »

 

Tout ceux qui ont suivi l’émergence de Grant Haua ces deux dernières années se souviennent très probablement de la chanteuse DeLayne présente sur les albums « Awa Blues » et « Ora Blues at The Chapel ». Fort logiquement, les premiers pas en solo de la chanteuse se font en compagnie de son mentor qui est aussi son frère. Une présence que l’on pourrait juger encombrante tant l’empreinte de Grant Haua, et en particulier son inimitable jeu de guitare, se fait ressentir sur un album dont il signe (ou co-signe) par ailleurs 7 titres sur 10. Et c’est à double tranchant. A la fois un gage de qualité, incontestablement l’album est bon et s’écoute avec plaisir, mais aussi un facteur inhibant empêchant la chanteuse, dotée d’impressionnante capacité vocales, d’aller à sa guise (cf. « Billie Holiday » qui pourrait être extraite d’un album de Grant). C’est lorsque le guitariste s’efface (la formidable soul jazzy de « Little by Little » et de « Small Change/Pai Take ») que l’on peut apercevoir, en filigrane, le potentiel de la chanteuse. Un album d’excellente facture à prendre comme la promesse de lendemains qui chantent quand la chanteuse volera de ses propres ailes au gré d’un son qui lui sera personnel.

Eric Bibb : « Ridin’ »

 

Un nouvel album d’Eric Bibb, c’est un ravissement à chaque fois renouvelé. Perché sur son fier destrier, le musicien chevauche ses territoires musicaux favoris, le blues, le folk sans oublier un petit détour vers l’Afrique ou les idiomes soul/gospel qui imprègnent son chant. Le chanteur n’oublie pas d’embarquer quelques amis fidèles dans sa folle cavalcade, Harrison Kennedy, Taj Mahal, Russell Malone ou Jontavious Willis, dans un joli brassement des générations, ainsi que les fidèles Amar Sundy et Habib Koité. Le résultat est d’une élégance folle, comme toujours ! La voix hypnotise de son doux feulement grave et évocateur ; l’oreille succombe sous le charme de ces arpèges de guitare folk, précis, précieux et raffinés. Le banjo utilisé, ici ou là, apporte une touche proche de la country et on note quelques envolées de guitare électrique assez inhabituels où la musique s’élève encore plus qu’à l’accoutumée. De la belle ouvrage, soignée dans les moindres détails, et d’une sobriété exemplaire (seule la chanson compte) qui scelle des retrouvailles spectaculaires avec Dixiefrog, son label fétiche. Intemporel.

En concert le 23 avril à la Cité de la Musique/Philharmonie

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Sheitan and The Pussy Magnets : « In the mood for nothing »

 

Nouvel EP pour le groupe parisien qui, visiblement, n’a plus envie de rien. C’est fort dommage et c’est l’exact opposé de quiconque aura la chance de poser une oreille sur ce disque. Plongeant dans les racines des années 1960, ce nouvel effort de six plages (cinq titres et un interlude), conjugue évidence mélodique, une forte appétence pour le psychédélisme, sitar à l’appui (« In the mood for nothing ») et coups de sang sous influence Rolling Stones (« Back into the trap »). Du tout bon à la qualité d’écriture équivalente à ce qui se pratique de l’autre côté de la Manche.

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Nico Wayne Toussaint : « Burning Light »

 

Peut-être, avec le recul des années, arrivera-t-on peut-être à se dire que, finalement, les confinements ont eu du bon. Une nouvelle preuve nous en est faîte avec Nico Wayne Toussaint, un artiste qui s’est totalement réinventé pendant la pandémie. Pendant 25 ans, nous l’avons écouté comme harmoniciste et comme chanteur. En secret, Nico rêvait des six cordes de sa guitare, qui traînait toujours dans un coin de la pièce et qu’il n’osait exposer en public. Puis, vint l’enfermement généralisé pendant lequel Nico s’est enfin laissé aller à son fantasme de guitare électrique. La dernière étape est la sortie de ce nouvel album guitare/voix, enregistré en solo absolu et en à peine trois jours, avec tout de même un peu d’harmonica, on ne se refait jamais totalement. Toujours fidèle au blues, Nico Wayne Toussaint en donne une version intime et lancinante (« Remembering John Campbell »), brute et sans fioriture, proche de l’os, où l’émotion l’emporte sur toute autre forme de considération (« One More Day »). Mais on aime surtout cet album pour les images mentales qu’il convoque, celle d’un musicien que l’on imagine aisément ne jouer rien que pour nous dans un coin de la pièce, celle d’un album enregistré en toute discrétion au cœur de la nuit, et cette sensation d’intimité immédiate avec l’artiste et sa musique.

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Théo Lawrence : « Chérie »

 

De sortie en sortie, la carrière de Théo prend de la consistance. Leader successif des Velvet Veins puis de Théo Lawrence & The Hearts, on l’a connu pratiquant le rock garage ou la blue-eyed soul. En solo depuis deux disques, Théo donne libre cours à son fantasme country et à son territoire de prédilection : le sud des Etats-Unis. Un parcours qui le mène aujourd’hui à cet improbable petit miracle, un album de country pur-sucre, enregistré (en prises live) sur les lieux même ou s’est écrite la légende, au Texas, par des musiciens français ! Un style qui lui sied à ravir. Songwriter fin et précis, Théo se double d’un chanteur/crooner au charme indéniable dont la voix, profonde et riche de mille nuances d’émotions, se niche parfaitement dans cet écrin idéal que l’on jurerait sorti tout droit des années 1950. Point de passéisme ici mais un Texas swing constant, raffiné et élégant, à visée intemporelle, enluminé du twang de la guitare, de basse ronde, de pedal-steel et de violons. Une réussite éclatante à tous points de vue.

En concert les 12, 13 et 14 avril à La Boule Noire

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Tio Manuel : « ¡Ocho ! »

 

Parsemant son blues d’influences latines, lui dont les origines familiales se trouvent au-delà des Pyrénées, Tio Manuel s’impose, album après album, comme un musicien de plus en plus attachant. La chose ne déroge pas avec ce huitième album (« ocho » !) qui voit, comme d’habitude, l’artiste déployer une palette assez large allant du folk/americana (la bien nommée « Le Voyage ») au rock’n’roll (« The Moment » ; « Heading to Sorbas ») en passant par le blues (« Bad cloud blues ») ou la soul (« Box of pictures » . "Assassination Machine"). Manuel possède ce don rare, celui d’incarner pleinement le genre dans lequel il s’inscrit, grâce à son chant, sa voix légèrement éraillée, laissant passer les émotions au travers d’une petite cassure dans le fond de la gorge. Tio Manuel c’est le genre d’artiste qui vous emporte avec lui tant l’imaginaire et son univers sont prégnants. Les influences latines, qu’il affectionne tant, font le reste. L’écouter c’est partir avec lui en road-trip sur des routes que l’on imagine poussiéreuses. Un excellent album de plus !

Sortie le 24 mars.

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Quintana Dead Blues Experience : « One of us »

 

Et si finalement tout était expliqué dans le titre ? On pense plus particulièrement au mot « expérience ». Car effectivement tout dans ce disque, de sa conception du blues à son écoute relève de l’expérience. Seul avec sa guitare et son antique GrooveBox Roland MC909 (à la fois sampler et boîte à rythme), Piero Quintana donne de l’idiome bleu une version toute personnelle à la fois marqué par les guitares puissantes entre (hard) rock et métal. Une charge sonique impressionnante prête à tout emporter sur son passage (« Crazy »). Mais les sons synthétiques du sampler apportent et une dimension, quelque chose qui sonne, curieusement, comme du Depeche Mode à nos oreilles, du moins quand ces derniers s’essayaient au blues et au rock (« I wish you’d never been here »). Radical, intense, et sans concession, certes, mais émouvant aussi.

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Patrick Coutin : « L’homme invisible »

 

Les choses les plus simples sont souvent les meilleures. C’est fort de cette certitude que Patrick Coutin, le légendaire auteur du cultissime « J’aime regarder les filles » (1981), s’est envoler pour Austin, Texas, sa guitare et un paquet de chansons composées entre deux confinements, sous le bras. Il n’a fallu que quelques jours sur place, et quelques musiciens pointures locales, pour que l’affaire soit emballée. Au final, le meilleur album de Coutin depuis des lustres ! Coutin, au plus proche de ses inspirations rock’n’roll, touche ici à la formule magique : des guitares échevelées (« La nuit est là » ; « La star du comptoir » ; « Rien que pour ses yeux »), brutes, mais pas dénuées de groove, tant que le blues (« Quand je suis loin de vous ») et l’americana à la française (« Mon bébé par la main ») traînent toujours dans les parages. C’est aussi un formidable appel à la vie, un regard lucide posé sur le destin, et un cri libérateur au beau milieu de la folie ambiante entre guerre et virus. Simple et inspiré, enregistré à l’ancienne, ce nouvel effort possède tous les attributs du classique immédiat. Rock on !

En concert le 21 mars 2023 (La Bellevilloise)

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North Mississippi Allstars + Vicious Steel, Les Nuits de l’Alligator, La Maroquinerie 27 février 2023.

Dans quelques heures il en sera fini de l’édition 2023 des Nuits de l’Alligator, le temps passe trop vite ! On commence par un trio français, Vicious Steel qui pratique un hybride blues rock garage particulièrement énergique et efficace. Une prestation hélas en partie obérée par de nombreux problèmes d’ampli qui font que l’on perd la guitare (fabriquée avec un bidon d’essence) au fur et à mesure que l’on avance dans le set. Fâcheux, certes, mais pas de quoi doucher l’enthousiasme du groupe qui se donne à fond qu’importe les circonstances. Mention particulière au tracteur / lap steel guitare qui, tout phares allumés, a foncé dans la nuit du rock. Un clin d’œil amusant et efficace aux racines terriennes du groupe.

Entendons-nous bien, il n’est point question ici de remettre en question les compétences de ces deux formidables musiciens que sont Luther (guitare) et Cody (batterie) Dickinson, dont le dernier album nous avait charmé, qui à eux deux forment l’ossature des North Mississippi Allstars. Simplement, en se présentant sur scène dans une formation réduite à l’essentiel (une guitare et une batterie), probablement pour une question de budget, la fratrie ne s’est pas mise dans une position idéale pour défendre l’excellence de son dernier effort, particulièrement arrangé et ouvragé. Le répertoire ne colle donc pas vraiment avec une formation réduite au minimum. Une situation encore aggravée par l’appétence de Luther pour le solo de guitare à rallonge dont on finit par perdre le fil. On décroche ainsi progressivement et nous ne sommes visiblement pas les seuls si on tient compte des discussions entre spectateurs qui reprennent dès que le groupe baisse en intensité. Et pourtant les deux frères se donnent de la peine et mettent du cœur à l’ouvrage. Ainsi le set est traversé de fulgurances, trop rares, scotchant le public sur place, porté par la batterie au groove diabolique. Le temps d’un morceau, le guitariste Luther se révèle un formidable batteur, et son frère Cody un merveilleux guitariste. Comme quoi, même un concert moyen ne nous fera pas remettre en question la haute estime que l’on porte à ces musiciens.

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Cecilya and The Candy Kings, Sunset, 25 février 2023.

 

Ah quelle chose merveilleuse que la musique qui nous permet l’espace d’un instant de voyager dans le temps ou l’espace sans bouger de place. Prenons Cecilya par exemple qui le temps d’un set d’une grosse heure environ nous a transporté « Back in 1955 », comme l’indique le titre de son dernier effort (enfin si on fait abstraction des écrans de portables qui se lèvent inopportunément. La chanteuse espagnole, installée en France, a fait une refonte totale de son projet musical, délaissant l’americana de son premier disque (dont aucun titre ne sera joué mais il y aura en revanche beaucoup de reprises pointues) pour un rockabilly au swing survolté. Il ne reste plus qu’une seule guitare (mais quelle guitare, celle de l’impeccable Rodolphe Dumont!) ; saxophone, piano, batterie et contrebasse complètent la formation. En tout cas, la chanteuse à l’air heureuse, souriante et épanouie, en contrepoint de la mine boudeuse affichée sur la pochette du premier album. Entourée d’un groupe impeccable à tout point de vue, les nombreux solos de guitare, de piano ou de sax sont là pour en attester, Cecilya nous a ravis et fait swinguer ! Vivement une autre date !

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Joolsy : « Interstellar Troubadour »

 

Contrairement à ce que pourrait laisser penser le titre de ce nouvel effort, le troisième et le premier depuis qu’il a quitté la région parisienne entre deux confinements, Joolsy, ne se contente pas de sa simple guitare acoustique qu’il manie pourtant très bien (« La toupie bleue »). Au contraire, c’est à un festival pop, ouvragé et richement orchestré, auquel nous convie l’artiste. Mais du troubadour, Joolsy a gardé l’amour de la chanson et l’observation du quotidien, de ses travers et ses contrariétés, qui nourrissent son inspiration (« Astéroïde », « Système Solitude »). C’est à vrai dire, là que réside le paradoxe qui anime sa musique. La tête dans les étoiles, passionné d’astronomie, Joolsy aime à propager ce sentiment aérien et planant dans ses mélodies (« Heaven » ; « Dans l’inconnu »), un hybride pop et progressif, à la saveur 70’s façon Supertramp (« Statues on the Wing »), avec, en sus, une bonne dose de groove et de guitares déchaînées (« Jive with the sky ») ; au service de textes extrêmement terre à terre, alternant les deux langues, aussi à l’aise en anglais qu’en français. Ainsi, en onze titres, l’album décrit comment passer du système solaire au « Système Solitude » et utilise la métaphore du ciel et de l’espace pour décrire les travers de notre époque (« Le Cosmonaute des Faubourgs »). Inspirant.

En concert le 11 mars aux Etoiles (avec The Barettes)

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North Mississippi Allstars : « Set Sail »

 

S’il est des disques qui instantanément distillent leur poison vénéneux directement dans l’oreille de l’auditeur prenant ce dernier sous leur coupe, alors, sans discussion possible, ce nouvel effort du groupe mené par la fratrie Dickinson en fait partie ! Rythme alangui, guitare aussi virtuose que déliée, effortless comme on le dit de l’autre côté de l’Atlantique, le charme agît dès les premières secondes, le disque à peine posé sur la platine. A l’écoute nous sommes tout de suite transportés, vers ce sud fantasmé, ce Mississippi qui donne son patronyme au groupe. De rock’n’roll il finalement peu question, la formation ce situe au-delà quelque part entre americana et blues, avec une bonne dose de soul et de groove (« See the moon ») entre-deux. Les arrangements de cordes et de cuivres sont soyeux à l’oreille, la présence de l’inestimable William Bell (« Never want to be kissed ») apporte un supplément d’âme, l’indispensable caution validant la démarche du groupe. Un sublime album !

En concert le 27/02 à La Maroquinerie (Les Nuits de l’Alligator)

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Vicious Steel : « Fuel Band »

Cela commence par un riff de cigar-box (guitare à trois cordes fabriquée à partir d’une boîte à cigares recyclée) acéré, graisseux à souhait, pile entre blues et rock garage. Voilà un album caréné comme un gros cube, fait pour prendre la route (la rageuse « Ride On » ; "Gas Station"). Ce qui tombe à pic, car plus qu’un album, le disque incarne une forme de voyage. A l’instar de son auteur Cyril Maguy qui visite, en musicien curieux et inspiré, ces territoires typiquement étasunien ou le blues (« Catch the bird ») côtoie le rock terrien et l’americana (la jolie ballade « Rose »), tirant l’auditeur par l’oreille dans son sillage. Une terre fantasmée quelque part au sud entre le Mississippi et le désert du Nouveau-Mexique (« Pick me up »). Le territoire est vaste et ne s’interdit pas quelques pas de côté vers la soul, voire éventuellement le jazz, sévèrement électrifié certes, cuivres rutilant à l’appui, et s’autorise même un titre en français (« La fille du bord du Lac »). Une bien belle ballade, embarquez !

En concert à La Maroquinerie (Les Nuits de l’Alligator) le 27/02.

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Jesse Malin + Trapper Schoepp, La Boule Noire, 18 février 2023.

Commençons par saluer Trapper Schoepp, songwriter du Wisconsin, qui a assuré la première partie. L’artiste se présente avec une formule est assez originale, un duo guitare folk/mandoline et semble plutôt sympathique, enchaînant les morceaux avec beaucoup d’humour et faisant montre d’un talent de storyteller assez exceptionnel, s’inspirant de sa vie de tous les jours (une virée en manège qui tourne mal, ce genre de choses) pour composer ses chansons en forme de Polaroïd au vécu imparable. Une belle découverte.

C’est au début des années 2000 que, sur la scène du Bataclan en première partie de Ryan Adams, on l’avait découvert, jeune impétrant seul à la guitare acoustique qui nous avait, déjà, charmé par son énergie et son sens de l’humour imparable. Jesse Malin sortait à l’époque son premier album solo « The Fine Art of Self Destruction ». Hasard, conflits d’agendas ou empêchement divers ont fait que longtemps, cette soirée au Bataclan fût le seul concert de Jesse Malin auquel l’auteur de ces lignes avait assisté ; même si, entre-temps, de nombreux album de Jesse ont été chroniqués sur ce blog. Aussi, pour toutes ces raisons, il était impensable de rater, encore, le passage de Jesse en ville alors même qu’il revient pour fêter le vingtième anniversaire de son premier album, celui-là même avec lequel on l’avait découvert. C’est donc avec le sentiment de refermer une parenthèse, de compléter un cycle, que l’on accueille ce concert à la fois émouvant et électrisant. D’autant que Jesse Malin, costume, tee-shirt, lunettes de soleil et chapeau, apparaît sur scène en grande forme, aussi glamour qu’une rock star des années 1970, entouré d’un groupe au grand complet. La setlist laisse évidemment une large place à son premier album repris dans son intégralité. Humain, terriblement humain et avide de contact avec son public, Jesse délaissera plus souvent qu’à son tour sa guitare folk pour descendre dans la fosse chanter au milieu du public au contact direct de la foule. Moment exceptionnel qui restera longtemps gravé dans nos mémoires lorsqu’il reprend dans ces conditions « Russian Roulette » (The Lords of The New Church) avec un entrain imparable. Le concert se révèle particulièrement équilibré entre fureur électrique et émotion acoustique. D’émotion, il fût beaucoup question durant cette soirée (il a l’habitude de beaucoup discuter entre les chansons) lorsque Malin évoque la mémoire de ses amis disparus, le fameux concert du Bataclan ou tout simplement le temps qui passe. Une chose semble certaine, alors que les lumières se rallument, si l’on aime tant le rock’n’roll c’est grâce à ce genre de soirée et à des artistes comme Jesse Malin prêt à tout donner jusqu’au bout sur scène. Promis Jesse, on attendra pas 20 ans avant de revenir !

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Jesse Malin : « The fine art of self destruction »

 

Sorti en 2003, le premier album solo de Jesse Malin (ex-D Generation) vient de faire l’objet d’une luxueuse réédition deluxe agrémentée d’inédits et de nouvelles version, portant le tout au total pantagruélique de 21 pistes ! Mais le plus frappant reste de constater à quel point le disque a particulièrement bien vieilli. Ancien punk, converti aux vertus de l’acoustique avec le présent album, Malin a toujours abordé le folk et l’americana selon un angle personnel, qui n’appartient qu’à lui, ou l’énergie prédomine avec ou sans guitare saturée (« Wendy »). Ce qui n’empêche nullement l’artiste d’être également à son aise dans des ambiance, intimes et apaisées, émouvantes et douce-amères (« Brooklyn »). Son grain de voix, à l’émotion palpable, et son savoir-faire mélodique s’adaptent à tous les contextes. Tous les éléments qui feront ensuite le succès de Malin (sa discographie regorge de perles souvent passées sous le radar, hélas) et ce feeling new-yorkais, à la fois prégnant et indéfinissable, tout en tension sous-jacente (« Riding on the subway »), étaient déjà là en 2003. Un classique à redécouvrir.

En concert le 18/02 (La Boule Noire).

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Haylen : « Blue Wine »

 

On ignore à ce jour quel goût à ce fameux « vin bleu » qui donne son nom au titre de cet album. Néanmoins, si le nectar se révèle aussi enivrant que ce premier album de la chanteuse, on se damnerait bien volontiers pour en humer une gorgée. C’est finalement assez simple, tout dans ce premier album respire le charme et l’élégance. La voix de la chanteuse, tout d’abord, incarne une forme de séduction, aussi efficace en anglais qu’en français, assez irrésistible. Grave, profonde, pourvoyeuse d’émotions à vous briser le cœur, Haylen chante avec la classe sulfureuse d’une femme fatale toute droit sortie d’un film noir hollywoodien des années 1950. Une voix rare. Autour d’Haylen (également guitariste), Théo de Hond (guitare), Andrew Mazingue (basse, contrebasse) et Félix Bourgeois (batterie et claviers) bâtissent, une note après l’autre, un écrin au swing raffiné à la hauteur du timbre de la chanteuse. Les influences s’y bousculent, blues, jazz et rock’n’roll, dans la droite lignée des années 50 et 60. Si l’électricité y est souvent de mise, les cuivres et cordes, apportent de la diversité lorsque qu’Haylen s’attaque aux ballades. L’album possède le charme d’un classique intemporel. Coup de cœur!

En concert le 17 mars (avec Lux The Band, Le Café de la Danse)

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Matthis Pascaud & Hugh Coltman, Les Nuits de l’Alligator, La Maroquinerie, 9 février 2023.

Cela fait un petit moment que ces deux là tournent autour du répertoire de Dr John. A droite, Hugh Coltman, naguère chanteur folk, et son album « Who’s Happy » (2018) enregistré à la Nouvelle-Orléans. A gauche, Matthis Pascaud, (Moonlight Benjamin, Marion Rampal) fin guitariste, dont la collaboration avec la chanteuse haïtienne Moonlight Benjamin entretient un évident lien de créolité avec la cité du croissant. De leur collaboration est né un album hommage à ce bon vieux docteur sorti l’été dernier. Un album de reprises pour le moins surprenantes mais qui a le mérite de proposer une approche personnelle du corpus de Mac Rebennack. On pourrait en dire tout autant de l’euphorisante déclinaison scénique du projet, aussi moite que le bayou, qui a électrisé La Maroquinerie et le festival des Nuits de l’Alligator ! Point de piano donc mais un set enluminé par le charisme du chanteur Hugh Coltman, qui a ressorti sa guitare folk le temps de quelques morceaux, et le jeu de guitare fin au feeling lumineux de Matthis Pascaud, aussi à l’aise au médiator qu’au doigt. Un set allant de la transe percussive (la section rythmique traditionnelle basse et batterie est renforcée de percussions) à la divagation contemplative quasi psychédélique. Un large spectre d’émotions qui a ravi le public, tonnerre d’applaudissements mérités à l’appui.

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Alyssa Bourjlate : « I’ve lost myself on the way... »

 

Attention les oreilles, voici un album comme on en a peu l’occasion d’écouter, venant d’un artiste français : un disque de country ! Un vrai de vrai : banjo, mandoline et pedal steel guitar à l’appui ! La stupéfaction première passée, il est temps d’apprécier l’album pour ce qu’il est, c’est à dire rien de moins qu’excellent. La découverte de l’univers d’Alyssa s’apparente au sentiment qui nous avait saisi lorsque Neil Young était entré dans nos vies à l’adolescence. Un sentiment où voyage et dépaysement cohabitent, où l’auditeur est transporté par le glissé du bottelneck sur les cordes des guitares ou par le picking du banjo. C’est peu dire que les images affluent à l’écoute de l’album. Citons pêle-mêle, le désert et la poussière soulevée au bord de la route, le ciel d’un bleu céruléen, les cactus et le soleil à son zénith. Alyssa possède ce don rare de retourner le cœur de quiconque l’écoute par le biais de sa voix, légèrement voilée par une petite brisure dans le fond de la gorge, par laquelle s’écoule les émotions vives qui animent ses cordes vocales. Autour d’elle, un casting cinq étoiles de musiciens, (le batteur Toma Milteau, ancien musicien de Greg Zlap, Gilles Michel, vu sur scène aux côtés de J.J. Milteau, l’harmoniciste Chris Lancry, les guitaristes Manu Vergeade et Jean-Yves Lozac’h), tous français et tous parfaitement crédibles dans cet idiome typiquement étasunien où folk, blues et country s’amalgament harmonieusement. A noter enfin, une reprise étonnante de R.E.M, « Losing my religion », ranimant d’autres souvenirs d’un autre genre. On ignore si Alyssa s’est perdue en cours de route, mais il est cependant certain que cet album a trouvé son chemin dans nos cœurs. A découvrir.

En concert le 15 février (Utopia)

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Justine Blue : « True »

 

Et le maître-mot résidait dans le titre de cet album ? Véritable et fidèle, Justine Blue a décidé de l’être jusqu’au bout de son premier album. Fidèle à ses influences, couvrant un large spectre allant du jazz à la soul, en passant par le folk et le blues, et vraie dans sa plume et ses textes évoquant des thèmes personnels mais ô combien fédérateur, comme la confiance (ou la perte de) en soi. Le tout en mis en sons sur un groove léger mais persistant, nappé d’une élégance aux allures de classique immédiat. C’est effectivement un bon moment que l’on passe en compagnie de ce disque. Justine et son groupe ont parfaitement remis en perspective le pouvoir d’évocation de la musique, les images défilent à son écoute. A l’écouter tout à l’air finalement assez simple, le swing souple des doigts courant sur le clavier, le son confortablement ourlé des cuivres, un peu de chaleur acoustique, et le son chaud et rond de la contrebasse. Et puis il y a la voix de Justine, l’inverse une « screameuse » aux puissants coups de gorge, quelque chose de plus léger, au charme raffiné dans la droite lignée d’une Rickie Lee Jones. Un premier album d’une qualité superlative, vous auriez tort de vous en priver.

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Cecilya and The Candy Kings : « Back in 1955 »

 

Après un premier album plein de charme, la chanteuse espagnole est de retour entourée d’une toute nouvelle formation, The Candy Kings, dans laquelle on retrouve le fidèle guitariste Rodolphe Dumont et le légendaire saxophoniste Gordon Beagle. A l’image de l’immense sourire barrant le visage de la chanteuse sur la pochette, nous pouvons affirmer sans prendre trop de risques, que ce nouvel effort donne la banane. Baigné dans une tradition séculaire, dont les racines s’étendent des années 40 à 60, le groupe s’infiltre dans un fin interstice entre rock’n’roll et rhythm’n’blues. La finesse de la section rythmique, contrebasse à l’appui et rimshot ravageur de la batterie, baigne l’ensemble d’un swing jazz raffiné. Tout est à l’avenant et d’une grande élégance : du piano boogie woogie dévastateur (« From Barcelona ») à la guitare aux effluves blues (« Evening »). Et sans oublier de mentionner les interventions pleines de feeling de Sax Gordon au CV prestigieux (Duke Robillard, Solomon Burke, James Cotton, Junior Wells, Ben E.King etc.) Le décorum rétro parfaitement mis en place, la chanteuse peut ainsi briller de mille feux. Tour à tour, charmeuse, féline ou rugueuse, bien en gorge, c’est un véritable festival vocal auquel nous sommes conviés. Un album au charme rétro intemporel, que l’on n’a pas fini d’écouter.

En concert le 25 février (Sunset Sunside)

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Betty Jane : « La voisine en culotte »

 

Le titre laissait augurer du pire… Et c’est au final une bonne surprise que ce premier EP de Betty Jane. A l'image de l'immense sourire barrant le visage de la musicienne, le disque se révèle frais, décomplexé (« Ouais l’amour ? ») et fun (« La Voisine en culotte ») et nous ramène dans les années 1980 à une époque où le rock français était festif et synonyme de bonne humeur. Un angle que l’on retrouve également dans le traitement des guitares, où la saturation est maîtrisée pour limiter l’agressivité de l’instrument tout en ménageant une bonne dose d’énergie électrique dans les compositions. Même lorsque le ton se veut plus grave (« Flirt avec la drogue » ; « Je vous laisse »), l’ambiance reste dénuée de pathos, évitant une lourdeur excessive. Le seul regret réside finalement dans la dernière piste, « My Neighbour in Panties », version anglaise de la plage titulaire, une reprise inutile tant l’artiste se révèle bien moins à l’aise dans la langue de Shakespeare. Pour le reste, ce n’est qu’énergie et bonne humeur.

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Alexis Evans : « Yours Truly »

 

Toujours fidèle à la soul et au rhythm’n’blues qui l’a bercé toute sa vie, le franco-britannique Alexis Evans, un pilier de la scène bordelaise, est de retour avec un troisième album. Fidèle donc à un son roots et vintage, au groove assuré à grands renforts de cuivres, une franche réussite dans ce créneau déjà saturé par ailleurs ("Meet me Halfway"). Mais loin de vivre dans la nostalgie d’un passé fantasmé, Alexis garde les oreilles grandes ouvertes sur les sons d’aujourd’hui et tente des expériences, « Mister Right on Time », « Do Something » et « What is this feeling » au groove dévastateur porté par une basse synthé. Une note d’originalité personnelle qui souligne, en creux, la qualité d’écriture de l’album, finalement plus intemporel que simplement nostalgique, tant l’ensemble s’amalgame harmonieusement. Une réussite.

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Gaspard Royant : « The Real Thing »

 

Derrière les couleurs chatoyantes de sa pochette, se cache un véritable changement de direction pour Gaspard Royant. Autrefois « 10 hit wonder » (le titre de son premier album) dans son costume cintré, gomina, cravate et lunettes noires, à la Blues Brothers, Gaspard Royant s’est réinventé en crooner pop, plus aussi focalisé qu’avant sur les années 50 et 60, au son nettement plus contemporain. Adieu rock’n’roll et rhythm’n’blues, autant le dire honnêtement avec ses synthés, à la limite du pompier, mis en avant, le résultat déroute parfois (cf. « The Real Thing »). Ces réserves mises à part ne signifient en rien que la totalité de cet album est à jeter aux orties. Restent le chant, toujours aussi charmeur, le savoir-faire de l’artiste et cette pulsation groove qui agite toujours sa musique comme le prouvent « Man », « More », « We wanted the world » et « Cursed », qui comptent parmi les grandes réussites de cet effort surprenant. Gageons, qu’il s’agît là d’une étape transitoire pour l’artiste à la recherche d’une voie personnelle. Quitte à se perdre un peu en route…

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Julia Jean-Baptiste : « Cinérama »

 

Comme l’indique son titre, le premier album solo de la chanteuse Julia Jean-Baptiste (Pendentif, Nouvelle Vague) entraîne l’auditeur dans un univers varié aux couleurs multiples et cinématographique. Qu’elle décide d’agiter le dance floor (« Music-hall » ; « Je continue à danser ») ou que sa voix caresse l’oreille de l’auditeur le temps d’une ballade intime et acoustique (« Pleine lune ») aux résonances latines (« Sierra Do Mar »), Julia met toujours l’émotion en avant grâce à ses textes sensibles aux thématiques universelles vues à travers un prisme personnel (l’amitié, l’empathie, la nostalgie, l’amour, la famille). Son grain de voix, doux et velouté, est envoûtant quelque soit le contexte, chanté ou parlé. Ces passages parlés (« La Ville »), sont un peu la signature de cet album se concevant comme un film sans image (« Ce matin » en duo avec Jean Sylvain Le Gouic) et qui téléporte l’imaginaire de l’auditeur au cinéma sans se déplacer. Avec ce disque doux et propice à la rêverie, qui tient le cœur bien au chaud, Julia Jean-Baptiste apporte sa pierre (colorée) au renouveau pop hexagonal. Ecoutez-le, il fait du bien !

En concert le 16 mars (La Boule Noire)

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Ha The Unclear : « Handprint Negatives »

 

Fraîchement débarqué de Nouvelle-Zélande, le quatuor au look hippie assez improbable, se singularise particulièrement par son évidence mélodique. Une sorte de signature sonore, faite de guitares à la ligne claire, un agrégat de pop et de folk (la tendre « Cave Paintings ») et de chant à l’accent assez marqué, finalement assez rêche et sans fioriture excessive. Sec et autour de l’os, un peu dans l’esprit des La’s, le quatuor réussit à dépasser le simple postulat nostalgique, les sixties constituent certes leur fond culturel (les charmantes « Growing Mould », « Mannequins », « Paperboarts »), cette influence est transcendée en un rendu contemporain et intemporel. Plutôt chouette et bien troussé.

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Jesse Malin : « Glitter in the Gutter »

 

Cette copieuse (14 titres) réédition, remastérisée, du troisième album de l’attachant Jesse Malin (sorti en 2007 alors que ce blog en était à ses premiers balbutiements) permet de revenir sur un passage méconnu de la carrière du chanteur : son, bref, exil californien (« California seems so cold » chante-t-il in « Lucinda »). Car, palmiers ou non, c’est le subway new-yorkais qui coule dans les veines du chanteur et lui donne son énergie. Qu’importe que la guitare soit acoustique, Malin s’en empare, frotte les cordes avec la même énergie, et chante dans le micro, comme si sa voix devait passer par-dessus un mur d’amplis (« Don’t let them take you down » ; « Lucinda » ; « Love Streams »). C’est donc à une attaque tout à fait personnelle de l’idiome folk à laquelle s’adonne le chanteur ici. Troubadour punk, on ne saurait trouver une plus juste définition pour la musique de Jesse Malin, qui ne se prive pas non plus de rendre hommage au genre qui a bercé sa jeunesse (la rageuse « Prisoners of Paradise »). Enregistré avec une poignée de potes, Ryan Adams, Jakob Dylan, Josh Homme (Queens of the Stone Age) ou Chris Shiflett (Foo Fighters) et agrémenté d’une touchante ballade en duo avec Bruce Springsteen (« Broken Radio »), voici une pépite méconnue à (re)découvrir.

En concert le 18 février (La Boule Noire)

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Les Nuits de l'Alligator #17

 

Nous sommes particulièrement heureux du retour de l'un de nos festivals préférés à la programmation pointue du rock garage à la soul en passant par le blues et la country. A ne pas manquer cette année, la renaissance inattendue de The Staples Jr Singers, l'hommage à Dr John par Matthis Pascaud et Hugh Coltman, la diva turque Gaye Su Akyol, ainsi que nos talents locaux, Cory Seznec, Des Lions pour des Lions et Vicious Steel... Que de belles soirées en perspective !

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Billetterie

Sarah McCoy : « High Priestess »

 

On l’avait découverte, en 2015, fraîchement débarquée de la Nouvelle-Orléans, sur la scène de la Maroquinerie, où, le temps d’un set, très roots, piano, au boogie redoutable, elle avait mis le feu au festival des Nuits de l’Alligator. Une époque lointaine et qui semble révolue tant la chanteuse a évolué, musicalement, depuis son installation en France. Alors que les comparaisons avec Janis Joplin abondaient à l’époque, Sarah McCoy, passée entre-temps sous les fourches caudines du producteur Renaud Letang, s’est muée en artiste électro. Une évolution pas aussi contre nature qu’une écoute superficielle pourrait le laisser le penser. Car une oreille attentive révèle la nature intrinsèquement blues de ce nouvel effort (ce que le premier album de Sarah « Blood Siren » n’avait réussi que de manière imparfaite). Les synthés évoluent sur un mode ternaire, le vécu découle de ses toujours aussi impressionnantes capacités vocales, débordantes de feeling. Le tout incarne une sorte de blues électro 2.0, tenant du psychédélisme 21ème siècle (« Oracle »). On aurait pu attendre de Sarah McCoy qu’elle singe ad vitam æternam les divas du passé. Cette dernière a préféré choisir une voie plus personnelle, pas exempte non plus d’un clin d’œil au passé (cf. le piano de « Take it all » ; « La Fenêtre »). Petit à petit, Sarah McCoy trouve sa place. Et son cheminement se révèle particulièrement émouvant.

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BlauBird, Fontenay-aux-Roses, 22 janvier 2023.

 

Et si, faisant honneur à son patronyme, BlauBird était finalement un oiseau bleu, dont la voix en apesanteur et dégagées des contingences terrestres, survole les plaines désolées de l’Europe centrale et de l’Est, balayées d’un vent glacial (le chant en allemand et en yiddish), pour atteindre les rives ensoleillées de la Méditerranée (l’espagnol et l’arabe). C’est en tout cas à une magnifique odyssée à laquelle la chanteuse nous a convié en ce dimanche après-midi gris et froid. Silhouette gracile derrière son piano, accompagné de son fidèle compagnon Michel Schick (clarinette, ukulélé et autres instruments à vent), touchée par la grâce, BlauBird nous a bouleversé. La tête en arrière, acrobate en équilibre sur le fil de l’émotion, toujours sur la brèche et sur le point de chavirer sous le poids de l’émotion, alors que ses mains effleurent délicatement les touches du piano, BlauBird, sa voix et son chant passionné, dégage quelque chose d’extrêmement fort. Sa fragilité, l’émotion palpable à fleur de peau et toute l’humanité qui se dégage de ses chansons, dont l’expression polyglotte représente la plus belle incarnation d’un élan fraternel de paix et d’amour, nous a serré le cœur, noué la gorge et humidifié les yeux. Il faut avoir un cœur de pierre, voir être totalement dépourvu de l’organe palpitant, pour ne pas succomber de tout notre être. C’était sublime.

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François Premiers : "Space Time"

 

Quiquonque à eu la chance un jour de vivre, en direct, la frénésie rock et psychédélique qui habite leurs concerts ne peut que regretter que le groupe mené par les deux François (ex-Roadrunners et Fixed Up) soit aussi rare sur scène par chez nous. Enfin, voilà une petite vidéo live au Tetris dans leur ville natale du Havre pour se consoler en attendant...

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Cancre : « Tout s’efface »

 

La ligne de basse bourdonnante qui ouvre l’album laisse poindre une menace sourde, qui durera tout le disque pour ne s’effacer finalement que sur la dernière piste. Dans l’intervalle, c’est à un voyage temporel que le trio mené par les frères Robin et Mathias Millasseau nous invite. Car tout à la base du projet, se trouve un carnet de poèmes, rédigé par Marcel Millasseau (arrière-grand-oncle des principaux intéressés) depuis les tranchées de la Première Guerre mondiale et qui fournit la matière première de 7 titres de l’album (notons également la participation de David Sander aux autres compositions du groupe). Le rapport au temps est donc au centre de toutes choses. Les textes rédigés il y a 110 ans, mais aux résonances, hélas, si actuelles, sont accompagnés de compositions rock contemporaines, sans nostalgie aucune. Textes et musiques se fondent dans un ensemble cohérent en dépit de l’écart crée par le passage des aiguilles du temps. Poignant et émouvant, plus souvent qu’à son tour (en pense en particulier à « Survivants » dont la cruauté des paroles ressort de façon plus prégnante en version acoustique), porté par l’évidence mélodique des guitares à la ligne claire, Cancre s’ouvre ainsi une voix unique dans le microcosme du rock français.

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