Rock en Seine, 23, 24 et 25 Août 2024

SAY SHE SHE (c) Roxane Montaron

 

PLEASE (c) Olivier Hoffschir

Vendredi 23 Août.

Elles sont trois et viennent de Brooklyn, les chanteuses de Say She She remportent l’adhésion. Véritable Girl Group des temps modernes, le trio de chanteuses, aux harmonies vocales à tomber, incarne le cœur battant du projet. Dans le fond un solide quatuor soul funk (guitare, basse, batterie et clavier) œuvre dans un registre plein de groove hérité de la fin 70 début 80. Le nom du groupe se prononce « c’est chi chi », un hommage au groupe Chic, tout est dit ! Rendez-vous ensuite vers la scène du bosquet où l’on retrouve les français de Please. Remettant au goût du jour des influences atypiques (Supertramp, Steely Dan), et quelque peu tombées dans l’oubli, le quintet pratique une sorte de pop/rock FM teintée de psychédélisme. Les détails qui tuent : une guitare en plexiglas (comme les Flamin’Groovies en 71) et un Fender Rhodes dont le groupe fait le meilleur usage. A la fois planant et entraînant, dansant à l’occasion, la musique fait aussi résonner la foudre. On a cru voir un bout de baguette de batterie voler dans les airs à la fin du set, preuve de l’engagement sans faille du groupe. Une excellente surprise. On termine la journée avec la soul futuriste de l’anglais Sampha marquée par un parti pris musical assez fort, le groupe n’est composé que de claviers et de percussions. L’ancrage soul est important comme le prouve un titre en piano/voix ainsi qu’un autre au groove plus organique (piano, basse, batterie). Le reste du set nous entraîne dans une autre dimension, dansante et électro. Enfin, on a pu assister à un moment d’anthologie quand la totalité des musiciens s’est réunie en cercle autour de percussions (incroyable, tous les membres du groupe savent jouer de la batterie) nous délivrant une sorte de batucada teintée de sonorités africaines, une véritable transe menée par Sampha qui chante et joue des percussions en même temps.

VOX LOW (c) Louis Comar

BLONDE REDHEAD (c) Olivier Hoffschir

GLASS BEAMS (c) Olivier Hoffschir

SLEATER-KINNEY (c) Olivier Hoffschir

Samedi 24 Août.

Sans contestation possible, la journée la plus dense du week-end et un sacré programme en perspective en dépit de quelques choix cornéliens, typique de l’exercice du festival. A plus d’un titre le reste des agapes réjouira les nostalgiques des années 1990. On commence dans cette veine avec le grunge féminin de Sleater-Kinney qui n’a rien perdu de sa verve même s’il est toujours compliqué d’ouvrir la grande scène en début d’après-midi. En tout cas, voici un groupe entièrement féminin toujours capable de sacrés fulgurances électriques. Place ensuite au groupe le plus énigmatique (et un véritable coup de foudre absolu pour l’auteur de ces lignes), les Australiens de Glass Beams, trio dont on ignore encore à ce jour l’identité des musiciens qui le compose. Groupe masqué (un peu comme Ghost) ornant de sublimes masques dorés de perles scintillant dans le soleil estival, Glass Beams pratique un musique instrumentale sur laquelle souffle un air désertique grâce aux gammes de guitares arabisantes qu’ils affectionnent particulièrement. Hypnotique, envoûtant l’effet ne se fait pas attendre et est proche d’une transe délicate. L’aspect visuel est également très étudié, tous sont vêtus dans les tons sables/marrons et arborent des instruments assortis. Une aura mystérieuse plane au-dessus de ce groupe et participe pleinement de la fascination qu’ils exercent sur la foule. Bien évidemment ils quittent la scène sans avoir adressé un mot au public, qu’ils saluent néanmoins de grands signes affectueux. Autre coup de cœur, nettement plus terre à terre pour les Gallois de CVC. Arborant des fleurs glissées dans les sillets de leurs guitares, les Gallois œuvrent dans un genre de rock’n’roll typique des années 1970, n’ignorant rien de la puissance sonore (duel de guitares à l’ancienne à la clef) que du groove (un saxophone est utilisé sur un titre). A la fois dansant et enjoué, teinté d’un psychédélisme de bon aloi, le groupe n’a pas son pareil pour enchanter la foule et remporter une adhésion massive. Un mot pour résumer le sentiment général tout comme leur influence première : Feelgood ! Enjoué et festif, le groupe nous a fait passer un excellent moment ! Toujours dans la nostalgie des années 90 (sans oublier Offspring et Massive Attack qu’on à peine eu le temps d’apercevoir), le trio Blonde Redhead a envoûté la scène de la cascade à grands coups de synthés lysergiques et de guitares aux pédales d’effets recherchés, un shoegaze post punk assez saisissant, en dépit du look sujet à caution de la chanteuse. On termine enfin cette journée très dense avec les français de Vox Low qui tiennent autant du punk que du krautrock électronique et qui ont littéralement assommé la foule de leur groove synthétique électronique que de leur guitare fulgurante soulignée de lignes de basse étourdissantes. Chose rarissime sur un festival de cette ampleur, à l’organisation minutée, emportés par leur délire, ils ont même dépassés l’horaire prévu ! Ahurissant !

Dimanche 25 Août

On débute sur la grande scène avec le set enthousiaste des Allemands de Giant Rooks qui se donnent beaucoup de mal, dans une grande débauche d’énergie, pour séduire un public clairsemé en ce milieu d’après-midi. De plutôt bonne facture, leur pop reste toutefois un peu trop proche de Coldplay pour les goûts personnels de votre serviteur. Vient ensuite la hype tendance de Zaho de Sagazan sur la scène de la cascade, qui, on l’apprendra à cette occasion, faisait partie du public rassemblé sur cette même scène il y a deux ans à l’occasion du passage de Kraftwerk en 3D (nous y étions aussi !) Personnalité charmante, cette dernière s’exprime dans un français châtié et élégant (ça fait plaisir!) et dégage une véritable transe électronique (effectivement proche de Kraftwerk) à l’aide de ses machines. Les moments au piano sont plus intimes et très émouvants. En dépit de tout le battage fait autour de sa personne elle reste une artiste attachante et à suivre. Les choses sérieuses débutent enfin juste à côté, sur la scène Firestone, avec le quatuor vendéen Dynamite Shakers, dont on avait déjà dit le plus grand bien de leur album il y a peu. Sur scène le groupe tient toutes ses promesses dans un déluge électrique fiévreux tandis qu’un redoutable snakepit se met en place au sein du public. On ne ressort pas tout à fait indemne de ce matraquage de décibels, comme hébété, et le groupe non plus tant il semble habité. Le haut du panier du rock d’ici, définitivement à suivre… On pousse encore un peu plus loin jusqu’à la scène du bosquet où jouent les Anglais de Bar Italia, dans un registre indie influencé par les années 1990, plutôt convaincant et énergique. Le groupe joue habilement des différents voix et de l’alternance du chant partagé, entre chanteuse et chanteur. Dans tout ça, nous avons à peine eu le temps d’apercevoir, et de loin entre deux branches d’arbres, PJ Harvey (la nostalgie des années 90, toujours) en version acoustique, c’est à la fois beau et délicat. Place ensuite au dernier gros morceau du week-end, les Pixies (toujours les années 80 et 90!) Allez avouons-le, si les héros sont vieillissants et arborent désormais des casquettes cache-misère d’une capillarité qui s’estompe, le concert provoque en nous des sentiments contraires. La joie tout d’abord de retrouver un répertoire qui nous accompagne depuis tant d’années, l’absence de surprise d’un groupe en pilotage automatique, mais toujours aussi convaincant, nous frustre un peu. Quelques surprises à noter cependant, une expérimentation étrange de Joey Santiago avec son jack de guitare dont il tire des bruits psychédéliques et « Wave of mutilation » jouée deux fois, en version classique puis ralentie. Plusieurs fois, alors que le groupe attaque la sublime « Hey » ou « Here comes your man » l’émotion nous étreint le cœur, une boule d’émotion nous gonfle dans la gorge, trop de souvenirs à l’écoute de ces chansons, trop de nostalgie. C’est désormais loin tout ça, une nouvelle édition de Rock en Seine s’achève, le temps passe et l’on n’y peut rien…

GIANT ROOKS (c) Louis Comar

Zaho de Sagazan (c) Louis Comar

BAR ITALIA (c) Roxane Montaron

DYNAMITE SHAKERS (c) Roxane Montaron

PIXIES (c) Louis Comar

Rock en Seine, 22 Août 2024.

GOSSIP (c) Louis Comar

Frank Carter (c) Olivier Hoffschir

The Hives (c) Olivier Hoffschir

Petite sensation sur les plateformes d’écoute, The Last Diner Party se voit offrir les honneurs de la grande scène avant même la sortie de leur premier album. Lookées de robes à frou frou, musiciennes agrémentent leur musique de magnifiques harmonies vocales (Kate Bush n’est pas bien loin) et de saillies de guitares électriques, notamment sur la reprise de « Call Me » de Blondie. Hélas, entre autre contrariées par des problèmes de sons, les compositions, aussi belles soit-elles ne passent pas forcément bien le cap de la scène. Tatoué du sol au plafond, chantre du punk, l’Anglais Frank Carter a surpris tout son monde cette année en sortant un album pop beaucoup plus posé que ce qu’il propose à l’ordinaire. Plus apaisé, accompagné de claviers, le rendu se révèle convaincant d’autant que le chanteur garde son énergie intacte mais diffusée différemment. Un petit tour au milieu de la foule, un pit à lui tout seul, le Britannique cultive sa proximité avec son public, créant la première petite sensation de la journée. On continue sur cette lancée avec les Hives qui nous ont fait beaucoup rire (« Nous sommes suédoises, nous sommes les meilleurs ! ») tout autant qu’ils nous ont ravis de leurs costumes improbables et, surtout, de leur compositions brutes et électriques, expédiées en deux minutes, dans un impeccable rock garage maîtrisé et athlétique. « Tick tick tick, boom » comme il le chantent eux-mêmes ! On termine enfin cette première journée avec le retour de vieilles connaissances que l’on n’espérait plus, Gossip, en grande formation agrémentée d’une basse, d’une deuxième guitare et d’un clavier. Si les qualités vocales de Beth Ditto (les cheveux orange) sont intactes et toujours aussi impressionnantes, la nouvelle orientation musicale du groupe est plus posée, plus calme. Cela leur va très bien mais s’accommode mal des exigences d’un festival en plein air. D’autant que le set est régulièrement haché de digressions extra-musicales, de longs monologues faisant un peu perdre le fil. Le concert (accompagné d’un interprète en langue des signes???) nous a toutefois gratifié de deux pépites d’un autre age : «Yr Mangled Heart » et « Standing in the way of control » (agrémenté d’un couplet issu du « Smells like teen spirit » de Nirvana), toutes deux sorties en 2005, ravivant ainsi de beaux souvenirs en dépit d’un set un peu décevant malgré tout.

Bobbie : « The Sacred in the ordinary »

 

Et soudain, sortie des enceintes, une voix s’élève comme dégagée des contingences terrestres… Cette voix c’est celle de la chanteuse Bobbie et quelque chose nous dit que, dans un monde parfait, cette dernière ne devrait pas rester inconnue depuis longtemps. Rare sont ces disques dégageant cette sensation d’apaisement, relativement inconnue à notre époque. Des arpèges de guitare folk, une lap-steel, qui semble glisser sur la mélodie comme une muscle car sur une autoroute au milieu du désert, et des arrangements luxueux (chœurs gospel, orgue, piano, cordes) tout nous ramène à une période dorée celle du folk/soul des années 1960, de Joni Mitchell à Dusty Springfield. Bobbie a grandi au milieu de la collection des 33 tours blues et soul de son père et cela s’entend magnifiquement sur ce premier album d’une americana plus vraie que nature, aux accents intemporels.

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Astral Bakers : "Only Lonely"

A la veille de leur concert à Rock en Seine, le 24 Août (16h50, scène du Bosquet), le quartet folk-psyché nous offre une nouvelle session.

Marc O et Christophe Deschamps : « Get yer glam on ! »

 

Mû par le pouvoir salvateur de la guérison après une longue période de maladie, Marc O ne cesse de multiplier les projets, les disques, toujours motivé pour célébrer ce rock’n’roll qu’il adore tant. En la personne de Christophe Deschamps, Marc a trouvé le partenaire de jeu idéal. Ce dernier est autant un virtuose de son instrument qu’une superstar dans son domaine. S’il est connu pour avoir accompagné tout le gratin de la variété française, il reste passionné par le rock’n’roll et n’aime rien tant que taper le bœuf, sur un bon vieux Who de derrière les fagots. La paire s’est donc bien trouvée et nous avait déjà gratifiée l’an dernier d’un album de rock psychédélique de très haute facture. Le duo remet le couvert et continue son voyage dans le temps. Après s’être intéressé à la fin des années 60 ce nouveau disque mets les pieds dans le plat en plein dans la décennie suivante, les seventies et le glam rock. Avec toujours autant de bonheur, les compositions, dont cinq originales précisons-le, ressuscitent Slade, T-Rex et autres David Bowie (cf. « Take a chance » dont les arrangements de cordes font figure d’exception). N’excédant guère les trois minutes, toutes guitares dehors et riffs qui tuent, les chansons exhalent de cette excitation quasi adolescente (« Teenage dreams », « Kids of the new world », venant du simple plaisir de jouer et ce dernier se révèle particulièrement communicatif. Comme ils le chantent eux-mêmes, la rock’n’roll machine est en marche prête à tout écraser sur sa route !

A ECOUTER ICI 

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Mars Red Sky : « Dawn of the dusk »

 

Inutile d’essayer de traduire le titre du nouvel album des Bordelais, l’aube du crépuscule, il ne signifie rien ! Enfin presque, si ce n’est de décrire un état étrange et improbable, une zone grise indéfinissable. Et, c’est heureux, car c’est tout à fait ce que l’on ressent à l’écoute du nouvel effort du trio. Le son de Mars Red Sky est lourd, porté par une basse énorme et une batterie assez lente. Soit autant d’éléments caractéristiques du doom ou du stoner, cette forme de métal héritière lointaine de Black Sabbath et du rock psyché/progressif. De fait l’écoute de l’album hypnotise avec ce rythme lent qui anesthésie les sens. Le chant mélodique, aussi éloigné que possible du râle guttural du métal, offre une nouvelle perspective à l’unisson des passages aérés et planants qui régulièrement agrémentent les chansons, comme une réminiscence d’une lointaine influence venue des seventies et dans lesquels réside tout le sel musical du groupe. Enivrant !

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Alber Jupiter : « Puis vient la nuit »

 

Formé à Rennes en 2017, le duo instrumental Alber Jupiter met à profit un line-up inhabituel, basse et batterie, pour composer une musique aux confins du psychédélisme et du rock progressif, se glissant à l’occasion, et avec bonheur, dans le mince interstice qui sépare le prog du heavy-metal. Certes, si la formule du duo a déjà été éprouvée avec succès de l’autre côté de la Manche par Royal Blood, dans un registre assez différent, il est toujours aussi surprenant de découvrir un nouveau groupe de rock sans guitare ! Surtout quand ce dernier se révèle finalement aussi bruyant que s’il était doté d’une six cordes en bonne et due forme ! Le résultat est ici assez spectaculaire et, à l’aide de nombreux effets sur la basse lui conférant des sonorités multiples (violon, guitare) et de quelques synthés et autres collages sonores, le duo redessine les contours des espaces musicaux, dans une sorte de grande odyssée aux allures de bande originale de science-fiction. Le groupe trouve ainsi un point d’équilibre entre ambiant spatiale et planante et une rythmique infernale et galvanisante (normal, après tout le groupe se résume intrinsèquement à une section rythmique), empêchant tout sentiment léthargique. Très réussi, hypnotique, envoûtant et à surveiller de près. Il n’est en effet pas exclu que le parti-pris instrumental leur ouvre des portes à l’international.

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Lucie Folch : « Ailleurs »

 

La promesse d’un ailleurs, contenue dans le titre, la jeune chanteuse folk la tient amplement, sur le plan musical. Un ailleurs doucereux, où même thèmes abordés, assez sombres (solitude, deuil), ne sont pas tristes mais délicats, mélodiques, dégageant une mélancolie vénéneuse. Un ailleurs qui pourrait peut-être se trouver dans la mer ("The Sea"). Des cordes de sa guitare arpégées avec feeling à son chant à l’unisson (« Partie Jeanne »), il faut relativement peu de moyen à la chanteuse pour véhiculer une émotion ou poser un climat. Une élégance simple mais classieuse (le piano de « Where is (s)he » ; "The Sea") qui habille les chansons dont on ressort serein et apaisé.

https://luciefolch.bandcamp.com/album/ailleurs

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Dynamite Shakers : « Don’t be boring »

 

En dix titres impeccablement produits (Jim Diamond est derrière les manettes), le (très) jeune quartet venu de Saint-Hilaire-de-Riez (Vendée), renoue avec toute la classe déglinguée du rock’n’roll tel qu’il se pratiquait dans les garages étasuniens de la fin des années 1960, dans une déflagration d'énergie brute préfigurant le punk. Rien ne manque, des ruades sauvages de la batterie aux guitares saturées avec précision renouant, au passage, avec l’art perdu du solo. Car toute cette histoire est autant une affaire d’esthète classieux que de sauvagerie rock’n’roll, brute et abrasive. Chantée et composée par la bassiste Lila-Rose Attard, la tendre « ballade » introspective « The gates to that sweet song of yours », fait figure d’exception au milieu du déluge de décibels. Preuve que le groupe vaut bien plus que la somme d’énergie dingue, aussi euphorisante soit-elle, dépensée par ailleurs et qui risque de s’épuiser à la longue. En attendant, délectons-nous de cette dose d’électricité, éclatante et salvatrice, dans la lignée des Howlin’Jaws, pour citer une autre réussite française récente dans le même genre.

En concert le 25/08 (Rock en Seine) et le 21/11 à La Boule Noire

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Rue De La Forge : « Jamais Vaincus »

 

Quel disque original que voici ! Venu de Vendée le quintet furieux œuvre dans un genre de fusion, au sens premier du terme, c’est à dire en fusionnant différents genres de musiques, parfois aux antipodes les uns des autres. A l’origine du projet on retrouve Jérôme Bousquet, autrefois connu sous le nom d’Odas, qui fût rappeur dans une autre vie, là-bas dans les années 1990. Ce nouveau groupe voit le rappeur se convertir avec délice à l’électricité brute, aux guitares et aux tempi lourds caractéristiques du métal. En ce sens, Rue De La Forge rappelle les grandes heures du néo-métal à la française du début des années 2000. Mais tout cela est bien trop réducteur pour Rue De La Forge, groupe aux univers multiples. Ainsi, au flow guttural et aux guitares saturées, le groupe ajoute des résonances celtiques, une ambiance médiévale qui enveloppe l’album, latin compris (« Mea Via ») et un sens de l’épique digne de la musique de film, qui nous saute aux oreilles dès l’ouverture de l’album (« 52 av. JC »). Le tout dans la langue de Molière. Pour résumer, Rue De La Forge c’est du lourd, mais pas que… A découvrir.

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The Mercurials : « We are The Mercurials »

 

Il se dégage de cet EP inaugural du groupe de Montreuil, un petit air indéfinissable, une vibration particulière dans l’air, comme de renouer avec des sensations oubliées depuis longtemps. Ces 5 titres possèdent quelque chose d’intrinsèquement anglais, plus précisément daté dans le temps à la fin des années 1970. C’est en l’espèce un bouillonnement musical, du ska et du reggae évidemment, mais aussi de nombreuses passerelles vers la soul, le blues ou le punk. Un petit lick de guitare bien senti ici, des chœurs inspiré là et le tour est joué. Prenons cet EP comme un hors d’œuvre, annonciateur de biens des délices, d’autant que leur réputation scénique est d’ores-et-déjà flatteuse.

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Population II : « Serpent Echelle »

 

A l’automne dernier les Québecois de Population II nous avait subjugué avec un album dingue portant le titre prémonitoire d’« Electrons libres du Québec ». Le groupe remet donc le couvert avec cet EP de quatre titres inédits et issus des mêmes sessions que celles de l’album. En 20 minutes, le groupe fait de nouveau honneur au titre de son album et s’impose effectivement comme une sacrée bande d’électrons libres passant en une demi-mesure du jazz au rock débridé, guitares abrasives à l’appui (« Hélène »). Car c’est là que réside tout le sel de cette affaire dans cette ambition musicale affichée (les violons de « RB »), volontiers hypnotique (« Le Serpent »), qu’ils prennent ensuite un malin plaisir à vitrioler à l’électricité la plus brute.

https://population2.bandcamp.com/

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Dead Chic : « The Venus Ballroom Live »

 

Sacrée addition de talent, Dead Chic, scelle l’association entre le chanteur anglais Andy Balcon (ex-Heymoonshaker) et du guitariste Damien Félix (Bigger, ex-Catfish). Une formation qui fait saliver déjà auteure de deux Eps. En attendant un album en bonne et due forme, qui ne saurait trop tarder, le groupe nous offre un avant-goût avec cet EP live, très copieux, dépassant les trente minutes. A telle enseigne qu’il n’est pas déraisonnable de considérer la chose comme un véritable album. Ces sept titres (et un radio edit en bonus) constituent un résumé saisissant de la furie qui se dégage de leurs concerts, un concentré de l’intensité que dégage la bande sur scène (cf. les 7 minutes incroyables de "The Belly of The Jungle"). La guitare tranchante de l’un à l’unisson du chant d’outre-tombe de l’autre, sur une assise rythmique des plus solides, tourneboule l’auditeur, en passant par toutes les nuances de noir. Vivement l’album et une tournée !

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https://deadchicrecords.bigcartel.com/

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Air (feat. Gordon Tracks) : « Playground Love »

La ressortie en salle, l’an dernier, du premier film de Sofia Coppola, « The Virgin Suicides » (1999), nous avait permis de redécouvrir cette pépite oubliée, omniprésente dans la bande originale du film. Fruit d’une collaboration inédite entre deux icônes de la scène versaillaise, Air et le mystérieux Gordon Tracks (qui assure également la batterie sur la version studio) qui n’est autre que Thomas Mars, le chanteur de Phoenix, cette bouleversante ballade n’avait que très rarement (si ce n’est jamais) été jouée sur scène. Il aura fallu attendre 25 ans et un événement singulier, Terminal 1 réunissant Air et Phoenix, se tenant sur le toit du même terminal de l’aéroport Charles de Gaulle, pour finalement assister à ce moment suspendu entre ciel et terre, sans saxophone, mais néanmoins sublime.

Emily Nenni : « Drive & Cry »

 

Originaire de Californie, désormais installée à Nashville, Emily Nenni sort son deuxième album ! En deux verbes, drive (conduire) et cry (pleurer), la chanteuse résume tout l’imaginaire habitant et la country et les États-Unis, pour nous autres Européens. Ce magnifique effort, dans lequel il n’est pas tout à fait question de route, se révèle en tout cas parfait pour accompagner les voyages en voiture. Rythmé au son d’un petit swing caractéristique, alors que les guitares folk sont arpégées avec soin, la lap-steel impose son rythme lancinant comme autant de vagues venant nous caresser les oreilles. Un harmonica épars distille ça et là une mélancolie prégnante, la voix d’Emily atteint des sommets d’émotion et touche au cœur. Si quelques chansons imposent un discret coup de sang rock’n’roll (« I don’t have to like you » ; "I don't need you") le cœur de l’album bat au rythme chaloupé des ballades. Superbe de bout en bout !

En concert le 7 septembre à Vancé (Eldorado Americana Festival)

https://www.emilynenni.com/

https://www.facebook.com/emilynennimusic

Eldorado Americana Festival le 7 septembre à Vancé

 

Au croisement du Mans, de Tours et de Vendôme, le 7 septembre prochain se tiendra un événement plutôt rare dans nos contrées : un festival consacré à l'Americana ! Loin de se cantonner aux artistes étasuniens, la programmation, assez alléchante, ouvre la perspective et laisse une place de choix aux artistes venus d'autres territoires qu'ils soient français (les excellents Lowland Brothers) ou britanniques (Alberta Cross). Enfin, le festival donnera une occasion assez rare d'applaudir l'excellent Dylan LeBlanc ou la prometteuse Emily Nenni.

Pour la billetterie cliquez ici.

Lovataraxx : « Sophomore »

 

Cinq années se sont écoulées depuis la sortie de leur premier album et il s’en est passé des choses depuis. Une pandémie et on ne sait plus trop combien de confinements plus tard, on retrouve le duo que l’on a l’impression d’avoir quitté hier tant son premier effort a continué de nous accompagner dans l’intervalle. Très justement intitulé « Sophomore » ce deuxième album continue l’ensorcellement dark du premier. Le tout premier titre « Heidi Montauk » commence comme la bande originale d’un film d’horreur, une nappe de synthé angoissante, une constante durant toute la durée de l’album. L’ombre de la cold wave des années 80 plane sur cet album, on n’en attendait pas moins, une influence que le duo se charge de conjuguer au présent sur un mode plus électronique que par le passé. Loin de sentir la naphtaline le disque galvanise et envoûte, emporte l’auditeur dans des contrées inconnues (« Tilda Vaast »), hypnotise et le travail rythmique remarquable fait palpiter les sens (« Earl Condition »). Entre autres nouveautés on note l’apparition de nouvelles langues (l’allemand entre autres) et un chant choral où les voix d’Hélène et de Julien se mélangent. A écouter au cœur de la nuit.

https://www.facebook.com/lovataraxx

https://lovataraxx.bandcamp.com/album/sophomore

Chris Isaak + Lusaint, Salle Pleyel, 16 juillet 2024

On retrouve en première partie la jeune chanteuse britannique Lusaint qui, ironie de la chose, s’est fait connaître, entre autres, avec une reprise de « Wicked Game » qu’elle n’osera pas reprendre sur scène ce soir. Retrouvant par moment les intonations de la regrettée Amy Winehouse, Lusaint crée une petite sensation ce soir. D’autant qu’elle est accompagnée d’un remarquable guitariste folk, virtuose, se mariant à merveille aux prouesses vocales de la chanteuse. Pour le moment cantonnée à une présence sur internet, pour ses reprises soul jazz dans un format pop, Lusaint sortira son premier EP très prochainement. Sans vouloir préjuger des partis pris de production qui seront appliqués sur disque, le fait est que, sur scène et dans un contexte dépouillé mettant en valeur ses qualités d’écriture et d’interprétation, la formule fonctionne très très bien. On aura de toute façon une nouvelle occasion de l’applaudir le 29 novembre à la Cigale avec un groupe au complet et une section de cuivres. A suivre…

Chris Isaak fêtera l’an prochain les 40 ans de son premier album « Silvertone ». S’il se fait plutôt rare en studio, on note toutefois un disque de Noël sorti en 2022, Chris Isaak continue d’arpenter les scènes, en général pendant l’été, essentiellement pour jouer ses vieux tubes. Mais avec un certain savoir-faire, un charme et un charisme intact. D’autant que le répertoire en question a plutôt bien vieilli, à telle enseigne qu’il n’est insensé de parler de « classiques ». « Dancing », « Wicked Game », « Baby did a bad bad thing » et autres « San Francisco days » sont de sortie et qu’il est accompagné par un groupe remarquable, le même depuis des années, connaissant le répertoire sur le bout des doigts et le restituant avec classe et enthousiasme. Notamment pendant l’habituel intermède acoustique dépouillé. Notons toutefois le touché fin et raffiné, débordant de feeling, aussi bien à l’aise dans les arpèges délicat que lorsqu’il faut pousser les amplis dans le rouge du guitariste virtuose Hershel Yatovitz, qui pourrait aisément sortir un album solo instrumental. Chris Isaak, ses costumes à paillettes ou à miroirs, c’est personnage que l’on prend plaisir à retrouver pour se lover dans son répertoire délicat avec un plaisir à chaque fois renouvelé, surtout quand les retrouvailles ont lieu dans le cadre art déco majestueux de la Salle Pleyel, un environnement rétro qui lui sied à ravir.

https://www.lusaint.com/

https://chrisisaak.com/

Bertrand Betsch : « Kit de survie en milieu hostile »

 

Plume rare et méconnue en dehors du cercle des initiés, Bertrand Betsch aligne les réussites avec une constance remarquable au point de devenir un auteur-compositeur précieux évoluant en dehors des chemins balisés. Rares sont les musiciens à écrire comme lui, à composer des chansons mariant aussi bien deux sentiments contraires : l’apaisement des mélodies et l’intranquillité des paroles. S’articulant autour de la guitare folk, ponctué d’une électronique discrète, et de quelques arrangements de cordes mélancoliques trahissant l’ambition modeste mais réelle de son auteur, ce nouvel effort nous offre un moment suspendu, en dehors du chaos. En intitulant son album « Kit de survie en milieu hostile », Bertrand tape dans le mille. Ainsi, chacun, ceux qui l’écouteront, comme probablement celui qui l’a composé, trouveront dans ce disque la force d’affronter cette époque folle où tout fonctionne à l’envers. Intime, raffiné et élégant.

https://www.facebook.com/bertrandbetschfanpage

Mélys : « For Once »

 

Avec son nom mélangeant le grec (abeille) et le gallois (sucré), Mélys ne pouvait que délivrer un EP (le deuxième) des plus savoureux. Tout y est succulent, des guitares folk délicatement arpégées aux accents indie vaporeux et planant. Un mélange intemporel que la chanteuse qualifie d’elle-même de folk florale. Et l’on retrouve effectivement dans l’ambiance dégagée par ses chansons cet attachement à la nature qui apaise et fait voyager, surtout lorsque Mélys délaisse l’anglais au profit de l’espagnol. Sublime.

https://www.facebook.com/Melysmusique

Mazingo : « Hey You »

 

Le grand chapitre du livre musical unissant les Etats-Unis et la France vient s’enorgueillir d’un nouveau personnage en la personne d’Andrew Mazingue, le leader de ce trio si atypique, que l’on croirait venu d’ailleurs à telle enseigne qu’il ne ressemble à quasiment personne d’autre dans notre paysage musical. Mazingo, donc. L’écoute de ce nouvel album, le deuxième, s’apparente à une grande virée musicale sur des routes poussiéreuses, laissant la place à des instruments que l’on entend trop peu par chez nous : la contrebasse, le banjo, de l’orgue hammond B3 ou un harmonica qui, régulièrement, déchire l’air. Un décorum hautement étasunien où le folk déglingué de Mazingo est hanté par le blues voire le rock garage (« Gone to stay »). Le picking impeccable du guitariste (également harmoniciste) Alexis Réoutsky incarne à la perfection les genres précités alors que le batteur Félix Bourgeois délivre le swing, et la puissance aussi, nécessaire. Enfin, et parce que les racines du groupe sont des deux côtés de l’Atlantique, Mazingo n’oublie pas de laisser une petite place au français dans les textes (« Funambule », « Six pieds sous terre ») aboutissant à ce genre hybride, rarement tenté, où la langue de Molière enveloppe les influences anglo-saxonnes. Une réussite.

https://www.mazingo-music.com/

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Katarina Pejak : « Pearls on a string »

 

C’est en France, où elle a élu domicile, que la jeune Serbe a enregistré ce nouvel album, le deuxième pour le compte du label Ruf, après trois disques produits dans sa Serbie natale. A bien des égards, ce nouvel album porte son titre à merveille. En effet, si perles il y a, c’est bien celles que la chanteuse/pianiste aligne sur ce nouvel effort avec une constance remarquable, à la croisée d’une sainte trinité entre jazz, blues et soul. Contrairement à ses habitudes la chanteuse a produit son album elle-même en compagnie de ses proches, son mari Romain Guillot (coproducteur et ingénieur du son) et de son groupe (le guitariste Boris Rosenfeld, le bassiste Sylvain Didou et le batteur Johan Barrer). Il en résulte un disque à l’identité forte, intime et resserré, où l’interaction entre les musiciens joue à plein respirant l’élégance et le raffinement. Aussi condensé soit-il l’album laisse une place à quelques intervenants extérieurs. Et quels intervenants ! La guitariste Laura Chavez (autrefois accompagnatrice de la regrettée Candye Kane) enlumine d’effluves blues le morceau d’ouverture (« Pearls on a string ») alors que le touché inimitable du saxophoniste Dana Colley (ex-Morphine) se reconnaît dès les premières secondes de « Woman ». Entre autres réussites, à noter enfin, une relecture aussi surprenante que réussie du « Money » de Pink Floyd. En ces temps troublés voici un album dont la sérénité fait du bien, aussi apaisant qu’une soirée dans le canapé confortable d’un club de jazz classieux, dont ce disque constituerait la bande son idéale.

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Electro Deluxe : « Next »

 

C’est ainsi, plus le temps passe, moins Electro Deluxe fait honneur à son patronyme ! Car, si à ses débuts, dans les années 2000, le groupe s’inscrivait dans la mouvance électronique de l’époque, depuis quelques années (en dépit d’un bref retour au genre récent) le groupe s’est spécialisé dans un funk mâtiné de soul, assez percutant, se singularisant par l’absence totale de guitare, une rareté. Un homme incarne le changement : James Copley. Américain de naissance, exilé en France, doté d’une voix en or, le chanteur se fait également crooner à l’occasion, capable de faire fondre le cœurs à la chaîne. Misant sur sa force de frappe scénique, pouvant enchaîner les perles dansantes, Electro Deluxe a acquis, concert après concert, à la force du poignet, une reconnaissance internationale. De quoi attirer les grands noms : la saxophoniste Candy Dufler (Prince, Dave Stewart) qui orne le magnifique « Nakie Nakie » d’ouverture d’un super solo, le tromboniste suédois Nils Landgren ou le maître Fred Wesley (James Brown) sur la plage finale, tous sont venus honorer ce nouveau disque de leur présence. Contrairement à de nombreux acolytes, Electro Deluxe ne s’inscrit pas dans cette veine nostalgique qui caractérise la soul actuelle. L’absence de guitare les oblige à une démarche différente, misant sur les claviers (Rhodes, Clavinet, Hammond B3) d’où ils tirent ce son, respectueux de la tradition mais résolument moderne, aboutissant à une sorte d’intemporalité musicale. Carré, dansant et festif, mais aussi langoureux à l’occasion, que demander de plus ? Un album qui fait du bien par les temps qui courent.

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Leo Courbot : « Passion at a distance »

 

Depuis sa Belgique d'adoption, Leo Courbot a deux idoles : Prince et Jimi Hendrix ! On serait tenté d’ajouter Funkadelic au tableau, pour l’ambiance spatiale et science-fiction qui enrobe l’album comme le suggère la sublime pochette signée Caza (qui rappellera de nombreux souvenirs aux lecteurs de Métal Hurlant), un habitué de l’exercice ayant déjà œuvré pour Slift par le passé. Nous voici donc en présence d’un album funk-rock particulièrement consistant à l’assise rythmique solide (les batteurs Gene Lake, Michael Bland, Pat Dorcean ou Stéphane Galland sont de la partie). Accouplés à la basse slappée, l’effet est dévastateur et balise le terrain pour les envolées de guitare du cosmonaute Courbot. Ainsi le travail guitaristique de Courbot y est remarquable, savamment saturé au point de flirter avec le rock et il y a là pas mal de matière à étudier pour les aficionados de l’instrument à six cordes. Mais la maîtrise instrumentale n’est pas tout. Et les chansons dans tout ça ? Là aussi le compte y est d’autant que Leo sait varier les ambiances et se faire romantique à l’occasion (« Multiverse ») tout autant que naviguer dans un magma funk en fusion ou tenter le chant en français (« Cantique des quantiques ») totalement inédit dans ce contexte. Décollage immédiat, cap vers les étoiles !

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Olivier Rocabois + Bastien Devilles, Café de la Danse, 23 juin 2024.

Il y a des soirées comme ça, assez rares toutefois, où les planètes s’alignent, où le spectateur se retrouve propulsé dans une autre dimension. Rares sont les artistes pouvant accomplir l’exploit et il y a fort à parier que tous ceux qui ont eu la chance d’être au Café de la Danse en ce 23 juin 2024 s’en souviennent longtemps. Préambule indispensable, la programmation est particulièrement bien pensée ce soir, un petit coup de pouce du destin a évité les conflits d’agenda, pour nous présenter une soirée pop de très haute tenue.

Commençons par Bastien Devilles (Sébastien Souchois de son vrai nom), que l’on découvre à l’occasion, à qui revient la tâche d’ouvrir les agapes. Ce dernier, chanteur multi-instrumentiste, débute le set au piano entouré d’une formation de grande ampleur. La présence d’un sublime quatuor à cordes place le curseur de l’exigence musicale assez haut. Il est question ici de classe, d’élégance et de subtilité musicale. Un raffinement contrastant par la présence d’une batterie (jouée par Guillaume Glain) distillant un groove insidieux et d’une basse ronde (tenue par Lucas Valero) que l’on jurerait échappée des années 1960. Une marche supplémentaire est encore franchie lorsque Bastien s’empare du saxophone bariton ajoutant une note jazzy au somptueux cocktail. Une guitare éparse sur quelques titres complète le séduisant tableau.

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Nous parlions juste auparavant de raffinement et il semble qu’Olivier Rocabois, tout auréolé du succès critique de son magnifique nouvel effort, soit décidé à franchir un nouveau cap. Les petits plats sont ainsi mis dans les grands et outre ses excellents accompagnateurs habituels, de nouvelles têtes font leur apparition. Le même quatuor à cordes joue les prolongations, un vibraphone et même un sitar (joué par Martin Kubasik, le bassiste de Lost Solar Dust) font leur apparition. Mais le plus étonnant reste de voir Olivier Rocabois aussi serein. Une sérénité nouvelle, assez inhabituelle, qui pousse le chanteur à prendre des risques, comme pousser sa voix au-delà du lyrisme ou à tenir la scène en solo intégral (au piano ou à la guitare folk) pendant un intermède assez long. Après des années de doute, de questionnements et de tâtonnements, Olivier, arrivé à l’après-midi de son existence, semble avoir enfin trouvé sa voix. Celle d’une pop, aux ravissantes effluves psychédéliques sixties, tenant autant de la Grande-Bretagne que de la France, on pense à Gainsbourg, Polnareff ou aux bandes-originales de François de Roubaix, une pléthore de références prestigieuses auxquelles Olivier fait honneur. Tout est parfaitement restitué sur scène le temps d’un moment suspendu, hors du temps. De loin le meilleur concert d’Olivier auquel nous avons assisté.

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Tribute to Calvin Russell

 

Comme tant d’autres, c’est en Europe, plus particulièrement en France, que le regretté Calvin Russell a trouvé un refuge pour sa musique, un fameux quatre-quarts terrien respectant à la lettre les quantités : un quart de blues, un quart de country, un quart de folk et un dernier quart de rock’n’roll. Auteur d’une grosse dizaine d’album qui ont su conquérir le cœur des fans d’americana d’ici, Calvin Russell s’est éteint des suites d’une longue maladie en 2011. Avant cela, le Texan avait eu le temps de sortir un dernier album « Dawg eat dawg » (2009) sur le label XIII Bis (également disparu corps et biens depuis), la maladie de Calvin révélée peu après la sortie du disque aura empêché ce dernier de le défendre sur scène, en compagnie de Manu Lanvin. C’est ce même Manu Lanvin que l’on retrouve aujourd’hui à la manœuvre sur ce disque hommage. Il s’en explique dans le dossier de presse, tous deux dans le creux de la vague en 2009 cet album leur avait permis de se relancer, une solide amitié à la clé. Un Manu omniprésent comme artiste solo (« Wild wild west »), comme accompagnateur (« Ain’t leaving your love » avec Haylen ; « 5m2 » en compagnie de son père Gérard comme sur l’originale extraite de « Dawg eat dawg ») ou comme guitariste sur la quasi-totalité des titres. De très haute tenue musicale, réservant de nombreux moments très émouvants, l’album dispose d’un casting hétéroclite, impossible de les citer tous, des nouveaux venus s’acquittant parfaitement de la tâche (Théo Charaf qui retrouve beaucoup de son parcours personnel dans « Nothin’ can save me »), d’autres exilés venus d’Angleterre (Hugh Coltman) ou des Etats-Unis (Neal Black ou Beverly Jo Scott par deux fois). Un absent de marque toutefois, Paul Personne qui a souvent croisé ses six cordes avec celles de Calvin (les chanceux qui en ont été témoins sur scène s’en souviennent!). Mais le plus émouvant reste de retrouver la voix granuleuse de Calvin, planquée entre les titres, sur des extraits d’interviews ponctuant l’album. De quoi faire de ce disque un objet que l’on va chérir longtemps.

Concerts hommage le 30 juin (Bronx festival 69), 5 juillet (Cognac Blues Passion) et 19 juillet (Le Havre (Nuits Suspendues).

Chris Isaak, le 16 juillet à la Salle Pleyel

 

Ca se passera le 16 juillet à la Salle Pleyel et il ne faudra pas le louper, quelques jours avant de basculer dans les JO, pendant laquelle l'offre culturelle sera forcément réduite, Chris Isaak, le crooner star des années 80 sera sur scène !

Réservations cliquez ici

Mavis Staples + Jon Muq, Casino de Paris, 18 juin 2024

 

Commençons par partager notre enthousiasme pour Jon Muq, le songwriter qui assure la première partie du concert du soir. Seul avec sa guitare folk, Jon raconte en chansons son destin hors du commun, né en Ouganda avant de migrer à Austin (Texas) et d’enregistrer son premier album, qui vient de sortir, sous les fourches caudines de Dan Auerbach. Doté d’un joli grain de voix et d’une technique assurée à la guitare, Jon Muq déborde d’humanisme et se révèle assez touchant ponctuant régulièrement son set d’un « hope you guys enjoyin’ » d’une candeur confondante. Le chanteur a aussi une manière assez atypique de finir ses chansons sur une note en l’air, laissant planer l’émotion au-dessus de la foule. Un très beau moment en compagnie de ce jeune chanteur prometteur.

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A quelques jours de fêter son 85ème anniversaire (en juillet), Mavis Staples se présente sur la scène du Casino de Paris en pleine forme et entourée d’une formation relativement réduite : un trio guitare, basse, batterie agrémenté d’un duo de choristes. La prédominance de la guitare entraîne la musique sur un terrain blues, quasiment rock par moment, au gré des fulgurances électriques. Lesdites influences électriques se greffent avec bonheur aux classiques soul et gospel qui ont fait la réputation de la chanteuse. La voix de la chanteuse ne souffre pas du passage des années et gagne une patine supplémentaire exprimant le vécu, le tout se révèle particulièrement émouvant. Le répertoire solide, composé de classiques et de reprises, est à lui seul l’assurance d’un très bon moment de musique live. Évidemment, compte-tenu de son age, personne ne s’attendait à voir la chanteuse faire la nouba toute la nuit. Sans surprise, c’est après une grosse heure de concert que la soirée s’est achevée, assez abruptement, sans rappel. Mais entre-temps le spectateur chanceux à pu voyager dans le temps en compagnie de cette légende de la soul music au parcours exceptionnel. Un moment privilégié.

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Parlor Snakes, Petit Bain, 13 juin 2024.

C’est sur la scène du Petit Bain que les Parlor Snakes ont fêté la sortie de « Cut Shadows », leur quatrième album. La nouvelle orientation musicale du groupe, avec un son plus froid, sombre, laissant une place plus importante aux synthés, inscrivant le groupe dans une mouvance cold wave héritée des années 1980, n’a en rien changé l’énergie rock’n’roll, électrique, qui habite le groupe dès qu’il met un pied sur scène. Magnétique, la chanteuse Eugénie Alquezar dégage une belle énergie au service du rock’n’roll qu’elle incarne avec une subtilité reptilienne, bougeant au rythme de la musique. Stoïque derrière sa guitare, Peter envoûte du son de sa guitare aux dissonances, vibrato en mains, digne de My Bloody Valentine. Enfin, l’excellente section rythmique imprime cette énergie brute de décoffrage nécessaire pour lancer le quatuor sur les rails du rock’n’roll à grande vitesse. Hell of a ride !

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Phanee de Pool + Romano Bianchi, l’Archipel, 12 juin 2024.

Une soirée suisse à l’Archipel ! On débute avec le jeune et sympathique Romano Bianchi, venu spécialement de Genève, pour assurer la première partie. Seul avec sa guitare électrique demi-caisse, son clair, Romano égrène ses chansons, chantées en français, avec un soupçon d’americana en sous-texte, dans les harmonies, voire un peu de blues dans le premier titre. Hélas, en 20 minutes chrono, la prestation de Romano est passée à la vitesse de l’éclair…

https://lepopclubrecords.bandcamp.com/album/pcr053-fringale-lp

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Dans un genre nettement moins classique et complètement déjanté, place ensuite à Phanee de Pool qui termine en fanfare une longue résidence à l’Archipel, débutée à l’automne dernier, soit huit concerts. Seule sur scène avec sa guitare, qu’elle n’utilise pas systématiquement, et bon nombre de machines et autres gadgets, Phanee a décidé de se démultiplier pour compenser l’absence de son groupe. Dans son décor high-tech, trois écrans placés à la verticale, ornent le fond de la scène, Phanee déborde d’énergie, crie à plein poumon son enthousiasme et visite régulièrement le public sagement assis. Forte de son sens de l’humour le concert tient plutôt du spectacle mis en scène ou musique alterne avec de petits sketchs pour introduire les chansons. C’est ainsi que la chanteuse crée une réelle proximité avec le public, qu’elle met dans sa poche en un rien de temps. Mais il ne faut pas s’y fier derrière l’espièglerie affichée se cache une réelle profondeur sur les maux de l’époque (le téléphone, les SDF…) Des sujets graves traités avec légèreté et une émotion bien planquée derrière un humour déjanté. Un véritable univers en soi…

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