Un temps exilée au Canada avant de revenir dans son Paris natal, Sarah Jeanne Ziegler conçoit ce nouvel EP comme un trait d’union entre les différentes cultures qui vivent en elle. La base en serait le folk et la guitare acoustique qui en constitue la pierre angulaire. Mais le parti pris de production plus moderne, l’ajout des boîtes à rythmes entre autres effet fait évoluer la musique vers de rivages plus pop (cf. « Loup Garou » qui résume parfaitement la démarche). Enfin à cet univers anglo-saxon, Sarah ajoute sa touche personnelle, le français. La trinité folk, pop et chanson ainsi complétée offre un court moment d’écoute (6 titres) charmant et apaisé.
L’heure de l’entre-deux est venue pour la chanteuse, toujours portée par l’immense succès de son premier album éponyme sorti il y a un an, sous la forme d’un EP inédit de cinq titres. Un moyen de patienter, avant la sortie d’un nouveau long format, et aussi un retour aux premières amours de la chanteuse, qui s’était déjà fait remarquer en 2021 avec un premier mini album. Petites chansons, nous indique le titre. Un adjectif qui induit en erreur tant celui d’« intime » nous paraît plus indiqué. En effet, sur ce nouvel EP, le jazz de Gabi se part d’atours acoustiques. A mi-chemin du folk et du jazz, Gabi nous entoure d’une bulle de douceur, courte mais bienvenue. Tout dans ce disque nous invite au relâchement, à l’abandon, porté par les arpèges délicats et la voix charmeuse, de gorge assez grave et pourtant empreinte de délicatesse, de Gabi, qui alterne les langues avec aplomb. Le contexte dépouillé sied particulièrement bien à la chanteuse et permet de mettre en valeur ses qualités vocales avec lesquelles il est difficile, avouons-le, de ne pas tomber en amour.
Samedi après-midi, la Médiathèque Violette Leduc accueillait un moment exceptionnel, le retour sur scène du grand maître ès pop baroque, Olivier Rocabois et son orchestre. Exceptionnel ce moment le fut à plusieurs titres. Déjà parce qu’il nous a permis de découvrir, plusieurs mois avant la sortie de son prochain album, ses nouvelles compositions qui voient le musicien se renouveler, avec une ambition musicale jamais démentie, tout en restant fidèle à ses passions premières. Ensuite, parce passer un moment avec des musiciens d’un tel niveau, le pianiste virtuose Jan Stümke entre autres, dans un cadre aussi intime que celui-ci, est toujours la promesse d’un moment grandiose, énergie, mélodie et humour des différents protagonistes en sus. Quel plaisir enfin de retrouver la magnificence psychédélique (ah cette guitare électrique!), folk et baroque, de « Arise Sir Richard », « Watch the seasons come and go », « Sound of the waves » ou le bijou caché « Over the moon » jouée sur scène depuis longtemps mais que l’on va découvrir sur disque pour la toute première fois, toutes plus british que nature. Vivement la suite !
Instantanément, alors que s’écoulent les premières notes et les guitares saturées, Gyasi nous transporte dans le temps. Les années glam, les années 1970 défilent devant nos oreilles ébahies, entre la flamboyance de David Bowie et le boogie saturé de T-Rex. A ceci près que notre héros du jour est américain et que, à ces influences typiquement britanniques, Gyasi injecte une bonne dose de rock’n’roll étasunien. Et c’est parti pour un cocktail de guitares saturées et graisseuses à souhait (dont le son est recherché et véritablement travaillé) et une bonne dose de blues, harmonica rageur ici (« Tongue Tide »), bottelneck là (« Androgyne ») et des cuivres pêchus pour dynamiter le tout (« Black Strap »). Vous vous rappeler la béatitude, la jubilation provoquée par l’écoute de ces bons vieux albums de rock des années 1970 ? Cheap Trick, James Gang ou Big Star ? Et bien Gyasi c’est pareil, et bien plus encore, ici et maintenant.
En concert le 7
février à La Maroquinerie (Les Nuits de l’Alligator)
Le concert du soir vient clôturer une séquence un peu folle pour le chanteur, surnommé le petit prince de la soul, porté par le succès de son album « This is real », que l’on peut (re)découvrir dans une version deluxe depuis quelques jours. Un succès non démenti par une Maroquinerie pleine comme un œuf, après un New Morning déjà complet et un passage par Taratata ! Les petits plats ont été mis dans les grands pour cette soirée de nombreux guests, JP Bimeni, la sublime chanteuse Annie Lalalove, ou la légendaire China Moses pour un double hommage aux regrettés Charles Bradley et Sharon Jones. Une volonté affirmée du chanteur d’écrire son chapitre personnel dans le grand livre de la soul, parsemant le concert de nombreuses reprises de classiques des Temptations (« My Girl ») à Otis Redding (« Satisfaction » elle-même chipée chez les Rolling Stones). Pour se faire, le chanteur est entouré d’un groupe taille XL, trois cuivres, claviers, guitare, basse et clavier, et de très haut niveau. Au final deux heures et demie de show de très haute tenue où le chanteur n’a pas ménagé sa peine (quitte à surjouer un peu par moment, il s’agît là du seul petit bémol), porté par un groove sans faille, entre émotion dans les moments les plus intimes (un petit passage par la fosse qui restera dans les annales) et déflagration électrique de la guitare flirtant avec le rock sur la fin. Voici le genre de concert dont on repart avec le sourire !
Amateur depuis toujours du petit grain de sable qui fait sortir la musique des sentiers battus, comme par exemple le saxophone chez Morphine, le piano chez Ben Folds Five ou Jim Jones Revue, les cornemuses des Dropkick Murphys et autres banjos de Gliz ou sousaphone de Delgres, nous nous étions pris de passion pour les deux albums de Muddy Gurdy et son blues à la vielle à roue. Les vicissitudes de l’existence nous avaient fait rater le précédent passage du groupe en ce lieu, pour le compte du même festival, tout comme le concert du groupe au Triton des Lilas à l’occasion d’une soirée Soul Bag. Le décès inattendu du batteur, et fondateur du groupe, Marc Glomeau, survenu l’an dernier, nous avait laissé un temps supposer que la chance était définitivement passée. Aussi, c’est avec une joie et un bonheur non feint, que nous sommes avant tout heureux de constater que Tia Gouttebel (chant, guitare) et Gilles Chabenat (vielle à roue) ont décidé de continuer l’aventure du groupe avec un nouveau compagnon de jeu, le batteur Fabrice Bony. Un nouvel album est même prévu pour le printemps prochain ! En attendant, le groupe retrouve la scène de la Maroquinerie pour son blues atypique. Muddy Gurdy, c’est le genre de groupe qui impose le respect tant il réussit l’impossible à savoir respecter la tradition tout autant qu’il la transgresse. Ce fameux petit grain de sable qui fait dérailler la machine prend ici la forme d’une vielle à roue, instrument antique et ancêtre du violon dont il reprend en partie les sonorités. Une sorte de stridence qui, mêlée aux guitares chargées d’effets, du bottelneck à la pédale wha-wha, de Tia (merveilleuse chanteuse à la voix de gorge par ailleurs) crée une toile autant fascinante qu’hypnotique. Magique ! Du grand art !
Dans le registre pointu, Gypsy Mitchell se pose là. Même les sites spécialisés, Allmusic et Discogs, n’ont aucune information sur l’artiste qui, a 70 ans environ, débute une carrière solo dont la discographie se limite pour l’instant à un unique 45 tours. Cependant, un album serait en préparation et sortira dans le courant de l’année. En attendant, Gypsy Mitchell se rode sur scène sur laquelle il débarque sapé comme un mac tout droit sorti d’un film blaxploitation réalisé par Michael Campus (The Mack, 1973). Chargée en guitares, la musique de Gypsy Mitchell s’impose comme un mix parfait entre blues et soul entre passage éthérés et brusques montées en groove de la batterie et des guitares. Sur scène Gypsy fait le show, émule Jimi Hendrix, solo avec les dents et guitare derrière la nuque au milieu de la fosse (une manœuvre dangereuse qui a failli assommer plusieurs spectateurs) ou évoque avec une émotion non feinte la disparition de son fils à la fin des années 90. L’ensemble rappelle les concerts des regrettés vétérans, vus en ces lieux même, Nathaniel Mayer, Leo Bud Welch ou Charles Bradley, tenants d’une soul blues à l’ancienne, dont Gypsy Mitchell s’apprête à prendre la succession avec brio.
Résolument pop, le nouvel EP de Marc Verwaerde (5 titres) parle de renaissance. Un sentiment de nouveau départ bien connu de l’artiste, né à Lyon et ayant vécu en Angleterre, Espagne et au Brésil, et a du, à chaque fois, repartir de zéro dans un nouveau pays. Cette renaissance que l’artiste appelle de ses vœux prends ici la forme de mélodies pop lumineuses agrémentées de subtiles touches synthétiques (« If I were you »), de guitares délicatement arpégées (« I love you » ; « Words ») voire de cuivres doux (« The Long Shot »). Si l’artiste a beaucoup voyagé, son cœur musical reste attaché à la pop anglaise voire au folk étasunien typé James Taylor (« Words »). Autant d’idiomes qu’il a su faire sien le long de cet EP produit et arrangé avec le plus grand soin. La pochette urbex est également superbe.
Parti sur des bases élevées avec une première soirée consacrée aux one-man bands, l’édition 2024 des Nuits de l’Alligator continue en élevant toujours la barre avec une deuxième soirée plus rock. On commence avec le power-trio hollandais Jimmy Diamond et c’est un petit évènement en soi, car il s’agît de leur tout premier concert français ! On s’était extasiés sur leur album et le passage en live confirme cette excellent première impression. Nous sommes d’entrée assommés par la puissance dégagée, et l’excellence de la section rythmique (une autre première puisqu’ils sont accompagnés d’un nouveau batteur). En effet la basse et la batterie tiennent la baraque, laissant ainsi le champ libre à la guitare pour explorer d’autres terrains plus psychédélique. Ainsi la puissance qui nous avait mis KO dès les premières notes s’efface peu à peu, surtout lorsque la lap-steel remplace la guitare et la musique devient roots et planante à la fois. Une première partie de très haute tenue !
Le dernier album d’Israel Nash (« Ozarker ») en revanche nous avait laissé un goût un peu amer. Non que le talent soit remis en question mais plutôt les choix de production effectués, trop proche des années 80 avec des synthés un tantinet envahissant. Et c’est d’ailleurs comme cela que le concert commence, avec un clavier solo, avant que l’excellent batteur ne remette les pendules à l’heure. Ainsi le set du soir nous réconcilie totalement avec l’artiste à mi-chemin du rock et de l’americana. Mur de trois guitares, option lap-steel, la rythmique solide permet des batailles de guitares entre autres dérives sonores. Grand gaillard, par la taille, habitant l’espace de la scène, Israel Nash est aussi un chanteur de talent aux intonations parfois proches de Neil Young. Un excellent set, généreux, dépassant l’heure et demie qui lui avait été accordée.
Une programmation circonscrite aux musiques que l’on aime, entre blues, country, rock garage voire psychédélique et un soupçon de soul, dans le cadre roots, briques rouges apparentes, de La Maroquinerie, c’est toujours un plaisir éternellement renouvelé de retrouver le Festival des Nuits de l’Alligator pour bien commencer l’année (il s’agît quasiment des premiers concerts de l’année).
On commence l’année donc en bonne compagnie avec Matt Van T. Guitare folk en mains, harmonica autour du cou, et grosse caisse de batterie aux pieds, assis derrière son micro, Matt excelle dans l’exercice du one-man band, d’obédience country-folk. Accent sudiste fort prononcé plus vrai que nature, phrasé si typique de la country reproduit à l’identique, on en vient à se demander dans quel village paumé au fin fond des États-Unis l’équipe du festival est allé le débusquer. Il suffit pourtant d’écouter Matt parler au public, dans un français parfait sans le moindre accent, entre deux chansons pour comprendre que ledit chanteur est bien de chez nous. Illusion parfaite donc. Arrivé à mi-parcours de son set Matt empoigne une guitare électrique : Vous n’avez rien contre un peu de rock’n’roll ? Bah non, pardi ! C’est donc en mode électrique, garage, que le musicien a fini son court set de trente minute de haute facture.
Vient ensuite une vieille connaissance que l’on a plaisir à retrouver dans le lieu même où il a débuté sur notre sol, et dans le cadre du même festival, Bror Gunnar Jansson, toujours aussi élégant et apprêté. C’est que le Suédois en a des choses à fêter, dix ans de carrière professionnelle à plein temps, et le dixième anniversaire de son album « Moan Snake Moan » qui ressort pour l’occasion en vinyle dans une édition deluxe agrémentée d’un deuxième disque (ce qui double la durée de l’album initiale) sur lequel on retrouve, entre autre, un EP sorti la même année (qui avait échappé à nos radars à l’époque et dont on ignorait jusqu’à l’existence même). Toutes ces raisons sont bonnes pour donner à l’artiste l’occasion de renouer avec un exercice qu’il avait abandonné depuis des années : celui du one-man band, la guitare en mains et la batterie aux pieds. Celle petite nouveauté, le Suédois a récemment découvert l’usage du médiator (l’accessoire pour gratter les cordes de la guitare, pas le médicament à scandale) ! Pour le reste on retrouve l’univers du Suédois, soit une interprétation assez dark du blues, à la guitare nimbée d’effets sonores fantomatiques et au chant assez plaintif. Un univers plutôt lent contrebalancé d’accélérations soniques fulgurantes, le Suédois s’étant fait une spécialité de détourner les instruments de leur usage initial. Un set de très haute tenue.
Débarqué dans nos contrées depuis son Minnesota natal, et signé sur le label français Zamora, Cobi présente son nouvel EP de cinq titres. De son pays de naissance, Cobi a gardé une appétence particulière pour la musique roots, blues ou la soul et le rhythm and blues (« Where we belong »), qu’il combine a de nombreux effets psychédéliques de bon aloi (« Another Lover »). Mais pas question pour l’artiste, excellent guitariste par ailleurs (cf. le solo de « Good Morning » ou les envolées de guitare de « Sugar Man »), de se contenter de reproduire à l’identique. Ainsi ces influences anciennes sont propulsées par une dynamique, et une production, contemporaines (« Good Morning »). Le talent vocal de l’artiste et la qualité d’écriture de l’ensemble maintiennent l’ep à flot et assure à l’auditeur une écoute agréable de bout en bout. Un talent en devenir à confirmer toutefois sur la longueur d’un album.
Ecouter ce troisième album de la chanteuse franco-suisse, c’est un peu comme plonger dans une bulle de douceur. Festina lente, hâte-toi lentement, semble nous clamer la chanteuse, consciente qu’il est urgent de ralentir le rythme, de lever le pied. Au-delà de la musique, c’est une philosophie de vie qui a procédé à la création de cet album. Entre soul et jazz, un petit éclair blues de temps en temps (cf. « Miracle » ; « Monster B »), entouré par un excellent groupe virtuose et soudé, Sophie nous entraîne avec elle dans sa recherche de la sérénité. Et en l’espèce ralentir le tempo ne signifie en aucun cas de s’ennuyer, on y trouve même, le temps de « Love is a twist » une guitare rock. Mais, de façon beaucoup plus significative, l’album regorge de détails et de trouvailles sonores qui le distingue du tout-venant nostalgique. C’est un véritable vocabulaire que mets au point Sophie, à la fois respectueux de la tradition mais animé d’une dynamique contemporaine, l’écrin est idéal pour sa voix magnifique et élastique.
Composé de Carlos Alfonso (originaire de Porto Rico) et Emmanuel Medioni, Electric Spanish sort son copieux premier EP (6 titres tout de même). Un disque pour le moins étonnant. Par sa diversité d’une part, passant du psyché surf sixties au post punk (« Strangers »), parfois en une seule chanson, pour finir sur une ballade bluesy (« Different Song ») ; un drôle de cheminement donc mais d’une cohérence surprenante jamais tomber dans le pastiche ou le revivalisme un tantinet vain. C’est une belle dynamique qui habite l’ensemble et donne un coup de fouet à l’auditeur (cf. « Electric Spanish »). Un moyen pour le groupe de faire honneur à son patronyme (Electric Spanish signifie guitare électrique chez les luthiers américain) tout comme de parsemer ses compositions de discrètes effluves latines. Vous rêviez de passer de la Californie à l’Angleterre en une chanson ? Electric Spanish l’a fait ! Un premier EP de haute tenue.
Ah la fuite du temps ! Apparu au mitan des années 2000, le groupe de Pennsylvanie a débuté comme du punk pur sucre toutes guitares dehors. Sur les photos ornant ce nouvel effort, les musiciens ont largement entamé la trentaine, certains n’ont plus beaucoup de cheveux. La rage si elle est toujours là, présente au cœur, s’exprime différemment. La saturation des guitares est savamment dosée, l’accent est mis sur l’écriture. Au final un disque de punk-rock à la visée large. Un souffle épique habite les compositions, quelque chose qui tiendrait du heartland rock des années 80 (cf. « Ultraviolet ») aux influences celtiques sans les oripeaux inhérents au genre (cornemuse et violon). Ce nouvel effort vaut le détour ne serait-ce que pour « Take it to the heart », « Hope is a dangerous little thing » ou « There’s no place in the world for me », autant de signes d’une maturation réussie.
En concert le 31/01
(O’Sullivans backstage by the mill)
Le collectif togolais, formé à Lomé, s’inscrit dans une dynamique particulière : gardien de traditions ancestrales, mais remises au goût du jour, afin de produire une musique moderne et dynamique. Mission remplie haut la main avec ce nouvel effort, le troisième du groupe, où le chant en langue vernaculaire côtoie des éclairs de guitare fuzz (« Afidemanyo »). Une rare incursion dans le rock pour ce groupe très axé sur les percussions vitaminées où l’Afrique se mélange au jazz et au funk, dans le but d’élever les consciences (« Wake up your spirit »). Ou comment délivrer un message aussi profond qu’enjoué et positif. Chaud et rythmé, du soleil pour les oreilles gravé sur disque à écouter toute l’année.
Indiscutablement voici un musicien que l’on retrouve avec un plaisir renouvelé à chaque fois. Né à Chicago, Boney Fields a traîné ses guêtres dans les scènes jazz et blues, multipliant les collaborations prestigieuses aux Etats-Unis (Buddy Guy, Luther Allison, James Cotton et on en oublie une pelletée) mais aussi en France où il est installé. Doté d’un CV long comme le bras, Boney connaît indubitablement son affaire et n’a pas son pareil pour sortir un nouvel album d’où les bonnes vibrations émanent comme par magie. Du funk survitaminé (cf. « Just give me some mo’ ») aux élans soul, nostalgiques et émouvants (« Back in the day ») en passant par le blues (« Still Together ») ou le jazz élégant (« Crazy ‘bout you ») Boney Fields ne se met aucune barrière, le cap maintenu vers le groove en toute circonstance. Give me some more Boney !
Notre festival préféré de l'hiver fête sa majorité (18ème édition !) et se tiendra du 23 janvier au 10 février dans 12 villes françaises. Quelques retrouvailles sont au programme (Bror Gunnar Jansson, Theo Lawrence, The Courettes) et quelques découvertes excitantes (Robert Finley, Jimmy Diamond, Gyasi, Muddy Gurdy, Israel Nash) tous connus des lecteurs de cette page. Ce sont au total 11 artistes qui sont programmés.
Suite et fin de l’ambitieux quatrième album de Laudanum (Matthieu Malon) divisé en trois parties. Nous avions pu découvrir le premier volume « as black as my heart » en septembre, « as red as your lips » en novembre et maintenant « as blue as my veins » en ce mois de janvier. Un projet d’ampleur dont l’enregistrement s’est étalé sur quatre années, entre 2018 et 2022, et dont le soin porté à la production se ressent dans la moindre note jouée. Creusant toujours le même sillon électronique, inspirée de la cold voire dark wave des années 80 (« The so-called past » ; « To the lighthouse »), Laudanum hypnotise l’auditeur pris dans la toile de ses nappes synthétiques (« someone » ; « as red as your lips »). Un fort sentiment de continuum qui n’empêche nullement l’artiste de se permettre quelques pas de côté s’adaptant à la personnalité des nombreux invités au chant, collant parfaitement au timbre graveleux d’Aidan Moffat (Arab Strap) sur « Midlife crisis in m&s » (sur l’album rouge) ou profitant de la présence de la merveilleuse Eliz Murad (l’ex-chanteuse et bassiste de Teleferik) pour colorer « naHar » d’effluves orientales. Toujours sur le troisième volume (le bleu) « Beauty of a shadow » surprend par son approche pop psyché quasiment sixties (superbe au passage) qui ouvre les débats, disque sur lequel on retrouve également le légendaire Pete Astor (« Ghosts of the king’s road »). Ce trio d’albums de très haute tenue constitue un des sommets de l’automne dernier et de cet hiver aussi.
Au fil des années, Dan Auerbach (la moitié des Black Keys) se sent de plus en plus à l’aise dans le rôle du passeur. Producteur de quelques légendes dont il perpétue la mémoire (Dr John, Son House), découvreur de talents, des juvéniles Ceramic Animal au vétéran Robert Finley, au sein de son label Easy Eye Sound, Auerbach s’est trouvé un nouveau rôle : sauveur du juke joint blues (attention, Jack White va être jaloux). C’est donc Dan Auerbach qui est le grand ordonnateur de la présente compilation, regroupant 12 titres, destinée à poser un regard sur la scène contemporaine. De RL Boyce qui ouvre le débat à Glenn Schwartz qui le ponctue (en solo acoustique), l’excellence est au rendez-vous. Et nous donne à retrouver quelques figures connues, Robert Finley, sublime comme d’habitude, le regretté Leo Bud Welch (décédé en 2017) qui fait une apparition d’outre-tombe, ou Auerbach lui-même, surpris en flagrant délit d’excellence par deux fois en solo (l’hypnotique « Every Chance I get ») et avec les Black Keys (« No Lovin’ » parfaitement exécuté dans la droite lignée de leur magnifique album « Delta Kream »). Au rayon des découvertes signalons les hypnotiques Moonrisers ou le grain de voix cabossé de Gabe Carter que l’on retrouve par deux fois. Et tant d’autres qu’on vous laisse le soin de découvrir car, non, le blues n’est pas mort, tenez-vous le pour dit, et dites le à tout le monde !
La pochette nous dit finalement tout. Un jeune homme assis sur un fauteuil sa guitare dans les mains. Dans le petit monde de Pacôme, tout tourne autour dudit instrument qu’il manie avec maestria. Trempé dans des influences très marquées, autour du blues et du gros son rock, Pacôme n’a pas son pareil pour tirer de son instrument des riffs qui tournent et vrillent l’oreille de l’auditeur (« Burning Winds » ; « You’re A Liar ») ou au contraire étirer les compositions pour leur conférer cet aspect planant, quand il ne décide pas de faire les deux en même dans un écart stylistique dont lui seul à le secret (« Love Means Life »). Misant sur la puissance brute de décoffrage, typique du power-trio, aidé dans sa tâche par une section rythmique aussi solide que du béton, il n’y a pas grand-chose à reprocher sur le strict plan musical à cet album. Un flirt un peu poussé vers le métal de temps en temps, qu’une jolie maîtrise acoustique (« Dancing Queen ») et mélodique (« Interlude ») compense amplement. La limite viendrait plutôt du chant, des coups de gorge pas très bien maîtrisés surjouant le côté guttural et graveleux. La voix se révèle finalement assez clivante, tellement spécifique qu’elle marque les esprits, en bien comme en mal. Une maladresse que le temps corrigera probablement. Un album qui, quoi qu’il en soit, respire la passion et le travail bien fait.
Et dire que si sa route n’avait croisé un jour celle de Dan Auerbach (la moitié des Black Keys et patron du label Easy Eye Sound), nous serions passé à côté d’un sacré talent ! Robert Finley donc, nous le disait dès son premier album : « Age don’t mean a thing » (sorti en 2016 sur Big Legal Mess), il avait à l’époque 62 ans. Sept ans plus tard Finley sort son quatrième album (le troisième pour le label d’Auerbach) et il temps d’apporter une petite correction à son assertion initiale. L’age change quelque chose, il permet de se bonifier ! Ainsi ce nouvel effort tient à la fois du miracle et du petit bonheur d’écoute. Il est bien évidemment question de blues, aussi poisseux que les marais de sa Louisiane natale (« Sneakin’around ») aux cuivres funky du plus bel effet (« Waste of time »). Remarquablement produit, groove à tous les étages, diversifié mais parfaitement cohérent, le son a fait l’objet d’un soin tout particulier (une constante chez Auerbach) les guitares et la section rythmique sonnent swampy à souhait. En résumé, l’écrin est à la hauteur de la singularité vocale de Robert Finley, une voix rocailleuse, trahissant le vécu, cabossé avec une petite cassure soul dans le fond de la gorge. Profitons-en tant qu’il est encore là !
En tournée
française dans le cadre du festival des Nuits de l’Alligator du
23/01 au 11/02
Après plusieurs aventures en compagnie de groupes (Marvelous Pig Noise, Hush, Sugarcane) le temps était venu pour Pierre Citerne de se lancer en solo. Et aussi de renouer avec sa passion première, la Nouvelle-Orléans dont l’ombre plane sur la totalité du disque, enregistré dans la région de Montpellier en compagnie de l’excellent batteur Niko Sarran (Red Beans & Pepper Sauce). De très haute tenue, le résultat est plus vrai que nature et plonge l’auditeur en plein bayou à peine le cd (à la très belle finition vinyle) inséré dans le lecteur. Les doigts de notre docteur Sugar dévalent sur le piano avec groove et agilité rappelant au passage un autre illustre docteur nommé John (« Ready to give love again »), le sens de l’humour en plus (« Drinking muddy water »!) L’orgue, les cuivres et les chœurs gospel permettent de prolonger l’expérience mené par le groove expert de la section rythmique. Il y est donc question de soul option funk sans oublier un nécessaire détour par le blues soulful (« Half-hearted lovin’ »). Comme Pierre le chante si bien, « I want to go to New-Orleans », rappelant en cela la démarche de Jon Cleary, fameux Anglais expatrié dans la cité du croissant. Et à défaut d’embarquer dans le premier avion venu, écouter ce merveilleux album c’est voyager un petit peu.
Alors que les rues sont humides et balayées du vent mauvais de décembre, c’est un véritable plaisir de retrouver, sur scène, l’univers aussi réconfortant qu’un doudou de Christina Rosmini. Installée à Marseille, Christina ramène partout où elle chante, du soleil et de la chaleur. Chaleur humaine tout d’abord tant ses textes sont empreints d’humanisme et de considérations écologiques, délivrées sans donner de leçons mais avec toujours un état d’esprit positif. Chaleur musicale ensuite grâce à son accent chantant mis au service de nombreuses langues, du français à l’espagnol en passant par les dialectes vernaculaires mexicains. La musique chante le sud, des guitares (souvent acoustiques mais uniquement) au cajon, instruments qui à eux seuls exhalent le soleil, sous oublier le piano et la basse et les nombreuses « petites percussions » utilisées par Christina qui apportent cette note chaude et voyageuse. Sur scène, Christina Rosmini est charismatique et incarne une présence solaire, son prestation est mise en scène comme une pièce de théâtre, changement de costume et tour de magie lumineux à l’appui. Tous les ingrédients sont réunis pour une magnifique soirée.
Alors que l'année s'achève, rendons un dernier hommage à notre amie attachée de presse Eloa Mionzé qui nous a quittés, de manière totalement inattendue, en avril dernier. La présente compilation regroupe des artistes amis avec lesquelles elle a travaillé (Bender, Archi Deep, Daniel Jea, L'Ambulancier, Myosis, Glenn Over) ainsi que le groupe Les Iguanes, formé pour l'occasion, qui reprennent "The Passenger" d'Iggy Pop en français. Tous les bénéfices de la compilation iront aux enfants d'Eloa.
Derrière l’étonnant pseudonyme se cache Samuel Lequette, dont le nouvel EP (cinq titres) a été produit par l’excellent, le légendaire Bill Pritchard ! Dépouillé, on y entends guère que des arpèges de guitare et quelques notes éparses de clavier, Delphine se niche dans une enclave entre folk, pop et chanson française de haute facture. Vaporeux et mélancolique, l’accompagnement minimaliste convient à merveille au timbre de voix de Samuel. L’ambiance y est ainsi particulière, mi-figue/mi-raisin, évoquant la souffrance et le deuil amoureux (« Je vous vois encore ») mais aussi la magie de la rencontre (« Mon plus intime confident »). Superbe, doux et délicat, c’est peut-être ça l’hyper rêve...
Rock’n’roll band from New York City. Depuis combien de temps n’avions pas eu l’occasion d’utiliser cette phrase ? Autant dire, que l’apparition de Geese, il y a deux ans, avait particulièrement fait plaisir, ne serait-ce que pour perpétuer cette tradition (Velvet Underground, Television, Sonic Youth, New York Dolls, Kiss etc.) en totale perdition ces dernières années. Mais au-delà du cliché, les qualités musicales propres à Geese suffisent à faire l’unanimité. Il s’agît, en l’espèce, de prendre des gants pour être sûrs de ne rien oublier, car Geese propose un sacré et détonnant cocktail. Il y a tout d’abord le post-rock/punk adage de l’époque que le groupe a su faire sien. Mais pas que. Au fil des titres de ce nouvel EP Geese se fait tour à tour psychédélique, progressif ou classic-rock. Un peu pour tous les goûts en fait sans que la remarquable cohérence de l’ensemble n’en souffre. Et enfin pour finir, Geese possède cet élément incontrôlable, aussi rare qu’indéfinissable, qui fait vriller les chansons suivant les coups de folie des musiciens. Ainsi, le groupe affiche une capacité à partir dans n’importe quelle direction, et d’emporter l’auditeur avec eux, un espèce de grand délire qui n’est pas sans rappeler Frank Zappa. Mais il convient de ne pas se laisser abuser par l’aspect volontairement (mais faussement) foutraque de l’ensemble, joyeusement affiché ici. La musique de Geese est, dans le fond, pensée dans ses moindres détails. L’avantage est que l’on ne risque pas de se lasser, tant chaque nouvelle écoute révèle de nouveaux détails. Bref, voici une affaire à prendre très au sérieux. Tant mieux !
Inconnue au bataillon jusqu’alors, la jeune Suissesse vient de nous gratifier d’une session live de toute beauté. La guitare acoustique posée sur les genoux, il serait facile de classer la chanteuse dans la rubrique folk, ce qu’elle n’est que partiellement. Car, si la guitare acoustique fait totalement partie de son univers, ce dernier est constitué de pistes multiples cochant autant de cases au passage. Il y a tout d’abord son grain de voix, charmant, et toutes les intonations que la chanteuse peut apporter à son chant, qui rappelle la soul music. A ces influences classiques, Lisa rajoute une note plus contemporaine, par la grâce de sa voix toujours. Ainsi c’est un flow hip-hop qui s’ajoute à la table ainsi que quelques intonations reggae. Le songwriting enfin rapproche l’artiste de la pop. Pop, soul et folk constitue le triangle sur lequel s’appuie la chanteuse. Mélodique, doux, entraînant et ensoleillé, c’est toujours bon à prendre.
En dépit de ses propres termes, l’artiste se décrit comme « confidentiel », la Maroquinerie est bien pleine, si ce n’est complète, en ce vendredi soir pour sa dernière prestation parisienne ; après l’annonce de l’arrêt de sa carrière musicale, programmée après la sortie d’un magnifique dernier album. L’émotion est donc forte et parcourt la salle, mais pas forcément la scène, Batlik affichant un certain détachement et aucune peur du vide. Le public quant à lui semble prêt à chavirer à chaque instant. Le fait est que Stéphane Batlik a mis les petits plats dans les grands pour cette dernière, accompagné d’un clavier, d’une batterie et de deux cuivres. C’est aussi une nouvelle ère pour le chanteur, l’absence d’Alice Animal à la deuxième guitare a incontestablement une influence et le rendu global est nettement moins rock. Cependant, la présence des deux cuivres apporte une touche envoûtante et hypnotique à la musique. Le jeu de guitare, si particulier, et son son très travaillé et assez bas dans les basses y joue pour beaucoup également. Est-ce parce que la fin est proche, mais sur scène, Batlik affiche un sens de l’humour imparable, notamment lorsque la guitare tombe en panne décrivant, en rigolant, une scène digne d’un cauchemar. Un tabac récompensé par deux rappels et un tonnerre d’applaudissement très émouvant. Il reste encore quelques occasions de le voir sur scène un peu partout en France d’ici le printemps, et vous seriez bien avisés de ne pas les louper !
Lux the band profite des fêtes de fin d’année pour sortir un nouvel EP de cinq titres qui s’annonce comme le parfait complément de l’album « Gravity », qui fête par ailleurs son premier anniversaire. L’EP retranscrit une session enregistrée live au Studio Black Box et se compose de trois titres extraits de l’album et, chose relativement rare pour le groupe, de deux reprises piochées avec goût chez Neil Young (« Cinnamon Girl », dans une version survoltée et efficace) et PJ Harvey (« You said something » en version duo acoustique). Et avouons-le, c’est un plaisir de retrouver la puissance de la formation en live, real to reel, parfaitement restituée en l’espèce, la section rythmique pulse dans une euphorie contagieuse et Sylvain manie sa guitare avec sa virtuosité habituelle, délivrant quelques soli d’anthologie au passage (« Chemical Love », « Lullaby »). Voici donc un EP qui ravira les nostalgiques du classic-rock ou du rock des années 60, 70 de manière générale, dont ils s’approprient les codes avec talent. De plus, les recettes de l’EP seront reversées durant la fin de l’année à la World Central Kitchen qui lutte contre la faim dans le monde. A écouter pour se faire plaisir tout en faisant une bonne action.
Une présence solaire et lumineuse qui fait oublier, une petite heure et demie durant, les tracas du quotidien, c’est un peu ça BlauBird. Il y a plusieurs raisons à cela, son sourire et son charisme et puis, surtout, la musique et les textes. Il y a, dans le creuset des émotions qui constitue le corpus de BlauBird, quelque chose qui nous ramène à l’essentiel. La vie, la mort, l’absence de nos chers disparu(e)s. Ainsi la voix du grand-père de la chanteuse, enregistrée et sauvegardée comme par miracle, chantant le mythe de « La Lorelei », utilisée comme un sample pendant le concert sonne comme un rappel urgent du côté éphémère de toute chose (ou presque) ici bas. Ainsi, alors que sa voix s’élève au-dessus des notes mélancoliques du piano, les émotions se bousculent dans le cerveau de l’auditeur alors que les gorges se nouent et les yeux se gonflent. Au fil du concert, BlauBird nous conte une histoire, un fil qui relie les chansons les unes aux autres, un récit appuyé par de nombreux dialogues extraits de films samplés, comme autant d’interludes. Et puis il y a les musiciens invités, le merveilleux Nicolas Beck, un habitué désormais, dont le tarhu aux cordes pincées ou frottées procurent une sensation mélancolique prégnante. Le saxophone de Rémi Fox aux effluves orientalisantes colorant une improvisation jazzy d’allure quasi-psychédélique. Et la sublime chanteuse Siân Pottok dont le n’goni (sublime reprise de « Donna » en anglais et en yiddish) rajoute de nouvelles notes inédites dans le dialogue entre les cultures (« Fairuz » en yiddish, arabe et français) établie par la chanteuse, et qui constitue une de ses marques de fabrique.
En concert le 22
janvier à La Manufacture Chanson.
Bien décidée à relancer sa carrière internationale (comprendre chantée en anglais) après le magnifique « Let Yourself Be Loved », sorti en 2020, dont les ailes furent coupées net par la pandémie, Joy est de retour avec un nouvel album marqué par le décès de son père, entre résilience et mélancolie (« Revolutions »). Une manière pour l’artiste de reprendre le fil de sa carrière après un intermède soul rétro sorti sur le label Motown. Aujourd’hui, la chanteuse ne s’inscrit plus exclusivement dans cette veine nostalgique (toujours très présente néanmoins) et ce nouvel effort la voit collaborer avec un rappeur (« Happy » avec Ghostface Killah) pour la première fois depuis le « Born & Raised » de 2006. Langoureux, l’album est marqué du sceau de l’élégance, le groove déployé y est soyeux avec force claviers vintage assurés de Roberto Di Gioia (également co-producteur de l’album). En ce sens, l’album prend avec panache la relève des productions de la Motown 70s, un peu de jazz et un peu de psychédélisme à la clé (sublimes « Far Cry » et « Hideaway »). Un registre qui convient parfaitement à la chanteuse et à la sensualité de son chant. Une éclatante réussite.
Un nouvel album de la chanteuse américaine est la promesse de retrouvailles chaleureuses, un cocon musical doux et délicat où l’élégance le dispute au raffinement, un disque à écouter pour se laisser bercer quand dehors il fait gris, il pleut et il fait froid. Mais qu’importe puisque avec ce nouvel effort, la chanteuse fait briller le soleil par les enceintes (cf. la reprise de « Corcovado » ; « Happy Talk »). Ce nouvel album ne faillit pas à la tradition, le grain de voix de la chanteuse s’y fait aussi charmant qu’à l’accoutumée et, une fois encore, l’accent mis sur la France est parfaitement assumée par la chanteuse, bilingue francophone (« La Valse des Lilas » de Michel Legrand, « Ne me quitte pas » de Jacques Brel repris par deux fois en français et en anglais) à la diction parfaite. Ainsi c’est à un voyage transatlantique musical où nous sommes conviés bercés par le chaloupement de la contrebasse, le swing délicatement ourlé de la batterie, les cuivres discrets et les touches du piano effleurées. On aurait tort de refuser.
En concert le 13 mai 2024 au Théâtre de l'Odéon (Paris - Festival Jazz à St-Germain-des-Prés) et le 16 mai
2024 à l’espace Marcel Carné (St-Michel-Sur-Orge)
Le groupe chicagoan sort son premier EP et pose, immédiatement, un énorme cas de conscience au chroniqueur. Posons les choses en ces termes. Puisque tous les groupes rappellent systématiquement quelque autre formation plus ancienne, il n’est pas interdit de penser que le rock tourne en rond. Mais on peut également réfléchir à revers et penser qu’à force d’associations improbables associations d’influences, on finit par écouter quelque chose de nouveau. Et, niveau grand écart, Brigitte Calls Me Baby se pose là. Et avouons-le tout net, le principal point d’attraction du groupe et de ces cinq titres inauguraux réside en la personne de Wes Leavins, son chanteur. Une voix classe et maniérée, maniant le trémolo comme on ne l’entendait plus depuis des années. Il y a du Morrissey en lui (« Impressively Average »), du Roy Orbison voire du Elvis également (« Eddie My Love », la meilleure plage de cette première livrée). La musique ? Une somme d’influences trop évidentes (pour l’instant) allant des Strokes (« You Are Only Made of Dreams ») aux Smiths. Un défaut qui devrait normalement s’effacer avec le temps, à supposer qu’ils n’explosent pas en vol d’ici là. Un EP de très bonne facture cependant mais dans le fond un peu vain.
Déjà repéré sur la foi d’un excellent premier album, Bordelophone fait une fois de plus honneur à son patronyme avec ce nouvel EP (en attendant le deuxième album), musicalement aussi paradoxal que son titre. En effet, Bordel (pour les intimes) synthétise à merveille l’art de sauter du coq à l’âne et, se faisant, d’abolir les frontières entre les genres. Aussi étonnant que cela puisse paraître la formation instrumentale vient du jazz et cela s’entend, notamment grâce à la trompette (cf. « Noir Fluo »), avant que les guitares ne viennent mettre le proverbial bordel sous-entendu semant le chaos en passant du gros rock (« Keep it hot ») au reggae où à la surf music (« Surfin in Bordelotown »). Le tout sans jamais se départir de leur virtuosité, normal attendu que la moitié du groupe enseigne au conservatoire. Excellent !
Dandy à l’allure toute britannique, Olivier Popincourt agite le Landerneau pop d’ici depuis une dizaine d’années. Posant énamouré à côté de sa guitare, « Nous étions faits pour nous rencontrer » nous assure-t-il. Connaissant ses goûts (Paul Weller, Elvis Costello) et, au-vu de la qualité mélodique de son dernier effort (le troisième), il semble qu’effectivement cela soit le cas. Pas revivaliste pour un sou, mais peut-être bien nostalgique (cf. « Song for Yeu » nommée d’après l’île du même nom en Vendée), Olivier est passé directement à l’étage supérieur : celui d’un album intemporel. Superbe écrin pop en vérité que celui-ci : langoureux, passé au filtre de la soul, et richement arrangé avec force claviers autant vintage (piano, orgue) qu’élégants, des cordes soyeuses et de délicats arpèges de guitare mélancoliques (« Little Rainfall, intense sunshine »). Soulignons également la modestie de son auteur qui n’hésite pas à se mettre en retrait, laissant le chant lead aux amies de passage, Gabriela Giacoman (la chanteuse de French Boutik) ou Susanne Shields, simplement dans le but de rendre la chanson meilleure. Une réussite éclatante.
Cela fait quelques années que Frédéric Pellerin, le Québecois installé à Lyon, n’avait plus donné signe de vie discographique. Un hiatus qui préparait en fait le retour en grandes pompes de l’ex-one man band (si le travail en studio reste solitaire, il est accompagné d’un groupe pour les concerts). Un retour méticuleux, soigné et ouvert à de nouveaux horizons musicaux. Si la base en reste le blues et le rock (le rageur « Wheel of Love »), le premier titre de cette nouvelle livrée pour le moins ramassée (huit chansons), « You Done Me Wrong » surprend par son utilisation judicieuse de synthés pour créer une toile hypnotique tenant l’auditeur en haleine sur une durée assez longue (6 minutes). La première surprise d’une longue série proposée par l’album et autant de détour vers le folk (« Sorry if I kept you waiting » ; « Please don’t go »), la pop (« Ease my mind ») ou la soul qui parsèment le disque en autant d’arrangements audacieux, sans jamais perdre de vue l’électricité. Jouant ainsi avec les contraires They Call Me Rico accouche d’un album à la fois éclectique et cohérent. Un retour aussi surprenant que réussi.
Ah les mystères de la création ! Est-ce pour échapper à la morne plaine grise hollandaise (Lemele, à proximité de la frontière allemande) dont ils sont originaires que Jim Zwinselman (guitare, pedal-steel, chant), Ruud Gielen (batterie) et Floris Poessé (basse) ont formé Jimmy Diamond, transformant un trio batave en groupe étasunien plus vrai que nature ? Dans la lignée de leurs compatriotes Alamo Race Track, Jimmy Diamond a rêvé, en grand, d’Amérique, d’un couché de soleil dans le désert entre deux cactus (cf. la pochette), d’autoroutes à perte de vue traversant le désert sous un ciel au bleu céruléen. Avant d’y poser le pied pour de vrai, à Los Angeles dans le studio de Kevin Ratterman, pour enregistrer leur premier album en deux semaines tout pile et d’y faire voyager ensuite quiconque aura la chance de poser une oreille sur ce merveilleux disque. De fait, Jimmy Diamond s’inscrit dans une esthétique assez originale. Un grand tout fantasmé où indie rock, roots et americana se côtoient harmonieusement. D’un côté il y a cette lap-steel cotonneuse et de l’autre ces guitares indie avec force écho. Le chant éthéré de Jim Zwinselman rajoute une couche au rêve éveillé des compositions à l’avenant (cf. « Let’s not get used to this »). Remarquablement cohérent d’un bout à l’autre l’album plonge l’auditeur dans un entre-deux à la fois planant (cf. la coda de « Chase the moon ») mais pas totalement dénué d’aspérités rock’n’roll (« In the dark » ; « You Radiate »). Superbe disque !
En concert le 27
janvier 2024 (La Maroquinerie – 1ère partie d’Israel Nash)
