Dear Pola + Inès Damaris, Les Disquaires, 10 novembre 2026.

La soirée débute par une (presque) découverte, celle d’Inès Damaris. En effet, si cette dernière ne nous est pas tout à fait inconnue, du fait de sa participation en tant que choriste au sein du Ramon Pipin Band, ses compositions personnelles, en attente de la sortie de son premier album, sont elles une belle découverte. Seule sur la petite scène des Disquaires, guitare folk en mains, six cordes qu’elle arpège avec une virtuosité discrète, il émane de la chanteuse quelque chose d’un hootenanny (un rassemblement folk) des années 1960. Jeu de guitare délicat, chant magnifique (avec un petit quelque chose de Grace Slick) la jeune chanteuse charme l’auditoire, dans la lignée des grandes dames du folk. Mais il ne s’agît là que de la partie visible de l’iceberg. Une fois équipée de sa guitare Danelectro électrique, le projet se métamorphose totalement. Lorsque la musicienne s’agenouille pour manipuler ses pédales d’effets, dont elle tire des sons éthérés et planants, la musique flirte alors avec le progressif. Son univers est particulièrement riche et il nous tarde de le découvrir plus avant sur son premier album dont la sortie est prévue pour l’automne 2027.

https://inesdamaris.wixsite.com/music

https://www.facebook.com/ines.damariss/

On continue ensuite avec la chanteuse Dear Pola dont le premier album nous a enchanté cet automne. A l’instar de la première partie, la musicienne se présente seule sur scène équipée d’une guitare classique (au son légèrement différent de celle d’une guitare folk). L’univers de Dear Pola relève d’une dichotomie. La musique est légère, les arpèges aériens, les mélodies semblent s’envoler au-delà des contingences terrestres. Les textes sont, en revanche, d’une terrible âpreté. Avec pudeur, la chanteuse ne s’épanchera pas plus que nécessaire, mais ses textes (et notamment un poème de son cru lu au milieu du set) laisse augurer d’un passé plus que difficile. Et pourtant, la musique de Dear Pola apaise et réconforte pour peu qu’on se laisse aller à la grâce de ses arpèges. Une très belle soirée.

https://dearpola.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/dearpolamusic

Roadrunners + The Snipes, La Clef, 6 novembre 2026.

La soirée débute fort avec la première partie assurée par The Snipes (de vieux compagnons de route des Roadrunners), vétérans sur le retour, qui une petite demi-heure durant nous ont régalés d’un rock’n’roll puissant et carré flirtant avec le punk mais tout de même groovy grâce à l’apport, garage à souhait, d’un orgue ou d’un piano. Excellent pour se mettre dans le bon état d’esprit.

Séparés depuis 1996, après 17 ans de vie commune, les Roadrunners avait effectué l’an dernier un come-back surprise, dans la foulée de la réédition de leur ultime album « Sales Figures », agrémenté de quelques concert au Havre (leur ville natale) et à La Maroquinerie de Paris. Des concerts couronnés de succès, archi-complets, et qui avaient ravis ceux qui avait eu la chance d’y assister. Fort de ce succès, le groupe remet le couvert cette année avec une véritable tournée (qui passe par la Marbrerie de Montreuil ce vendredi) et la réédition de trois nouveaux albums (« ...A frog in my throat ...», « Bizarre rendez-vous » et « Instant Trouble ») ainsi qu’une nouvelle réédition de « Sales Figures » (la précédente était totalement sold out lors de leur passage à La Maroquinerie). Ne manque plus que le tout premier mini-album « Beep Beep » (1987) et leur album live et la totalité du catalogue des Roadrunners sera de nouveau disponible ! En attendant, c’est en terrain conquis que le groupe se présente pour leur quatrième passage à Saint-Germain-en-Laye. C’est une nouvelle fois à un groupe soudé et efficace, doté qui plus est d’un sacré sens de l’humour, ce qui ne gâche rien, que nous avons affaire. Dès les premières notes, le quintet impose sa fougue et sa puissance sonore devant une foule autant nostalgique qu’extatique ! C’est avec une joie non dissimulée que l’on retrouve cet alliage unique de power-pop musclée et de rock’n’roll garage, les amplis dans le rouge, le groove puissant de la batterie et le clavier pour sceller le pacte du groove. A noter enfin une reprise démentielle de « Hey Bulldog » (Beatles) histoire de fêter comme il se doit l’anniversaire de Florent le batteur, et un final hallucinant à quatre batteurs (trois tome basse s’ajoutant à la batterie). Un concert généreux (près de deux heures) et halluciné sous le signe de la nostalgie joyeuse. On en redemande !

Gainsbourg en Confidence, Théâtre Montmartre Galabru, 1er novembre 2026

 

Le titre fait référence à « Confidentiel », fameux album des années 1960. Rien de bien étonnant à cela attendu que le duo Jean-Michel Lamazou (Chant) et Bernard Menu (aka Gino, piano) fait l’éloge, dans ce nouveau spectacle, au répertoire du Gainsbourg débutant, dans une ambiance évoquant le Saint-Germain des Près des années 1950. Piochant dans le corpus de Gainsbourg au sens large, aussi bien dans les titres qu’il a chanté lui-même que dans les à-côtés, ceux écrits pour les autres (« Poupée de cire, poupée de son », France Gall ; « Les petits papiers » ; Régine) le duo se fait fort de faire renaître le fantôme du grand Serge (même si Jean-Michel Lamazou chante de manière complètement différente de Gainsbourg, inimitable de toute manière). Entre les titres le duo évoque la vie et les inspirations de Serge Gainsbourg au gré de divagations orales. Pas vraiment un spectacle suivant une biographie précise et rigoureuse cependant. Le spectacle relève plutôt de l’évocation d’un vieil ami disparu par deux anciens compagnons qui s’amuserait à reprendre les titres du regretté ami pour en raviver la flamme du souvenir. Avec un soupçon de nostalgie joyeuse en plus, en guise de hsupplément d’âme. Magnifique spectacle.

Chaque dimanche à 18h30 jusqu’au 20/12 au Théâtre Montmartre Galabru.

Www.theatregalabru.com

Dear Pola

 

Appelons cela un album de saison. Dear Pola, et sa manière de folk épuré, épouse parfaitement l’automne et ses journées raccourcies rythmées par le rythme des feuilles mortes, jaunies, tombant lentement des arbres. Ces huit pistes possèdent quelque chose de réconfortant. Des arpèges de guitare classique, cordes en nylon, qui réchauffent l’âme et la voix mélancolique de la chanteuse. Doux et apaisant, réconfortant, rien qu’avec ça, vous avez un album formidable. Mais ce n’est pas tout. L’album impressionne par sa faculté à capter le moment et à encapsuler l’auditeur dans cette douce bulle de spleen. L’artiste invite l’auditeur dans son intimité, le rythme de la musique semble adopter celui d’un battement de cœur, l’illusion d’une présence physique est parfaite. Et puis il y a le reste les teintes électroniques, discrètes et toujours à propos, offrent une texture supplémentaire, les bruits accidentels et inattendus (très discrets rassurez-vous) et conservés sur bande, offrent une atmosphère unique, un supplément d’âme. Et à la fin un exploit rare et impossible, celui d’un album d’une densité folle en dépit de son dépouillement.

https://dearpola.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/dearpolamusic

Olivier Rocabois : « Mutual Admiration Society »

 

Sur la pochette de ce nouvel album, au-loin, semble figurer une manière d’île désertique. Un fantasme de paradis perdu, celui de la mélodie intemporelle, sur lequel Olivier Rocabois règne en prince. Ce n’est pas ce nouvel album, le cinquième, qui nous contredira. Olivier est ambitieux, ce nouvel effort convoque (enfin du moins en apparence) les grands moyens, quitte à en paraître suranné (le pianoforte), classique (les cordes) ou exotique (les marimbas). Un décorum riche et à propos, le tout au service de l’obsession de l’artiste : la mélodie. Celle qui reste en tête, cette matière rare qui s’attache autant aux oreilles qu’à la platine, qu’elle refuse obstinément de quitter. Comme chez les Beatles ou les Beach Boys, pour citer deux influences assez évidentes, Olivier n’a pas peur d’emprunter des chemins de traverses. Sans peur ni du dénivelé, ni de l’escarpement desdits sentiers, l’artiste s’autorise quelques sorties de pistes, salutaires. Ses mélodies serpentent, se permettent quelques détours surprenants (« Consolation Row » ; « I See Her Everywhere ») ; le musicien finit par atterrir sur un terrain sur lequel on ne l’attendait pas (« Mutual Admiration Society » ; « March 12th – We Are the Krill »). Toujours à la recherche d’un âge d’or perdu qu’il tente de rattraper, inspiré par le vingtième siècle, Olivier Rocabois sait être épique sans être grandiloquent, jamais passéiste mais toujours intemporel.

Sortie le 6/11

En concert le 13/12 au Petit Bain

https://allif.bandcamp.com/album/mutual-admiration-society

https://www.facebook.com/ALLIFMUSIC/

Feutre : « Les Grands Ensembles »

 

Preuve de la grande richesse de la pop française depuis quelques années, hélas sans grand écho médiatique, Feutre sort son deuxième album « Les Grands Ensembles » au titre inspiré par le décor d’enfance (les HLM de Sarcelles) du bassiste Michaël Korchia. Si la pochette évoque l’ambiance délicieusement surannée des années 1970, la musique se révèle beaucoup plus riche qu’un simple revival nostalgique. Bien évidemment Feutre n’est pas étranger à la musique des années 1970, le son de la basse (rond et mis en avant comme sur « Melody Nelson ») et l’utilisation de claviers vintage (Rhodes, orgues) ancre la musique dans cette période avec des résultats spectaculaires (la merveilleuse « Adam », « Ma Jolie » étonnamment funky). Plus généralement la production précise et millimétrée, la volonté d’exploration sonore y afférent n’est pas sans rappeler Bertrand Burgalat ou, plus généralement, les sorties du label Tricatel (cf. « Les Grands Ensembles »). Mais Feutre trouve également son identité dans l’envoûtement du chant éthéré d’Elsa Leroyer ou dans les guitares obliques de Jérôme Excoffier (pas un manchot soit dit en passant), le petit grain de sable qui déséquilibre l’ambiance volontiers planante du groupe (« Eté 82 ») pour y ajouter un soupçon de piquant qui donne tout son sel à l’affaire (« Gold Mine »). Une belle réussite !

https://www.facebook.com/Feutre.pop/

https://band.link/Feutre

William pears : « Out of our system »

 

L’expression anglaise « out of our system » signifie se débarrasser d’un souci, un problème encombrant. Ceci posé en préambule, revenons à notre sujet du jour, william pears, qui n’est pas le patronyme d’un chanteur mais bel et bien le nom d’un groupe, un fameux quatuor qui faisait figure de lueur d’espoir dans le paysage pop français des années 1990 alors que ce dernier, à l’époque, s’apparentait plutôt au désert des Tartares (les choses ont fort heureusement bien évolué depuis). William pears donc, auteur de deux albums dans la deuxième moitié des années 1990 qui ira jusqu’à s’ouvrir une porte à l’international avant de décider de faire une pause en 2005 (après un concert au Cavern Club de Liverpool, excusez du peu). Une histoire somme toute assez banale, ponctuée en l’espèce de trois petits points de suspension, le présent album, le troisième, enregistré entre 2001 et 2002 et jamais sorti. Le voilà donc ce fameux grain de sable que william pears devait « évacuer de son système ». Vingt et une années se sont écoulées depuis et alors que les bandes semblaient à jamais évaporées, dans le grand vortex alimentant la légende des albums perdus, les quatre membres originaux du groupe remettent la main sur le trésor oublié, retravaillé et remixé avant une sortie publique. L’histoire aussi belle soit-elle ne serait toutefois pas complète si ce fameux troisième album n’avait pas été à la hauteur des réussites précédentes du groupe. Réjouissons-nous alors que cet album est une réussite éclatante, mélodiquement riche ! Si le cœur du groupe reste la guitare, qu’elle soit électrique (« Heaven ») ou non (« Pop tears anymore »; « Candy Floss »), le quatuor a réussi à évoluer intégrant un ici un clavecin (« Wonderful World Of Adults ») ou un synthé étonnamment funky là (« Sirens ») sans pour autant trahir son univers et l’évidence mélodique qui le caractérise. Un trésor révélé, comme la redécouverte d’un vieil ami perdu de vue depuis longtemps. William pears a pu « évacuer de son système » cet album qui lui a encombré l’esprit depuis longtemps. Nous sommes, pour notre part, heureux de pouvoir l’accueillir dans le notre.

https://www.facebook.com/TheWilliamPears

https://www.instagram.com/thewilliampears

Loner Deer : « Wildflowers »

 

Une voix grave, une guitare jouée avec beaucoup de subtilité, et une ambiance générale évoquant, pêle-mêle la forêt, la montagne, la nature ou les grands espaces (cf. les chants d’oiseaux qui ouvrent « Mullein Scent »), Loner Deer coche toutes les cases généralement associées à la musique étasunienne, l’Americana. A ceci près que Loner Deer est français, originaire de l’est de la France. Ce nouvel album, le deuxième, s’articule autour de deux éléments forts : sa voix, de gorge, fort vecteur d’émotions et sa guitare, folk, qu’il gratte ou arpège suivant les occasions. Tous le reste autour relève de l’ornementation pour gagner de la profondeur et de la substance, quelques notes d’un piano fantomatique, une batterie déstructurée (« 1988 ») ou une basse occasionnelle voire un harmonica discret. Autant d’éléments qui sortent l’artiste d’un contexte folk pur et dur pour se rapprocher de la pop et apposer une lumière contemporaine sur un genre séculier. L’ensemble est suffisamment évocateur et puissant pour être qualifié de réussi.

https://www.lonerdeer.com/

https://lonerdeer.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/LonerDeer

Alex Amen : « Sun of Amen »

 

C’est finalement une sensation assez rare qui nous saisit à l’heure de découvrir le premier album de ce jeune songwriter. Âme ancienne dans un corps jeune, Alex Amen, 26 ans, nous offre une proposition musicale qui n’est ni d’hier, ni aujourd’hui, mais totalement hors du temps, tant elle semble intemporelle. Les chansons de ce jeune musicien résonnent en nous comme si elles nous accompagnaient depuis toujours, quand bien-même nous les découvrons pour la première fois. Osons la comparaison, il y a du Bob Dylan en lui. Au programme, très peu d’électricité, quasiment pas de batterie, l’album sonne comme si le musicien avait réuni tout son petit monde pour enregistrer dans une cabane nichée au fond des bois à l’image de la forêt luxuriante qui orne la pochette de l’album. Peu d’électricité donc mais du violon, des cordes, du banjo, de la mandoline, de la contrebasse, de la pedal-steel et même de la flûte ; le tout pour déchiffrer ce terreau immense, l’Americana, qui englobe tout, du folk à la country. Le résultat est au-delà de toutes les espérances, mélodique, évocateur, doux et apaisant, comme dégagé des contingences matérielles. Une sacrée belle œuvre d’une maturité impressionnante pour un jeune musicien de 26 ans seulement. La révélation de l’année !

https://alexamen.com/

https://www.facebook.com/alexamenmusic/

The Bones of J.R. Jones + One Eared Boy, Petit Bain, 16 octobre 2026.

One Eared Boy n’a peut-être qu’une seule oreille mais, fort heureusement, deux mains qu’il utilise à fort bon escient pour jouer de la guitare, et magnifiquement bien ! A l’instar de son chant de gorge écorché, son jeu de guitare électrique (une Jazzmaster), abrasif dresse un portrait corosif du folk électrique, propre à transformer l’idiome en champ de mine musical. C’est lorsque le chanteur se saisit d’une guitare demi-caisse que la douceur des arpèges s’invite en douce dans le paysage. Alternant arpèges et attaque franche, le musicien livre une partition complète et riche en émotions.

https://www.facebook.com/therealoneearedboy/

Délaissant le parti-pris synthétique, eighties, de son dernier album, The Bones of J.R. Jones retrouve ses racines folk, americana et bien plus encore. Ainsi, débarquant en trio, avec basse et batterie, le musicien nous délivre d’entrée un uppercut électrique, proche d’un rock garage brutal, pour commencer le concert. Séché sur place, le spectateur ne l’avait pas vu venir ! En attendant, c’est euphorisant, quel pied ! Le reste du set fera place à plus de mesure, le banjo ou l’harmonica s’invitant également à la fête. Le synthé, assuré par le bassiste, restera discret dans ses interventions, voire le plus souvent, complètement muet. A noter pour finir une chouette et émouvante reprise de Springsteen (« My Hometown ») en solo acoustique intégral et une version dépouillé à l’os de « Savages », issue de son dernier disque. Très belle soirée.

https://thebonesofjrjones.com/home

https://www.facebook.com/TheBonesofJ.R.Jones/

BlauBird + Siân Pottok, le 360, 15 octobre 2026.

Pour son retour sur une scène parisienne, alors-même qu’elle en pleine préparation d’un nouveau disque, BlauBird est accompagné de son mari Olivier Slabiak (violon) et de Rémi Fox (saxophone), elle-même s’accompagnant au piano. C’est pourtant debout au tout devant de la scène que la chanteuse débute le concert, sans micro, a cappella, faisant une démonstration de son art vocal, hérité de son passé de chanteuse lyrique. Ainsi, le concert commence sur une note classique, un chœur sur un poème de Goethe, avant un surprenant virage électronique le temps de l’adaptation de « Demain, dès l’aube... », poème de Victor Hugo mis en musique. C’est ensuite que le concert trouve sa vitesse de croisière, acoustique et intime, entre piano, violon et saxophone, cet endroit sacré où les langues se mélangent s’amalgament harmonieusement - français, allemand, espagnol, mais aussi yiddish et arabe (cf. « Fairuz ») - dans cet élan humaniste et empathique qui la caractérise. C’est, comme toujours, d’une émotion intense, qui prend à la gorge, et que ses nouvelles chansons, dévoilées ce soir, ne trahissent pas. On ne ressort jamais tout à fait indemne de cet émouvant voyage au pays des souvenirs et de la mémoire.

https://blaubird.com/

https://www.facebook.com/blaubirdmusic

On se souvient que les deux chanteuses avaient partagé le micro, un soir à la Manufacture Chanson, un duo bien improbable tant leurs esthétiques respectives sont différentes, mais c’est Siân Pottok qui arrive par la suite sur scène. Jouant du n’goni, Siân Pottok (dont le nouvel album sort le 13/11) s’inscrit dans un registre afro et pop, un terreau fertile qu’elle mâtine d’influences jazz et soul, bâtissant un pont musical entre tradition et modernité, Afrique et Occident. La chanteuse est entourée d’un batteur, pour le groove, d’un saxophone (pour la note jazz) et d’un clavier (pour compléter sa panoplie musicale). Emprunt d’un message positif, pour la paix et appelant à la danse, la chanteuse nous a fait passer un excellent moment festif et coloré.

https://www.sianpottok.com/

https://www.facebook.com/sianpottokmusic/

Loner Deer, Bateau El Alamein, 10 octobre 2026

Jeune impétrant encore peu connu, Loner Deer, se présente seul sur scène armé de sa guitare folk pour ce qui est sa première apparition sur une scène parisienne. Le Bateau El Alamein, flottant sur la Seine, à la décoration faite de plantes vertes et d’objets de récupération divers et vintage, constitue un fort joli cadre pour des débuts. Assez mature, au niveau de la voix, du jeu de guitare et du songwriting, Loner Deer présente un projet artistique déjà bien abouti et propre à faire voyager le spectateur du soir. Car, selon les propres termes de l’artiste, le set se présente comme un voyage en arpèges délicats au travers de ce continent fantasmé de l’autre côté de l’Atlantique. Alternant jeu en arpèges et attaque plus franche des cordes, Loner Deer varie les ambiances tout en maintenant l’émotion intacte, en particulier grâce à son chant de gorge, modérément rugueux et aux aspérités touchantes.

https://www.lonerdeer.com/fr

https://www.facebook.com/LonerDeer

https://lonerdeer.bandcamp.com/

The Bones of J.R. Jones : « Radio Waves »

 

Derrière l’acronyme un peu barbare, les os de JR Jones, se cache l’artiste Jonathon Linaberry qui sort ces jours-ci son quatrième album. Il fut un temps, naguère, où nous nommions la chose « heartland rock ». Un art subtil consistant à faire cohabiter guitares roots, d’inspiration rock, folk ou blues (cf. « Drive »), et synthétiseurs et autres boîtes à rythmes. Une faille subtile dans laquelle Bruce Springsteen ou John Mellencamp ont réussi à se glisser dans les années 1980 avec un succès massif et grand public non démenti, et dans laquelle The Bones of J.R. Jones (ou Israel Nash pour citer un autre exemple récent) tente à son tour d’exploiter, tout en gardant à l’esprit que les années 1980 sont loin derrière dans le rétro et qu’il convient de recouvrir le tout d’un vernis contemporain. La démarche peut sembler rébarbative et nous ne cacherons pas le fait qu’il nous a fallu plusieurs écoutes attentives pour en saisir à notre tour tout le sel et la beauté. Car c’est finalement de ça qu’il s’agit dans le fond. Si elles ne sautent pas forcément aux oreilles de prime abord, émotion et feeling, sont bien les forces motrices de ce nouveau disque et habitent les guitares délicates (« Ghosts », « Waste some time », « Heart Attack », « Hills »). Une réussite.

 En concert le 16/10 au Petit Bain

http://thebonesofjrjones.com/home

https://www.facebook.com/TheBonesofJ.R.Jones/

Rock en Seine, 28, 29 et 30 Août 2026

 

(c) Marina Viguier

Kurt Vile (c) Emilie Bardalou

The Black Keys (c) Olivier Hoffschir

Wilco (c) Olivier Hoffschir

La diversité de la programmation fait qu’il est tout à fait possible, pour tout à chacun d’assister à un festival différent, transformant le week-end de chacun en une expérience unique. Pour notre part, la journée du vendredi 28 Août a été placée sous le signe des musiques roots/americana. On débute ainsi notre week-end en compagnie de l’attachant songwriter Kurt Vile, une sorte de fils naturel de Neil Young ou de Bruce Springsteen, équipé d’une sacrée collection de guitare. Au fil du temps l’écriture de Vile a évolué vers un son plus « moelleux », enrobant l’auditeur, délaissant même la guitare au profit des claviers, pour atteindre un juste équilibre entre folk, rock et psychédélisme. Ses riffs de guitare en particulier tournant en boucle dans une sorte de répétition hypnotique entêtante. Les concert s’enchaînant les uns aux autres en cette première journée, c’est avec un petit quart d’heure de retard (le temps de traverser le site du festival de part en part) que l’on a retrouvé les Black Keys, en très grande forme. Il y a fort longtemps que le groupe ne se contente plus de la formule en duo batterie/guitare qui les a fait connaître pour apparaître sur scène comme un groupe complet avec percussion, claviers et tout le toutim. Une démarche qui a pour avantage d’étendre le son du groupe en fonction des nouveaux intervenants. Et surtout quand on compte dans ses rangs un certain Little Barrie (guitariste du groupe du même nom, fraîchement signé sur le label de Dan Auerbach, ceci expliquant cela) un véritable génie méconnu de la guitare et probablement le meilleur guitariste britannique à l’heure actuelle. En tout cas l’association fait des merveilles et le mélange des deux guitares offre des moments fabuleux en autant de soli ravageurs. A noter une très bonne reprise de « I wanna be your dog » des Stooges. On n’en revient toujours pas qu’un groupe autant épris de blues, de soul et de rock garage ait pu rencontrer un succès aussi massif. On termine cette première journée avec un petit événement, le concert de Wilco (avec toujours ce quart d’heure de retard qui nous fait rager), tant la formation de Jeff Tweedy se fait rare sur scène par chez nous. Autant dire que ça valait le coup d’être là tant la prestation du soir fût magnifique. Ancré dans le folk, le rock voire l’americana, Wilco réussit à aborder ces genres, codifiés à l’extrême, avec une véritable originalité et un angle expérimental qui peut dérouter, surtout quand la batterie prend toute la place. La qualité d’écriture et la justesse de l’interprétation nous fait passer un excellent et termine cette journée sur une note particulièrement plaisante.

Dynamite Shakers (c) Olivier Hoffschir

Grandma's Ashes (c) Antoine Jaussaud

Gwendoline et Futur Composé (c) Olivier Hoffschir

Jessica93 (c) Antoine Jaussaud

Si le vendredi fût roots, le samedi fait place à la scène francophone. On débute avec un groupe que l’on apprécie tout particulièrement, les Vendéens de Dynamite Shakers qui viennent tout juste de sortir leur deuxième album qui devrait finir de placer définitivement le groupe sur orbite. Un peu moins obnubilés par les mods sixties, le quatuor hausse le ton, quasiment punk par moment, s’essaye au français, reprenant au passage les Rita Mitsouko, et fait tourner le micro, partageant le chant. Une mue plutôt réussit d’après la prestation énergique à laquelle nous avons assisté. Un autre groupe en pleine mutation est le trio féminin Grandma’s Ashes. Plus mélodique, tantôt d’inspiration grunge et tantôt emprunt d’atmosphère planante, la musique du trio reste séduisante. Le passé métal du groupe ressurgit parfois brutalement au détour d’une attaque sèche de guitare ou d’un phrasé guttural de la voix. Place ensuite à une création originale, suffisamment rare pour être souligné, scellant la rencontre du duo cold wave Gwendoline et des musiciens, souffrant d’autisme, de Futur Composé. Une bien belle rencontre, prenant aux tripes, qui offre des moments de liesse musicale, le public, assez chaud, répondant de belle manière à la proposition musicale, même lors des reprises de « Macumba » de Jean-Pierre Mader ou de « L’amour à la plage », marquée par l’envolée jazz du piano, de Niagara. Pour finir enfin, un petit retour sur la prestation de Jessica93. Souffrant d’un manque manifeste de moyens, ce dernier fait tout en solitaire, alternant basse et guitare, aidé dans sa besogne par un système de boucles. Loin de provoquer l’hallali, le dispositif souligne la démarche profondément originale du musicien. En effet, la répétition forcée des thèmes dégage quelque chose qui relève à la fois de l’hypnotique et de la cold-wave dark, une esthétique contrariée par les accents métalliques de la guitare. Beau et troublant à la fois.

Slowdive (c) Roxanemo

Interpol

The Cure (c) Roxanemo

A chaque journée sa thématique, celle du dimanche, sera sous le signe du revival cold wave. On débute sur la grande scène avec les mythiques Slowdive, une institution de ce qu’on appelait autrefois, dans les années 1990, le shoegazing et que l’on désigne maintenant sous le terme de post-punk. Glacé, envoûtant, le groupe n’a rien perdu de son attrait au fil des années ! Magnifique. Cette année 2026 sera marquée par le renaissance d’un groupe sur lequel on ne misait plus un kopeck depuis longtemps, les New-Yorkais d’Interpol qui viennent de sortir un magnifique album, leur meilleur depuis au moins 20 ans ! Si les nouvelles chansons, lentes et éthérées, délaissant parfois la guitare pour le piano (instrument sur lequel le guitariste Daniel Kessler semble un peu gauche) ont plus de mal à passer le test de la scène, le groupe ressort ses vieux tubes (« Obstacle 1 », « Slow Hands », « NYC » etc.) pour notre plus grand plaisir ! Le mélange des deux approches crée un set assez équilibré, toujours marqué par la voix de stentor de Paul Banks (avec le guitariste Daniel Kessler il s’agît là des deux seuls membres originaux du groupe présent sur scène ce jour). Un retour en grâce. Place enfin pour finir à la pièce de choix de ce week-end, le groupe qui a lui seul a rempli le site du festival, The Cure pour la dernière date de sa tournée estivale. Une formation renforcée par la présence d’Eden Gallup (le fils de Simon) qui remplace le regretté Perry Bamonte (hélas décédé fin 2025) à la guitare et aux claviers. Un choix qui semble judicieux et qui, à l’oreille, renforce la cohérence sonore de l’ensemble. Le set ne présente pas de nouveau titres, mais réserve une surprise de taille aux fans : « Secrets » un titre ultra rare extrait de « Seventeen Seconds » ! Pour le reste, la collection de tubes reste impressionnante, comme d’habitude chez eux, et restera marquée par une image inédite, celle de Robert (qui a forci et s’est épaissi avec les années) et de Simon épaule contre épaule durant la magnifique « Burn » (extraite de la B.O. du film « The Crow »), offrant une rare image d’intimité entre les deux musiciens. Reeves Gabrels, l’ancien guitariste de Bowie, s’intègre de mieux en mieux au groupe et évite les dérives hard rock 80s qui marquaient ses prestations précédentes avec le groupe. Si on regrette l’absence totale de titres issus du chef d’œuvre « Pornography », l’ensemble reste de très haute volée, remémorant une foule de souvenirs qui suffisent à notre bonheur du soir.

Alicia Witt, The Mixtape, 25 Août 2026

La nouvelle est arrivée comme une surprise, Alicia Witt, comédienne bien connue pour son travail avec David Lynch ou pour avoir joué dans la série Les Sopranos, sort un nouvel album (le 28 Août) intitulé « Between Heaven and Earth »). Son huitième, et dire que jusqu'à présent on ignorait totalement qu'elle chantait ! Une excellente surprise donc ! Cette semaine, Alicia a donné son tout premier concert en France (un showcase plutôt) dans le cadre intimiste de la Mixtape, un disquaire niché aux Abbesses. La foule s'est donc précipitée dans l'endroit, assez petit et donc rapidement rempli, pour écouter la chanteuse, seule au piano. Première constatation, Alicia Witt a été formée au piano classique et cela s'entend, dans sa manière d'organiser les harmonies, les mélodies et aussi dans son jeu. C'est donc avec ce prisme bien particulier que la chanteuse aborde la pop music. Ses chansons sont empreintes de classicisme, quelque part entre Tom Waits et Carole King, et une voile mélancolique se pose sur ces dernières, Alicia a également un grain de voix à l'avenant pour ce style de musique, qu'elle chante, qu'elle susurre, qu'elle pousse dans les aigus, une émotion palpable émane de sa musique. Très belle découverte d'un talent bien caché jusqu'ici !

https://www.facebook.com/alicia.witt/

Blues Corner : « All What We Are »

 

On peut-être un groupe indépendant, spécialisé dans un genre, le blues, boudé et incompris dans ce pays, et, pourtant, déborder d’ambition. Prenez Blues Corner par exemple qui, faisant fi de la crise actuelle, n’a pas froid aux yeux au moment de se jeter dans le grand bain. Un double-album, 16 titres, marqué par des collaborations prestigieuses avec des invités marquant de la scène nationale (le guitariste Fred Chapellier), européenne (Marco Cinelli) et internationale (Sonny Landreth). Rien que ça ! Et le résultat est plus que convaincant, mû par une belle dynamique (« Music is King ») croisée avec un soupçon d’americana (« Our Legacy »). Voix soulful, belle maîtrise instrumentale (guitares, harmonica, claviers, section rythmique) : le résultat devrait faire des étincelles sur scène. Belle découverte, belle réussite !

https://www.facebook.com/bluescorner92officiel

SITE OFFICIEL

Marco Bartoccioni : « Bartok »

 

La scène italienne ne cesse de produire des artistes étonnants, dans le champs des musiques qui nous captivent, dont le point commun est, toujours, d’être impeccablement sapés ! Après Superdownhome, voici donc venu Marco Bartoccioni, aka Bartok qui n’entretient, bien évidemment, aucun rapport avec Béla Bartók (le pianiste et compositeur hongrois). Non le Bartok qui nous occupe aujourd’hui évolue dans le champ du blues, auquel il conviendrait d’adjoindre le qualificatif « rock » tant est impressionnante l’énergie ici déployée ! Première singularité, à l’exception de la batterie, Marco fait absolument tout en solitaire (avec quelques invités quand même). Véritable one man band à lui seul, Marco a décidé d’élargir au possible la palette des instruments utilisés. A la guitare lap-steel dont il joue, étonnamment, debout Marco adjoint une touche électronique. Ce genre de crime de lèse majesté, qui d’ordinaire nous fait bondir, passe ici étonnamment bien et c’est une surprise. Et même un véritable plus au niveau rythmique, qui passe à la vitesse supérieure (« I’ve got no money »), ajoute du groove (« Wild Dogs ») et se marie bien aux guitares saturées, la véritable signature de l’artiste lorgnant avec insistance du côté du rock’n’roll. Et même si Marco se fait fort de faire chauffer les amplis, l’émotion et le feeling ne sont jamais absents du disque (« Love is gone » ; « Burn in your soul » dédiée à son père récemment décédé). Une bonne surprise venue de l’autre côté des Alpes.

https://www.marcobartoccioni.com/

https://www.facebook.com/marco.bartoccioni.18

Franck Carducci : « Sheeple »

« Nul n’est prophète en son pays » ; ce célèbre adage, Franck Carducci pourrait aisément le faire sien. Célébré dans toute l’Europe, en particulier en Allemagne et en Angleterre, Franck Carducci, signé sur le vénérable label anglais Cherry Red, et qui a fêté la sortie du présent album avec un concert au mythique Cavern Club de Liverpool (quel autre artiste français peut-il en dire autant ?), reste largement inconnu, voire ignoré, en France, son pays natal. Il faut dire que Franck ne s’est pas facilité la vie en choisissant de s’exprimer dans un style ne valant que misère, commisération voire moqueries par la presse de chez nous : le rock progressif. Quel dommage ! Car pris tel que, sans aucune considération, l’album est de très haute facture. Porté par deux piliers « The Betrayal of Blue » (10 minutes) et « Love or Survive » (13 minutes) l’album dévoile un univers cinématographie au long cours, virtuose où les mélodies se développent en des courbes étonnantes. Entre les deux, Franck s’adonne, avec bonheur, à un classic folk/rock qu’il semble affectionner (« Sweet Cassandra » et son harmonica ravageur) balançant entre orgue groovy et guitares abrasives (« Self Righteousness » ; « The Limits of Freedom ») où son sens de l’attaque à la six cordes fait des merveilles. Vraiment, l’album a tout de la pépite secrète. Et en plus la pochette est sublime !

https://www.facebook.com/franckcarducci/

https://x.com/franckcarducci

https://franckcarducci.com/

https://franckcarducci.bandcamp.com/

The Wooden Wolf : « Indigo Prayers » Op.8

 

Sur ce huitième album (et oui déjà huit albums pour cet artiste qui jusqu’à ce jour avait totalement échappé à nos radars) le Franco-Canadien Alex Keiling livre un album folk à l’os. Le musicien place l’idiome dans un territoire assez sombre et hanté, où son chant, habité et profond, évoque des destins tragiques entre autres paroles empreintes de gravité. Instrumentation réduite, l’album est toutefois assez varié entre folk écorché et quelques envolées électriques. Arrivé à ce niveau l’économie de moyens, outre le fait qu’elle soit, on l’imagine, en partie imposée, relève d’un véritable choix esthétique. Celle d’une musique, criante de vérité, mais de douleur aussi. Une mise à nu musicale qui place The Wooden Wolf sur le sentier torturé (dont on ressort rarement indemne) emprunté autrefois par Songs:Ohia (Jason Molina) ou Kurt Cobain, à l’époque où ce dernier enregistrait l’album « MTV Unplugged ».

https://www.facebook.com/thewoodenwolf

https://thewoodenwolf.bandcamp.com/album/indigo-prayers-op-8

Rodney Crowell : « Then Again »

 

Le vénérable Rodney Crowell vient de vivre une expérience particulière, celui de retrouver un album, enregistré majoritairement en 2006 (avant même l’existence de ce blog), jamais sorti à l’époque et qu’il avait, dans l’intervalle, totalement oublié, ajoutant ainsi son obole à cette légende rock des albums perdus. Revenant sur cette expérience, Crowell indique : « quelque chose ne sonnait pas bien à l’époque » et on se demande bien quoi ! Entouré d’une équipe de fines lames (Crowell admet sans peine qu’il s’agît là de son meilleur groupe) et de quelques invités de prestige, Benmont Tench (Tom Petty) à l’orgue et Lyle Lovett, Crowell accouche d’un excellent album americana, entre folk et country teinté d’une énergie rock (l’étonnante « Whatcha Gonna Do Now # 2 »), tantôt enjoué (« Bring It on Home To Memphis ») ou délicatement arpégé (« I Won’t Lie » qui ouvre les débats avec grâce). Encore mieux, avec la patine du temps, l’album gagne en émotivité. On pense notamment au bassiste Michael Rhodes et à Guy Clark (avec qui Crowell partage le duo « Are You One of Us ? ») tous deux décédés depuis. La voix de Crowell elle-même a changé avec le temps. A ce magnifique programme, Crowell a rajouté deux inédits : l’émouvant « If I Could Speak To Leonard », en hommage à Leonard Cohen, également décédé depuis, et le duo « Go Light A Candle » avec Emmylou Harris et Lera Lynn. C’est un tout cas un pièce de choix qui s’ajoute à la discographie de ce géant du songwriting, il aurait été dommage d’en avoir été éternellement privé.

https://www.facebook.com/RodneyCrowellOfficial

https://rodneycrowell.com/