Blankass : « Les Chevals »

Nouvel album pour ces vétérans de la scène rock française et même si Blankass ne propose rien de véritablement original, on éprouve pour eux une sympathie non feinte. Voilà des musiciens qui qu’importe les modes jouent la musique qu’ils aiment avec passion et sincérité. Et Blankass aime les guitares et le rock et le prouve le temps de ces 10 titres, efficaces et enlevés avec de temps une touche d’émotion (« l’empreinte »), d’euphorie pop voire un soupçon de blues (« Killer inside »). Loin d’être tourné vers le passé Blankass fait aussi évoluer sa formule incluant quelques machines dans les arrangements. Un bon petit album qui s’écoute avec plaisir. 

www.blankass.com

www.myspace.com/blankass

MC Pampille : « Un vert parmi tant d’autres »

Le problème des groupes qui jouent trop ouvertement la carte de la dérision et du second degré, c’est qu’il est difficile de les prendre au sérieux. Précisément le défaut qui plombe ce disque avant même que l’on ait écouté la moitié de l’album… Comment dès lors croire en ce MC Pampille, rappeur loufoque fan de l’AS Saint-Etienne et qui chante faux (« A l’ombre des 7 collines ») ou n’importe comment (« Je suis bien content ») et sans identité musicale, jouant la carte de la dance bon marché (« Pampille of the night » ; « Mouille le maillot »), du slam (« Slam fout le mouron ») ou de la chanson décalée ? A moins de considérer que les dialogues abracadabrants font office de chansons (« Le cousin du Québec »)... A réserver aux fans des ambiances foot… Pour tous les autres ce « Vert parmi tant d’autres » restera l’auteur d’un album parmi tant d’autres…

Tennis : « Young and old »

Tennis, trio originaire de Denver, à fait appel aux services de Patrick Carney (le batteur des Black Keys) qui a produit le deuxième album du groupe, « Young and Old » dans un studio de Nashville (où les Black Keys ont élu domicile). Le résultat est spectaculaire, avec moult petits détails dans les arrangements (des pianos, des orgues) qui permettent au groupe de dépasser la sempiternelle formule basse/guitare/batterie. Il émane des ces sessions une sorte de sérénité, un côté cool qui fait que la musique s’écoule le plus naturellement du monde : des tempos pas trop rapides, des compositions pop suffisamment efficaces pour accrocher durablement l’oreille. Et puis il y a la voix de la chanteuse Aliana Moore, sexy, mélodique et charmeuse. Fidèle au principe appliqué à son propre groupe, Patrick Carney un produit un album court, 40 minutes environ, soit la durée d’un vinyle, comme à la grande époque. Ca a le grand avantage de favoriser l’aspect pop 60s des Tennis et de faire un disque efficace sans temps mort. Un album particulièrement attachant.

www.tennis-music.com

Black Minou, la boule noire, 15 mars 2012.

En prévision de la sortie prochaine de leur premier EP (chronique ici), Black Minou a mis le feu hier soir sur la scène de la boule noire. Confirmant tout le bien que l’on pensait d’eux après avoir écouté l’ep, la bande menée par les frères Yarol (guitare lead) et Melvil Poupaud (basse) a démontré être à l’aise dans plusieurs registres : le gros son et le groove. La reprise du « Hey Pocky a way » (The Meters), la présence de l’harmoniciste de blues Greg Zlap, invité le temps d’un rappel ou bien d’un trombone ont prouvé l’ancrage dans les musiques noires de Black Minou. Qui reste par ailleurs un groupe de rock n’roll diablement efficace, sortant les guitares, les pédales wha-wha et Yarol se déchaînant le temps de soli incisifs. Ce dernier est bien aidé dans sa tache par Aurélien à la deuxième guitare (et par ailleurs membre de Klink Clock) et par le batteur Thibault qui ne perd jamais son sens du swing. Alternant aussi bien les compositions personnelles que les reprises qui vont de John Lennon (« Cold Turkey ») à LCD Soundsystem (« Daft punk is playing at my house »), Black Minou rend cohérent un répertoire divers et varié, comme si finalement tout découlait des sixties. Un groupe foncièrement attachant. 

www.black-minou.com

Sharon Jones and the Dap-Kings, La Cigale, 12 mars 2012.

Sharon Jones, la soul sister number one, est récemment revenue dans l’actualité grâce à la sortie de l’album « Soul time », compilation de faces B et d’inédits. Si ce matériel, à haute teneur funky, n’est certainement pas le meilleur de Sharon et est très certainement quelques crans en dessous de ses fabuleux trois derniers albums, « Soul time » bénéficie des standards de qualité du label Daptone. Et cela nous donne également l’occasion de revoir Sharon Jones et son groupe les Dap-Kings sur scène. Et c’est à peu près ce qui se fait de mieux à l’heure actuelle en matière de soul music. Ce retour sur scène se fait dans des circonstances dramatiques car, comme elle l’a confié sur scène, Sharon Jones vient de perdre sa maman mais a cependant tenue coûte que coûte à terminer cette tournée, car comme elle l’explique : « elle n’en serait pas là sans elle ». Comme toujours avec les artistes du label Daptone, le concert se présente sous la forme d’une soul revue à l’ancienne. On commence par quelques morceaux instrumentaux des Dap Kings puis c’est au tour du guitariste Binky Griptite (également auteur de plusieurs 45T en solo) d’assurer le chant sur un titre. L’ambiance commence à monter quand les choristes font leur entrée sur scène et qui ont également le droit de chanter une chanson chacune. Le public est alors chaud bouillant pour accueillir Sharon Jones qui, sous les vivas de la foule, fait une véritable entrée de star. Il n’y a pas à redire mais nos amis Américains s’y entendent vraiment lorsqu’il s’agît de faire le show. Si Sharon Jones a montré une évolution musicale intéressante sur ces derniers albums avec des arrangements toujours plus fins et plus soul à base de cordes, sur scène, la formule reste des plus funky ce qui transparaît à travers le line up choisi : deux guitares, basse, batterie, congas et trois cuivres. Avec ça, ça devrait dépoter (un orgue par exemple aurait apporté une note plus smooth). D’autant plus que Miss Jones est particulièrement physique sur scène. Chante, saute partout et danse (un fameux medley à base de danse sixties : swim, funky chicken, boogaloo, twist). Il n’y a guère que des talons un peu trop hauts pour l’arrêter et encore de façon très provisoire. Après un set particulièrement énergique, mais parsemé de moments d’émotion pure lorsque Sharon évoque sa maman, Miss Jones est revenu sur scène pour des rappels particulièrement émouvants. Seule accompagnée par le guitariste Binky Griptite et des deux choristes Sharon a rendu hommage à Amy Winehouse (qui a tourné avec les Dap Kings en backing band) reprenant « You know i’m no good ». Moment qui a du être très émouvant également pour le guitariste Binky Griptite qui a participé à l’enregistrement de l’album « Back to black » même si il n’a rien laissé transparaître. Après viendra l’hommage à Etta James puis Whitney Houston, elle fait le « I’ll always love you » aussi bien que l’original. L’occasion de constater une fois de plus que Sharon a une voix à se pâmer et que, même à cappella, elle peut mettre tout le monde à genoux. Les rappels ont en outre montré une autre facette de Sharon Jones, plus dépouillée et plus gospel, que l'on entends pas forcément sur disque. Assurément une grande voix de la soul music, toute période confondues, à voir absolument sur scène au moins une fois.

www.sharonjonesandthedapkings.com

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Manu Larrouy : « Des mots doux, des mots durs »

Nouveau venu sur la scène hexagonale, Manu Larrouy  se pose en héritier de la scène french pop des années 80. Au-delà du parti pris synthétique, l’album se distingue par sa qualité d’écriture. Manu Larrouy a véritablement cherché à faire un disque pop avec de jolies mélodies, des refrains qui se retiennent facilement et des titres d’une durée moyenne de trois minutes. Manu a trouvé la note juste, l’album joue la carte du minimalisme mais avec finesse. Ni surproduit, ni rêche, mais privilégiant un climat un peu « bleuté » doux et confortable. Doté d’un plume fine, Manu a également soigné l’écriture de ses textes avec un joli sens de la formule agrémenté de rimes assez riches sur le thème de la déception sentimentale. Le charme du disque vient en partie de son unité de ton, l’écoute procure un sentiment d’intimité avec son auteur, on recueille les histoires de Manu comme on écouterait celle d’un copain. Un bel album qui ravira tous les fans d’Etienne Daho.

www.manularrouy.fr

Sallie Ford and The Sound Outside, Le divan du Monde, 8 mars 2012.

Grande révélation rockabilly de l’année, l’Américaine Sallie Ford (dont j’aurais bien aimé vous toucher deux mots de son excellent album Dirty Radio si j’en avais eu le temps) n’en finit plus de séduire le public parisien, il s’agit ce soir de son deuxième passage dans la sublime salle du divan du monde en l’espace d’un mois pour une soirée qui affiche complet encore fois. En dépit de quelques problèmes liés au mixage qui ont fait que l’on a parfois eu un peu de mal à l’entendre chanter, dommage par ce qu’elle a une belle voix, la soirée est à classer parmi les belles réussites. Sur scène Sallie séduit par son attitude un peu gauche, elle danse et saute maladroitement, cherche à faire de grandes arabesques avec ses cheveux et s’applique pour faire le show sans sembler être totalement sûre de ce qu’elle fait, c’est mignon et très touchant. Un autre qui ne semble pas tellement dans son élément, c’est le guitariste de Sallie, Jeffrey Munger, moustaches, lunettes « cul de bouteilles » et casquette verte sur la tête, Jeffrey, excellent musicien par ailleurs, donne l’impression de débarquer de la campagne. D’autant qu’il a un accent à couper au couteau et quand il chante, de la country évidemment, il ne peut s’empêcher de faire des « yeeh ah ». Il est aussi très doué pour jouer de la guitare avec une bouteille de bière, en la faisant glisser sur les cordes comme un bottleneck. Sacré Jeffrey, va ! Sallie peut également s’appuyer sur une section rythmique très forte : Tyler Tornfelt à la contrebasse et Ford Tennis à la batterie. Le batteur se révèle être très créatif, joue ses rim shots sur la cerclure de la grosse caisse et parfois démonte la charley pour l’installer sur la caisse claire avant de jouer dessus. Pas mal. Il a en outre du swing plein les poignets et un feeling ternaire jazzy imparable. Avec en plus une bonne petite reprise de ce bon vieux Buddy Holly, la soirée ne pouvait être que réussie.

www.sallieford.com

www.myspace.com/sallieford

Ginkgoa + Mat Hilde, le divan du monde, 7 mars 2012.

La première est assurée par la jeune et charmante Mat Hilde. Sagement assise sur son tabouret, une jolie fleur rouge dans les cheveux, la jeune artiste gratte ses chansons sur sa guitare acoustique. Une jolie musique folk, délicate et féminine, bien servie par la voix mélodique de Mat Hilde, une belle découverte bien que le set fût très court.

On a ensuite retrouvé sur scène Ginkgoa, toujours mené par le guitariste/auteur/compositeur Antoine Chatenet et la chanteuse Américaine exilée en France Nicolle Rochelle, groupe qui a beaucoup évolué depuis un an. La violoncelliste Anne-Colombe Martin s’est depuis mise à la contrebasse, alternant entre les deux instruments durant le concert. Le clarinettiste Sylvain Hamel alterne également avec le saxophone. Ajoutez à cela la batterie swing de Grégory d’Addario et la guitare d’inspiration manouche d’Antoine et on obtient Ginkgoa groupe dont la musique s’ancre dans le jazz et la chanson française. Le son Ginkgoa a également intégré des éléments inattendus comme les samples de dialogues sur « Dolorès » ou la guitare wha-wha de « Queen of Swing », tous ces ingrédients s’intégrant naturellement les uns dans les autres, ce qui tend à prouver que Ginkgoa a trouvé son identité sonore. La chanteuse Nicolle tient évidemment une place essentielle dans le cœur du groupe. Energique, enjouée, Nicolle apporte une bonne dose d’énergie et de fantaisie. Elle chante (en trois langues : français, anglais et espagnol), danse (et parfois même avec le public), fait des claquettes... Sa présence fait de Ginkgoa un groupe festif et le concert se transforme rapidement en fête avec les spectateurs dansant sur scène. Parmi les bonnes surprises, les reprises de Serge Gainsbourg, « Comic Strip », et d’Erykah Badu (un apport direct de Nicolle ?). Un groupe attachant qui vient tout juste de sortir son premier EP dont on reparlera très bientôt.
www.ginkgoa.com

  

Elliott Murphy : « Just a story from New York »

Nouvel album live pour Elliott Murphy, le quatrième de sa carrière, dont le titre « Just a story from New York » résonne comme un clin d’œil à son LP « Just a story from America ». Toujours accompagné par ses fidèles Normandy All Stars (Olivier Durand, guitare ; Alain Fatras, batterie et Laurent Prado, basse), Elliott retrouve pour l’occasion le clavier Kenny Margolis que l’on ne voit pas souvent à ses côtés lors des concerts européens. Sans changer radicalement la donne, sa présence apporte un plus sous la forme d’accordéon ici ou d’orgue là. Lors de cette soirée, sold out, enregistré au Rockwood de New York Elliott revisite son répertoire mélangeant grand classiques des années 70 (« You never know what you’re in for », « Diamonds by the yard », « Last of the rock stars ») et titres plus récents (« Rock n’roll’n rock n’roll » extrait de sa dernière livraison studio en date). Les douze morceaux ici présents nous permettent de revisiter avec bonheur l’univers de cet attachant, et très littéraire,  songwriter évoluant entre folk et rock n’roll installé en France depuis une bonne vingtaine d’années. Une bonne heure d’excellente musique, typiquement US, et on ne comprend toujours pas pourquoi Elliott n’a jamais confirmé sur sa terre natale le succès de son premier effort (« Aquashow », 1973) ni la raison pour laquelle il est autant boudé en Amérique. Quoiqu’il en soit, trois ans après l’album « Alive in Paris » voici ce live enregistré à New York City, New York-Paris, la boucle est désormais bouclée.

www.elliottmurphy.com

En concert les 23 et 24 mars 2012 au New Morning.

Marshmallow, Le lautrec, 2 mars 2012.

Le lautrec est un petit café/bar situé à Pigalle qui dispose d’une petite salle de concert aménagée dans la cave. Comme une sorte de Mécanique Ondulatoire ou d’International en plus petit. La cave est plutôt sympa, voûtée et les murs en pierre donnent un caché rock à l’endroit. Le seul problème c’est la petitesse du lieu, la cave se remplit vraiment vite et comme le bar est souvent animé, beaucoup trouvent refuge dans l’escalier pour essayer d’écouter malgré tout. Les spectateurs qui ont la chance d’être dans la salle on à peine la place de bouger. Sur la scène ce soir on retrouve Marshmallow, groupe basé à Clermont-Ferrand et qui nous avait fait forte impression après son excellent premier EP. Le son de Marshmallow est imprégné d’influences sixties, les Beatles pour les mélodies, les Kinks pour la pêche et les Beach Boys pour les harmonies vocales. Tout cela serait extrêmement classique si les Marshmallow n’avaient pas le choix du chant en Français. Le son du quatuor sur scène est beaucoup plus péchu, la guitare de Fabien joue a un volume respectable, son saturé (certainement l’overdrive de l’ampli), ce qui n’est pas fait pour nous déplaire. On sent tout de suite l’expérience de ce groupe assez jeune mais qui affiche tout de même plus de trois cents concerts au compteur. Les Marshmallow sont sur scène comme à la maison, tout est carré parfaitement en place d’un point de vue musical. La section rythmique en particulier, basse énorme de Julien, et batterie assez véloce de Pierre que l’on verra à peine, malheureusement, coincé dans un coin de la scène. Fred, chanteur plutôt speedé, a une voix assez mélodique et aime bien raconter des blagues quand il ne chante pas. Une bonne humeur contagieuse règne au sein du groupe et on passe un excellent moment. Les Marshmallow ont la chance d’avoir beaucoup de potes chez les musiciens, ce soir c’est le duo Hey Hey My My qui est venu leur prêter main forte pour les rappels, « We can work it out » des Beatles et leur propre composition « A l’heure d’été » qui ouvre et clôture le set du soir. Les paroles de leurs chansons sont souvent imprégnées d’ambiances estivales. Alors qu’importe que l’on soit au mois de mars, quand ils sont sur scène il fait toujours beau.

En concert le 15 mars au Lautrec.

www.facebook.com/marshmallowmusic

Jenny Gillespie : « Belita EP »

Nouvel épisode des aventures musicales de Jenny Gillespie sous la forme de cet EP de cinq titres. Et un énorme coup réussi par Jenny qui a réussi à s’assurer pour l’occasion les services d’un virtuose, le guitariste Marc Ribot, habituel accompagnateur de Monsieur Tom Waits, rien que ça !!!! Ce nouvel effort marque le retour vers un son plus acoustique plus proche du folk du début (l'album "Light Year"). Néanmoins, Jenny a gardé de « Kindred », son album précédent, une approche post-rock, des compositions assez longues et une instrumentation complexe très éloignée des classiques couplet/refrain/couplet. Disons que si la base est acoustique (piano, arpèges folk), les arrangements apportent une touche de modernité à l’ensemble qui est également marqué par une certaine mélancolie (c’est du moins mon impression personnelle ressentie à l’écoute) qui se caractérise par des tempos assez lents et des arrangements de cordes. On retrouve également les talents de songwriter et la voix mélodique de Jenny qui chante toujours aussi bien. Jenny Gillespie, jeune artiste exigeante, continue son petit bonhomme de chemin en totale indépendance. Que dire de plus, que l’on aimerait beaucoup la voir en concert de ce côté ci de l’Atlantique…

http://jennygillespie.bandcamp.com/  

Alex Winston

Apparue il y a un an avec un premier EP prometteur, la jeune Alex Winston est de retour avec un premier album, éponyme, sur lequel on retrouve « Sister Wife », « Choice Notes » et « Locomotive » déjà présentes sur son effort inaugural. Sur ce premier opus, Alex Winston s’impose comme une artiste à la croisée des chemins coincée dans une bulle spatio-temporelle quelque part entre les sixties et le vingt et unième siècle. Alex regarde le monde avec ses yeux de jeune fille et s’en amuse. L’album s’écoute comme une chronique pop dédiée aux « outcasts », aux marginaux qu’ils soient sosies d’Elvis (« Velvet Elvis ») ou gourou évangéliste/guérisseur (« Benny »). Native de Detroit, Alex a probablement grandi sur le son de la Motown dont on retrouve quelques traces ça et là dans sa voix mais aussi dans les chœurs féminins qui parsèment cet effort. L’album se présente ainsi comme un disque d’une facture plutôt classique présenté dans un emballage moderne (« Shock Me ») grâce à sa production assurée par Charlie Hugall (Florence and the machines), le duo électro new yorkais The Knocks et Bjorn Yttling. Une production riche et rutilante mais qui a su garder la fraîcheur et le « feel good » propres aux girls groups des années 60 dont regorgent les compositions d’Alex (« Medicine », « Velvet Elvis », « Sister Wife », « Choice Notes »). Chanteuse formée à l’Opéra, Alex étonne tout au long de l’album, sa voix pourtant cristalline fait étonnamment sensation par son ampleur et sa profondeur. Une star est née.

www.alexwinstonofficial.com

www.facebook.com/AlexWinstonOfficial

www.twitter.com/Iamalexwinston

Michel Petrucciani

(Re)découvrez la vie et la musique du pianiste jazzman Michel Petrucciani le temps de cet excellent documentaire. Disponible en dvd.

The Artist

Je n’ai pas pu me priver de ce petit plaisir coupable, celui d’évoquer le temps de ce billet le film « The Artist » l’un de mes coups de cœur de l’année cinématographique. Ce film m’a beaucoup touché et voici pourquoi.

A moins d’être sourd, muet et aveugle il est impossible d’avoir échappé à la tornade médiatique qui s’est développée autour du film de Michel Hazanavicius, The Artist, ces derniers jours. Parmi la kyrielle de récompenses obtenues par le film au quatre coins du globe il en est une qui me semble particulièrement pertinente et sur laquelle j’aimerais revenir, l’Oscar de la meilleure musique remportée par le compositeur Ludovic Bource. Car pour une fois, l’Académie a eu le bon goût de récompenser un projet particulièrement musical. Cela n’aura échappé à personne, The Artist est un film muet. Conséquence directe, il y a beaucoup plus de musique dans ce film que dans une production parlante « classique ». Le score n’est pas uniquement présent dans le fond pour souligner l’intensité dramatique ou les scènes d’actions comme une sorte de fond sonore. Non, la partition de Ludovic Bource, fait partie intégrante de film et de son scénario et est présente quasiment du début à la fin. En outre la musique fait partie des astuces, au même titre que les cartons, dénichées par Michel Hazanavicius pour compenser l’absence de dialogues. De plus cet Oscar vient récompenser un travail fait à l’ancienne, avec grand orchestre, celui philharmonique de Flandres à Bruxelles, de 80 musiciens et puisant sa source dans la musique classique et le jazz swing. Hélas, hélas, hélas, de la grande bande originale au grand disque il y a parfois une marche considérable. Ce qui fait la force de The Artist, le film est aussi ce qui tue The Artist, le disque comme un couteau à double tranchant. Comme on l’a évoqué plus haut, la musique est présente quasiment du début à la fin, autre conséquence, malheureuse pour le coup, les thèmes, aussi excellents soient-ils par ailleurs (notamment « George Valentin » plein de swing), sont longs, très longs voir trop longs. On sent parfois une pointe de lassitude poindre le bout du nez. The Artist, tombe alors dans le travers classique des bandes originales de film qui perdent de leur impact dès lors qu’elles sont écoutées sans les images qu’elles sont supposées soutenir. Même si en l’espèce The Artist tient largement la route. Mais quoi qu’il en soit que tout cela ne vous empêche pas de (re)découvrir ce petit bijou lors de sa (troisième !!!!) ressortie en salles ce mercredi.

Candy Flesh, Les Combustibles, 25 février 2012.

Il n’y a pas à dire mais une bonne petite explosion de rock n’roll, il n’y a rien de mieux pour égayer un week end. Et en matière d’explosion on a été plutôt bien servis en ce samedi soir avec Candy Flesh sur la scène des Combustibles, sympathique bar/salle de concert/restaurant situé à côté de la gare de Lyon. Candy Flesh donc nous avait laissé sur une excellente impression avec son premier album « Psychotic tales » (chronique ici), habile mélange entre rock garage et grunge. L’impression se confirme donc en live où les frontières entre styles et époques s’effacent au profit de l’énergie. Le socle rythmique (Goul à la basse et Laurent Léonard à la batterie) est solide et donne l’assise au guitariste dandy Stéphane Dalle pour parsemer son gros son d’un swing salutaire. Il ne s’agit pas seulement de faire du bruit, il faut le faire avec classe. Quant à la chanteuse Clara Dalle, c’est une petite riot girl en puissance qui chante, qui crie et fait le spectacle en montant sur l’ampli de basse. Un petit regret toutefois, sa voix n’est pas toujours bien mise en valeur et est parfois noyée dans le déluge de décibels. En tout cas, la formule a plutôt bien marchée auprès du public à tel point que Stéphane le guitariste a joué le dernier titre depuis la fosse au milieu du public en faisant face aux autres membres du groupe restés sur scène. Le public était tellement chaud, qu’il a refusé de les laisser partir et à exigé d’eux un rappel alors que rien n’avait été répété. Pas grave il en faut plus pour arrêter les Candy Flesh qui se sont alors lancé dans un long titre hypnotique et psychédélique en hommage à Jim Morrisson, dévoilant là une autre facette de leur talent. Le groupe a fini à genoux, la tête baissée vers le sol au bout d’une longue dérive psyché noisy. Fort !!!

www.candyflesh.fr

www.rebelgirldiary.fr