Cash Savage and The Last Drinks, La Maroquinerie, 29 mars 2025.

Attention, alerte rouge, quand Cash Savage et son groupe The Last Drinks sont en ville, les oreilles averties sont de sortie ! Certains artistes proposent des entames en douceur, arrivent timidement sur scène, l’Australienne déboule comme on monte sur le ring, prête à en découdre, toise le public d’un regard déterminé, prête à tout donner sur scène, pour le public ! Tapis, quinte flush, le grand jeu du rock’n’roll peut commencer ! Avec un groupe aussi remarquable que les Last Drinks (au sein duquel on note une nouveauté l’habituel violon étant pour l’occasion remplacé par un saxophone), le concert ne pouvait être que mémorable d’une intensité folle (ah ce « Rat-a-tat-tat » complètement dingue !) à telle qu’enseigne qu’un titre (le dévastateur « Human, I Am ») joué en plein set recueille un tonnerre d’applaudissement équivalent à celui d’un rappel de fin de show. Ce qui tombe plutôt bien, Cash détestant le concept, ne donne jamais de rappel mais donne tout pendant une heure et demie non stop, un grand huit où les explosions sonores alternent avec les épisodes éthérés. Charismatique, talentueuse, touchante lorsqu’elle évoque sans fard les problèmes de santé mentale, tout simplement une grande artiste de notre époque !

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cashsavage.com.au

The Datsuns + Sha-La-Lees, La Maroquinerie, 26 mars 2025.

Groupe mi-belge, mi-hollandais, les Sha-La-Lees ouvrent les agapes en première partie. La formation ne nous est pas totalement inconnue puisqu’elle repose, pour la moitié belge (c’est à dire le chanteur/guitariste et le bassiste), sur les cendres des Sore Losers (que l’on avait vus en ce même lieu en 2017 dans le cadre des Nuits de l’Alligator) ; un groupe qu’on a avait particulièrement aimé à l’époque. En résumé, les Sha-La-Lees reprennent les choses là où les Sore Losers les avaient laissées, c’est à dire avec un appétence particulière pour le rock des années 1970, mais en laissant le métal influencé par Black Sabbath de côté, au profit d’une approche plus garage rock, le blues en ligne de mire. A ce titre, la différence fondamentale est la présence d’un harmonica dans le line-up, que l’on entends que trop peu malheureusement. Le set se révèle particulièrement efficace, dans un genre proche de Jim Jones Revue (le chant hurlé en moins) mais tout aussi dévastateur tel un rouleau compresseur de décibels et de notes saturées. Du rock’n’roll pur et dur, particulièrement attachant.

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Arrivé à ce stade, il est temps pour nous de renouer avec une madeleine de Proust, qui nous avait fait tomber dans le rock garage il y a une vingtaine d’année (déjà!) : The Datsuns ! Sans nouvel album à promouvoir, juste pour faire coucou, les Néo-Zélandais sont de retour à La Maroquinerie après un dernier passage en 2023. Toujours aussi efficace et enthousiaste, le groupe égrène ses vieux tubes (cf. un « MF from hell » qui fait toujours son petit effet auprès du public) sans oublier les compositions plus récentes, extraites de « Eye to Eye », le dernier album en date du groupe, qui se pare d’atours psychédéliques. En dépit des soucis du chanteur Dolf, en délicatesse avec ses cordes vocales ce soir là, le groupe est toujours prêt à délivrer au public sa dose d’électricité saturée comme si le temps n’avait pas de prise sur lui. Christian se révèle un guitariste remarquable qui semble même s’être bonifié avec les années, plus musical, lorgnant parfois avec bonheur sur le blues et le psychédélisme. De quoi passer une excellente soirée au point de faire slammer et pogoter un public qui n’a plus exactement 20 ans !

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Thorbjorn Risager and The Black Tornado, New Morning, 19 mars 2025.

 

Thorbjorn Risager, c’est un peu le feu venu du froid ! Fidèle à sa réputation flatteuse, le Danois accompagné de son groupe The Black Tornado a délivré une prestation incendiaire sur la scène du New Morning. Il faut dire que le chanteur/guitariste est bien aidé dans sa tâche par une, remarquable, formation très étendue, comprenant cuivres, clavier, basse, batterie et deux guitares, propre à traduire sur scène la multitude de ses influences. Le blues bien entendu figure au centre de ses préoccupations, un genre aux ramifications multiples, lorgnant vers la soul voire le funk (cf. les cuivres), un groove (ah ce boogie au piano!) dont la puissance d’interprétation fait appel au rock. Mais point de bûcheronnage musical pour autant, la justesse et le feeling, entre autres dans les soli du jeune guitariste, très inspiré, mais aussi dans les chorus des cuivres, haussent le niveau du groupe, incarnant par là même la proverbiale différence entre le bon grain et l’ivraie. Une note folk bienvenue parachève le spectre musical du groupe, qui n’a pas son pareil pour s’approprier, sans plagier, la multitude de ses influences, en livrant sa version personnelle. Ajoutez à cela le charisme du chanteur, son humour lorsqu’il essaye de parler français, et on tient là une des soirées le plus réjouissantes de l’année !

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Tamino, Salle Pleyel, 11 mars 2025

C’est à quelques jours de la sortie de son troisième album que Tamino, fraîchement installé aux Etats-Unis, a fait escale à la Salle Pleyel pour présenter son nouveau répertoire en avant-première. Signe de l’intensité qui caractérise l’artiste et sa musique, c’est dans un silence quasi-religieux que débute son concert, les conversations environnantes stoppant instantanément dès l’instant où le chanteur a fait son apparition sur scène, comme si sa seule présence imposait respect et concentration d’écoute. Un silence qui finalement le définit assez bien, sa musique, calme et reposée, folk aux effluves orientales, emprunte de spiritualité, joue sur les émotions et dont les compositions peuvent s’envisager comme un exercice qui constituerait à justement sculpter les notes entre les silences. Ils sont quatre sur scène, un violoncelle, une guitare électrique assez discrète (le musicien a également assuré la première partie en solo sous le nom mystérieux de Plus) et un quatrième larron alternant entre la batterie et les guitares. Une batterie dont l’apport est fondamental, posant le socle pour les envolées lyriques du chant et qui, lorsqu’elle monte dans les tours et augmente le tempo, permet à la musique de littéralement s’envoler, emportant les spectateurs avec elle. Alternant entre l’oud (l’utilisation de ce dernier instrument relève presque de la quête identitaire pour le chanteur) et la guitare, Tamino joue des mélodies aux motifs entêtants et hypnotiques et qui transforment le tout en expérience quasi-mystique, bouleversante pour les spectateurs, de tous âges, qui étaient présents ce soir là.

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THORBJØRN RISAGER & THE BLACK TORNADO : « House of Sticks »

 

Une grande figure, marquante, du blues européen le Scandinave évolue dans un univers bétonné et tentaculaire à la Métropolis (Fritz Lang) sur ce nouvel album (cf. la sublime pochette). Un environnement idoine pour les tensions et inquiétudes, toutes deux au programme, autant d'émotions que le chanteur délivre avec maestria de sa voix de gorge, grave et profonde, de laquelle s'échappe cette tension sous-jacente, la mère nourricière de son approche musicale. Un contexte oppressant d'où il s'échappe parfois de la tendresse lorsque le musicien attaque le blues par sa face la plus soul (la sublime ballade « Light of your love »). Accompagné de sa très large formation (au total huit musiciens, leader compris), Risager met à profit cette profusion d'intervenants pour élargir au maximum son spectre musical. Ancré dans le blues traditionnel, The Black Tornado n'est pas exempt de foudre rock'n'roll (« Already Gone ») ou de groove quasi électro (« Long time ago » qui fera hurler les puristes) soit autant de petites touches qui font évoluer subtilement la musique sans pour autant la dénaturer totalement.

En concert le 19 mars au New Morning

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Chris Smither à l'Archipel le 30 mars

 

Survivant folk/blues des années 1970, le très rare Chris Smither sera à l'Archipel le 30 mars prochain !

Réservations sur le lien suivant :

https://larchipel.net/spectacle/chris-smither/

ARMELLINO : « Heritage Blend »

 

Lorsque une pointure guitaristique telle que Yann Armellino rencontre Vincent Martinez, ex-chanteur de Carousel Vertigo et lui aussi un guitariste de haut vol, le résultat ne peut que donner des étincelles ! L'album nous transporte dans une ruelle, évoquant celle qui ornait naguère la pochette du premier album de Fleetwood Mac, dans laquelle se trouve, fort justement un magasin de guitares. Tout est dit, la six cordes sera à l'honneur dans ce disque, qui part sur des bases très élevées avec un « Almost Scored Me » qui fera céder toutes les enceintes. Pratiquant une relecture assez musclée du blues voire de la soul, sous le haut patronage de guitares très seventies, l'album ne se classe pas très loin de tout ce que les Black Crowes ont pu produire de meilleur. Un festival de joutes guitaristiques tout sauf vain, le groupe prenant le soin au préalable d'écrire de vraies bonnes chansons, où l'orgue et l'harmonica ajoutent le petit supplément d'âme nécessaire pour franchir la barre séparant le bon grain de l'ivraie. Le résultat se révèle assez attachant.

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Early James : « Medium Raw »

 

Le savoir-faire, en tant que producteur, de Dan Auerbach (Black Keys), réside aussi dans sa capacité à créer le contexte nécessaire pour permettre à l'artiste de se sublimer ainsi que sa musique. Subjugué par la puissance phénoménale dégagée sur scène par Early James, Auerbach a décidé que ce nouvel album, le troisième, serait enregistré à l'écart des studios traditionnels, dans une maison centenaire, le « Honky Chateau » sise au cœur de Nashville. Ainsi, ce nouvel effort nous offre bien plus qu'un disque à l'os, guitare/voix, de plus. Il s'agît plutôt d'une tranche d'Americana brute, saisie sur le vif, imperfections comprises. Contrebasse, percussions et batterie (tenue par Jeff Clemens, un ex G-Love and The Special Sauce dans les années 1990), tous installés dans des pièces différentes de la bâtisse, constituent les ingrédients, cuits à point, par le producteur. L'éventail est large du folk bastringue « Go Down Swinging » au blues détraqué « Tinfoil Hat » en passant par la country et le bluegrass (« Gravy Train »), l'ensemble est terriblement vivant, vivace et se révèle finalement très émouvant. L'émotion brute découle directement des cordes vocales éraillées du chanteur, conférant à la musique ce caractère débordant de vie, telle une matière insaisissable. L'émotion flotte dans l'air, Early James la capte sur disque avec un panache certain. Le résultat est forcément précieux.

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Jeremie Albino : « Our time in the sun »

 

C'est au confluent de plusieurs musiques et influences que se nichent bien des trésors. Le dernier en date pourrait bien être ce sublime album de Jeremie Albino, son quatrième, qui prend définitivement son envol avec ce disque, produit d'une main de maître par Dan Auerbach. Une fois de plus, ce dernier réussit totalement à sublimer la musique en lui conférant cette patine classique et intemporelle qui fait que le disque sort aujourd'hui comme il aurait pu sortir en 1972, sans pour autant singer le passé à tout prix. Pour en revenir à notre confluent qui ouvrait cette chronique, au départ notre homme Jérémie se présente en chanteur folk, un sublime cliché en noir et blanc instrument en main illustre la pochette intérieure, auquel la palette des arrangements ouvre en grand de nouvelles perspectives. Des percussions endiablées, un son de basse rond et confortable et quelques giclées de fuzz bien senties fond de ce disque un régal de soul psychédélique abouti et remarquable de bout en bout. Le chant d'Albino se prête particulièrement bien à l'exercice lui conférant cet indispensable supplément d'âme dans la lignée de Nathaniel Ratteliff.

En concert le 30 avril au Supersonic Records

https://jeremiealbinomusic.bandcamp.com/music

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Nino de Elche + Jorge Prado Ensemble, Festival Sons d'Hiver, Maison des Arts de Créteil, 8 février 2025.

Cette année, le festival Sons d'Hiver met le cap sur l'Espagne et une tradition musicale séculaire, celle du Flamenco dont plusieurs versions modernes, et ouvertes à d'autres sonorités, seront délivrées tout au cours de la soirée.

Nino de Elche dont le spectacle s'intitule sobrement "Flamenco" et s'ouvre tel un film au cinéma, livre une interprétation brute de décoffrage de l'idiome. Entouré de deux guitaristes et de deux autres chanteurs, Nino de Elche livre une performance à vif, où les émotions sont livrées sans masque, ne s'exonérant pas de la douleur. Comme le sous-titre l'indique "Mausoleo de Celebration Amor y Muerte", l'amour et la mort se côtoient, le chanteur se livre corps et âme, les guitares expriment à la fois une grande douceur mais aussi une puissance phénoménale, proche, aussi invraisemblable que cela puisse paraître, du heavy-metal. On ne sort pas totalement indemne d'une telle décharge émotionnelle, creusant profondément au fin fond de l'âme, celles des musiciens mais aussi des spectateurs.

Ancien compagnon de route de Paco de Lucia, auquel le spectacle rend hommage, Jorge Prado a à coeur de sortir le flamenco des sentiers battus pour l'emmener sur des chemins autres, suivants d'autres influences. Lui-même, saxophoniste et flûtiste, présente un profil atypique pour ce genre musical, basé sur les guitares et les percussions "palmas". C'est donc une grande formation qui prend possession de la scène. Un bassiste électrique, des percussions (cajon, cymbales, caisses), une guitare électrique et la flûte traversière de Jorge Prado, en constituent les éléments les plus surprenants. Mais la tradition est tout de même respectée. Une guitare classique, la sublime chanteuse Bego Salazar et la danseuse Karen Lugo (rappelant au passage la transversalité de cet art qui se joue, se chante et se danse) complètent le line-up. Nous constatons donc que deux formations se superposent dans le même ensemble, une classique et une autre plus aventureuse. Si aucun musicien n'a été présent sur la totalité du set, cela ne signifie en rien que le groupe manque de cohérence. Il s'agit plutôt de voyager entre plusieurs influences, sons et couleurs et d'adapter la composition musicale suivant le besoin de l'instant. Ainsi le groupe varie les plaisirs se rapprochant du jazz, du blues ou de la soul, avec un swing prononcé, se situant au confluent du jazz latin (on pense parfois au Brésil) ou manouche. Une longue dérive instrumentale à la guitare électrique flirte avec le free jazz et le blues, à certains moments la magnifique chanteuse Bego Salazar fait montre d'un coffre digne d'une chanteuse soul. Une sublime divagation.

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Paul Galiana + Dalva, La Mécanique Ondulatoire, 6 février 2025

La soirée débute avec une chouette découverte, Dalva, un trio à la formation atypique, composé de deux guitares et d'une batterie. Du line-up même découle la proposition musicale du groupe, de la guitare acoustique émane une couleur folk/chanson française à laquelle répond la guitare électrique, chargée d'effets, aux sonorités nettement plus psychédéliques. Un pad électronique ajouté sur la batterie ajoute une note électro assez moderne. A mi-chemin de la chanson, du folk et de la pop psyché, l'univers de Dalva est assez riche et séduisant.

Vient ensuite la tête d'affiche de la soirée, Paul Galiana, tout auréolé de la sortie de son très réussi nouvel album. Contrairement à son habitude, le groupe ne se produit pas en trio, mais en quatuor avec une guitare additionnelle, tenue par Fred Lafage qui avait mixé l'album. On retrouve également les fidèles Alain Gibert (basse) et Guillaume Glain (le batteur qui officie également auprès d'Olivier Rocabois). Si la prestation est largement dominée par la guitare électrique et le rock à très haute énergie (cf. le dynamique "De la vie" qui ouvre les débats), les moments très émouvants sont légion, et l'acoustique trouve également sa place dans l'équation musicale (cf. la country "En Ligne"). Mais on retiendra surtout la très qualité des textes de Paul, qui n'a pas son pareil pour aborder des thèmes universels et émouvoir le public. On pense notamment à "Genghini Blues", où même l'auteur de ces lignes, totalement béotien et bien peu au fait des choses du football, fut submergé par l'émotion. Un véritable tir au but, en plein coeur que ce titre. Penalty marqué, pleine lucarne, Paul a réussi son coup.

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Lisa Portelli, La Marbrerie, 4 février 2025.

Comme en 2022, c’est sur la scène de la Marbrerie à Montreuil que Lisa Portelli a choisi de présenter son nouvel album au public. Une salle attachante et atypique puisqu’il s’agit d’un ancien site industriel, aux murs de bétons bruts et charpente en bois visible au plafond de laquelle il se dégage indéniablement une âme, une atmosphère. Et comme il y a trois ans, c’est en duo, accompagnée d’un clavier, que Lisa se produit, la guitare, autrefois son instrument fétiche, restée sur le côté ne sera utilisée qu’avec parcimonie le temps de trois chansons. Lisa vient de sortir un nouvel album « Absens » qui se caractérise par une forme de radicalité nouvelle, toujours plus électronique mais dans lequel les sons organiques de la guitare et du piano réussissent toutefois à se frayer un chemin. On peut adhérer, ou non, il n’en reste pas moins qu’il y a quelque chose de fascinant à voir l’artiste évoluer et se transformer. La chose prend toute son ampleur sur scène. Lisa y semble de plus en plus à son aise, se mouvant avec grâce, captivant le public de son charisme et de sa voix, grave quand elle récite et aiguë quand elle chante avec une justesse impressionnante. La prestation fait ressortir la dimension mi-récitée, mi-chantée, de cette nouvelle aventure artistique et le public est inviter à plonger, puisqu’il s’agît d’un récit insulaire dans lequel la mer tient une place importante, dans cet univers captivant. Nimbée d’une lumière fantomatique et de fumigènes, la prestation relève par moment de la révélation mystique, enveloppée d’un aura mystérieuse. La musique est à l’avenant, pas effrayée par des virages brusques frôlant l’expérimentation avant-gardiste. Et tout cela sans notes (la longueur du texte à restituer est effrayante) ni le moindre ordinateur, tout est à fait à l’aide de claviers analogiques ! Enfin, la prestation s’achève sur un duo en compagnie de Fred Nevché. Chapeau l’artiste !

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Kepa + Buffalo Nichols, Les Nuits de l’Alligator, La Maroquinerie, 1er février 2025.

 

Cette dernière soirée du festival met à l’honneur deux guitaristes. Le français Kepa ouvre les agapes, assis, seul avec sa guitare électrique, pour un set entièrement instrumental. Avec quelques effets, du delay, du rebond et un pédale magique lui permettant de créer des nappes, Képa développe un univers sonore tout à fait personnel. Loin d’être de simples ornements, les effets appliqués sur la guitare sont partie prenante dans sa manière d’envisager la musique, de composer et font entièrement partie de son jeu si particulier. Sans médiator et une manière d’arpéger les cordes bien particulière, Képa décrit d’immenses espaces sonores qui sont autant d’invitations au voyage et à la méditation et qui se révèlent particulièrement hypnotiques. La bande son idéale d’un road-trip imaginaire.

Equipé de son dobro métallique et de son bottleneck Buffalo Nichols présente tous les atours du bluesman classique et roots. Un rôle qu’il joue à perfection, de sa voix éraillé, mais duquel il ne s’interdit pas quelques pas de côté. Un pad électronique ajoute une note moderne et inattendue à sa musique, alors que le musicien flirte avec le hard-rock/métal au fil et à mesure que sa guitare se sature. Mais il assure aussi tout seul à la guitare folk délivrant quelques reprises bien senties, alors qu’un spot lumineux braqué sur lui enveloppe le chanteur d’un aura fantomatique. Seul ou en trio, en acoustique ou en électrique, Buffalo Nichols sait tout faire et il s’agît là d’une des grandes découverte du festival cette année.

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Dead Chic : « Serenades & Damnation »

 

Après s’être fait remarquer le temps d’un premier EP et de quelques enregistrements live, il était temps pour Dead Chic de passer à la vitesse supérieure : le premier album. C’est désormais chose faîte, avec réussite, pour le groupe mené par le chanteur britannique Andy Balcon (ex-Heymoonshaker) et le guitariste Damien Félix. Dans la continuité de ses groupes précédents (Catfish, Bigger) le guitariste continue ici son exploration des musiques américaines, du rock garage/psyché et du blues principalement, qu’il joue ici avec une ferveur inédite. Toujours aussi intense, le chant fiévreux d’Andy Balcon est à l’avenant un peu comme si le chanteur poussait le guitariste dans ses derniers retranchements, ou inversement, bouleversant les codes et transfigurant les chansons en brûlots électriques. Ainsi l’album débute par un uppercut, « Hedonista », où l’auditeur succombe sous les coups de boutoir de l’orgue et de la guitare, tourneboulant. De « Manchester » à « Paris », le quatuor nous offre une sacrée virée musicale aux notes latines (« Cuanto Cuesta ») et orientales (« Mirage » en compagnie de la chanteuse Tuğçe Şenoğul) se faisant plus douce (« All Seasons Change »), voire acoustique, à l’occasion (« Manchester ») toujours cinématographique où plane l’ombre d’Ennio Morricone. Une réussite impressionnante.

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Paul Galiana : « De la vie »

 

Paul Galiana a tout de l’artisan, honnête et travailleur, dont les chansons, aux atours classiques, accompagnent discrètement le quotidien. Paul lance ses chansons en l’air, modestement, avec l’espoir fou que lesdites chansons trouveront une oreille bienveillante pour les accueillir. Après avoir chanté le monde, ses vicissitudes et la vie des autres avec beaucoup d’empathie, Paul s’est penché sur son existence et son passé. Ses rêves d’enfant et de ballons ronds (« Genghini Blues ») ou son ascendance (« Ta Place ») pour, en élargissant la focale, atteindre l’universalisme. La démarche tient en trois mots, universels : « De la vie ». Avec toute l’humanité qui le caractérise, Paul nous la raconte cette vie quotidienne et la ville qui l’accompagne à l’image de l’illustration de la pochette. Pour l’occasion Paul à fait rugir les guitares, l’album s’ouvre sur « De la vie » ravageur, guitares qui savent aussi se faire câlines, acoustique ou slidée, entre pop, rock, folk et blues. Enregistré en power trio (avec Guillaume Glain à la batterie et Alain Gibert à la basse) et quelques invités triés sur le volet (Clément Verzi et Lembe Lokk), ce nouvel album fait remonter les souvenirs des grandes heures du rock chanté en français, avec poésie, modestie et amour.

En concert à la Mécanique Ondulatoire le 6 février 2025.

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Lisa Portelli : « Absens »

 

La musique, chez Lisa Portelli, se veut une matière vivante, en perpétuelle évolution, au gré du temps et de ses états d’âme. Toujours en mouvement l’artiste n’est pas avare d’expériences. Après avoir respecté un vœu de silence, au sein d’un couvent, juste avant d’enregistrer son troisième album, Lisa Portelli s’est, cette fois, retiré sur l’île de Molène, au large du Finistère, où ce nouvel album a été conçu. Seule pendant quatre mois, isolée et fouettée par le vent, Lisa Portelli s’est de nouveau réinventée, prenant encore un peu plus ses distances avec sa guitare (l’instrument fétiche de ses premiers disques très rock) pour plonger dans le grand bain électronique en compagnie du producteur Guillaume Jaoul qui connaît très bien la question en tant que collaborateur régulier de Quentin Dupieux (Mr Oizo). En compagnie de ce dernier, Lisa a réussi à trouver la note juste, en allégeant les sons électro, pour trouver un juste compromis où l’organique a également sa place. Ainsi l’album réserve quelques très belles parties de guitare, des arpèges (« A Sec »), un piano mélancolique, mais aussi une électro brute et frontale (« Passe des chimères », « Lointain, tu t’approches »). Ce nouvel album se révèle être une odyssée dans les pas d’Ondine où l’océan, la mer, fait totalement partie du paysage. La dernière plage fait office de retour brutal à la terre (« La mer m’a recrachée ») avant d’envisager la suite du voyage.

En concert le 4 février à La Marbrerie (Montreuil)

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Quinn DeVeaux + Jon Muq, La Maroquinerie, 25 janvier 2024.

Enfin venu le temps des Nuits de l’Alligator dans l’écrin de la Maroquinerie, ce grand bain d’Americana où se mélange folk, country, soul, blues et rock’n’roll.

On commence les agapes avec un jeune artiste que l’on suit depuis quelques temps, Jon Muq mais que l’on a la chance de découvrir pour la première fois accompagné d’un groupe au complet ! Si Jon est un guitariste folk très accompli et possède un joli grain de voix, fragile et émouvant, la présence d’un groupe à ses côtés change totalement la donne et ouvre en grand le champ des possibles pour le chanteur. Sa musique revêt de nouveaux atours, pop ou rock, alors que la voix se fait toujours aussi soulful. Le chanteur possède énormément de charisme, et ses interventions entre les titres relèvent autant de sa découverte de l’occident (originaire d’Ouganda il est désormais installé aux Etats-Unis) que celle de la musique (il a vu une guitare pour la première fois à l’age de 15 ans). Il se révèle également touchant de modestie, introduisant chaque nouveau titre par sa phrase rituelle : « hope you guys will enjoy it » (j’espère que cela vous plaira). Le chanteur profite de l’occasion pour dévoiler de nouveaux titres, qui ont l’air tout à fait prometteurs, on attends un nouvel album avec impatience.

Un pied dans le rock, l’autre solidement ancré dans la soul, Quinn DeVeaux avait été une belle découverte l’an dernier, son album « Leisure » ayant tout du squatteur de platine ! Chanteur (également guitariste) au timbre tout à fait charmant, Quinn DeVeaux pratique une soul de haute volée, groove impeccable de la section rythmique et grandes lampées soulful servies à l’orgue vintage (un vrai orgue et non un succédané numérique récent) dans laquelle résonne par intermittence les échos du bayou. Mais la présence à ses côtés d’un guitariste possédé par l’esprit de Jimi Hendrix change la donne et ce dernier transperce les compositions de grands éclairs d’électricité saturée. Nous ne sommes plus très loin de ce mélange soul/rock distillé par des formations telles que les BellRays, Vintage Trouble ou The Heavy. C’est absolument fantastique, la clé d’une soirée réussie.

Le Noise, Salle Pleyel, 23 janvier 2025.

 

Nommé d’après un album de Neil Young, produit par Daniel Lanois, Le Noise est un groupe belge à géométrie variable, spécialisé dans la reprise de Neil Young, que l’on a pu admirer pour la première fois sur la scène de la Salle Pleyel, la semaine dernière. Ce dernier, bien qu’absent physiquement, est présent dans toutes les têtes, et s’affiche, en toile de fond, derrière la scène, sur une photo géante. Le fameux cliché, extrait de la pochette de « Tonight the Night », représente le Canadien, le doigt en l’air, surplombant le groupe, une manière de dire : « Je vous surveille les gars, déconnez-pas avec mes chansons ! » Soyons honnête, pour quiconque a eu la chance d’admirer, en personne, Neil Young sur scène, un groupe de reprise a tout du succédané un peu fade. Mais le fan y trouvera son compte. D’abord, et il s’agît là d’un point essentiel, parce que le groupe est plus que compétent, musicalement parlant (« A man need a maid » totalement réarrangée à la lap-steel alors que l’originale a été enregistrée avec orchestre symphonique), le rendu est impeccable (seule la voix, bien que ressemblante, diffère de l’originale). Ensuite parce que Le Noise n’hésite pas à s’aventurer dans des coins peu visités, sur scène, de sa discographie par le Loner lui-même (« Revolution Blues » extraite d’« On the beach » par exemple). Mettant à profit sa géométrie variable, la formation varie les plaisirs, imite Crazy Horse à l’occasion ou joue sur une note plus acoustique et s’offre même deux petits pas de côté chez David Crosby reprenant « Almost cut my hair ». Il y aurait cependant beaucoup à dire sur ces groupes spécialisés dans la reprise d’un seul artiste, à prix fort prohibitif, alors que tant d’artistes en développement, disposant d’un répertoire original, triment à attirer le public. Mais ne boudons pas notre plaisir, le répertoire est de qualité (on parle de Neil Young là!) impeccablement restitué par un groupe qui n’est même pas professionnel à temps plein (comme l’avouera le chanteur qui serait bien content de quitter son « day job »). A part quelque cafouillages techniques en début de set, c’était une soirée nickel !

Les nuits de l'alligator 2025

Rendez-vous incontournable de l'hiver, les Nuits de l'Alligator commencent dès demain et à partir de samedi à la Maroquinerie ! Pour la billetterie cliquez ici

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Karen Lano, Café de la danse, 17 janvier 2025.

De retour avec un nouvel album, sorti à l’automne dernier, Karen Lano fête la sortie de ce dernier sur la scène du Café de la danse. Un retour plus rock qu’à l’accoutumée qui voit la chanteuse marier cette influence nouvelle avec celles, plus habituelles, de la pop et de la chanson. Un retour en petit comité, entouré d’une section rythmique et d’une guitare omniprésente qui voit la chanteuse, surfeuse dorée, glisser avec grâce sur la vague électrique déclenchée par Olivier Legall, son guitariste. Un nouvel habit que la chanteuse enfile avec élégance, et dans lequel elle retrouve sa poésie habituelle qu’elle marie aux riffs hypnotiques et autres arpèges délicats. Deux invitées de marque ponctuent la soirée avec charme, Brisa Roché, qui retrouve un univers folk-rock auquel elle est habituée, et BlauBird le temps d’un duo suspendu sur « Le Bal des Laze » de Michel Polnareff, où la phrase « supprimer celui-là » est prononcée avec le sourire, dénuée de la violence de l’originale. En fin de concert un trio de cordes magiques fait son apparition (dans lequel on retrouve la fidèle Marie Lesnik) renouant avec la mélopée onirique des albums précédents de la chanteuse. « Pas assez belle, pas assez brillante » chante-t-elle, une affirmation que fait démentir Karen Lano, le temps d’un rêve, le temps d’un concert, justement beau et brillant.

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Resto Basket : « Le Seum »

 

Expression bien connue de nous jeunes amis, « Le Seum » désigne cet état de dégoût, semi-dépressif dans lequel on se retrouve lorsque l’on a « les boules » comme on disait autrefois. Le seum les cinq membres de Resto Basket le connaisse bien, l’ont probablement assez souvent, et ont en fait leur source principale d’inspiration qu’ils transforment en bombinettes punk et pop, voir ska (« Kérosène »), survitaminées, où le dynamisme de la musique contraste avec la noirceur des paroles (« Mauvaises décisions », « Kérosène », « Boulevard »). Ca déménage !

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The Heavy Heavy : « One of a kind »

 

D’une profondeur insondable, la scène britannique ne cesse de surprendre, et de ravir, l’amateur de rock’n’roll. Dernier exemple en date, le duo Heavy Heavy, venu de Brighton (ne pas confondre avec The Heavy), qui vient de sortir un premier album comme on aimerait en écouter tous les jours. Réussissant, avec bonheur, à ressusciter une classe sixties intemporelle, par la grâce d’un mélange entre le crunch typique du mersey beat et le psychédélisme, voici le genre de disque qui nous fait revivre nos premiers émois, ces moments d’écoute qui nous ont fait tomber en amour avec le rock’n’roll ! Le mariage des voix entre le chant féminin de Georgie Fuller et celui, masculin, de William Turner, évoque quelque chose des Mama’s and Papa’s, faisant de ce disque une synthèse idéale entre cultures rock britannique et américaine. Outre le fait qu’il soit produit à la perfection, avec un son à se damner, l’album regorge de petites perles procurant une envie irrépressible de bouger. On en aura bientôt l’occasion puisque le groupe débarque sur nos scènes le mois prochain !

En concert le 10/02 aux Etoiles

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Ramon Pipin : « Chants Electriques »

 

Ancien membre d’Au bonheur des dames, dans les lointaines années 1970, puis d’Odeurs lors de la décennie suivante, Ramon Pipin est de retour avec son septième album en solo. Dans le fond, Ramon Pipin, est resté fidèle à sa passion d’adolescent pour le rock’n’roll et c’est en cela qu’il est un artiste profondément attachant. En ce sens, ce nouvel effort peur s’envisager comme une suite de son travail au sein des Excellents, ce groupe parodique dans lequel il s’amuse à « massacrer avec amour » les classiques du rock. Ainsi, ce nouvel album n’a de cesse de citer quelques classiques chers à son cœur mélomane. D’un riff de guitare chipé chez The Nice (« Obsolète »), à une boucle de synthé digne des Who époque « Won’t get fooled again » (« Dans la ville où que je vis » ; « Fais de beaux rêves »), en passant par un « Gaba-gaba-hey » clamé en forme de clin d’œil aux Ramones (« Les comédies pas drôles »). Un riff stonien syncopé (« Je joue de la guitare ») par ici, quelques ambiances évoquant Devo ou Procol Harum, par là, Ramon embrasse totalement ses influences, mais toujours dans une volonté de les dépasser, à la recherche d’une voie personnelle. Plutôt que la lettre, c’est bien à l’esprit des années 60 que le musicien est fidèle. Les sixties sont pour lui une question cruciale, et en particulier la créativité débridée, qui fut l’apanage des grands de ces années là, Brian Wilson et autres Paul McCartney, dans les pas desquels il tente de s’inscrire. Maîtrisant le grand écart, ce nouvel album propose quelques-uns des assauts les plus métalliques de sa carrière (« Daisy Belle », « Je suis très content »), servis par une brochette de merveilleux guitaristes (Brice Delage, Stéphane Daireaux, JM Kajdan, Michaël Ohayon, soit autant de virtuoses méconnus de la six cordes) et des titres acoustiques, d’une tendresse infinie (« Dans le tiroir du bas » dans laquelle il est difficile de ne pas voir le fantôme du deuil ubuesque qui l’a frappé l’an dernier ; « Une chanson émouvante » qui ponctue le disque sur une note bouleversante). Coup de gueule contre l’absurdité de l’époque, pratiquant avec bonheur l’humour crétin et trash, ce nouvel album prouve que, contrairement à ce qu’il chante dans le titre inaugural, Ramon Pipin est loin d’être obsolète !

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The Cactus Blossoms : « Everytime I think about you »

 

Scandaleusement méconnu dans nos contrées, le duo formé de Jack Torrey et Page Burkum sort son quatrième album, le premier a bénéficier d’une sortie en France après 14 ans de carrière ! Et il s’agît là d’une révélation et quelle révélation ! En effet, le duo a le chic pour créer cette atmosphère rêveuse, vaporeuse, qui transporte immédiatement quiconque aura la chance de poser une oreille sur cet album. Mélodies lumineuses et arrangements soignés constituent une véritable carte postale musicale évoquant le grand ouest américain, le désert infini, dans lequel la poussière se soulève, sous un ciel d’un bleu céruléen, au soleil couchant. Il y a dans ces dix pistes quelque chose de l’Amérique éternelle celle qui a vu naître la country et le rock’n’roll, qui constituent, avec le folk, les sources nourricières du groupe. Le tout servi avec un groove lancinant et magnifiquement incarné vocalement, par un chant évoquant un feeling aux nuances multiples. Chaque riff de guitare fait frissonner, et sonne comme le résultat d’une jam impromptue rassemblant la coolitude de JJ Cale, le charme de Roy Orbison et la sophistication des Byrds. Qui d’autre joue cette musique de nos jours et avec un tel bonheur ???

En concert le 12/02 à La Marbrerie (Montreuil)

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Emma Sand Group + In My Head, Pop Up du Label, 4 janvier 2025.

Cette nouvelle année de concerts commence tôt et en fort belle compagnie ! Dans l’enceinte du Pop Up du Label le trio In My Head, déjà auteur d’un EP et d’un album, nous a gratifié d’un set indie de très belle facture débordant d’influences britanniques de toutes sortes et de différentes époques avec une énergie bienvenue et communicative. Une belle découverte pour bien commencer l’année.

Place ensuite à une vieille connaissance, Emma Sand, toujours entourée de son « Group » dans lequel on retrouve un nouveau batteur, Guillaume Lebel. Le set commence d’une très belle manière avec un « Beautiful Boy » absolument envoûtant, par la grâce des arpèges bouleversants échappés de la guitare du Frank Joannès, ce génie méconnu de la six cordes. La section rythmique n’est pas en reste, le nouveau batteur révèle un sens du groove inspiré, l’association avec le bassiste Cyrille Latour fonctionne merveille dans cette succession de tensions/détentes qui emporte le spectateur, loin, très loin (jusqu’au désert du Mojave en Arizona), comme emporté par une vague dans laquelle les émotions se succèdent. Emma Sand joue le rôle à la perfection, forçant sa voix ou jouant la retenue suivant ce que la musique réclame, au point de finir les cordes vocales bien enrouées. Enfin, le quatuor nous réserve quelques surprises, de nouveaux titres laissant échapper d’étonnantes syncopes reggae et une reprise de Johnny Cash pour conclure cette belle soirée.

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Regular Girl

 

Bien qu’originaire de Lyon, il plane comme un petit air du Laurel Canyon chez cette « fille ordinaire », dont le premier album a constitué l’une des excellentes surprises de l’année. Son timbre diaphane évoque Joni Mitchell ou Judee Sill alors que l’ombre de Neil Young plane sur son folk délicat mâtiné de country, notamment grâce à la lap-steel assurée par Raoul Vignal (on note également la présence de Théo Charaf dans son groupe). Que de belles références, qui pourraient se révéler encombrantes, mais que l’artiste embrasse totalement dans un univers personnel. Ses arpèges délicats, à l’unisson de sa voix, constituent la bande originale d’une soirée d’été dans le soleil couchant, ou d’hiver, au coin de la cheminée (« Foolish Wish »). Et même lorsque la musique s’emballe, (cf. « Shelter » qui sonne comme un inédit de Neil Young & Crazy Horse, « Western Lights ») ce n’est jamais sans se départir d’une certaine douceur. Ce n’est pas le moindre accomplissement de ce disque, à la fois désenchanté, nourri par une certaine noirceur (« The End »), et pourtant lumineux, calme et apaisant. Un fort bel album donc, à écouter quelque soit la saison.

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Théo Charaf & Raoul Vignal : « Two way street »

 

L’un fait partie de la prometteuse jeune garde folk/blues française, l’autre est un fin songwriter pop/folk. Si ce n’est leur amour commun pour la guitare, pièce centrale de l’album, la présence simultanée de Théo Charaf et de Raoul Vignal dans le même studio, tient du hasard si ce n’est de l’accident heureux. Entouré du percussionniste Lucien Chatin et du mystérieux Disque Noir au rôle obscur, le duo a tout enregistré à deux. Trois chansons originales de l’un, trois nouvelles chansons de l’autre et deux reprises. Il est des rencontres heureuses et à la manière des duo de superstars gravés sur disque ces dernières années (Elton John/Leon Russell, Elvis Costello/Allen Toussaint, Wilko Johnson/Roger Daltrey etc.) Théo et Raoul nous en offre le pendant français. L’album grave dans la cire, et pour l’éternité, cette rencontre inattendue. Un moment suspendu, d’une pureté acoustique apaisante, particulièrement roots et serein, que l’on imagine capté dans une cabane en rondins, au fond des bois. Laissez-vous bercer par les arpèges délicats, ils sont d’une beauté irréelle, d’une sérénité définitivement étrangère à notre époque.

Gaspard Royant : « All the best for Christmas »

 

Gaspard Royant incarne une sorte d’incongruité sur la scène rock française : c’est un crooner ! Une sorte de pendant français de Chris Isaak et de Richard Hawley, une voix remarquable, qui n’hésite pas à mâtiner son timbre de guitares rock’n’roll. Après un album très personnel, touchant mais en demi-teinte, notre homme Gaspard signe son grand retour en forme avec un album de Noël ; reprenant à son compte une tradition bien ancrée dans le showbiz US, mais relativement peu usitée ici. Une prise de risque, donc. De cet exercice pour le moins codifié, Gaspard s’en sort la tête haute et avec les honneurs ! Bien entouré (Bobbie, Aurélie Saada, Nicole Atkins, Maxwell Farrington – qui avait déjà sorti son album de Noël à lui - et le SuperHomard) Gaspard soigne ses mélodies (« Next Train to Memory Lane ») et varie les ambiances, tournant autour du thème imposé, en suivant des angles originaux. A l’exception de deux reprises, l’album propose un répertoire original, clochettes de rigueur, et toutes guitares dehors. Le genre sied à ravir à son timbre de stentor (l’emphase exhalant de sa reprise de « White Christmas »), l’album n’est pas avare, ni en émotions (« Wishing you a Merry Christmas », duo de charme avec Aurélie Saada, l’émouvante « Christmas Prayer » qui ponctue le disque) ni en groove (« Perfect Christmas Song » avec Nicole Atkins). Une excellente collection de chansons folk-rock qui devrait survivre à l’obsolescence programmée qui frappe généralement les albums de Noël dès le 26 décembre.

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Jeanne Rochette : « Live au Gesù »

 

Reine de la démultiplication, Jeanne Rochette, a, à la fois, un pied dans le théâtre, l’autre dans la musique où elle se partage entre chant lyrique, chanson jazz et pop. Entre sa France natale et le Québec, où elle a vécu de nombreuses années, Jeanne Rochette fait le point sur sa carrière avec cet album live, enregistré à Montréal, revisitant ses trois disques studio : « Elle Sort » (2010), « Cachée » (2016) et « La Malhonnête » (2021). Les petits plats sont mis dans le grand sur cet album, enregistré avec le (grand) Orchestre National de Jazz de Montréal, regroupant la crème des musiciens québécois, avec force cordes, bois et cuivres, piano, batterie et contrebasse. La richesse des arrangements, entre jazz et classique, va à ravir à la chanteuse qui peut ainsi déployer toute l’expressivité de son interprétation, ses intonations rappelant au passage l’actrice qu’elle est également. Elégant et soyeux, l’album n’est pas exempt de swing (« L’escalier » ; « Coup de bol ») mais ménage aussi de longues envolées tantôt mélancoliques (« Etre là »), tantôt lyriques et primesautières (« Ce Mec ») au-dessus desquelles plane l’ombre des bandes originales signées de l’immense Michel Legrand. Une soirée de prestige gravée sur disque, cela ne se refuse pas ! Une réussite !

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Shades : « Witchcraft »

 

Il est de ces albums qui offrent des parenthèses, des moments suspendus, et dont l’écoute relève autant de la pause primesautière que du la faille temporelle dans laquelle on tombe avec délectation. Ainsi va, le deuxième album du sextet Shades, intitulé « Witchcraft » (sorcellerie), un titre bien trouvé tant il se dégage une sorte de chimie magique née de l’addition des talents conjugués de ces six musiciens. Shades, c’est d’abord et avant tout une composition atypique. Seulement deux instruments en composent la musique, une guitare (Antoine Laudière), qui swingue aussi fort que celle de Django, et une clarinette basse (Etienne Quezel), assez peu usitée dans les genres musicaux qui nous préoccupent habituellement. Le reste du groupe se compose de trois chanteuses (Elora Antolin, Marion Chrétien et Ellinoa) et d’un chanteur (Pablo Campos). Dans ce contexte, les voix ne se contentent pas de chanter mais crée également la mélodie par le biais d’harmonies vocales particulièrement élaborées. Elles sont le cœur battant du groupe. L’approche se révèle ainsi particulièrement humaine, l’ensemble dégage un sentiment de proximité et d’intimité assez prégnant et redonne un coup de jeune à un répertoire essentiellement pioché dans le Broadway des années 40 et 50 (à noter un détour par le blues « Saint James Infirmary Blues » et un titre en français « La Tendresse »). Le swing de Shades est imparable !

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March Mallow : « The Silence »

 

Pensé comme un hommage au jazz des années 1940/1950, March Mallow se veut le chantre d’une approche acoustique et intimiste. Ainsi, le mal nommé « The Silence », tant on voudrait que le groupe n’arrête jamais de jouer, deuxième album du groupe, offre un pause rétro tout autant qu’il coince l’auditeur dans une véritable bulle intemporelle salvatrice et charmante. La formation restitue parfaitement l’ambiance de ces années, grâce au charme vocal, vénéneux et irrésistible, de leur chanteuse Astrid Veigne, et à une orchestration volontairement restreinte (guitare, piano et contrebasse) qui d’emblée nous plonge dans l’ambiance d’une soirée dans un cabaret rétro. Précisons qu’également qu’à l’exception de deux reprises (dont un petit détour vers le blues avec « I put a spell on you ») l’album se compose d’un répertoire entièrement original, ce qui place d’emblée le groupe au-dessus de la mêlée et signe une véritable ambition artistique, renforcée par des arrangements ambitieux sur quelques titres. Une batterie et un saxophone, renforcent le swing sur l’irrésistible et dansant « Fools’train », alors qu’à l’opposé, un quatuor à cordes donne du corps à la mélancolie se dégageant de leur reprise de « Mr Bojangles ». Quelques titres en français (« Les Couleurs », « Simplement ») complètent le programme avec bonheur. Une réussite !

En concert le 28/02/2025 au Barbizon (Paris 13)

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Wendy Pot : « Poppy Field »

 

Le quintet montpelliérain poursuit un fantasme bien ancrée dans l’histoire du rock d’ici, celui du groupe français de pop anglaise. Ce nouvel avatar, regroupé autour du chanteur/guitariste Sylvain Grout prolonge l’aventure de son groupe précédent (Grout/Grout) avec un line-up féminisé, la chanteuse/claviériste Pauline Montels, et une réussite certaine à la clef. La chose s’intitule « Poppy Field », que l’on pourrait traduire, de manière hasardeuse, par « champ pop ». Et dans le fond, l’écoute de l’album s’apparente un peu à cela, une balade dans un champ, autrefois arpenté par les Beatles et autres Kinks, soit un chemin bien connu mais que l’on retrouve avec un plaisir à chaque fois renouvelé. Il en faut peu pour tomber sous le charme à vrai dire. Harmonies et mélodies se mélangent au fil de chansons chatoyantes, douces et chaudes. L’omniprésence de la guitare acoustique procure un sentiment d’intimité immédiate. Un album qui, sous des atours humbles, révèle bien des trésors, concoctés avec un amour véritable de la pop intemporelle, nous ne sommes pas prêts de nous en lasser !

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October Drift, Point Ephémère, 16 décembre 2024.

Il est de coutume pour les groupes de rock de répéter avant les concerts. Chez October Drift, on répète bien sûr, mais on agrémente l’exercice d’un petit tour au mur d’escalade, histoire d’être prêt à grimper poteaux et autres échafaudages des salles de concert avant de se laisser tomber dans la foule ! Faisant ainsi honneur à la photo ornant la pochette de leur dernier album, les Anglais nous ont gratifié d’un show monumental et électrisant. Et c’est peu dire que l’on a en vu de toutes les couleurs ! De l’énergie, des musiciens qui sautent dans tous les sens au rythmes de guitares infernales, mais également de la pop aux accents cold dont les arrangements passent beaucoup mieux sur scène que sur leur dernier album à la réussite aléatoire. Ce fut un grand moment de partage terminé en duo au milieu de la fosse sur une note quasi folk (à l’esthétique totalement opposée à celle du début du concert) et tout le monde qui chante en cœur au son d’une guitare électrique non saturée. Des émotions en pagaille et une énorme générosité de la part du groupe qui n’hésite pas à briser le quatrième mur au contact direct du public, visitant régulièrement la fosse. Quelle soirée, quel groupe !

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Vera Sola + Anthony da Costa, La Maroquinerie, 6 décembre 2024

Un peu avant de le retrouver jouant de la guitare au sein du groupe accompagnant Vera Sola, c’est en solo que le chanteur/guitariste Anthony da Costa a ouvert la soirée. Prenant le contre-pied d’un chanteur folk classique, c’est à la guitare électrique qu’Anthony da Costa s’est accompagné durant son set. Un instrument au spectre large, grâce aux pédales d’effets, que le musicien utilise dans sa totalité passant de passages éthérés, comme autant de vagues hypnotiques, à de brusques éclairs aussi électriques que brutaux. Sa voix, plutôt de tête, s’accommode de tous les registres, pourvoyant les émotions. Une belle première partie, en attendant de le revoir, espérons-le, une fois son album, qu’il vient à peine d’achever, sera sorti.

Place ensuite à la magnifique Vera Sola, qui a publié son magnifique deuxième album (« Peacemaker ») un peu plus tôt cette année, six longues années après un premier effort (« Shades », 2018) qui avait déjà marqué les esprits à l’époque, entourée d’un groupe de haut vol dans lequel on retrouve, et c’est à peine croyable, le « legendary » Elvis Perkins à la basse ! Toute de noir vêtue, Vera Sola marque les esprits par sa beauté magnétique, que l’on découvre à l’occasion, elle qui a plutôt l’habitude de se cacher sur les pochettes de ses albums. Petite brunette, coiffée de nattes et au regard clair, la chanteuse est totalement habitée sur scène et impressionne par son regard fixe, comme absent, totalement absorbée par la musique. Quand elle ne s’accompagne pas à la guitare folk, instrument dont elle joue magnifiquement grâce à une impressionnante technique d’arpège de la main droite, Vera danse et bouge beaucoup sur scène comme si la musique transperçait totalement son corps. La prestation hypnotise tout autant que sa voix, grave dans tous les sens du terme, habitant ses compositions entre folk, rock et americana, aux accents vintage sans ostentation, non dénués d’éclairs violents, dans lesquels se retrouve le guitariste Anthony da Costa, lui aussi totalement habité, dans la foulée d’une batterie au jeu atypique. Magnifique concert.

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Nada Surf + Elephant, Le Bataclan, 29 novembre 2024.

Déjà auteur de deux albums, les Hollandais d’Elephant seront de retour au cours du premier trimestre 2025 avec un nouvel effort. En attendant, le quartet s’échauffe en première partie de Nada Surf et, à ce titre, vient honorer la scène du Bataclan pour la première partie du soir. Et alors que les premières notes résonnent, on en vient à penser immédiatement que ce groupe était le choix parfait pour coller à l’univers mélodique des New-Yorkais. Evidence mélodique des compositions, groove ouaté tout en douceur, les chansons d’Elephant possèdent ce petit je ne sais quoi qui les rends inoubliables. Servi avec un chant doucereux, accentuant la douceur mélancolique du répertoire, le quatuor nous a gratifié d’un set impeccable d’un bout à l’autre. 45 minutes suspendues dans le temps…

Depuis 20 ans, l’auteur de ces lignes n’a jamais assisté à un mauvais concert de Nada Surf et ce n’est pas la prestation du soir qui nous fera mentir ! Depuis deux décennies le trio fait à peu près la même chose, explorant le côté mélodique, mélancolique, de la pop à coups de délicats arpèges de guitares. Chose impensable par ailleurs, ils n’ont jamais ni lassés, ni ennuyés, alignant les albums impeccables et son lot de chansons mémorables. L’ajout d’un quatrième membre, Louie Lino aux claviers et à la guitare, permet d’accentuer la texture sonore du groupe, toujours mené par le groove puissant du batteur Ira Elliott, en très grande forme sous sa chapeau. Parfaitement francophones, depuis leurs années au Lycée Français de New York, la paire Matthew Caws (guitare/voix) et Daniel Lorca (basse) n’a pas son pareil pour créer une connexion unique avec le public français et se sent « comme à la maison » dès lors qu’ils jouent en France partageant avec le public, qui répond bruyamment et avec enthousiasme, de grands moments de partage et d’émotion. Le sommet est atteint lors de l’ultime rappel « Blizzard of 77 » joué entièrement débranchée, guitare folk et voix, écoutée dans un impressionnant silence de cathédrale. Un merveilleux moment.

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