An Interview with Eugene McGuinness (english edition)

(c) Dean Rogers

I was listenning to your first two albums and i thought that it sounded like a blueprint, rough patches that led to « the invitation to the voyage ». How would you describe the way you evolved as a songwriter ?

Eugene McGuinness : Very naturally between 2007 and now. My first release « The early learning of » was meant to be a 4 tracks ep. I wasn't even on Domino Records back then. Lawrence from Domino has found out about me early on. The first two albums i wasn't thinking about me as some sort of an entity. I was exploring all types of songs. A year before that i was recording demos in my rooms and those first two records are showing that progression rather than a big pop album. That would have been wrong to do that anyway, i was still learning i was 20 years old. The first album is called « The early learning of Eugene McGuinness » even then i knew what it was... It's actually a bunch of songs and the songs are different from each other. It still is actually. I don't want to be seen as a songwriter or a guitar hero. I'm in-between a few things. But it's very honest, i have developped in a very honest and open way. I like the fact that i sound like a 20 years old on the first album and just a year later i have my own band and it's a lot more mature. Nothing happens suddenly. Even in England people expect sort of dramatic changes instantly. My latest album (« The invitation to the voyage ») may sound like one of those dramatic change if i did it sooner but i have disappeared for the last two years.

Do you think you have found your sound yet ? Is it even possible to find a sound ? It's always evolving...

E McG : Yeah, it is always evolving. But there is a way i like to operate now. It's hard to describe but this way i know what i don't want to do. I haven't found a definitive sound or way of recording yet because i think by that point it kind of killed what you wanna be doing. I like the idea of not knowing what i'm gonna do on the next album. I knew what i wanted to do with that album and i did it but i didn't know what it's gonna sound like. It's inspiring going into something a bit blind to it. A blues album, a mod or an electro album, it's not as simple as that. I know how those records sounds like and i like that but to me in order to record in the first place it has to carry intrigue on my part. I do records to find out what they're going to sound like (laughs).

It's a work in progess...

E McG : Yeah but in a good way. It's not incomplete but I like experimenting.

Listenning to « The invitation to the voyage » i thought, wow he's not afraid to take chances, to try something new to stretch out of your comfort zone...

E McG : I think i get bored otherwise. But i wanted to make as simple as possible to me. I wanted to focus on the singing really. I wanted to do a singing album, with it's own voice. After that it kind of opened completely. The songs were written on a guitar or a piano but i wanted to do it in a sort of widescreen way. Grand modern. In an another way i made it simple because it's all about the voice. Each background suits each different songs.

Speaking of which, you used to play guitar in Miles Kane band and yet it's not a guitar album...

E McG : No really no. On a couple songs maybe. Every thing kind have an equal footing. There is different types of songs on the album and there is different ingredients necessary for each thing. I wanna do more guitar stuff, i like putting different extremes into it. I don't like to make everything just fit together. That does happen but that's just an happy accident. I am more interested in seeing the extreme of what you can do rather than trying to make everything work in one thing.

The track « Shotgun » seems to be very important in your career. Not only it's the first time you use a sample (from the Peter Gunn theme) but you build a whole song around it. How did you get in touch with the « Peter Gunn theme » ?
E McG : I was in a van touring playing Tricky's  « murder weapon » who used that sample. I have already recorded some parts of the album and i was touring, i wanted to sample something, just for fun. I didn't think of releasing anything. I remembered the Peter Gunn Theme from the cartoons i used to watch as a kid. « Murder Weapon » sounded amazing and i thought i have to use that sample. I didn't really care about how the songs was going to sound like or anything. It was just pure fun in the studio. I mean i write songs what would be the most unexpected thing to do ? Stealing from somebody else! And we did in just a couple of hours in the studio. You have more freedom when you're using samples because you just play off it. Instead of building something off you. It's something i wanna do more. Having fun instead of being Mr Serious Songwriter.

I am an huge fan of Mersey Beat and Garage rock n'roll...

E McG : The La's ?

Yeah it's actually one of my favourite album ever. But anyway, I think « Lion » might be my favourite track on the album...

E McG : « Lion », yeah ! I think it's my favourite tune too ! It is mad !

It's also a new thing for you that 60's surf music kind of sound...

E McG : Not really, « Nightshift » has a little of « Lion » in it. But « Lion » is like a full version. Anyway i like surf guitar and i want to do more things like that.

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You have cut one album (« Glue ») as Eugene and The Lizards. Was it a one time kind of thing ? Is the band still active ?

E McG : That was mainly about working with my brother (Dominic, keyboard player). He was very young at the time. He's still in the band. We've called it Eugene and the Lizards but, really, it should have been called The Lizards. I was signed to Domino Records so i could get it released. Dominic did a lot on that record. That's what is going to happen in the future, i'm gonna work a lot more with my brother. It's gonna be called that. It's gonna be more open, we'll share the singing. We had 4 days in the studio to record a B side to « Wendy Wonders ». It's a lot of time for one single song. We did the album in three days and mixed it on the fourth day. I didn't say anything to anybody at the label ! It's a quick, garage rock thing. A Modern Lovers thing. We like it. It's the opposite of « The invitation to the voyage », on which we spent a long time. But i like the lizards thing, it was one moment.

The latest album is called « The invitation to the voyage ». Do you think music is a lifelong trip ? And if it is, where do you want to take your audience ?

E McG : It is, i was touring with Miles (Kane) when i wrote the album, i was travelling a lot. As you get older, if you have an interest in life, things happened to you. And certain things, about you change. And you can't do anything about that. And other things stay the same. And you can't do anything about that either. And that's interesting. The music reflects that. But the identity that makes you unique in the first place shouldn't change.

The core...

E McG : Yeah, the core that get you involved in the first place and put you in that position.

So what would be your thing then ?

E McG : The voice i would say. Everything else could change, but the singing... There is a lot of amazing singers you know... My voice, it's the one thing i'm very proud of. It's my thing.

If tomorrow you can join any band at all on earth...

E McG : The Beatles !

I was hoping you would say The Smiths or The Stone Roses...

E McG : Not The Smiths. The Stone Roses would have been fun. Primal Scream also. But no, it's The Beatles. I would have play the whistle on the background for them (laughs) ! I would have play anything. Easily.

When you travel do you realize how big is the influence of British music on the rest of the world ?

E McG : In certain places yeah. France. It's an identity. Globally. We don't realize it in England because we're all so self-interested. If you ask me about french, italian or brazilian music, there would be stuff that i love, obviously but my knowledge is very limited. Our music and culture has traveled not only in France but way beyond. And you realize that when you travels. Australia, Brasil, Mexico, it's really there. To see an Brazilian mod, it's a mad thing. Weird. But i don't think there is anything happening in England at this moment which is that great. In terms of rock n'roll, The Australians are stealing it.

Many thanks to Eugene for being such a cool guy and to the domino france team for putting this together.

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Rencontre avec Eugene McGuinness

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Attablé dans le café de la Maroquinerie, quelques heures avant de monter sur scène, Eugene McGuinness, est fidèle à son image de nouveau dandy de la pop anglaise, impeccable et le brushing bien en place. Hyper professionnel et pourtant accessible, Eugene s'est confié sur ses motivations musicales et la génèse de son dernier disque en date, l'excellent « The invitation to the voyage ». Rencontre un petit mois avant de retrouver Eugene à Rock en Seine...

En écoutant tes deux premiers albums, j'ai eu l'impression qu'il s'agissait d'ébauches qui ont mené à « The invitation to the voyage ». Comment décrirais-tu la façon dont tu as évolué en tant que songwriter ?

Eugene McGuinness : Cela été très naturel entre 2007 et maintenant. Mon tout premier disque, « The early learning of » devait être un EP de quatre titres. Je n'étais même pas signé chez Domino à l'époque. Lawrence, de Domino m'a découvert assez tôt. A l'époque des deux premiers albums, j'explorais différents types de chansons. Un an avant le premier album, j'enregistrais des démos dans ma chambre. Et les deux premiers albums montrent cette progression. Cela aurait sonné faux de toute manière pour moi de faire un gros album pop, j'avais 20 ans, j'étais encore en train d'apprendre. Mon premier disque s'intitule « The early learnings of... » (Les premières leçons de), déjà à l'époque j'étais conscient. Il s'agit en fait d'une collection de chansons qui sont toutes très différentes les unes des autres. C'est toujours le cas en fait. Je ne veux pas être perçu comme un songwriter ou un guitar-hero. Je suis au milieu de tout un tas de choses. Mais bon je me suis développé d'une façon très ouverte et honnête. J'aime le fait que sur mon premier disque, je sonne comme un mec de 20 ans et un an plus tard j'ai mon propre groupe et cela sonne de façon beaucoup plus mature. Rien n'arrive soudainement. Surtout en Angleterre ou tout le monde s'attend à des changements dramatiques. Mon dernier album aurait pu être un de ces changements, surtout si je l'avais fait plus rapidement, mais j'ai disparu pendant deux ans.

Est-ce que tu penses avoir trouvé ton style ? Est-ce possible de se trouver un style, par essence, la musique est en constante évolution...

E McG. : C'est vrai cela évolue tout le temps. Mais j'ai maintenant trouvé la façon dont j'aime faire les choses. C'est difficile à décrire mais de cette façon, je sais ce que je n'ai pas envie de faire. Je n'ai pas encore trouvé un son ou une manière d'enregistrer définitive parce que je pense que d'une certaine façon cela tue tes envies. J'aime ne pas savoir ce que je vais faire sur mon prochain disque. Je savais ce que je voulais faire avec ce disque ci, et d'ailleurs je l'ai fait, mais je n'avais aucune idée de la façon dont le résultat allait sonner. C'est inspirant de faire les choses un peu à l'aveugle. Un album de blues, mod ou électro, je sais comment ces disques sonnent et j'aime ça d'ailleurs, mais pour moi avant même d'enregistrer, je dois d'abord être intrigué. Je fais des disques pour découvrir ensuite comment ils vont sonner (rires) !

C'est un travail en cours...

E.McG : Oui mais c'est positif, pas incomplet. J'aime expérimenter.

En écoutant « The Invitation to the voyage », je me suis dit, wow il n'a pas peur de prendre des risques, d'essayer des choses nouvelles, de sortir de sa zone de confort...

E.McG : Je pense que je m'ennuie assez vite autrement. Mais en même temps je voulais faire un disque très simple. En fait, je voulais me concentrer sur le chant. Je voulais faire un album « chanté », avec de la voix. Après tout s'est développé. A la base toutes les chansons ont été écrites à la guitare ou au piano mais je voulais faire un disque en « cinémascope ». Quelque chose de grand, de moderne. Mais d'un autre côté c'est un album très simple. Tout est fait pour la voix. Chaque fond musical habille chaque chanson.

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En parlant de cela, avant tu jouais de la guitare dans le groupe de Miles Kane, et pourtant tu n'as pas fait un disque de guitariste...

E.McG : Non vraiment pas. Sur quelques chansons peut-être. Tous les ingrédients du disques sont sur un pied d'égalité. Les chansons sont très différentes les unes des autres et il y a tous les ingrédients nécessaires pour chaque titre. J'aime bien chercher les différentes extrêmes dans tout ce que j'écris. Je n'aime pas que tout colle parfaitement bien ensemble. Quand cela arrive c'est juste un heureux hasard. Je préfère chercher les extrêmes dans chaque chanson plutôt qu'un grand ensemble ou tout fonctionne dans le même sens. J'ai envie de faire plus de choses à la guitare.

Ta chanson « Shotgun » me semble être un pas important pour toi. Non seulement c'est la première fois que utilise un sample (celui de « Peter Gunn », ndlr) mais tu as bâti tout ton titre autour. Comment as-tu connu la chanson « Peter Gunn » ?

E.McG.: J'étais en tournée, on écoutait « Murder Weapon » de Tricky qui l'a samplé en premier. J'avais déjà commencé l'enregistrement du disque, je voulais utiliser un sample, juste pour le fun. Je ne pensais même pas sortir ce titre. Je me souvenais de « Peter Gunn » des dessins animés quand j'étais petit. « Murder Weapon » c'est un morceau incroyable, j'ai décidé qu'il fallait que j'utilise ce sample. Je me foutais complètement du résultat. C'est juste du fun. Tu vois, j'écris des chansons, quel est le truc le plus inattendu que je pouvais faire ? Voler le son de quelqu'un d'autre ! « Shotgun » on l'a fait en deux heures. Tu est plus libre quand tu utilise des samples. C'est juste de l'amusement. Plutôt que de construire quelque chose qui vient directement de toi. C'est quelque chose que je veux faire plus souvent, avoir du fun plutôt que d'être « Monsieur l'auteur sérieux ».

Je suis un grand fan de Garage rock et de Mersey Beat...

E.McG (il coupe) : Les La's ?

Oui en effet, c'est un de mes albums préférés de tout les temps. Enfin tout ça pour dire que ma chanson préférée sur l'album c'est « Lion »...

E.McG. : Ah « Lion »... Je crois que c'est ma préférée aussi !

C'est nouveau pour toi, ce son un peu surf, 60s...

E.McG : Non pas vraiment. « Nightshift » (sur l'album précédent, ndlr) avait un peu de « Lion » aussi. Disons que « Lion » est une version plus développée. Quoi qu'il en soit, j'adore la guitare surf, j'ai envie de faire plus de choses dans ce style.

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Tu as enregistré un album « Glue » sous le nom d'Eugene and the Lizards. C'était un coup unique ? Le groupe existe-t-il toujours ?

E.McG : C'était surtout pour travailler avec mon frère, Dominic (le clavier, ndlr). Il était très jeune à l'époque, d'ailleurs il joue toujours avec moi aujourd'hui. J'étais déjà signé chez Domino à l'époque ce qui nous a permis de sortir le disque. On a appelé le projet Eugene and the Lizards mais on aurait dû l'appeler The Lizards. Dominic a beaucoup travaillé sur ce disque. C'est d'ailleurs ce qui va arriver dans le futur, je vais travailler de plus en plus avec mon frère. On changera le nom, cela sera plus ouvert, on se partagera le chant. Pour en revenir à l'album avec les « Lizards » on avait quatre jours de studio pour enregistrer la face B de « Wendy Wonders ». C'est beaucoup de temps pour une seule chanson. Cet album avec les Lizards on l'a fait en trois jours et on a mixé le quatrième. Le label n'était même pas au courant ! C'était un truc rapide, garage un peu à la Modern Lovers. Je l'aime beaucoup ce disque. En un sens c'est l'opposé de « The invitation to the voyage » sur lequel on a passé beaucoup de temps. Mais j'aime beaucoup cet album avec les Lizards, c'était à un moment donné...

Pour en revenir à ton dernier disque, « The invitation to the voyage », penses-tu que la musique est le voyage d'une vie ?

E.McG. : Ca l'est. J'étais en tournée avec Miles (Kane, ndlr) quand j'écrivais le disque, tout le temps en train de voyager. Tu vieillis, il t'arrive des trucs. Et il y a certaines choses chez toi qui changent et tu n'y peux rien. Et puis d'autres choses restent identiques et tu n'y peux rien non plus. C'est intéressant, cela se reflète dans la musique. Mais ton identité, qui te rends unique, ça ça ne devrait jamais changer.

Le noyau dur...

E.McG. : Oui le noyau dur qui fait qu'aujourd'hui tu est impliqué dans la musique.

Et quel serait ton truc alors ?

E.McG. : Je dirai la voix. Tout le reste peux changer mais pas la voix. Il y a beaucoup de chanteurs incroyables tu sais... Ma voix c'est la chose dont je suis le plus fier. C'est moi.

Si je te dis que demain tu peux rejoindre n'importe quel groupe sur Terre...

E.McG. : (il coupe) Les Beatles !

J'espérais que tu allais dire Les Smiths ou les Stone Roses...

E.McG. : Non, pas les Smiths. Les Stone Roses, cela aurait pu être fun. Primal Scream aussi. Mais non je reste sur les Beatles. Pour eux, j'aurais sifflé dans le fond ou n'importe quoi d'autre (rires) ! Sans problème !

Quand tu voyage, prends-tu conscience de l'influence de la musique britannique sur le reste du monde ?

E.McG. : Dans certains pays comme la France, oui. En fait le rock anglais, c'est quelque chose de global, une identité. En Angleterre, on ne s'en rends pas vraiment compte, on est tellement auto-centrés. Si tu me pose des questions sur la musique en France, en Italie ou au Brésil, il y a probablement des choses que je devrais adorer, mais je m'y connais tellement peu... Notre culture a voyagé non seulement en France mais bien au-delà. Et cela tu t'en rends compte en voyageant. En Australie, au Brésil, au Mexique, la culture anglaise est très présente. Voir des mods Brésiliens, c'est un truc dingue. Bizarre. Mais je ne crois pas qu'en ce moment il y tant de groupes géniaux en Angleterre. En ce qui concerne le rock n'roll, les Australiens nous l'ont volé.

Propos recueillis le 9 février 2012.

En concert le 24 août (Rock en Seine).

Un grand merci à Eugene pour sa gentillesse et sa disponibilité et à l'équipe de Domino France pour avoir organisé cette rencontre.

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Big Festival, Biarritz, 18 juillet 2013.

Deuxième étape de notre transhumance festivalière estivale, avec le Big Festival de Biarritz, on passe d'une plage à l'autre, du lac du Malsaucy à l'océan Atlantique, pas mal du tout, on a connu pire. Spot de surf reconnu au niveau européen, qui une fois l'été venu, attire une foule jeune et bigarrée, il était inconcevable que Biarritz ne possède pas son festival rock estival. C'est désormais chose faîte avec le Big Festival qui fête cette année son cinquième anniversaire. Mais contrairement à ce qui se passe aux Eurockéennes de Belfort ou à Rock en Seine, le Big Festival ne se contente pas d'enchaîner les concerts sur plusieurs scènes d'un même site, mais multiplie les événements (dont certains sont gratuits) dans plusieurs endroits de la ville. Nous nous retrouvons pour notre part au Stade Aguiléra, qui accueille les « big live ». La capacité du stade a été réduite pour l'événement qui ne mobilise que la moitié de la pelouse, recouverte d'une immense bâche en plastique bleue. Une seule demie-tribune est ouverte au public (en grande partie espagnol) ce qui assure aux spectateurs présents, une assez bonne visibilité. On commence avec un jeune talent venu de l'autre côté de la frontière, John Berkhout, pour une prestation assez décevante. Mélange entre pop et folk planant, teinté d'arrangements électro-ambient, la musique de John Berkhout ne décolle jamais réellement. C'est à peu près aussi passionnant que le dernier effort du très décevant Asaf Avidan, passons... Un des grands plaisirs d'un festival, c'est de tomber sur la révélation, l'artiste que l'on ne connaît ni d'Eve ni d'Adam mais qui va vous clouer sur place. C'est exactement ce que l'on a ressenti en découvrant ce soir là l'excellent Jonathan Wilson. Originaire de Caroline du Nord mais installé en Californie, à Laurel Canyon (cela ne s'invente pas!), Jonathan Wilson baigne dans le son des années 1960/1970. Sa musique est un savoureux mélange de pop psychédélique et de folk, légèrement teinté de blues, avec une appétence particulière pour la jam. Magnifique ! Un petit air californien plane dans le ciel basque en cette nuit d'été, dans la lumière de fin de journée, c'est parfait. On retrouve ensuite l'excellent bluesman Gary Clarke Junior qui une nouvelle fois délivre ses riffs ternaires avec son efficacité habituelle entre le style typique de Chicago et le gros son rock. On note que souvent, Clarke aime bien lancer des petits clins d'oeil à Jimi Hendrix au détour d'une chanson. Les compositions de Clarke Junior sont assez longues et parsemées de longs passages instrumentaux, accentuant l'aspect jam band du quatuor. C'est une fois de plus très plaisant. Place ensuite à la grosse affaire de la soirée, la tête d'affiche, le légendaire Neil Young and Crazy Horse que l'on peut admirer dans de bien meilleures conditions qu'il y a un mois et demi à Bercy. Le loner livre cette fois ci une prestation « au naturel » débarrassée des habituels oripeaux (les amplis géants, les roadies en blouse blanche etc...). Accompagné de son fidèle destrier fou, Neil Young a traversé de longs déserts électriques et psychédéliques. Les morceaux sont longs, très longs et parsemés de passages instrumentaux. Beaucoup de nouveaux titres et de grands classiques (« Love and only love », « Rockin' in the free world », « Hey Hey my my » et un très surprenant « Mr Soul » en ces lieux, puisque ce titre est crédité à Buffalo Springfield et non Crazy Horse. A noter un magnifique intermède acoustique indispensable à tout concert de Neil Young : « Heart of gold », « Blowin' in the wind » (reprise de Bob Dylan) et une chouette composition au piano pour finir. Au milieu du concert un intermède hommage à Woodstock a eu lieu avec diffusion d'images d'éclairs et bruits de pluie (on entends exactement la même chose sur l'album « live rust »). C'était chouette.

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Eurockéennes de Belfort 2013.

Jeudi 4 juillet : Comme chaque année, le spectacle commence dès la navette qui nous mène au superbe site du Malsaucy, entre lacs et sous bois, où se tiennent les eurockéennes de Belfort, gorgé de soleil pour cette édition 2013 qui marque le 25^ème anniversaire du festival. Les hostilités commencent avec Gary Clark Junior, bluesman digne représentant d’un style généralement assez peu mis à l’affiche sur les gros festivals rock en plein air. Si Clark Junior respecte à la lettre l’idiome ternaire, son art consommé du riff et ses guitares sont suffisamment puissantes pour contenter le nombreux public de la grande scène (et faire hurler les puristes). On file ensuite dans le superbe écrin de la scène de la plage profiter de la pop onirique et rêveuse des anglais d’Alt-J. Chœurs dignes des Beach Boys, délicats arpège de guitare, la pop d’Alt-J est également très rythmée. Le travail du batteur est assez original, sans cymbales mais avec une profusion de percussions. Avec le lac en toile de fond, le coucher de soleil et la lumière du jour finissant, c’est magique.

Vendredi 5 juillet : Retour sur la plage pour découvrir en live la nouvelle sensation rock du moment le duo féminin Deap Vally, nouvelles chouchous de Marilyn Manson. Verdict assez mitigé, c’est plutôt entraînant et bien fait à défaut d’être original. La formule du duo guitare/batterie devient peu à peu un cliché du rock des années 2000. On prend ensuite la direction de la Green Room retrouver le barbu Matthew E. White. Songwriter élégant, entre pop, soul et folk, il y a quelque chose de profondément délicat dans la musique de Matthew E. White, à tel point que sa présence peu sembler anachronique dans un festival ou le lâcher de décibels est légion. Et pourtant ça fait du bien ! Batterie, percussions, lap-steel, claviers vintage, Matthew E. White sort les grands moyens pour séduire le public, peu nombreux au début mais qui s’agglutine vite. Les chansons sont entrecoupées de longs passages instrumentaux où les musiciens entrent comme en transe. A noter une très belle reprise de « Are you ready for the country » (Neil Young), le site du Malsaucy s’est trouvé un nouvel hippie. Changement d’ambiance pour finir avec The Smashing Pumpkins. Soyons honnêtes, un an après la sortie d’ Oceania, un album très largement en dessous des standards habituels du groupe, c’est surtout par nostalgie que l’on s’est rendu sur le site de la grande scène pour admirer les citrouilles de Chicago. Et là surprise c’est groupe totalement régénéré que l’on (re)découvre. Le guitariste Jeff Schroeder semble enfin avoir trouvé sa place dans cette nouvelle formation, et le concert montre une véritable collaboration entre lui et Billy Corgan. Les guitares discutent entre elles, et, fin instrumentiste, Schroeder émaille les chansons de soli injectant ainsi une nouvelle jeunesse dans les compositions. Le groupe ne nous avait pas habitué à cela. Les compositions gagnent en substance, en texture, en profondeur. Le résultat est un hybride parfait entre psychédélisme et lourdeur. Notons au passage une magnifique reprise de « Space Oddity » (Bowie). Billy Corgan aurait-il retrouvé le feu sacré ? C’est quoi qu’il en soit une merveilleuse nouvelle.   

Samedi 6 juillet : On commence avec The Strypes, la première claque du week-end. Des gamins de seize ans qui jouent déjà (et prennent aussi la pose) comme des pros, c’est bluffant. Le batteur en particulier ressemble à un bébé. The Strypes c’est un peu comme des gosses qui jouent la musique de grand-papa. Un rock n’roll, racé, d’inspiration sixties d’où transpirent des influences blues et rhythm n’blues. On pense aux Who, aux Kinks, aux La’s où à la scène garage/Mersey Beat d’une manière générale. C’est jeune, c’est frais et enlevé, tant qu’il y aura des musiciens prêts à le servir avec une telle ferveur, le rock n’roll ne mourra jamais. Et pour les avoir croisé dans la coulisse, on peut affirmer qu’ils sont déjà également étonnamment pros pour leur age dans leur attitude. Un groupe à suivre. On reste sur l’esplanade green room le temps d’admirer la magnifique Valerie June, qui nous emmène en voyage en suivant le tempo de son Tennessee time. Un savoureux mélange évoquant tantôt la country et le folk lorsqu’elle s’accompagne seule (guitare, banjo ou ukulélé) ou bien la soul music et le blues lorsque son groupe joue avec elle. Le tout servi avec la superbe voix de Valerie… Direction la plage pour retrouver les mythiques Dinosaur Jr, les vétérans de la scène grunge, qui ont l’air un brin blasés. Le power trio, délivre son répertoire avec une puissance équivalente à celle des débuts, ça joue fort mais hélas des problèmes techniques et la perte soudaine de la basse clôturera l’affaire de manière un peu abrupte et en avance sur l’horaire. Néanmoins, un très bon moment, nostalgique en diable. Une petite pause pour se reposer les oreilles plus tard et retour sur la grande scène retrouver les Irlandais de Two Door Cinema Club, sensation hype de la rentrée dernière. Surprise la pop parfois un peu surproduite du groupe prend une toute autre dimension sur scène, le ton s’est durci, les guitares se font plus fortes, c’est une révélation, Two Door Cinema Club peut aussi faire du rock. Débarrassé des oripeaux de la production, le live permet de mettre en valeur un songwriting pop de grande valeur. Chouette groupe. Un mot pour finir afin de souligner l’excellente prestation de Phoenix en clôture de la soirée sur la grande scène.

Dimanche 7 juillet : Et c’est déjà le dernier jour, le temps passe décidément trop vite. Le dimanche s’annonce prometteur avec un enchaînement The Black Angels / Tame Impala, assez malin et bien vu. Hélas un son absolument catastrophique (trop de basses qui avalent complètement les mélodies) gâche totalement la prestation des Black Angels (Black Rebel Motorcycle Club et Blur souffriront également du même mal). Désolé de le dire, mais c’est indigne d’un grand festival à vocation internationale comme les Eurockéennes. Passons… Reste Tame Impala qui fera preuve d’une classe psychédélique sans pareille sur l’esplanade green room. Savant condensé du rock des années 60 et 70, Tame Impala évoque pèle mêle les Beatles (époque Sgt Pepper), Pink Floyd ou les Beach Boys pour les voix. Les morceaux les plus heavy (« Elephant », « Mind Mischief ») ont un petit je ne sais quoi de Black Sabbath, le cocktail est détonnant. Le batteur apporte une dynamique qui propulse les compositions dans une autre dimension. Et comme Kevin Parker fait l’effort de s’exprimer en français, l’après-midi ne peut qu’être réussie. C’est la résurrection de l’année, My Bloody Valentine est de retour après quelque 22 ans d’attente. Véritable laboratoire sonore ambulant, My Bloody Valentine pratique un rock-noise bien éloigné des standards habituels couplets/refrains où l’expérimentation prime sur tout le reste. Le savant empilage d’amplis, au bas mot une bonne dizaine, à la gauche du guitariste Kevin Shields, les yeux rivés au sol dans la plus pure attitude shoegaze, est à ce titre assez évocateur. C’est un véritable mur du son qui se dresse devant les spectateurs, le tout joué à un volume bien au-delà du raisonnable. Ahurissant ! De la folie furieuse ! Hélas, un mixage approximatif gâche un peu la prestation de MBV, il est difficile d’entendre le chant, que se soit de Kevin Shields ou de Bilinda Butcher, sauf à être dans le deux premiers rangs devant la scène. Est-ce pour cela que le public, assez peu nombreux à la base, a déserté l’esplanade green room ? C’est quoi qu’il en soit grâce à des groupes comme My Bloody Valentine que le rock sort parfois de ses clichés et va de l’avant. Le concert de My Bloody Valentine a été pour ce qui nous concerne, la grosse claque du week-end.