My Head is a Jukebox

Yohann Malory : « Entre toi et moi »

2012-01-27T11:24:00.000-08:00

Yohann Malory, jeune auteur/compositeur et interprète nousprésente son univers avec ce premier EP de 4 titres. Rythmé et enjoué, cepremier maxi se situe entre pop et funk avec un soupçon de groove électro. Bienplus qu’un simple imitateur de la scène anglaise, qui visiblement l’inspirebeaucoup, Yohann la fait sienne puisque, lui, fait l’effort de chanter enfrançais. A suivre…

www.yohann-malory.com

Hoboken Division

2012-01-25T11:07:00.000-08:00

A peine un an d’existence pour ce tout jeune duo Nancéen quis’apprête à sortir son premier EP en mars prochain. Hoboken Division c’est larencontre entre deux univers, d’un côté Marie, chanteuse formée au jazz et à lasoul, influence particulièrement sensible sur « Radar On », et del’autre le multi-instrumentiste Matthieu. Si la guitare semble êtrel’instrument principal de Matthieu, ce dernier ne s’interdit rien ni d’utiliserdes instruments roots (orgue, harmonica), exotiques (sitar, tampura, harmonium)ou bien encore de parsemer les compositions de quelques machines (loops,samples, boîtes à rythmes) bien que l’apport de ces dernières soient assezlimitées. Musicalement le groupe s’inspire à la fois des grands groupes garage,produisant un son assez sale et des riffs lourds et poisseux s’inspirant dublues (« Out of Business », la guitare slide de « Happier thanyou »), mais y ajoute parfois une touche plus moderne influencée par leshoegaze accouchant de titres rock répétitifs et lourds à souhait(« Sugardaddy »). Un premier ep au mariage des genres très réussi.

www.hobokendivision.com

Un week-end avec Tapenga…

2012-01-23T11:10:00.000-08:00

J’ai passé le week end avec mes nouveaux amis, les niçois dugroupe Tapenga, dont j’avais chroniqué le dernier EP par ici. Nous nous sommesd’abord retrouvé samedi soir, le 21 janvier, dans un International plein commeun œuf à la limite étouffant. Arrivé sur scène aux environs de 23 heures, aprèsla très talentueuse chanteuse folk Emilienne Apple et les excellents Anabel’spoppy day, le groupe a commencé son set dans une configuration très électrique.Toutes guitares dehors, le groupe a attaqué son affaire de manière trèsfrontale, plus brute que sur disque et aussi plus classiquement rock. Lequatuor est drivé d’une main de maître par le batteur Nicolas. Son jeu debatterie est carré et puissant sans un coup superflu. A la basse, Alexandreapporte une touche de groove bienvenue. Après une petite demi-heure, une foisles choses posées et alors que Tapenga a son affaire bien en mains, le groupesort le synthé et entame un délire entre new-wave et groove électro sans jamaislâcher les guitares jouées par Anthony et Sébastien. La musique est marquée pardes brusques éruptions électriques et une succession d’accélérations, deralentissements, de montées et de descentes qui entraînent l’auditeur dans untourbillon rock. Le public remercie le groupe d’une chaleureuse ovation etnombreux sont les spectateurs à réclamer un rappel. Visiblement Tapenga a faitson petit effet ce samedi soir…

Changement radical d’ambiance le lendemain, le dimanche 22janvier, pour une session acoustique privée dans un appartement du 19^èmearrondissement où ils sont accompagnés cette fois du (très très bon) triorémois Libelul. L’accent est plus mis sur la mélodie et le groupe développe destrésors d’ingéniosité pour ajuster son répertoire à une configuration acoustiquenettement plus légère : guitares folk, une batterie allégée (tome basse,caisse claire, deux cymbales et quelques gadgets), la basse électrifiée et unvieux synthé (comme quoi on ne se refait pas). Les jolies harmonies vocalesressortent également beaucoup plus et mieux quand les amplis sont débranchés. Ambiancecosy et détendue, la session en appartement permet une réelle proximité avecles groupes bien plus que dans une salle de concert classique aussi petitesoit-elle. Un grand merci à nos hôtes d’un jour pour l’accueil et pour lespetits gâteaux même si les bonnes résolutions d’après fêtes (concernant lerégime notamment) se sont envolées d’un coup comme les feuilles dans le vent…

www.tapenga.com

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Liz McComb

2012-01-18T10:55:00.000-08:00

Liz McComb fête ses 20 ans de carrière avec la publicationd’un luxueux coffret, regroupant l’intégrale de sa discographie soit neufalbums et trois dvds (dont un inédit). Les fans possédant déjà l’intégralepourront se délecter du titre inédit « Joshua fit the Battle ofJéricho », un gospel traditionnel que Liz s’était toujours refuséd’enregistrer jusqu’ici, qui figure dans trois versions live différentes avectantôt un solo de guitare ou de violon et parfois une section de cuivres. Autrebonus pour les fans, un dvd inédit « Best of videos » regroupant desextraits de concerts et quelques vidéos clips. On regrettera toutefois lemontage un peu haché du dvd et les coupes franches au milieu des chansons…

Malgré tout, le coffret tombe à point nommé pour célébrer leparcours de cette grande Dame de la musique Afro-Américaine, pianiste etchanteuse à « voix » possédant beaucoup de coffre. On retiendrasurtout l’éclectisme dont à fait preuve Liz McComb visitant tous les genres dujazz, « The Man Upstairs », au gospel en passant par la soul music etle blues. Le dvd « best of videos » permet de revoir les images de sacollaboration avec le chorégraphe Bill T.Jones au tout début de sa carrière etde réentendre Liz dans une très rare configuration guitare/voix. Autre grandsmoments revisités dans le dvd, ses concerts avec les orchestres philharmoniquesde Lyon et de Nice, ses rapprochements avec le monde du hip-hop ou bien encoreses prestations avec une chorale de 250 choristes. La définition même de la musiquepour une artiste qui ne conçoit cette dernière que dans le partage, les imagesde ses masterclasses sont à ce titre particulièrement éloquentes.

www.lizmccomb.com

Imelda May : « Love Tattoo »

2012-01-16T11:45:00.000-08:00

Star majeure dans son Irlande natale, Imelda May débarque enfin en France. Deux passages parisiens, au Grand Rex et à la Cigale nous on convaincu de la prestance scénique de la belle et de l’étendue de son talent. Talent qui trouve maintenant sa concrétisation sur un cd, « Love Tattoo », dorénavant disponible un peu partout. L’album permettra de casser en partie l’image d’héritière rockabilly dont on l’affuble trop facilement. Certes Imelda aime ça et est plutôt douée en la matière. Mais l’image est trop réductrice car Imelda May est également une excellente chanteuse de jazz (« Big Bad handsome man», « Meet you at the moon ») ainsi qu’une songwriter inspirée qui signe de sa plume la totalité du disque (à l’exception du traditionnel « Wild about my lovin’ »). L’accompagnement musical prend sa source dans les années 50, grâce à une rythmique swinguante en diable, et à la rondeur inimitable de la contrebasse. Tout au long de l’album Imelda montre un talent vocal irréprochable, sa voix est à la fois sexy et mélodique, l’intro à capela de « Knock 1 2 3 » vous laissera à genoux, « Wild about my lovin’ ». Et ce n’est pas tout, Imelda possède également un sens du rythme à toute épreuve, écoutez la façon dont elle termine à bout de souffle son tube « Johnny got a boom boom ». Au fil des écoutes l’album devient de plus en plus attachant, nerveux à point quand il faut, mélodique avec parfois une touche d’exotisme. Une grande variété d’ambiances et de climats qui revisitent avec brio le son des années 50.

www.imeldamay.com

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Sofia Gon’s : « Le marché des insolites »

2012-01-15T08:20:00.000-08:00

Enfant de la balle, elle est la fille du soul man dessixties Vigon, et belle promesse de la pop soul music à la française, SofiaGon’s a été emportée par une embolie foudroyante en août dernier à l’age de 25ans. C’est donc avec émotion que l’on découvre aujourd’hui son véritablepremier album intitulé « Le marché des insolites », après unetentative ratée de disque où elle n’était qu’interprète. Grâce à unaccompagnement musical de haut vol : cuivres, orgues et rythmiques dignesde la Motown, Sofia évite avec intelligence sur ce premier effort tous lesécueils de la variété adolescente qui lui tendent les bras. Le son est ample etrutilant. Tous les ingrédients sont ainsi réunis pour mettre en valeur la voixpuissante et pleine de coffre de Sofia qui ne cesse de nous étonner tout aulong de l’écoute. Les textes, en français soulignons-le, intriguent égalemententre joie et spleen c’est une Sofia parfois un peu désemparée que l’ondécouvre. Le refrain de « May Day », l’efficace morceau qui ouvre ledisque : « Où sont passées mes années, où sont passés mes amis quim’aidaient à noyer mon désespoir » prend ainsi une tournure tragique vu ledestin de son auteur. Avec bonheur, Sofia s’éloigne parfois de ses influencessoul pour s’approprier des sonorités pop/rock, « Atlantique »,« Millénaire » ou bien encore le sitar de « Le géant de laville ». L’album donne également l’occasion d’entendre Sofia en duo avecson papa Vigon le temps d’un « Good Times » au titre prophétique. Unalbum très réussi et plein de promesses qui hélas ne connaîtront jamais desuite. Triste.

Sofia Gon's - Marché des insolites par TEST-WAGRAM

Michael Kiwanuka : « Home Again »

2012-01-14T10:00:00.000-08:00

Attention talent ! D’origine britannique, MichaelKiwanuka est peut-être bien la révélation la plus excitante de 2012. Car c’estbien de l’excitation que l’on ressent à l’écoute de ce single de trois titresen attendant son premier album prévu pour le 26 mars 2012. Sa voix tout d’abordest magnifique, chaude et pleine de nuances. Songwriter prolifique, Kiwanuka atrouvé en Paul Butler (membre de The Bees) le producteur idoine. Celui capablede faire ressortir toute la richesse de Kiwanuka, chanteur pétri de soul music,fan de Bob Dylan, comme de Nirvana mais également guitariste ayant passé pardifférents groupes de rock. Ce premier EP prend sa source dans les sixties,passe de la soul au folk et s’enivre au passage de rythmes free jazz… Trois titresseulement mais que de promesses… Pourvues qu’elles soient tenues sur ladistance d’un LP…

www.michaelkiwanuka.com

Christine and The Queens : « Mac Abbey »

2012-01-14T09:09:00.000-08:00

Cliquez sur l'image pour voir le clip de "Narcissus is back"

Une voix et des programmations. Le parti pris par Christine(qui en dépit du patronyme du groupe, défend ce nouveau projet seule) nemanquera pas de heurter certaines oreilles puristes. Et pourtant « MacAbbey », le deuxième EP de Christine and The Queens, dégage un universvénéneux, une certaine mélancolie et une évidence mélodique sans pareille. Etau final beaucoup de charme. Bien sur l’écoute de ces cinq titres, dont un enfrançais « Amazionaque », nous ramènent évidemment aux années 80 à lapop / new wave. La recette est simple : électro minimale oppressante etvoix diaphane ce qui entraîne l’auditeur dans un tourbillon répétitif et entêtant(« Cripple »). Christine tire des synthés et autres boîtes à rythmesune chose totalement inattendue : de l’âme… Cinq titres qui n’auraient pasdépareillés sur la bande originale de « Drive ».

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Tahin

2012-01-11T11:34:00.001-08:00

Coup de projecteur aujourd’hui sur la jeune scène françaiseavec le quatuor Tahin originaire de Rennes. Un premier titre « I’m yoursavior today » a été dévoilé sur la toile. Même si il est encore beaucouptrop tôt pour arriver à des conclusions, « I’m asavior today » laisse apparaître un potentiel évident entre électro et popavec un sens certain de la mélodie. A surveiller…

En écoute ici :

http://imyoursaviourtoday.viinyl.com/

Maxi Monster Music Show

2012-01-09T09:31:00.000-08:00

Grand délire en perspective le 6 février prochain au Palace avec ce spectacle dans la lignée du "Rocky Horror Picture Show".

Interview The Barettes (version française)

2012-01-08T09:53:00.000-08:00

C’est depuis Paris où elles ont élu domicile que Johannah Cantwell Kisilak (la blonde) et Laura Woody (la brune), alias The Barettes, orchestrent un revival frais et sexy qui depuis ne cesse de se répandre en ville. Depuis cette interview, on a appris que le duo a trouvé le financement lui permettant de finir l’enregistrement de son premier album (qui contiendra un titre en français) dont la sortie est prévue pour cette année. C’est au lendemain d’un concert un peu difficile que l’on s’est vus, l’occasion d’évoquer les difficultés de la vie d’artiste, leur rapport aux Etats-Unis et le mal du pays… Rencontre avec Lo et Jo !

D’où venez vous et quand êtes-vous arrivées en France ?

Johannah Cantwell Kisilac : Je viens de New York et je suis ici depuis 8 ans, peut-être plus, je ne sais plus trop. Ca fait longtemps…

Laura Woody : Je suis d’Indianapolis et cela fait un peu plus de six ans pour moi.

Quand vous viviez aux Etats-Unis, connaissiez-vous la scène française où la chanson française en général ?

LW : Pas vraiment en fait. Je connaissais Nouvelle Vague…

JC : Je ne pense pas qu’ils soient français…

LW : Well, elle n’est pas anglaise…

JC : Le seul que je connaissais c’était St Germain.

LW : On ne connaît que l’électro pop.

JC : C’est la scène électro qui a le plus d’influence aux Etats-Unis…

Probablement par ce qu’il n’y a pas de paroles…

JC : Oui mais il y a d’autres influences Edith Piaf, Brassens, Jacques Brel, mais tout cela ne faisait pas partie de notre quotidien. C’est en arrivant ici que l’on a appris à apprécier.

Pourquoi avoir choisi la France ?

LW : Je suis venu étudier le théâtre à l’école Jacques Lecoq. J’ai déménagé pour les études et après je suis resté pour les Barettes.

JC : J’ai déménagé par amour. L’idée est très belle, mais cela n’a pas fonctionné. A l’époque j’étais chanteuse d’opéra, j’étudiais l’opéra et le cabaret. Mon petit ami de l’époque, également chanteur d’opéra, était français. C’est pour ça que l’on a déménagé en France. On avait un appartement gratuit, celui de sa famille. Je travaillais quelque chose comme 80 heures par semaines dans l’édition à New York City. J’en avais marre. Pourquoi ne pas déménager en France et poursuivre nos rêves d’artistes ? Un an plus tard on s’est séparés. Mais je suis restée par ce qu’entre-temps je suis tombé en amour avec Paris.

LW : J’ai décidé de rester par ce que je n’arrêtais pas de prendre du poids à Los Angeles.

Vous ne vous connaissiez pas aux Etats-Unis et vous avez commencé le groupe ici ?

The Barettes (en chœur) : Ouais !

Décrivez-moi un peu votre son ?

LW : C’est très poppy. On a ajouté beaucoup de claviers, c’est beaucoup plus soul maintenant.

JC : C’est très difficile pour moi de dire que l’on fait de la soul. Il y a de la Motown bien sur mais aussi cette dynamique des girls group de la fin des années 50 et des années 60. Dans le fond on est un girl group pop.

LW : On a commencé comme un duo folk, juste nos voix, deux guitares et des harmonies vocales. On était plus proche de Crosby, Stills & Nash que de Simon and Garfunkel. Mais en France, les chanteurs folk doivent avoir une voix un peu cassée. Et cela ne fonctionnait ni pour nous ni pour les labels. Nos voix étaient presque trop propres. Notre nouveau son convient beaucoup mieux à notre façon de chanter.

JC : Oui parce que nous, on chante vraiment…

Oui, je sais…

JC (rires) : C’est rigolo parce qu’ici en France, dans le folk tout est accès sur les mots, le texte et c’est toujours à moitié parlé. Les chansons que Gainsbourg a écrites pour sa femme par exemple. Ce n’était pas une vraie chanteuse et tout était toujours à moitié récité. Et puis après il y a eu Carla Bruni…

LW (rires) : A chaque fois tu parles de Carla Bruni…

JC : Oui je sais, ce sont mes références en matière de chanteuses françaises. Enfin bref, elles ne chantent pas vraiment, c’est toujours à moitié parlé et ça ce n’est pas du tout nous ! Laura et moi on vient du théâtre musical et on aime CHANTER (rires) !!!!!

Diriez-vous que votre groupe est nostalgique ?

JC : On peut le considérer comme ça…

LW : Oui je crois mais pense que c’est surtout l’influence de la musique que l’on écoute et qui nous inspire. Les choses vont évoluer dans nos prochains enregistrements je pense. On va essayer de casser un peu la nostalgie.

JC : L’idée c’est toujours d’essayer de transformer tout ça en un son neuf. On essaye de prendre ce que l’on considère comme des influences majeures, ce qui est pour beaucoup le son des années 60. Ces sons sont les plus adaptés à notre façon de chanter. A l’époque ils chantaient à pleine voix en essayant d’être artistiques et de créer leur style propre. La musique était simple, facile, basique. L’idée c’est de placer cet élément dans un contexte moderne. On essaye de moderniser le son au lieu de faire une copie à l’identique. On ne veut pas reproduire les sixties encore et toujours. On va travailler ça de plus en plus à l’avenir.

Pourquoi les années 60 sont-elles aussi importantes pour les Barettes ? Est-ce que vous croyez que c’était mieux à l’époque ?

L.W : Non, certainement pas !

J.C : Si on parle de l’époque, je crois que j’aurai bien aimé vivre pendant cette décennie.

L.W : J’aurai été très frustrée dans l’Indiana des années 60… Je pense que c’est durant cette décennie que l’underground est devenu mainstream. C’est aussi le croisement de tout un tas de choses au niveau politique entre autres…

J.C : C’est ce que j’aime dans les sixties, c’était une sacrée époque. C’était révolutionnaire ! Après pendant les années 70, tout a explosé… Et puis le mouvement féministe a commencé à ce moment là…

L.W : Tout semblait possible. Et on pouvait vraiment voir les changements arriver…

Au moins à l’époque, on pensait que tout était possible…

L.W : Oui tout a fait. Maintenant, on voit les conséquences plus rapidement.

J.C : C’était une époque joyeuse ! Et la musique est très éloquente. Je pense que l’on a beaucoup évolué musicalement, Dieu merci. Les titres des années 50, 60 se ressemblent tous un peu. Honnêtement, la musique n’était pas très complexe. Quoi qu’il en soit, moi ce qui me plaît vraiment, c’est le côté positif de la musique de ces années là. Tu prends l’histoire d’un couple qui se sépare par exemple, tu écris sur ce sujet aujourd’hui et la chanson va être vraiment douloureuse et tu vas le sentir. A l’époque le style était plus… (Elle chante) I broke up with my baby, everything is ok… (Rires). Tu écoutes cette musique et tu te sens bien. C’est fun ! Quelle thérapie pour l’âme ! Et où sont passées toutes ces vibrations aujourd’hui ? Pourquoi il n’y a plus de musique comme ça aujourd’hui ??

Nirvana nous a tous entraînés dans sa chute…

L.W : Yep !

J.C : Et on a besoin d’y retourner ! C’est évident ! Les temps sont durs, tu sais. C’est très dur, un peu partout dans le monde. On a besoin d’une thérapie musicale !!!

L.W : C’est très sage ce que tu dis Jo…

Vous étiez sur scène hier soir, comment vous sentez-vous le lendemain ?

J.C : Ca, c’est personnel…

L.W : Vraiment, ça dépend du concert (rires) ! Il y a des jours où on est Wahoo !!!! Et il y a des jours où tu te dis que c’est un business vraiment dur…

J.C : Personnellement, je suis toujours très déprimée le lendemain…

L.W : Ah bon ??

J.C : Oui. Je pense que c’est chimique. Tu es sur scène pendant une heure ou deux, la poussée d’adrénaline est très forte. L’excitation, tout ça fait qu’il très dur de dormir après…

L.W : Ca c’est vrai.

J.C : Tu rentres chez toi et tu tournes dans tous les sens t’arrêtes pas de réfléchir, tu te poses tout un tas de questions : qu’est-ce qu’on peut faire différemment ? Quelle est la meilleure chanson ? Comment peut-on travailler cet aspect là ??? Mon Dieu, j’ai hâte d’être au prochain concert, blah blah blah… Et le lendemain tu te lèves avec l’impression d’avoir été renversé par un camion. Je pense que c’est par ce que tu donnes tellement d’énergie sur scène… Vraiment, je pense que c’est plus chimique qu’autre chose. Et puis il y a des moment, comme hier soir où tu te dis : « C’est bon, j’arrête… »

L.W : Pourquoi est-ce que je fais ça ?

J.C : Oui pourquoi est-ce que je fais tout ça ? Très peu de gens sont venus nous voir chanter hier soir. Certainement parce qu’on a fait le bus palladium il y a quelque jours. Et puis c’était un mardi soir ce qui n’est certainement pas le meilleur soir de la semaine.

L.W : C’est dur Paris tu sais. Tu est invité partout par tellement de gens. Et Facebook ne fait qu’empirer les choses. Facebook les améliore aussi sur d’autres aspects. Mais bon tous les soirs il y a genre 25 concerts…

Vous aimez la scène ?

L.W : J’adore ! C’est vraiment pour ça que j’ai commencé la musique. J’ai étudié le théâtre à l’université et après l’université quand je vivais à L.A, je pensais : « Ok, je peut être sur scène par moi-même, je n’ai pas à attendre que quelqu’un me donne l’opportunité d’être sur scène et de jouer pour le public ». Etre sur scène, c’est vraiment la raison pour laquelle j’ai commencé la guitare, les chansons et tout…

J.C : Yeah, j’adore être sur scène. C’est une sensation qui est toujours sympa. Mais je pense que chez moi, le besoin d’être sur scène est moins fort que pour Laura. J’adore partager. Ce qui me plait vraiment c’est de créer la musique. J’aime vraiment ça, créer et après avoir la possibilité de s’exprimer et partager ensuite avec le public. C’est génial.

Laura, tu fais aussi des comédies musicales ?

L.W : Ouais ! J’étais dans « La mauvaise voie ». C’était une nouvelle comédie musicale et ça je pense que c’est très important. Il faut développer le théâtre musical en France où on fait toujours un peu la même chose. Toujours les mêmes productions que l’on recommence encore et encore… Celle là était toute nouvelle et française, sur un sujet très français. Je jouais la méchante. C’était beaucoup de travail et beaucoup de texte à apprendre, mais je pense que c’est important d’apporter de l’énergie fraîche à cette culture. Le public le demande…

Les Barettes, c’est un groupe qui a du style, non ? Les robes, le maquillage…

J.C : Bonne question !

L.W : Complètement !

Ca fait très fille, très féminin…

J.C : Il y a effectivement ce charme très féminin. Mais on est plus qu’un groupe. Je pense que dans le futur, on voudrait développer une gamme de vêtements, faire nos propres designs. On voudrait collaborer avec un designer. On y pense très sérieusement.

L.W : Jennyfer, si tu nous écoutes, je sais que tu as mon email, réponds-moi !!!!! (rires).

J.C : Il y a un marché pour ça. Enorme. Maintenant la mode est revenue aux années soixante, ce qui est étrange par ce que nous on fait ça depuis des années. Les gens admirent les musiciens, comme des modèles. C’est un bonus supplémentaire d’avoir un style « mignon ».

L.W : Moi je m’habille comme ça depuis le lycée. Mes robes que je porte pour les concerts et les photos, je ne peux plus les porter pendant la journée, elles sont devenues mes costumes de scène.

J.C : Ce n’est pas très difficile d’intégrer ce style aux vêtements de tous les jours. On peut l’adapter, ce ne serait pas seulement des costumes pour faire la fête.

L.W : C’est original, maintenant on veut des modèles uniques. Je pense que c’est en réaction à la culture et à la mode jetable.

Vous allez faire des modèles pour homme ?

J.C : Des cravates peut-être…

L.W : Des chemises. On peut faire des chaussures aussi, je ne sais pas. Des sacs…

Vous travaillez à un album ?

L.W : Oui, il nous reste encore trois chansons à enregistrer.

J.C : Ah le fameux album ! Honnêtement on est à la croisée des chemins. On a un EP de cinq chansons que l’on voulait sortir en premier. Mais on a de nouvelles chansons que l’on est en train d’enregistrer. Alors pourquoi faire un EP quand on a de nouvelles chansons ? On va peut être simplement sortir un album complet. On a signé un contrat d’édition. L’idée c’était de sortir l’EP pour séduire un label qui serait intéressé par un album des Barettes et qui paierait la distribution et l’enregistrement. On voudrait faire ça en grand ! Qui pourrait mettre beaucoup d’argent et faire un album génial ? On a beaucoup de bons retours. On est dans une période d’attente. On attend qu’un label se manifeste et nous dise : « hey on veut faire votre album en premier » !

L.W : Parce que ça arrive !

J.C : Bien sur que ça arrive, mais c’est très long ! On attend, on attend… Une année s’est écoulée et on n’a toujours pas pris de décision. Je pense que l’on va terminer notre disque et le sortir nous-même.

L.W : On va le sortir en vinyle ! Et après on fait la fête !

En parlant de l’EP (chronique ici), j’ai été très impressionné par la production de ce dernier et la richesse des arrangements alors qu’il s’agissait d’une production indépendante…

L.W : Pierre-Alain, qui est notre clavier depuis longtemps, a travaillé avec beaucoup de claviers vintage pour obtenir tous ces sons.

J.C : On avait une pièce qui était pleine de claviers, Rhodes, Farfisa, orgues…

L.W : C’était cool.

J.C : C’était TRES cool. On est rentrées dans cette pièce et c’était WOW !!!! Il y avait tout un tas de sons différents… Nous on veut un son super produit. Et c’est rigolo par ce que quand Laura et moi on chante toutes les deux, c’est très différent. Juste deux voix et deux guitares. On n’est vraiment pas le même groupe quand tous les musiciens sont là. Il y a tellement de détails, juste pour la chanson « Burn » nous a pris cinq heures.

L.W : On était en cercle et on tapait dans les mains en criant !

J.C : On cherchait le son… On a eu beaucoup de chance de travailler avec deux personnes pour nous conseiller et nous donner une direction artistique.

L.W : Il faut aussi dire que l’on a deux mixes différents, le mono et le stéréo. On a les deux versions et c’est devenu très rare de nos jours…

J.C : On a travaillé avec des professionnels sur cet enregistrement. C’est pour ça que cela sonne aussi bien.

L.W : Tu n’aurais pas été impressionné si on l’avait fait dans notre salon. On est restées cinq jours en studio à temps plein. Un vrai studio. C’est ça la vie ! Tu te lèves le matin et tu vas enregistrer.

J.C : C’était vraiment fun !

Est-ce qu’il vous arrive d’être nostalgique des Etats-Unis ? Pensez-vous que vous pourriez retourner vivre là-bas ?

J.C : Les Etats-Unis me manquent… Notre musique aurait beaucoup de succès là-bas. Un succès énorme, ça me parait évident. Bien sur parce qu’on chante en anglais. Mais les Etats-Unis me manquent à tellement de niveaux. Pas seulement pour la musique. Mon pays me manque. Ils ont besoin de moi, ils souffrent…

L.W : Mon pays ne manque pas, ils souffrent parce qu’ils se sont comportés misérablement. Par contre ce qui me manque c’est ma famille et mes amis. J’adore la France et je pense faire ma vie ici. Mais j’adorerai partir en tournée aux Etats-Unis.

J.C : Ca serait génial en effet…

Les Barettes n’ont jamais joué aux Etats-Unis ?

J.C : Non, c’est dingue hein ??? Mais cela serait une expédition énorme pour ramener tout le monde là-bas… Il faudrait payer les vols et tout… Tout est une question d’argent de toute façon. Tout se résume à l’argent. C’est pour cela que l’on a décidé de mettre en place un kickstarter. En gros c’est un site internet et le public fait des donations. Tu peux donner 5 euros, 10 euros peu importe. On a 803 fans sur Facebook. Si chacun donne 5 ou 10 euros, c’est bon tu as assez d’argent pour faire un super disque.

L.W : Ou pour partir en tournée aux Etats-Unis avec le groupe complet.

J.C : On recherche des fonds. Si tu veux vraiment avancer, partir en tournée et faire bouger les choses, il faut de l’argent. Malheureusement ce n’est plus comme il y a 20 ou 30 ans, les labels venaient et te filait un paquet de fric. Même si on signe avec Sony demain, on ne toucherait pas grand-chose. On aurait de la promotion mais ils ne nous fileraient pas 100.000 euros juste pour signer. Cette époque est révolue, cela ne fonctionne plus comme ça maintenant. Les groupes maintenant doivent se démerder tout seuls. Vraiment, nous on fait ça par amour pour la musique et la scène. Ca ne nous rapporte pas grand-chose, ça c’est certain.

Une dernière question, comment est-ce que vous-vous débrouillez avec toute la paperasse administrative en France ??

J.C : Si tu veux parler de tout les papiers qu’ils faut remplir dans ce pays très écologique, je ne préfère pas en parler sinon je vais être déprimée pour au moins le reste de la journée voire de la semaine (rires)… C’est fascinant ! Je ne me lasse jamais de m’en plaindre, vraiment. C’est simplement épuisant à la longue. J’ai l’impression que tout est compliqué ici. En fait c’est une véritable transition. Quand tu viens juste d’arriver c’est : « Oh my God, je suis à Paris, je n’arrive pas à y croire, j’adore, j’adore l’architecture, la beauté de la ville et des monuments. Et ça continue pendant un temps. Tu adores et tu ne t’en lasses pas. Et puis lentement mais sûrement la nouveauté s’efface et puis il y a des hauts et des bas. Et c’est fatiguant. Tu es confronté à la question : Voilà, ça fait sept, huit ans que je suis là et j’en suis toujours au même point. C’est très dur d’avancer. C’est seulement une impression personnelle mais je sais que beaucoup de gens, et pas seulement des Américains des Français aussi, partagent mon point de vue. C’est très difficile d’avancer dans ce pays…

Oui c’est vrai, c’est dur d’accomplir quelque chose ici…

J.C : Il faut constamment se battre. Je ne sais si c’est un système ou une culture. Ne serait-ce que garder sa place est dur. Et c’est horrible de trouver des solutions. Tu n’as jamais l’impression d’avancer, d’accomplir quelque chose. Et c’est très important pour notre bien-être de savoir que tu as le pouvoir de faire des choses et d’avancer. Tu prends la SACEM par exemple. J’ai envoyé mes papiers et ça m’a pris des mois pour avoir une réponse. Et la seule réponse que j’ai eu c’est qu’il me manquait une photo d’identité…

L.W : En fait il faut juste s’assurer que tu fais tout bien du premier coup.

J.C : C’est pas seulement ça Laura, je pourrais faire toute une liste, tout ces papiers holy crap !!! (rires). Bon c’est la même chose partout où tu vas, mais c’est définitivement plus dur ici en France ça c’est sur !!!

Propos recueillis le 28 septembre 2011.

http://www.thebarettes.com/

En concert le 13 février au Bizz’art (Paris).
Un grand merci à Laura et Johannah pour leur gentillesse et leur disponibilité.

My Head is Jukebox à 5 ans !

2012-01-02T10:55:00.000-08:00

Il y a cinq ans débutait cette folle aventure, de manière un peu triste, en rendant hommage au trop tôt disparu Billy Preston... Des dizaines de rencontres, de nouvelles amitiés et de belles découvertes ont jalonnées ces cinq années. On continue encore un peu ??? Joyeux anniversaire !

Mina Tindle

2011-12-28T09:50:00.000-08:00

Premier EP de six titres pour cette jeune artiste parisienneen attendant son premier album dont la sortie est prévue début 2012. Un premierEP entre deux feux entre d’un côté une indicible mélancolie et de l’autre unecertaine joie évanescente. Musicalement Mina Tindle se situe au croisemententre un folk dépouillé (« Echo »), pour le côté mélancolique de lachose et des influences pop beaucoup plus primesautières, surtout lorsqu’ellesincorporent des rythmiques latines (« To carry many small things »).Légère et aérienne Mina Tindle a le don de transformer ses petites ritournellesen mini tubes que l’on ne peut s’empêcher de siffloter, d’autant plus qu’ellesmettent particulièrement bien en valeur sa voix délicate. Bien qu’il soitencore trop tôt pour lui promettre monts et merveilles, ce premier EP s’imposedéjà comme une belle réussite pleines de promesses pour l’avenir.

www.minatindle.com

Duplex

2011-12-27T10:49:00.000-08:00

Nouveau venu sur la scène française, Duplex est à l’origineun duo composé du batteur Tom Daveau et du guitariste/chanteur Gaspard Murphy,que les lecteurs réguliers de cette page connaissent bien pour avoir lu lecompte rendu de ses œuvres auprès de son père Elliott ou bien au sein des Dukes(notons que dans sa version scénique le groupe est beaucoup plus important etest complété par de nombreux musiciens). Les comparaisons avec les Dukes sontinutiles tellement les deux groupes sont différents. Au niveau musical toutd’abord, Duplex est beaucoup plus pop et intègre de nombreux éléments électro.Et au niveau du chant ensuite puisque Duplex chante en français. La base dugroupe reste cependant power pop, les riffs de guitares occupent une place importanteau cœur de Duplex (écoutez les titre « Duplex » et « Ca ne mesuffit pas »). Riffs de guitares sur lesquels se greffent des arrangementsélectro et un beat disco à la batterie et également une bonne dose de groove.« Nos cœurs battent » qui ouvre l’EP donne le ton, le son est ampleet les arrangements sont riches. Mais « Je m’efface » est peut-êtrela plus réussie qui prend grâce à sa mélodie et son refrain accrocheur desallures de tube en puissance. Grâce à sa dynamique entraînante, Duplex devrait faireun carton sur scène et sur disque. A condition toutefois de tenir la distancesur la durée d’un album.

En écoute sur le lien suivant :

http://soundcloud.com/duplexmusique/tracks

www.myspace.com/duplex

www.youtube.com/duplexvideos

www.vimeo.com/duplex

Ontario : « Cosmic Sherpa »

2011-12-26T09:54:00.000-08:00

Premier mini album (cinq titres) du trio lyonnais Ontario,« Cosmic Sherpa », souffle le chaud et le froid. Si le disque part àfond les guitares dès la première plage, le groupe trouve rapidement un pointd’équilibre en ralentissant la donne. Au final Ontario invente une musiqueautant faite de rage métallique que d’expérimentations, notamment à base desamples. Les amateurs de gros son et de guitares qui appuient là où ça fait malseront servis, en particulier sur « Sequences », mais il seraitréducteur de résumer le groupe à un trio métal. Plage particulièrement remarquable« Primal Scream » (clin d’œil à la troupe de Bobby Gillespie ?)étonne par son intro tout en swing expérimental (serait-ce des bruits debouteilles que l’on entend dans le fond ???) avant de repartir sur basesheavy/noise/punk plus classiques. En fait tout Ontario est là, pervertir lesclassiques pour obtenir du neuf. Très réussi.

http://ontario.bandcamp.com

http://www.wix.com/ontari0/site

A Very She and Him Christmas

2011-12-25T11:20:00.000-08:00

Avec le duo She and Him, c’est à un réveillon tout endouceur auquel nous sommes conviés. Composé du musicien M. Ward et de la trèsjolie actrice Zooey Deschanel, She and Him est un duo, délicieusement rétro, àla fois pop et folk. M. Ward et Zooey se partagent les rôles, à Zooey le pianoet le ukulélé, et à M. l’orgue et la guitare. Quant aux voix, elles sontpartagées, même si Zooey chante le plus. Ca tombe bien, son timbre un peudiaphane fait fureur. Tout au long de ce disque le duo revisite les chantsclassiques (pas un seul original à se mettre sous la dent) de cette époque del’année : « Have yourself a merry little Christmas »,« Baby it’s cold outside », « Blue Christmas » et autres « I’llbe home for christmas » sur un mode minimal et intimiste. L’album estenregistré en mode plutôt unplugged, on distingue ça et là quelques traces derockabilly ou de country. Le ukulélé apporte une touche hawaïenne exotique vule répertoire. Un album plein de charme à défaut d’être indispensable. Mais dequoi passer une bien douce soirée.

www.sheandhim.com

The Legendary Tiger Man : « Fuck christmas, I got the blues »

2011-12-24T09:01:00.000-08:00

Ouh le vilain petit canard que je suis ! Ouh le méchantgarçon qui cherche à lui tout seul à bousiller le temps des fêtes en publiantsciemment ce jour la chronique d’un album intitulé « J’emmerde Noël, j’aile blues » (enfin pas tout à fait, mais bon faut bien rester un peu poliquand même). Bref, je le répète tous les ans mais je ne suis pas spécialementfan des fêtes de fin d’année et je suis bien content d’avoir trouvé dans lelegendary tiger man un allié de circonstance. Un allié qui d’ailleurs s’estbien gardé d’avoir enregistré un album de Noël, le mot « Christmas »n’apparaît qu’une seule fois dans le morceau/règlement de compte qui donne sontitre au disque.

Commençons donc cette chronique par un petit rappel,derrière le patronyme The Legendary Tiger Man se cache Paulo Furtado qui estaussi par ailleurs le leader des fantastiques Wraygunn (qui seront soit dit en passantde retour en 2012). Legendary Tiger Man est le projet solo de Paulo dans lequelil fait tout tout seul où presque et « Fuck Christmas I got theblues » est le deuxième album de l’homme tigre dont la sortie remonte à2003. Sur ce disque Paulo rend hommage au blues, la mère de toutes les musiquesdans des formes assez variées. L’album s’ouvre sur deux titres acoustiques« In cold blood » et le fameux « Fuck christmas i got theblues » avec un bon coup de main de l’harmoniciste Guilherme Barbosa quiintervient également sur l’excellente « Keep’em dogs on it ». Par lasuite le ton se durcit un peu et les guitares prennent un bon coupd’électricité notamment « Crawdad Hole », un titre particulièrementrageur et un des meilleurs de Tiger qui aujourd’hui encore fait un tabacpendant les concerts. Avec « Love Train » Paulo explore un nouveauterrain et accouche d’un morceau particulièrement intriguant sombre, lent etcrépusculaire dominé par guitare électrique slidée. L’album contient égalementdeux reprises une étonnante relecture du « I walk the line » deJohnny Cash et une excellente version du « Ramble » de Link Wray. Toutau long du disque, l’économie de moyen et la récupération de tout bord semblentavoir été les véritables forces motrices du projet. L’utilisation d’un microdatant de la seconde guerre mondiale donne un son sale et vraiment étonnantmais qui participe au charme du disque et de l’artiste en général. Par lasuite, The Legendary Tiger Man continuera son parcours avec deux excellentsalbums « Masquerade » et « Femina ». Ses deux premiers opus« Naked Blues » et le présent album ont été récemment réédités.

disponible sur le lien suivant :

http://www.rastilho.com/search/legendary%20tiger

www.legendarytigerman.com

Tapenga : « Tv slept through my education »

2011-12-22T11:56:00.000-08:00

Originaire de Nice, le quatuor Tapenga invente ici le concept du disque couch potatoe, du genre à mettre d’antiques télévisions et des cassettes vidéo sur la pochette. Ca a au moins le mérite le cadrer les choses avant même la première écoute : Tapenga a la fibre nostalgique. Et plus précisément des années 80 et 90. Là où une guitare rock croise des synthés, des boites à rythmes vintage et même du vocoder (« My hero Beck died in the 90’s »). L’ep, le deuxième du groupe, fait le grand écart entre différents genres musicaux : pop, new wave (les claviers), rock (les guitares parfois très noisy) et même un peu de hip hop dans certains vocaux. Mais le Tapenga est un animal bizarre qui partout saute mais retombe toujours sur ses pattes grâce à des refrains accrocheurs et à une rythmique à toute épreuve. Six titres originaux et intrigants.

http://www.tapenga.com/

www.youtube.com/welovetapenga

www.facebook.com/welovetapenga

www.myspace.com/welovetapenga

Tapenga - Those things will happen today from Tapenga on Vimeo.

Alex Winston reprend les Black Keys

2011-12-22T11:24:00.000-08:00

Voilà une excellente nouvelle. En attendant la sortie de son (très réussi mais on en parle prochainement) premier album, Alex Winston reprend "Everlasting Light" des Black Keys (le premier titre de "Brother" l'avant dernier album du duo d'Akron).

C'est par ici que cela se passe :
http://soundcloud.com/cooperativemusic/alex-winston-everlasting-light/s-7SKge

Dissonant Nation : « Sauvage »

2011-12-21T11:02:00.000-08:00

Attention un vent de fraîcheur va souffler sur le rockfrançais ! Tout jeune trio, Dissonant Nation, déboule avec un premier EP etplein de grosses guitares dedans, des basses et des batteries qui font boumboum. Boum boum comme le fera ton cœur à l’écoute de ces quatre titresinauguraux pleins de fougue adolescente. Et chose de plus en plus rare, lesDissonant Nation font l’effort, sur les deux premiers titres, de chanter enfrançais. Soyons honnêtes, même si l’originalité n’est pas sa qualité première(ce qui de toute façon est toujours plus où moins le cas) ce petit EP, à peine14 minutes, remporte l’adhésion. C’est frais, rapide et grâce à un songwritingde qualité au moins trois chansons peuvent se targuer d’être des tubes enpuissance. L’urgence reste belle et bien une valeur cardinale du rock n’roll etDissonant Nation se charge de nous le rappeler en moins d’un quart d’heure.Let’s rock n’roll Baby !!!!

Pour voir le clip de "Sauvage" cliquez ici.

www.dissonant-nation.com

www.facebook.com/dissonantnation

Eepocampe : « When Things get Abstract »

2011-12-21T10:02:00.000-08:00

La pochette, assez dark, pourrait laisser penser que l’on aaffaire à un groupe gothique. Que nenni… Même si ils ont gardé un état d’espritparfois assez sombre, le trio lillois Eeepocampe trouve son inspiration ailleurs.Son ample, échos, arpèges délicats et mélodiques, irrésistibles éruptionsélectriques, rythmiques carrées, c’est sur et certain, Eepocampe ne manquerapas de réveiller certains souvenirs chez tout ceux qui ont vécu en live lesninetees. Chez Eepocampe, tout est une question d’ambiance, celle que le groupeinstalle et celle dans laquelle l’auditeur se laisse entraîner avec délectation.Les compositions sont assez longues et la rythmique balise le terrain, lignesde basses hypnotiques (Antony Lourdel) et batteries solides (Anthony Wailly).La guitare (Alexis Medina) se charge du reste, ses motifs sont répétitifs avecde brusques accélérations transpercées d’éclairs noisy. Les compositionsmontent ainsi en pression, et en intensité, les unes après les autres dans uncrescendo qui dure finalement tout l’album. Avec un soin tout particulierapporté au son et à la production, calculée au millimètre, rien n’estfinalement laissé au hasard. Pour autant, jamais le disque ne sonne froid,surproduit ou déshumanisé. Bien au contraire. Assurément de la belle œuvre, pasfondamentalement originale mais foncièrement attachante.

www.eepocampe.com

http://eepocampe.bandcamp.com/album/when-things-get-abstract

http://fr-fr.facebook.com/eepocampe

Envie d’un cadeau original pour les fêtes ? Al’occasion de Noël, la discographie complète d’Eepocampe (deux albums) estdisponible à un prix très raisonnable (15 euros frais de port compris) en cliquant ici. De quoi se réconcilier un peu avec Noël…

Jean-Jacques Milteau sextet, le Café de la Danse, 19 décembre 2011.

2011-12-20T11:38:00.000-08:00

Il y a bien longtemps que nous n’avons pas pris sur cette page des nouvelles de notre ami Jean-Jacques Milteau. Un nouvel album, « Considération » est sorti à l’automne dernier où JJ est entouré du fidèle guitariste Manu Galvin, des chanteurs Ron Smyth et Michael Robinson, du bassiste Gilles Michel et du batteur Eric Lafont, soit la même équipe que sur l’album précédent et le même groupe que l’on retrouve sur scène ce soir alors qu’il s’agit de défendre ce nouvel opus. On commence tranquillement avec un solo de basse et on réalise alors qu’un concert de JJ Milteau et de son groupe est toujours un moment de grande musicalité. C’est aussi la grande classe de produire une musique de ce niveau avec une déconcertante impression de facilité. Comme d’habitude on plonge dans les racines de la musique étasunienne à la fois blues et soul avec également un soupçon de country. La guitare, plus électrifiée que d’habitude, de Manu Galvin nous ramène sur un terrain plus rock et boogie. La voix des deux chanteurs, Ron Smyth et Michael Robinson, se marient à merveille et l’ensemble prend des allures de mini gospel. Michael et Ron amènent également du visuel au show grâce à leurs chorégraphies, mention spéciale à Ron qui bouge magnifiquement bien, les autres musiciens étant plus statiques, ce qui en aucun cas est un reproche, Jean-Jacques gardant pour sa part son sens de l’humour à froid un peu déconcertant. Après une première partie où le public se fait un peu timide, il faut dire aussi que c’est dans cette première partie qu’on été concentrés les morceaux les plus « lents », l’audience se fait entendre dans la deuxième moitié du show, plus enlevée. On rentre alors dans le vif du sujet et on retrouve l’ambiance d’un vrai concert, le partage érigé en valeur fondatrice. Le groupe remporte tous les suffrages et reviendra plusieurs fois sur scène pour les rappels sous un tonnerre d’applaudissements. Ce qui nous vaudra même un petit, et discret, saut de cabri de JJ pour fêter ce succès, geste extrêmement rare chez lui. Une excellente soirée.

www.jjmilteau.net

Candy Flesh : « Psychotic Tales »

2011-12-18T09:50:00.000-08:00

Amateur de rock n’roll garage sale et brut, les Candy Flesh sont fait pour toi ! Et autre bonne nouvelle, ces derniers sont Français. Les Candy Flesh sont donc quatre, la chanteuse Clara Dalle, le guitariste Stephane Dalle, le bassiste Goul et le batteur Laurent Léonard. Le groupe se forme en 2007 et après deux EPs sort, en 2011, son premier album « Psychotic Tales ». Les deux premières pistes de l’album « Taste like honey », « Funny Holly » placent les Candy Flesh sur d’excellents rails : ceux du rock garage typé 70s. Des riffs de guitares lourds et gras, des relents de blues, voire même de rhythm and blues, sales, une rythmique qui allie puissance brute et groove et, cerise sur le gâteau, une sacrée chanteuse « à voix » pour couronner le tout : l’affaire de pouvait mieux commencer. Au fil de l’écoute, les Candy Flesh prennent de plus en plus d’épaisseur et plus l’album avance plus on découvre de nouvelles facettes de leur musique. « The Voice », « Killer in You » et « Jessica » sonnent plus grunge, plus années 90 et Clara ressemble sur ces titres à une riot girl prête à prendre la relève de ses glorieuses aînées. En d’autres termes, elle chante et elle crie aussi très bien. Les Candy Flesh osent même le chant en français sur « Alice » et « l’aurore » ce qui à ma connaissance n’avait plus été fait depuis les excellents Québécois du Nombre. Autre titre chanté dans la langue de Molière « Baby Doll » donne une indication sur le potentiel musical du groupe et prouve chez Candy Flesh, tout n’est pas que décibels et fureur électrique. Placé en mode sourdine, ce groupe est également capable de faire preuve de délicatesse swing, peut-être la meilleure plage du disque, celle en tout cas qui met le plus en valeur la voix de Clara. Enfin, « Bury » clôture le disque sur une note acoustique (guitare folk jouée par Clara qui est également une excellente musicienne) délicate et mélodique bienvenue. Une belle découverte.

www.candyflesh.fr

www.rebelgirldiary.fr

Interview Elliott Murphy (version française)

2011-12-17T08:55:00.001-08:00

Légende vivant du songwriting installé en France depuis 1989, Elliott Murphy nous parle de la France, des Etats-Unis, de son dernier album (produit par son fils Gaspard) et de son grand ami Bruce Springsteen.

Te souviens-tu du jour où tu es tombé amoureux de la musique ?

Elliott Murphy : Oui, c’est quand j’ai écouté « Runaround Sue » par Dion en 1961. Je l’ai tellement écouté que j’ai complètement usé le disque !

Quelles ont été tes premières inspirations ?

EM : The Kingston Trio, les Beach Boys et, bien sur, Elvis Presley.

Comment était New York à cette époque ?

EM : Un peu comme Brooklyn aujourd’hui ! Beaucoup de groupes et beaucoup d’endroits où jouer. C’était une période très excitante.

Parle-nous de Greenwich Village et de la scène folk….

EM : Il y avait beaucoup de petits cafés où les concerts duraient la nuit entière. Tout le monde portait des cabans.

Tu as aussi vécu à San Francisco. Comment était San Francisco dans les années 70 ?

EM : J’y étais en 1971, le mouvement hippie avait vécu. Mais il y avait encore ce sentiment de liberté en ville. J’ai écris là bas plusieurs chansons de mon album « Aquashow ».

En 1989, tu as déménagé en France. Comment as-tu choisi la France ? Tu parlais français à l’époque ? Quel a été ton plus grand défi ?

EM : J’ai toujours adoré la France et il me semblait que Paris était la capitale culturelle européenne. Je ne parlais pas très bien français en arrivant. Le plus grand défi, ça a été d’obtenir la nationalité française.

Quels ont été tes premiers sentiments en descendant de l’avion ce jour là ?

EM : En fait j’ai vraiment eu le sentiment de commencer une nouvelle vie en ouvrant la porte de l’appartement à Bastille.

Penses-tu avoir trouvé une forme de renouveau artistique en France ?

EM : Le public français m’est fidèle depuis plus de trente ans. Ca m’inspire !

Etant expatrié depuis des années, quelle serait ta définition du mot « maison » ?

EM : Les expatriés sont des gens qui sont le plus à la maison quand ils ne sont pas à la maison. C’est moi. A l’instant, je suis dans un motel du Massachusetts, allongé sur un lit et cela me semble parfaitement naturel.

Si je te dis « tu peux quitter l’Amérique mais l’Amérique ne te quitte pas », que répondrais-tu ?

EM : Je répondrais que dans mon cas ce n’est pas vrai.

Ton dernier album « Elliott Murphy » a été produit par ton fils Gaspard (guitariste des Dukes et de Duplex, ndlr). Comment était-ce de travailler avec lui ? Est-ce que cela rend l’album plus précieux à tes yeux ?

EM : C’était génial de travailler avec Gaspard, parce qu’il a apporté ses oreilles de 21 ans à ma musique. Et bien sur cet album m’est précieux et c’est d’ailleurs pour cela qu’il est éponyme.

En écoutant l’album, j’ai eu l’impression que Gaspard a apporté une nouvelle dynamique à tes chansons, qu’en penses-tu ?

EM : Gaspard a vécu avec ma musique depuis sa naissance. Il savait comment obtenir ce son à la fois classique et moderne.

L’album est simplement intitulé « Elliott Murphy » comme si on écoutait un nouvel Elliott…

EM : J’ai eu le sentiment que c’était le commencement d’une nouvelle ère dans mon existence, comme si j’étais finalement devenu complètement moi-même.

James Taylor semble être une grande influence sur ce disque…

EM : Pas vraiment, même si j’admire James Taylor. Il a une voix superbe et pleine d’humilité. Il chante superbement sans donner l’impression de faire des efforts.

Bruce Springsteen est l’un de tes meilleurs amis. Est-ce que tu peux nous parler de lui ? Comment est-il dans la vraie vie ?

EM : Bruce est vrai. Il est généreux et attentionné. Et il aime la bonne cuisine comme moi. Donc nous avons beaucoup en commun !

Propos recueillis par email le 15 décembre 2011.

Un grand merci à Elliott pour sa gentillesse et sa disponibilité.

Et un grand merci à Laura Woody et Marie Fleur.

www.elliottmurphy.com

En concert les 23 et 24 mars 2012 au New Morning (Paris).

An interview with Elliott Murphy (english edition)

2011-12-17T08:38:00.000-08:00

Songwritng legend from Long Island, Elliott Murphy has recorded in first album « Aquashow » back in 1973. Elliott has been living in France since 1989. He discusses here France, The States, his latest album (produced by his son Gaspard) and his great pal Bruce Springsteen…

1) Do you remember the day you fell in love with music ?

Yes, when I heard Runaround Sue by Dion in 1961. I played it so many times I wore out the record.

2) Who were your early inspirations ?

The Kingston Trio, The Beach Boys, and of course Elvis Presley.

3) Do you remember how New York was back in those days ?

It was like Brooklyn is today! Lots of bands and lots of places to play. A very exciting time.

4) Tell us about Greenwich Village and the folk scene !!!!

There were many little coffee shop cafes where people performed all night long. Everyone wore pea-coats.

5) You also lived in San Francisco right ? How was San Francisco in the 60s/70s ?

I was there in 1971 so the Hippie scene was over. But still there was a very free vibe to the city. I wrote some songs there that are on my first album Aquashow.

6) In 1989 you moved to France. Why you chose France ? Did you spoke french back then ? Was it the most challenging thing you ever did ?

I always loved France and Paris seemed like the cultural capital of Europe to me. I didn't speak much French when I arrived in 1989. The most challenging thing was getting my French citizenship.

7) What was your first thaught when you get off the plane that day ?

Actually, I had a great sense of beginning a new life when I opened the apartment door in Bastille.

8) Do you think you found some artistic renewal in France ?

The French audience has always been faithful to me for over 30 years. That inspires me!

9) Being an expatriate for so many years, what would be your definition of the word "Home" ?

Expatriates are people who are more at home when they are not at home. That's me. Right now I'm lying on a motel bed in Massachusetts and it feels perfectly natural.

10) If i tell you "You can take the man out of America but you can't take the America out of the man" what would you say ?

I would say that in my case that's not true.

11) Your latest album "Elliott Murphy" was produced by your son Gaspard (guitar player for The Dukes and Duplex). How was it to work with him ? Does it make the album even more precious to you ?

It was great to work with Gaspard because he brings 21 year old ears to my music. And of course this album is precious and that's why I put my name on it.

12) Listening to the album i had the feeling that Gaspard brought a whole new dynamic to your songs. What do you think ?

Gaspard has been living with my music since he was born so he knew actually how to make it modern and classic at the same time.

13) Is it why the album is simply call "Elliott Murphy", like we're listenning to a new you ?

I felt it was the beginning of a new era in my life, that I finally had become myself totally.

14) James Taylor seems to be an huge influence for that album...

Not really although i admire James Taylor. He has a great voice full of humility. An effortless singer.

15) One of your best friends is Bruce Springsteen. Tell us a few words about him, how he's he in real life ?

Bruce is the real thing. He's very generous and caring. And he likes good food like me. So we have a lot in common!

Thank you Elliott !!!

Extra special thanks to Laura Woody and Marie Fleur.

www.elliottmurphy.com

Rover

2011-12-14T10:49:00.001-08:00

Les yeux rivés par delà la Manche, notre frenchy Rover revisite à sa manière les grands mythes de la pop anglaise sur ce premier EP de quatre titres. On commence par du grand classique avec un « Aqualast » sous influence Beatles.Sympa. Un grand bond générationnel plus tard et, dès la deuxième plage, « Tonight » nous fait revivre les grandes heures de la cold/new wave des années 80. Portée par une ligne de basse démentielle le titre est sombre à souhait et évoque Joy Division. Lorgnant plutôt du côté de l’Amérique, « Birds » est ouvertement rock, guitares et gros son sont au rendez-vous. Pas mal du tout. Enfin l’EP s’achève avec « Joy » un court titre acoustique. Bien que très réussi, très bien produit, et ma foi assez homogène malgré la diversité des genres abordés, on a quand même, alors que le disque s’achève, un peu de mal à se faire une idée de la personnalité musicale de Rover. Cet homme ferait-il tout en même temps ? Quelles surprises peut-il bien nous réserver pour son premier album ?

www.myspace.com/musicrover

http://fr-fr.facebook.com/musicrover

Lady Linn and Her Magnificent Seven

2011-12-14T09:48:00.000-08:00

Voilà une excellente nouvelle qui ravira tous les amateurs de jazz vocal, de swing et plus généralement de musique vintage : la très talentueuse Belge Lady Linn accompagnée de son groupe The Magnificent Seven arrive enfin en France. En attendant la sortie de l'album "No Goodbye at all", prévue pour le printemps prochain, le public français pourra découvrir la belle sur la scène du Divan du Monde le 17 janvier prochain. D'ici là un premier clip, "Cry Baby", est diffusé sur youtube :

Cliquez ici pour voir la vidéo de "Cry Baby"
www.ladylinn.be

Helium Horse Fly : « Fishing for Ghosts »

2011-12-12T11:32:00.000-08:00

A l’image de sa pochette le nouvel EP d’Helium Horse Fly nous plonge dans des eaux troubles et inquiétantes. Passée la courte et ténébreuse introduction, « Fishing for Ghosts », on rentre de plein pied dans le vif du sujet. Des compositions longues, tortueuses où se télescopent les influences par dizaines. Un peu de rock tendance planante un soupçon de jazz free (le final de « Dust ») et une alternance entre passages calmes, apaisés et mélodiques et franches attaques de guitares. Avec de longues séquences instrumentales à base de motifs répétitifs. Pas évident de citer des influences, tant ces dernières semblent avoir été digérées par Helium Horse Fly qui suit son propre chemin. Cependant on pense parfois aux groupes à chanteuses « à voix » comme les Cocteau Twins ou The Gathering, non seulement pour l’aspect dark et hypnotique de la musique mais aussi dans le chant de Marie Billy qui vocalise un peu à la façon de Liz Frazer et d’Anneke. Helium Horse Fly possède décidément un univers bien à lui où tout est pensé jusque dans les moindres détails y compris dans les titres à rallonge et à la signification absconse : « Another Bleak Mind Rushed For Obedience », « Romantic Song For The Nightlife Of a Pumpkin Bubble »… Passionnant.

www.heliumhorsefly.com

Sortie le 14 décembre.

Botibol : « Born from a shore »

2011-12-10T11:08:00.000-08:00

Projet solo du bordelais Vincent Bestaven, le premier album de Botibol, « Born from a Shore » débute de façon bien étrange avec « Walk slowly », un titre assez déconstruit avec des montées, des descentes, des silences… Ce n’est qu’après quelques écoutes que le charme de Botibol fait son petit effet, comme ça l’air de rien, tout en délicatesse et discrétion. La base de Botibol c’est la guitare acoustique, le folk. Qui parfois sonne un peu mélancolique « A small light in the dark », « Breakwaters » ou « Filling a hole » légèrement teinté de couleurs blues. A d’autres moments la musique est joyeuse. En fait, l’album n’a de cesse de faire des allers retours entre les deux sentiments. Dans ces meilleurs moments, le disque prend des atours pop particulièrement irrésistibles mettant redonnant au concept des « symphonies de poches » cher à Brian Wilson une deuxième jeunesse. « Friends », peut-être la meilleure du cd, prends des airs de pop song ultime. C’est plein de carillons de petites clochettes qui font gling gling, c’est tout simplement beau. Tout au long du disque, Botibol a su faire de cette économie de moyen, de ce côté bricolo une force. Peu d’intervenants et une sensation d’intimité qui se fait plus grande écoutes après écoutes. Chanté en anglais, le français fait pourtant une apparition surprise au milieu de « We were foxes » : « Sur le goudron brûlant nous courons vers la mer », comme un résumé de son univers naïf et coloré, à l’image de la pochette, mais qui sait aussi faire un peu de place au noir et à toutes les nuances de gris. « Oh son » conclu le disque comme il a commencé, c'est-à-dire de manière bien étrange, comme en suspension…

www.myspace.com/botibol

Anna Aaron : « Dogs in Spirit »

2011-12-07T11:14:00.001-08:00

Jeune pianiste bâloise de 26 ans, Anna Aaron sort un premier album, « Dogs in Spirit », à l’univers des plus intriguant. Le début de l’album est caractéristique de ce qui nous attend à l’écoute de cet effort inaugural. Le premier titre « Elijah’s chant » est un summum d’anxiété musicale : voix incantatoire, rythme mécanique la chanson semble être extraite de la bande originale d’un cauchemar. Etrange entrée en matière pour un album qui par la suite enchaîne les perles pop d’une évidence mélodique rare : le piano léger de « Sea Monsters », « Queen of Sound » et de « Siren » rappelle Fiona Apple ; « Where are you David » sonne comme un inédit de Crosby, Stills & Nash avec au passage de bien jolies harmonies vocales. Enregistré en collaboration avec le trompettiste Erik Truffaz, « The Drainout » rappelle une autre Anna dont on a fait des gorges chaudes cette année : Calvi. « King of the dogs » entraîne Anna sur un territoire nettement plus rock. Ainsi va Anna Aaron tout au long de ce premier disque passant d’un extrême à l’autre, contrecarrant ses mélodies les plus évidentes, comme par culpabilité, par une démarche expérimentale. Bras de fer qui au final ne connaîtra qu’un seul vainqueur : l’auditeur. Car c’est de cette étrangeté que vient tout le charme de cet opus. Probablement une grande révélation pour l’année 2012.

Sortie le 23 janvier 2012.

www.annaaaron.com

Ana : Secret Garden

2011-12-05T11:05:00.001-08:00

Composé de la chanteuse Annabelle Ariane et du guitariste Xavier Renault, le duo folk Ana sort son premier album « Secret Garden ». Un premier effort à l’ambiance particulièrement intime entre chaudes sonorités des arpèges acoustiques et le timbre profond de la chanteuse Annabelle dont la voix vénéneuse ne demande qu’à vous ensorceler. Parfois renforcée (voire dopée) par une section rythmique la musique d’Ana prend des allures pop (« Need a friend », « Take my hand ») et célèbre le mariage, réussi, entre énergie rythmique et mélodies délicates. A d’autres moments c’est un violoncelle qui s’invite (« So Love », « Je me noie ») et la musique d’Ana devient soudainement mélancolique. Un premier album délicat et sensuel à classer entre Nick Drake et Elliott Smith.

www.ana-folk.com

http://anamusique.bandcamp.com/

www.facebook.com/anamusique

MISE A JOUR : Deux exemplaires de l'album au format digital sont à gagner. Envoyez moi un mail à l'adresse suivante myheadisajukebox@gmail.com en précisant CONCOURS ANA dans l'objet et les deux plus rapides gagneront des codes pour télécharger l'album sur le lien suivant :

http://cd1d.com/fr/album/secret-garden

Souscription « Souvenirs de Jade »

2011-12-05T10:30:00.000-08:00

Petit message personnel ce jour pour soutenir mon amie Ysabel Rousseau qui cherche actuellement à publier son premier roman « Souvenirs de Jade ». Soutenons la création littéraire !

Mon roman, « Souvenirs de Jade », sera édité par les Editions Amalthée (www.editions-amalthee.com) qui sont basées à Nantes.

J’ai signé un contrat de publication participatif et vais vous en expliquer les grandes lignes.

Les Editions Amalthée prennent en charge la fabrication du livre, ainsi que son enregistrement au fichier national (qui délivrera le n° ISBN) et la promo (librairies, Internet, salons…). De mon côté je dois financer la fabrication de la maquette (les épreuves et la couverture...). Pour ce faire, il faut que je parvienne à trouver 116 personnes qui voudront bien pré-réserver mon livre. Et c’est là que vous et vos amis, connaissances, etc intervenez !

Mon éditeur prévoit que mon roman sera édité en format 15cm X 24cm, sur 380 pages au prix de 21,00 €. Vous trouverez ci-joint un bon de souscription (en format .pdf) vous permettant de pré-réserver mon roman. Comment cela se passera-t-il ?

# 1 : remplissez le bon avec vos coordonnées,

# 2 : joignez un chèque de 24 € (21 € pour le livre + 3 € pour les frais d’envois)

# 3 : notez que vos chèques ne seront pas encaissés tout de suite, mais seulement lorsque la fabrication du livre sera lancée, soit dans environ 2 mois. Il faut que je vous précise que je n’ai plus que 2 mois pour trouver les 116 pré-réservations. Si toutefois, je n’y parviens pas, l’édition est annulée et vos chèques vous seront retournés.

# 4 : l’éditeur me tiendra informée de la date de l’encaissement des chèques et je vous passerai l’info dès réception.

J’espère avoir été claire. Si toutefois, vous avez des questions, n’hésitez pas à m’envoyer un mail : ysabel.rousseau@yahoo.fr

Vous trouverez sur le bon de souscription, la 4ème de couv’ qui vous donnera un résumé de mon roman, qui je l’espère, vous donnera envie de vous lancer dans l’aventure avec moi.

Pour obtenir le bon de souscription, la 4^ème de couverture ou tout autre renseignement supplémentaire n’hésitez pas à contacter l’auteur Ysabel Rousseau à l’adresse suivante ysabel.rousseau@yahoo.fr

FM LAETI : « It will all come around »

2011-12-04T09:05:00.000-08:00

Premier album de FM Laeti, « It will all come around » voit la jeune chanteuse jongler avec différentes cultures musicales, un peu à l’image de l’artiste qui a vécu plusieurs vies au Canada, à la Guadeloupe et en métropole. L’album trouve sa source dans la musique black américaine, la soul bien sur, la vraie, celle des années 70 et aussi un soupçon de jazz dans les batteries. Mais l’album s’offre aussi quelques pas de côté, du côté du folk accouchant au passage avec « Is it something new ?» d’une délicate petite perle mettant en valeur le grain de voix légèrement éraillé de Laetitia Bourgeois (son véritable paronyme). Les mélomanes le savent mais les racines du blues ne sont pas entièrement à Chicago ou dans le Delta du Mississippi mais chez les griots africains. Et c’est à l’Afrique que FM Laeti rend hommage parsemant son disque d’arrangements à base d’instruments traditionnels comme le n’goni (une guitare tétracorde). Une des grandes réussites de l’album, « Coco » se situe précisément dans ce style et donne l’occasion à Laeti de chanter en duo avec Fatoumata Diawara, chaque chanteuse se répondant dans sa langue vernaculaire. Enfin le périple ne serait pas complet sans quelques clins d’œil du côté des Caraïbes que Laetitia revisite au moyen de percussions locales disséminées ça et là. Il est vrai que les sorties soul se multiplient ces derniers mois, même Dave s’y est mis, bénéficiant d’un effet de mode un peu malsain. Mais il est certain que FM Laeti est une véritable soulwoman, de la trempe de celles qui auraient chanté ce style que ce dernier soit à la mode où non. Son album est un petit bijou délicat qui nous aidera à passer l’hiver. A ranger précieusement au côté des opus signés Sandra Nkaké et Sly Johnson.

www.myspace.com/fmlaeti

Anoushka Shankar : « Traveller »

2011-12-03T09:29:00.000-08:00

Sitariste reconnu, et fille de Ravi, Anoushka Shankar est allée chercher l’inspiration de son nouvel album (le sixième) dans le voyage comme l’atteste son titre « Traveller ». Et plus précisément en Espagne puisant dans le flamenco et faisant appel tour à tour à des vocalistes (Sandra Carrasco, Duquende), guitaristes (Pepe Habichuela), pianistes (Pedro Ricardo Mino) ou bien encore des percussionnistes (El Pirana). L’auditeur est invité à prendre place comme on embarque pour une traversée entre l’Inde et l’Espagne. La démarche n’est pas sans rappeler les jams acharnées des jazzmen. Les musiciens se regardent, s’épient et apprennent finalement les uns des autres pour arriver sur un terrain commun, particulièrement fertile, une musique libre comme l’air faisant fi des différences et prônant un langage universel. A ce titre l’une des plus belle réussite de l’opus est probablement l’instrumental « Boy Meets Girl » comme un résumé de la rencontre entre Anoushka et le guitariste Pepe Habichuela aboutissant sur un magnifique dialogue entre les deux instruments à cordes. Particulièrement copieux, le menu est complété par quelques plages plus typiquement Indiennes avec tabla, voix et flûtes comme accompagnement. Abrité par la vénérable institution Deutsche Grammophon c’est à un voyage en première classe qu’Anoushka Shankar nous convie.

www.anoushkashankar.com

Marie Fleur (MacGillis) and The Jazzabilly Blues : « Old Black Magic »

2011-12-02T10:48:00.000-08:00

Alors que l’an 2011 arrive lentement mais sûrement à son terme, j’éprouve aujourd’hui le besoin de faire une pause et de vous faire partager l’un de mes énormes coup de cœur musicaux de l’année : Marie Fleur (Mac Gillis). Découvert en tout début d’année, Marie m’a accompagné toute l’année au fil de pérégrinations en Europe. Moi, dont la vie est rythmée par l’actualité musicale et les sollicitations diverses, j’ai toujours pris le temps de retourner vers Marie. Sa voix, chaude et sexy, m’est ainsi devenu une fidèle compagne, qui me réchauffe le coeur en hiver et me berce les nuits d’insomnie. Marie a enregistré trois albums et les deux derniers ont déjà été chroniqué sur cette page : « Sittin in the catbird seat » (chronique ici) et son chef d’œuvre « Bébé Licorne » (chronique ici). Ne restait plus que le premier alors que son groupe s’appelait The Jazzabilly Blues. Nous en sommes alors en 2006 et Marie coule des jours heureux à Los Angeles. Sa voix est (déjà) magnifique et Marie est alors une chanteuse très sûre d’elle bien que débutante et qui ne tardera pas à atteindre des sommets (cf. le chef d’œuvre Bébé Licorne). Musicalement parlant, le Jazzabilly Blues (qui compte parmi ses membres le légendaire Ron Dandi qui a joué sur Pet Sounds et la section rythmique Oliver Steinberg / David Raven) se cherche encore un peu, Marie n’a pas encore complètement versé dans le jazz manouche qui deviendra plus tard sa spécialité bien que quelques signes annonciateurs soient audibles ici (les violons de Paloma Udovic sur « Where or When » ou « Shine On, Shine On »). Cet album assez court, 7 titres, est son travail le plus « électrique » et permet d’entendre des choses très intéressantes. Du blues tout d’abord, la magnifique « Blues in the night » et « Trouble in mind », Marie s’avère une blueswoman très convaincante et j’ai toujours un peu regretté qu’elle ne chante pas plus souvent dans ce style. Cet album permet aussi de découvrir quelques chansons originales de Marie, car si Marie fait beaucoup de reprises c’est plus par timidité que par manque de talent et notamment « Johnny Beaux » où la belle laisse apparaître sa personnalité fantasque, son humour et le grain de folie qui la caractérise. J’ai beaucoup aimé le final et le clin d’œil discret (et totalement inattendu) à Jimi Hendrix quand le guitariste (le légendaire Danny B. Harvey) reprend l’hymne Américain à la manière du grand Jimi sur la scène de Woodstock. Au final un album solide, à défaut d’être foncièrement original (que sera « Bébé Licorne ») mais surtout joué avec beaucoup d’amour. Alors que vient l’heure de mettre un terme à cette chronique, je suis forcément un peu ému. Je ne peux m’empêcher de penser très fort à Marie dont la carrière musicale est un peu au point mort (pas d’actualité immédiate et aucun concert de prévu). Chante, Marie, chante ! Jette ton âme et ton cœur dans ce micro, sur cette scène. C’est comme ça que l’on t’aime.

www.mariefleur.com

No one is innocent les 15 et 16 décembre au nouveau casino

2011-12-01T11:37:00.000-08:00

Peter Frampton, Le Bataclan, 23 novembre 2011

2011-11-27T11:23:00.001-08:00

C’est symptomatique d’une industrie à laquelle il ne reste guère plus que la carte de la nostalgie : on fête dorénavant les anniversaires d’albums, plus où moins marquant, par des concerts spéciaux dans lesquels l’intégralité desdits disques est jouée. Peter Frampton, puisque c’est de lui dont il est question aujourd’hui, n’échappe pas à la règle et fête les 35 ans de son « Frampton Comes alive », album qui l’a transformé en superstar, sur la scène du Bataclan. Sauf que ledit album étant déjà un disque live, Frampton nous ressort le même concert qu’il y a 35 ans. Ah nostalgie quand tu nous tiens… Cela a surtout comme désavantage de gommer d’avance l’effet de surprise (enfin presque), ce n’est pas tellement grave finalement puisqu’il y a trente cinq ans je n’avais personnellement pas l’âge de sortir le soir. Et puis cela reste de la bonne musique. Et Frampton (accompagné pour l’occasion du bassiste Stanley Sheldon qui était déjà là dans les années 70) est un perfomer qui sur scène retrouve l’enthousiasme de ses jeunes années. Et ça fait plaisir à voir ! Sur scène, Peter est cosy. Petit guéridon dans le fond, une tasse de thé, un petit bol de céréale dans lequel le guitariste picore entre les chansons (et au passage une pub éhontée pour un marque commençant avec un K, tu pousses le bouchon un peu loin là…). Derrière la scène un écran diffuse toute une série de photos retraçant sa carrière (Peter avec McCartney, Peter à l’arrière d’une limousine, une « naughty german girl »…) et un hommage aux disparus Bob Mayo et John Siomos. On garde surtout de lui l’image du virtuose de la talk box (cf. le tube « Show me the way ») mais Peter Frampton est bien plus que cela, un guitariste très fin, comme le prouve les rappels quasi-exclusivement instrumentaux, et surtout un chanteur folk (on l’avait un peu oublié) qui assure aussi en solo avec une guitare acoustique. Parmi les excellentes surprises, un titre d'Humble Pie, une version instrumentale de « Black hole sun » (Soundgarden) totalement inattendue et une autre reprise, plus convenue, du « While my guitar gently weeps » de George Harrison qui clôture un show de deux heures et demie. Car Peter Frampton est généreux avec son public et c’est tout à son honneur. Allez ne faisons pas la fine bouche, c’était quand même chouette de pouvoir replonger dans le son de l’époque.

Patti Smith, L’Olympia, 21 novembre 2011.

2011-11-26T09:39:00.000-08:00

Personnage absolument cardinal dans l’histoire du rock pour avoir fait le lien entre les années 60 et 70, Patti Smith était de retour sur la scène de l’Olympia en ce lundi soir pour deux soirées affichant complet depuis des lustres. Entourée par son groupe incluant les deux survivants des 70s le guitariste Lenny Kaye et le batteur Jay Dee Daugherty, Patti a donné un concert exceptionnel à la fois par son intensité et l’émotion s’en dégageant. Entamé avec un enchaînement « Barefoot Dancing » (1979) et « Redondo Beach » (1975) nous a replongé direct la tête dans les années 70. Personnalité particulièrement attachante et très humaine Patti a rendu de vibrants hommages en musique aux disparus Robert Mapplethorpe (photographe et compagnon de la première heure), Fred « Sonic » Smith (feu son mari et guitariste du MC5) et Lulu de la Falaise qui ont la particularité d’être nés ou d’avoir disparu au cours d’un mois de novembre. L’émotion est à son comble. Musicalement Patti se trouve à la croisée des chemins entre années 60, le folk psychédélique de « Ghost Dance » et punk 70s, le rageur « Rock n’roll nigger », dans une version particulièrement euphorisante allant crescendo en pression. Parmi les autres tubes joués citons « Pissing in the river », belle intro au piano, et bien sur « Because the night » co-signée par Bruce Springsteen. Pas ingrate Patti laisse la vedette et le chant à ses musiciens le temps d’une reprise du « Pushing too hard » des Seeds (une perle du rock garage des 60s). La soirée s’achève avec un explosif « People got the power » repris en cœur par la foule. Après toute ces années Patti Smith reste une des meilleures chanteuses de l’histoire du rock (quelle voix !) et une artiste à voir absolument en live au moins une fois… Essentiel.

Mick Wigfall and The Toxics

2011-11-19T09:55:00.001-08:00

Découvert récemment sur scène en première partie d’Imelda May, Mick Wigfall est un musicien anglais installé en France. Son premier album accompagné par son groupe The Toxics est une petite merveille dont les racines se trouvent dans les années 50. La formule est simple : un trio composé d’une contrebasse (assurée par Mr Wigfall himself), une guitare (Seb) et une batterie (Mister K). Comme bon rockabilly le tout est joué en ternaire, la rythmique transpire le swing. Parfois Mick et sa troupe s’éloignent un peu du sujet et adoptent des sonorités plus modernes, une dynamique plus punk s’empare alors de la batterie pour un résultat psychobilly claquant comme un coup de trique (« Teenage Kicks »). L’autre grand truc de Mick c’est d’aller débusquer le rockab’ là où ne l’attends pas, dans des reprises étonnantes comme celle de « Big in Japan » de l’immense Tom Waits. Mais Mick et sa troupe ne sont pas que des acharnés, comme le prouve la reprise de T.Rex « Born to Boogie » qui prend elle des allures de blues ou l’ « Egyptian Reggae », piqué chez Jonathan Richman et joué façon reggae acoustique (un autre titre acoustique est planqué en ghost track). Mick Wigfall est aussi un excellent songwriter et le disque contient trois originaux d’excellente facture. Comme à la grande époque, les compositions n’excèdent pas les trois minutes maximum, et l’album passe comme une lettre expresse à la poste sans temps mort ni longueur. Après Kitty, Daisy & Lewis, Les Hillbilly Moon Explosion et la star naissante Imelda May, sommes-nous au bord d’une immense explosion rockabilly ? Quoiqu’il en soit il faudra compter sur Mick Wigfall et les Toxics à l’avenir…

www.mickwigfallandthetoxics.com

The Dukes : « Victory »

2011-11-18T09:58:00.001-08:00

Après des années à se traîner les guêtres dans le sous sol de la gloire, années qui ont fait d’eux des sidemen recherchés (chez No one is innocent et Superbus notamment) le tandem Shanka (guitare) et Greg Jacks (batterie) décide de mettre en musique ses envies personnelles. Complété par Gaspard Murphy, guitariste fils d’Elliott et ancien élève musicien de Shanka, et le bassiste Steven Galtera la formation ainsi née sous le nom de The Dukes se fait rapidement un nom partant en tournée sur toutes les scènes d’Europe (oui oui d’Europe et pas uniquement de France, fait exceptionnel pour les groupes de notre pays qui ont en général bien du mal à passer les frontières). Un premier EP a vu le jour l’année dernière (« Resilient Lovers » chronique ici) et enfin cet album inaugural « Victory » que l’on découvre maintenant avec une émotion particulière. Et les ex-fans des années 90 à la recherche des émotions perdues de leur jeunesse ne pourront que se réjouir d’avoir un nouveau groupe à écouter. Tout au long des treize plages de l’album The Dukes renoue avec une certaine idée du rock indé telle qu’on l’entendait à l’époque en croisant les influences entre mélodies pop (« Low Men », « The Mangler », «Where angels fear to tread »), grosse énergie venue du métal / punk (« The stooge », « Laughter ») et on peut même y entendre un peu de country (« Sugar Cut »). Tout cela pour atteindre au final une balance quasi parfaite. On y découvre aussi un chanteur (pas du tout ridicule en anglais), Shanka, qui a une très belle voix, éraillée juste à point sur les morceaux les plus abrasifs (« Heirs of Icarus ») et mélodique sur tout le reste, que ce petit cachottier nous avait caché toutes ces années. Victory comme victoire, celle d’un rock racé, rageur et sans concession.

Sortie le 5 décembre.

www.thedukesmusic.com

Lofofora : « Monstre ordinaire »

2011-11-16T09:47:00.001-08:00

Vingt ans après ses débuts dans ce que l’on appelait à l’époque la fusion, Lofofora est de retour ; quatre années de silence se sont écoulées depuis le dernier album (Mémoires de singe, 2007). Un retour plus métal que jamais, gros son, et une belle dextérité musicale au passage, et voix gutturale. C’est la dynamique toute entière du groupe qui est renouvelée par l’arrivée d’un nouveau batteur. Le groupe sonne frais et régénéré comme si les années n’avaient pas de prise sur lui. La tension ne baisse jamais du début à la fin du disque, tout juste une petite pause apaisée en intro de « Le Visiteur » avant que les décibels ne reprennent de plus belle. Et toujours ces textes, dans la langue de Molière s’il vous plaît, ce qui se fait de moins en moins dans le domaine qui nous concerne, et ce regard acéré à la fois critique, désabusé et réaliste sur la société qui nous entoure. Deux décennies d’engagement et au final, les chansons des années 90 sont toujours autant d’actualité… C’est grâce à des types comme eux que le rock ne rentrera jamais dans le rang.

www.lofofora.com

www.myspace.com/lofofora

www.facebook.com/lofofora

Damien Robitaille : « Homme autonome »

2011-11-15T11:27:00.001-08:00

Aujourd’hui faisons connaissance avec un étonnant personnage, kitsch, pop et funky, Damien Robitaille dont l’album « Homme autonome » est enfin disponible en France. Car Damien nous démontre avec cet opus que la chanson francophone est bien loin de s’arrêter aux frontières de l’Hexagone et il est même probable que le français se porte mieux au Québec qu’en France où de nombreux groupes font le choix de chanter en anglais. Bref, Damien Robitaille est un artiste comme la scène française est (hélas) bien incapable d’en produire. Derrière son clavier vintage, Damien inocule une forte dose de groove, hérité des musiques Noires des années 70, dans la chanson francophone. Ecoutez « Homme autonome », « Mot de passe » ou « Casse-tête » (avec les cuivres en prime) le français a-t-il déjà été aussi funky ?? Parfois ce vernis clinquant s’efface et laisse apparaître une certaine forme de noirceur, une sorte de constat sur la solitude du monde moderne : « l’ermite dans la ville », « Homme autonome » ou sur la perte d’identité (« Mon nom »). Tour à tour rigolo (le gospel parodique « Jésus nous a dit »), touchant (« Plein d’amour ») ou dansant, l’univers attachant de Damien Robitaille est décidément plein d’excellentes surprises…

www.damienrobitaille.com

www.myspace.com/damienrobitaille

Soirées De Bon Augure

2011-11-14T09:42:00.001-08:00

Auguri Production inaugure un nouveau concept de soirées destinés à accompagner les jeunes talents français en organisant les soirées De Bon Augure. Venez découvrir les nouvelles pousses saison 2011/2012 les 2 et 3 décembre à Rennes (Bars en Trans) et les 14 et 15 décembre à la Boule Noire.

Lulu Gainsbourg : « From Gainsbourg to Lulu »

2011-11-14T09:23:00.001-08:00

Hésitant entre jazz et pop, c’est album assez bancal que livre finalement Lulu Gainsbourg, après un premier « jazz ep ». Le tout manque cruellement de personnalité : la sienne. C’est une idée un peu étrange de sortir en guise de premier effort un disque hommage à son père. Accompagné par un casting de malade (Iggy Pop, Marianne Faithfull, Richard Bona, Scarlett Johansson, Rufus Wainwright entre autres…) Lulu Gainsbourg intervient tout au long du disque tantôt comme musicien (pianiste), tantôt comme chanteur (occasionnel) et comme producteur. C’est finalement dans ce dernier rôle qui lui va le mieux. Car pour tout inégal qu’il soit, le disque est superbement bien produit du début à la fin. L’autre écueil du disque est aussi de sonner parfois trop proche de l’original ce qui plombe notamment le premier single « L’eau à la bouche ». Soulignons par contre la prise de risque, « Intoxicated Man » repris en version free, et la volonté de reprendre des titres parfois peu connus (« La noyée », « Fresh news from the stars »). Ne soyons cependant pas trop durs avec Lulu qui est encore jeune (25 ans), qui visiblement se cherche encore, et doit de plus supporter sur ses épaules toute la pression liée à son patronyme. Le jeune homme est également compositeur, une musique casée chez Marc Lavoine notamment, un compositeur resté étrangement muet sur son propre disque. Aussi cet opus ne peut être considéré que comme une étape intermédiaire avant de sortir de l’ombre de son paternel. Souhaitons lui de sortir au plus vite un album qui soit vraiment le sien.

www.lulugainsbourg.com

« Listen to me » Compilation hommage à Buddy Holly

2011-11-12T09:00:00.001-08:00

Décédé alors qu’il n’avait même pas encore 23 ans, classique parmi les classiques, Buddy Holly fut une star du rock n’roll naissant entre le printemps 1957 et l’hiver 1958-1959. Le corpus de chansons laissées par Buddy Holly est d’autant plus impressionnant qu’il fût enregistré et composé, bien souvent par ses soins, en à peine 18 mois et reste aujourd’hui une référence pour de nombreux artistes. L’évidence mélodique d’« Everyday » (peut-être bien la plus grande chanson jamais enregistrée et je pèse mes mots), par exemple, est annonciatrice des futurs tubes des Beatles. Buddy Holly aurait fêté ses 75 ans cette année, et cet anniversaire est fêté un deuxième album hommage « Listen to me », après le très réussi « Rave on » sorti au début de l’été. Dans un cas comme dans l’autre, les stars ont répondu présent, et dans le cas qui nous concerne, Brian Wilson (« Listen to me »), Ringo Starr (« Think it over »), Imelda May (« I’m looking for someone to love ») sont tous auteurs de performances assez remarquables. La palme revient certainement à Chris Isaak (« Crying, Waiting, Hoping ») qui trouve ici un terrain d’expression idéal pour sa voix d’ange et ses arpèges délicats. Parmi les autres bonnes surprises Patrick Stump qui réinvente « Everyday » sur la base d’étonnantes percussions ou Linda Rondstadt qui entraîne « That will be the day » sur un chemin country. D’une manière générale les réussites sont assez nombreuses (citons quand même Lyle Lovett, Jeff Lynne, Jackson Browne…) mais cela n’empêche pas quelques couacs : The Fray (« Take your time ») et Cobra Starship (« Peggy Sue ») qui sonnent trop variété. L’album s’achève avec une surprenante reprise de « Raining in my heart » par Eric Idle (l’ancien Monty Python) et ce dernier n’étant ni chanteur ni musicien, sa relecture est pour le moins personnelle et frappadingue à défaut d’apporter quelque chose de neuf au niveau musical.

Sortie le 21 novembre.

Patrick Sweany+Southside Johnny & The Asbury Jukes, Paradiso, Amsterdam, 28 octobre 2011.

2011-11-11T09:11:00.000-08:00

Aujourd’hui My Head is a Jukebox vous fait voyager et prends la route (enfin plus précisément le train) à la rencontre du vénérable Southside Johnny et de son groupe The Asbury Jukes. Southside Johnny ne tournant plus en France, faute de popularité, c’est à Amsterdam, au Paradiso, que nous avons assisté à sa tournée européenne annuelle. Un petit mot pour commencer sur Southside Johnny, le « king of the Jersey Shore », chanteur ayant débuté dans les années 70, grand ami de Bruce Springsteen qui lui a offert plusieurs chansons et avec lequel il a partagé le guitariste Little Steven.

La soirée se déroule au Paradiso, un lieu mythique d’Amstedam, une ancienne église transformée en salle de concert à la fin des années 60 après que l’endroit fut squatté par des hippies. Longtemps un haut lieu de la culture contestataire, le Paradiso est depuis rentré dans le rang. Assez vaste, l’ancienne église abrite un bar en sous-sol ainsi que deux salles de concert, la petite salle et la grande halle où se produit Southside. Avec ses vitraux et ses deux mezzanines, l’endroit a incontestablement une âme et du cachet sans être aussi belle que certaines salles parisiennes (La Cigale, Le Trianon). Néanmoins l’endroit est vraiment chouette et Amsterdam peut se targuer d’abriter une salle sortant de l’ordinaire.

La première partie est assurée par Patrick Sweany, un guitariste/songwriter originaire de l’Ohio et qui fût un temps produit par le Black Keys Dan Auerbach. Seul avec sa guitare et une mini estrade à ses pieds en guise de percussion, Sweany semble être un peu esseulé et à la peine. Son set révèle néanmoins de réelles dispositions de songwriter et son répertoire entre blues, folk et soul gagnerait à être joué en groupe malgré tout son talent de guitariste. Patrick possède également une voix qui porte et qui est justement trop forte pour être accompagnée par une simple guitare. Un excellent musicien et une belle découverte malgré tout pour commencer la soirée. Et comme il est assez rigolo et blague régulièrement avec le public, on a passé un bon moment en sa compagnie.

Et puisque l’on parlait de voix, c’est justement à cette dernière que Southside Johnny doit sa réputation. Vieilli avec élégance son timbre est maintenant un peu éraillé et convient de mieux en mieux à son style musical. Qualifié en introduction de « old fashionned Jersey Shore rock n’roll » Johnny oscille entre pur rock n’roll et rhythm n’blues. Un ou deux blues originaux fûrent même joués au cours du concert pour maintenir la balance. Johnny est entouré par un groupe assez nombreux, à l’ancienne, et ce depuis toujours : une section de cuivres, orgue hammond B3 (et la cabine leslie idoine), basse, batterie et guitare pour un résultat musicalement très énergique et soulful. Johnny est également un excellent harmoniciste, dont il jouera un peu pour un résultat assez mitigé. C’est le seul point noir de la soirée, les cuivres et l’harmonica se marient assez mal et le mélange donne un résultat confus, une sorte de bouillie sonore. Véritable showman Johnny est vêtu du maillot orange de l’équipe de foot locale, un truc pour se mettre le public dans la poche, sport qu’il pratiquera sur scène faisant quelques passes avec le bassiste, un tambourin en guise de ballon. Quel comique ! Johnny fait des blagues, s’amuse à perturber son pianiste en plein show, c’est aussi une petite boule d’énergie qui n’arrête pas de sauter partout. Généreux avec le public, Southside Johnny et son groupe reviendront par deux fois sur scène pour les rappels pour un show qui durera au total pratiquement deux heures et demie (quitte à faire le voyage autant que cela vale le coup). Un excellent concert, dommage toutefois qu’il faille traverser une frontière pour pouvoir en profiter.

www.southsidejohnny.com

www.patricksweany.com

Mick Wigfall and The Toxics + Imelda May, La Cigale, 26 octobre 2011.

2011-11-06T09:10:00.000-08:00

Une petite poussée de fièvre rockabilly est à prévoir en ce mercredi soir sur la superbe scène de la Cigale. On commence avec la belle découverte de la soirée, l’anglais Mick Wigfall accompagné de son groupe The Toxics. La soirée ne pouvait mieux commencer en compagnie de ce trio. Leur leader Mick Wigfall possède une voix éraillée, reconnaissable entre mille et dont le timbre s’adapte aussi bien au rockabilly qu’au blues. C’est également un contrebassiste, qui n’hésite pas à martyriser son instrument dans le but d’en tirer des sonorités invraisemblables, du swing plein les mains. Véloce et rythmé c’est tout simplement excellent. Le visage caché par un masque de catcheur le batteur en rajoute également une couche et est à l’unisson de son chanteur. A eux deux ils forment une section rythmique redoutable. Ils sont enfin accompagnés d’un guitariste solide. Qu’ajouter de plus ? Qu’ils ont bon goût puisqu’ils reprennent le « Big in Japan » de Tom Waits (ils ont également des compositions originales à leur répertoire). Une excellente découverte. Il paraît qu’ils sont installés en France, aussi espérons les revoir bientôt.

Ancienne compagne de vaches maigres de Mick Wigfall, l’Irlandaise Imelda May prend la suite sur scène pour son premier passage en tête d’affiche à Paris. Repérée en première partie du Brian Setzer Rockabilly Riot en juin dernier, Imelda est déjà une star majeure dans son pays natal et vient tout juste d’être lancée sur le marché français. Avec succès semble-t-il puisque la date affiche complet. Sexy comme tout moulée dans sa robe léopard et les talons aiguilles aux pieds, Imelda fait chavirer les têtes de linottes de l’assistance masculine. Sa voix, grave, est à se damner et peut scotcher tout le monde aussi bien en mode électrique qu’accompagné d’un simple ukulélé, la belle Imelda possède plus d’un atout pour séduire le public. D’une maladresse charmante quand elle essaye de parler français, bien mise en valeur, c’est elle la star, le reste du groupe est plus en retrait, Imelda a fait sensation. Son groupe est particulièrement bien rodé, rompu a l’exercice et passe sans difficulté du rockabilly au jazz contexte dans lequel Imelda fait merveille grâce à son chant swing en diable. Remplacera-t-elle Amy Winehouse (dans un genre certes un peu différent) dans les petits cœurs des fans éplorés ?

www.imeldamay.com

www.mickwigfallandthetoxics.com

Steve Earle and The Dukes and Duchesses, La flèche d’or, 22 octobre 2011.

2011-11-05T09:53:00.001-07:00

Retour sur une scène parisienne de la légende country Steve Earle, avec son groupe The Dukes à ses côtés. C’est un également un retour à ses racines une fois passée la phase expérimentale ou il était accompagné d’un DJ. Un changement toutefois, le groupe s’appelle dorénavant The Dukes and Duchesses puisqu’il compte dans ses rangs deux musiciennes y compris sa femme Allison Moorer. Au cours de cette soirée, qui s’est déroulée en deux temps, un premier set en remplacement de la première partie d’une heure environ suivi d’un deuxième set beaucoup plus long, Steve Earle a revisité sa carrière et les différents styles musicaux qu’il a visité au cours de cette dernière. De la country bien sur mais aussi du rock nettement plus lourd (« Copperhead Road ») et du folk (« My old friend the blues »). Pour ce faire Earle utilise toute une palette d’instruments qui va de la guitare au bouzouki (une guitare grecque) en passant par le violon, l’orgue et l’accordéon. Autre atout dans la manche de ce vieux barde de Steve Earle un excellent groupe et un particulier un talentueux guitariste, Chris Masterson originaire d’Houston (Texas). Retenez ce nom, ce type là est brillant. Pas chien, Earle laisse à chaque musicien le temps pour s’exprimer quitte à se retrouver au rang de simple sideman. Allison Moorer (par ailleurs auteur de jolis contre-chants) a pu caser plusieurs compos perso, idem pour le fameux Chris Masterson (qui œuvre aussi dans le groupe The Mastersons) et même le bassiste aura droit à son petit quart d’heure de gloire. Evidemment connaissant l’engagement du bonhomme, le show prend parfois des allures de tribune politique et en particulier quelques petites piques sur le sujet de l’immigration. Les artistes country étant assez rares de ce côté-ci de l’Atlantique, on ne peut que se féliciter d’avoir pu assister à cette bien dépaysante soirée.

Mark Knopfler + Bob Dylan, Bercy, 17 octobre 2011.

2011-11-02T12:24:00.000-07:00

Le temps d’une tournée commune, le deuxième assurant la première partie du premier, le légendaire Bob Dylan retrouve Mark Knopfler qui fût son producteur durant les années 80 (pas les meilleures de l’artiste soit dit en passant).

On commence donc avec Mark Knopfler et cette fois-ci point de « Sultans of swing » mais une espèce de bouillie/soupe d’inspiration celtique, nouvelle obsession de l’ex-Dire Straits. Les compositions s’étirent en longueur, procurant un sentiment lénifiant chez l’auditeur, jouées par un groupe très (trop ?) nombreux. Ce n’est que lors d’un blues joué en trio, avec un batteur et une contrebasse pour simple accompagnement, que Knopfler retrouve une simplicité salvatrice. Excellent morceau que ce blues à la fois long et hypnotique durant lequel le guitariste prouve qu’il n’a rien perdu de son délicat toucher de guitare. Les sons que Knopfler arrive à tirer de son instrument sont à la fois purs et cristallins et viennent en partie de son jeu au doigt sans l’aide d’un médiator. Méthode qui a fait toute sa réputation auprès des guitaristes amateurs…

Il fallait voir la mine déconfite des spectateurs, dont plusieurs grappes ont quitté la salle avant même la fin du show… Comme il en a bien souvent pris l’habitude ces dernières années, Bob Dylan transforme complètement ses compositions sur scène au point que l’on reconnaît certaines grâce aux paroles et non la mélodie. Et ce Dylan qui ne joue pratiquement plus de guitare sur scène mais du clavier, sur le côté de la scène, histoire d’assurer une vue parfaite pour une partie du public (dont nous faisions partie) sur… le dos de l’artiste ! Cependant, accompagné par un excellent groupe, d’inspiration folk, country et un soupçon de rock n'roll estampillé 50's entre autres sources de la grande musique américaine, cette relecture du répertoire de Dylan vaut vraiment le coup d’être écoutée pour peu qu’on lui porte l’attention qu’elle mérite. A la fin du concert le débat fait rage, dans les couloirs de Bercy, entre fans de l’artiste. Entre autre pomme de discorde, le jeu d’harmonica, jugé trop fort par certains dans le but de cacher une supposée faiblesse en la matière. Soyons clairs Dylan n’est jamais passé pour un instrumentiste virtuose, tant à la guitare qu’à l’harmonica, à la Jimi Hendrix. Ce qui fascine chez lui c’est les compositions. Si le talent d’un artiste se mesure à la prise de risques de ce dernier alors Dylan en est un et un très grand qui plus est…

Jeu Concours Blues sur Seine

2011-11-01T10:45:00.000-07:00

Le festival Blues sur Seine et My head is a jukebox vous offre la compilation (hors-commerce donc collector) de l'édition 2011 du festival. Pour participer rien de plus simple envoyez un email à l'adresse suivante myheadisajukebox@gmail.com en précisant dans l'objet "Concours Blues sur Seine". Les plus rapides gagneront un cd. Attention les disques sont disponibles en quantité limitée. Good luck.

Lulu Gainsbourg : « Jazz EP »

2011-10-27T14:17:00.001-07:00

En attendant la sortie de son premier album prévue pour le 14 novembre prochain, Lulu Gainsbourg, fils de qui vous savez, propose un premier avant-goût avec cet EP composé de 4 extraits du futur album. Revisitant le répertoire jazz de son père, genre qui était loin de laisser ce dernier indifférent (cf. l’album Confidentiel), Lulu multiplie les plaisirs passant du style manouche « Le poinçonneur des lilas » à des tentatives plus free, « Intoxicated man ». Intervenant comme producteur, Lulu livre ici une relecture instrumentale de l’œuvre paternelle, seule « La Javanaise » est chantée par Richard Bona. La suite de l’aventure musicale de Lulu est prévue pour le 14 novembre prochain avec la sortie de l’album hommage « From Gainsbourg to Lulu ».

www.lulugainsbourg.com

Hot Wild Party

2011-10-27T11:56:00.001-07:00

Les Tambours du Bronx : « Fukushima mon amour »

2011-10-27T11:50:00.000-07:00

Après 24 ans de carrière (le groupe est né en 1987), 20000 bidons détruits et 100 000 mailloches brisées, Les Tambours du Bronx sont de retour avec un deuxième album live dont le titre « Fukushima mon amour » sonne comme un étrange croisement entre Alain Resnais et l’actualité récente. Comme son patronyme l’indique Les Tambours du Bronx frappent fort, ils ne sont pas moins de 17 musiciens sur scène et pour la majorité des percussionnistes jouant sur des bidons de récupération. Cette force de frappe exceptionnelle par son ampleur est mise au service d’une musique entre heavy metal et techno. Adeptes d’une démarche plutôt expérimentale les Tambours du Bronx mélange rythmes industriels (un peu trop pour mes oreilles toutefois mais il s’agit d’une opinion personnelle) et tribaux, on pense notamment à l’afrobeat. Nos amis gothiques feraient bien d’y jeter une oreille car ils pourraient bien y trouver leur compte en matière d’ambiance…

Disponible en édition cd/dvd.

www.tamboursdubronx.com

Concert Ablaye Thiossane

2011-10-25T11:49:00.001-07:00

Attitude Net et My Head is a jukebox ont le plaisir de vous inviter au concert d'Ablaye Thiossane le 3 novembre prochain au New Morning. 3 invitations pour deux personnes sont à gagner. Pour participer rien de plus simple envoyez-moi un mail à l'adresse suivante : myheadisajukebox@gmail.com en précisant dans l'objet Concert Thiossane. Les plus rapides emporteront la mise. Good luck !

Smoking Smoking

2011-10-25T11:41:00.000-07:00

Duo féminin composé des deux amies Audrey Ismael et Vanessa Filho, Smoking Smoking avait déjà été repéré en première partie d’Aaron propose l’image saisissante de deux jeunes filles debout derrière un unique clavier. Leur premier EP est d’une simplicité saisissante, un piano, un peu de guitare acoustique, un soupçon d’harmonica mais surtout des harmonies vocales à tomber par terre. Faisant de l’économie (volontaire) de moyens une force, Smoking Smoking peint une toile tellement intime qu’on a l’impression de la connaître depuis toujours. Parfois un peu sombre, jouant d’un registre qui part du versant obscur de la pop (« Whoever ») pour aller jusqu’au folk légèrement « countrysant » (« Young Cowboy ») Smoking Smoking dépeint tout au long de ces cinq titres un univers à la mélancolie contagieuse.

www.myspace.com/smokingsmoking

www.facebook.com/smokingsmoking

EN CONCERT LE 31 OCTOBRE A LA LOGE

Pour visionner le clip de "Are we lucky" cliquez ici

STARFUCKER 2011 EUROPEAN TOUR

2011-10-23T10:45:00.000-07:00

Nov 18, 2011 - Club Control, Bucharest, Romania
Nov 19, 2011 - Postbahnhof, Berlin, Germany
Nov 20, 2011 - Michelberger Hotel, Berlin, Germany
Nov 22, 2011 – PMK, Innsbruck, Austria
Nov 23, 2011 - B72, Vienna, Austria
Nov 24, 2011 - Kino Siska, Ljubljana, Slovenia
Nov 25, 2011 - Royal, Baden, Switzerland
Nov 26, 2011 - Amalgame Club, Yverdon-Les-Bains, Switzerland
Nov 29, 2011 - White Heat @ Madame Jojo's, London, United Kingdom
Dec 1, 2011 - Schlachthof, Wiesbaden, Germany
Dec 3, 2011 - Hundertmeister, Duisburg, Germany
Dec 4, 2011 – Paradiso, Amsterdam, Netherlands
Dec 6, 2011 – V58, Aarhus, Denmark
Dec 7, 2011 - Debaser, Stockholm, Sweden
Dec 8, 2011 - Debaser, Malmo, Sweden
Dec 9, 2011 – Klubb Din Mamma, Linkoping, Sweden
Dec 10, 2011 - Parkteatret, Oslo, Norway

Mamas gun : « The life and soul »

2011-10-23T08:25:00.001-07:00

Deuxième album pour ce quintet anglais qui œuvre dans le registre plutôt ingrat de la « soul pop ». Mélange des genres dont le but est de gommer le plus possible toutes les aspérités d’un style musical afin de le rendre accessible au plus grand nombre. Une sorte de plus petit dénominateur commun musical qui a fait la gloire d’une Amy Winehouse ou, plus proche de nous, de Ben l’Oncle Soul. De fait on entend un peu de tout sur ce nouvel opus, de la soul motown, une guitare rock, de la pop music, un soupçon de funk mais rarement une vraie personnalité. Certes l’album n’est pas mauvais en soi, mais on mentirait en disant qu’il y a quoi que ce soit ici qui accroche vraiment l’oreille. C’est tout simplement plat et sans grand relief. Et il y aura certainement des dizaines de personnes pour expliquer en quoi l’album est génial. Forcément, la production cadrée au millimètre du « produit » devrait lui assurer un joli succès auprès d’une frange particulièrement bien ciblée du public et sur les ondes de la FM. Les amateurs exigeants retourneront écouter Sharon Jones…

www.myspace.com/mamasgun

Paul Personne + A l’ouest : « Face B »

2011-10-22T08:31:00.001-07:00

Comme à la bonne vieille époque du vinyle, Paul Personne décline son nouvel effort en deux temps, une face A (sortie au printemps dernier) et maintenant une face B toujours accompagné par l’excellent trio normand A L’ouest. Cette deuxième partie se situe dans la droite lignée de la première et tout au long de ces dix titres (dont deux instrumentaux qui clôturent le disque) Paul confirme son savoir-faire en matière de guitare et de songwriting. Le diptyque ainsi constitué forme une plongée dans les musiques roots américaines mais avec la langue française comme guide. C’est un festival de guitares blues « La route du temps » et rock, « Le bout d’la route », « Longue absence » qui ressemble un peu au « Down by the river » de Neil Young. L’album nous réserve également quelques beaux moments acoustiques comme l’excellente « Sweety » où la voix râpeuse de Paul fait des merveilles accompagnée par des arpèges folk et des percussions chaleureuses. Et puisqu’on parlait de Neil Young un peu plus tôt, Paul paraît régénéré par cette collaboration avec A l’ouest comme ce bon vieux Neil quand il retrouve Crazy Horse. Deux albums en forme de retour à l’essentiel.

www.paulpersonne.com

www.myspace.com/alouestleband

Slow Joe & The Ginger Accident : « Sunny side up »

2011-10-19T11:19:00.001-07:00

Depuis un peu plus d’un an, les lecteurs fidèles de ce blog peuvent suivre les aventures et l’incroyable destin de Slow Joe & The Ginger Accident. Petit rappel des faits antérieurs à destination des nouveaux arrivants : après une vie passée en marge de la société, ancien toxicomane, l’indien Joe Rocha (a.k.a) Slow Joe croise la route d’un jeune musicien lyonnais en vacances, Cédric de la Chapelle. Aventure qui atteint son climax avec la sortie de ce premier album : « Sunny side up » alors que Joe fête son 68^ème anniversaire. Et c’est avec émotion que l’on découvre cet effort inaugural. Un disque extrêmement riche et dense dont les racines sont à chercher dans la musiques des années 50 et 60 bien sur mais pas uniquement. L’alliage entre la jeunesse et la fougue du Ginger Accident combinée avec l’expérience d’un vétéran qui jusque là n’avait chanté professionnellement donne un résultat unique. Un disque à la fois pop psychédélique : « Money Mama », « Brunette Blonde » (sous influence Pink Floyd/Beatles) et roots les excellentes « Long long walk » et « Back home soon » sans oublier les ballades parfois jazzy « Cover me over » où non « Give me your love ». On a finalement qu’un seul regret l’étonnant mix a cappella de « Just one touch » dont la version sur l’ep sorti l’an dernier semblait meilleure. Le tout est porté par la sublime voix de Joe, à la fois crooner et/ou rocker qui peut, suivant les contextes, se glisser sans difficulté dans les chaussons d’Elvis, de Frank Sinatra ou de Jim Morrisson. Un classique en devenir.

www.slow-joe.com

France de Griessen, le nouveau casino, 14 octobre 2011.

2011-10-16T07:44:00.001-07:00

(c) Frédéric Ambroisine

Environ un mois après la sortie de son excellent album « Electric Ballerina » France de Griessen foule une scène parisienne en compagnie du fidèle guitariste Shanka (par ailleurs membre des Dukes et de No one is innocent). Après un premier titre a cappella, ce dernier rejoint France sur scène. Le court set d’une demi-heure environ met en valeur le côté folk et country de la musique de France mais pas uniquement. Shanka attaque ses cordes comme si il disposait de watts par dizaine derrière lui, au point que l’on pourrait parler de punk acoustique. Le sentiment est particulièrement prégnant sur « I want to be you » qui ne perd rien en intensité par rapport à l’original. C’est tout le truc de France, de trouver de la douceur dans la violence et inversement, comme sur la bouleversante ballade « perce-neige », douce comme une berceuse alors que le texte évoque l’anarchie. France de Griessen, en bonne actrice de théâtre et performeuse, occupe l’espace avec grâce, reste féminine même en hurlant. Une première partie au goût de trop peu, souhaitons-lui de bientôt partir en tournée sur toutes les scènes de France et de Navarre en tête d’affiche accompagnée d’une formation complète. Son talent le mérite amplement.

www.francedegriessen.com

www.myspace.com/francedegriessen

The Dukes + The Subways, La Maroquinerie, 12 octobre 2011.

2011-10-12T11:57:00.000-07:00

The Subways (c) Tom Oldham

The Dukes (c) Natydred

Alors là les enfants, s’il vous plaît, on arrête de rire deux minutes et on sort les guitares ! Avis de tempête sur la scène de la maroquinerie : du bon et du gros son est en effet attendu en ce mardi soir et en la matière on a affaire à de sacrés artilleurs.

On commence donc avec The Dukes, groupe découvert l’année dernière avec leur premier EP (chronique ici) et dans lequel on retrouve les guitaristes Shanka et Gaspard Murphy, le batteur Greg Jacks et le bassiste Steven Galtera. En attendant la sortie de l’album, prévu pour le 5 décembre prochain, le groupe sillonne actuellement les routes d’Europe. Pour cette escale à la maison le groupe rencontre un franc succès auprès du nombreux public (le concert affiche complet), et se déchaîne sur scène : les sauts de cabri de Gaspard, la séance de slam guitare en main de Shanka dont on a pu admirer les chaussures de près. Musicalement l’affaire fait plus que tenir la route : une dynamique rythmique héritée du punk, un gros son métal pour les guitares, des mélodies power pop et en plus un étonnant micro de guitare utilisé par Shanka pour chanter tout en déformant sa voix. La formule est classique mais ultra efficace, la prestation est en tout cas enthousiasmante. Ils sont de plus très influencés par le folk et la country (cf l’interview réalisée l’année dernière) leur album « victory » s’annonce donc particulièrement excitant. Une affaire à suivre de très près.

On continue ensuite dans un registre à peu près similaire avec The Subways, trio anglais un peu perdu de vue ces dernières années et de retour avec un troisième album sorti récemment, pour une prestation à forte valeur énergétique. Le groupe s’amuse visiblement beaucoup ne tient pas en place et envoi de belles avoinées de guitare. On peut toutefois leur reprocher un côté un peu monolithique ce n’est que lorsque Billy troque sa Gibson SG pour une guitare demi-caisse au son clair que le groupe retrouve un peu mélodie, du moins lors de premières mesures d’intro. Une formation attachante malgré tout et dans tous les cas un grand moment de défonce électrique…

http://www.thedukesmusic.com/

http://thesubways.net/

The Barettes Le 18 octobre au café la Cigale

2011-10-12T09:54:00.000-07:00

Ladylike Dragons : « Turn them into gold »

2011-10-10T09:43:00.000-07:00

Le trio seine et marnais Ladylike Dragons est de retour quelques mois après la parution d’un ep, « Love and so on » (chronique ici) qui avait fait sensation un peu plus tôt cette année. Sur cet effort, le deuxième pour le groupe après « Heart Burst » en 2009, le groupe confirme les bonnes dispositions aperçues au printemps dernier. On y retrouve ce collage détonnant entre des mélodies (power) pop et un blues rock garage sale drivé tout en puissance par le batteur Yann. Mais ce n’est pas tout Ladylike Dragons peut aussi jouer sur la corde sensible le temps d’un « my dad » émouvant. La voix de la chanteuse Cindy est pour beaucoup dans le pouvoir d’attraction exercé par le groupe. Elastique pouvant à la fois atteindre des sommets d’émotions (« Compromises », « Sun dog trail ») comme plonger la tête la première dans la bagarre lorsque le guitariste Seb se met en tête de lâcher les chevaux exercice pour lequel le musicien montre des dispositions certaines (« He saved the son » ; « Love and so on »). La formule guitare/basse/batterie est certes classique et a été entendue maintes fois par ailleurs, mais la qualité du songwriting et la compétence des musiciens fait ici la différence. Efficace sans jamais être tape à l’œil, cet album ravira tous les amateurs d’un rock brut basé sur les guitares.

www.myspace.com/ladylikedragons

Flying Pooh : « Never slow down »

2011-10-09T09:42:00.000-07:00

Sorte de gang d’irréductibles, les Flying Pooh sont à fond, toujours, et ce depuis 1992. Le temps passe, les groupes disparaissent les uns après les autres dans les limbes de la petite histoire du rock, les Flying Pooh eux restent et ainsi que le clame avec fierté le titre de ce quatrième effort n’ont aucunement l’intention de lever le pied. C’est donc un nouvel album pied au plancher que nous livre le sextet valdoisien, comme une manière de shoot d’adrénaline rock n’roll. Sur une base garage punk du meilleur goût, FP rajoute sa patte personnelle rajoutant ici des nappes de synthés « Cabaret », ou une guitare surf là « Dance with me my lov » qui entraîne l’auditeur sur une route désertique du Nouveau Mexique. Entre autres réussites de ce disque « O’Brother » voit le groupe toucher du doigt une grandiloquence baroque assez inattendue, comme si la plage avait été composée pendant une projection du « Rocky horror picture show ». Cependant les Flying Pooh ne perdent jamais de vue leur vertu cardinale, l’urgence, délivrant avec « The Lose » ou « So happy » des titres agressifs comme ils en ont le secret procurant un plaisir immédiat. Une petite réussite rock n’roll, comme quoi on peut s’appeler « crotte volante » et pour autant de pas faire de la musique de m…

www.flyingpooh.com

www.myspace.com/flyingpooh

www.facebook.com/flyingpooh

Moonjellies : « Inner anger feather »

2011-10-09T09:02:00.000-07:00

Trente neuf minutes et vingt trois secondes. En trente neuf minutes et vingt trois secondes, Moonjellies nous prouve qu’il est encore possible, en 2011, de tomber en amour avec un disque. Quatuor originaire de Tours, les Moonjellies avaient pris l’habitude de se retrouver toutes les semaines dans la foret afin d’y trouver l’inspiration. Damien Morrisseau (guitare), Julien Schmidt (guitare, piano), Guillaume Padiolleau (basse) et Daniel Idrovo-Mora (batterie) ont certainement retiré de ces ballades une forme de sérénité qui irradie tout au long de ce disque. Pop ligne claire, sous l’influence raffinée des Beatles, « Inner anger feather » prends, dès la première écoute, des allures de classique instantané un peu comme un vieil enregistrement des sixties tombé dans l’oubli. Moonjellies s’impose dès lors comme une évidence, le groupe n’invente certes rien, mais le fait avec plus de talent qu’ailleurs. L’écoute réveille chez les fans de rock de vieux souvenirs, ceux des frissons procurés par la découverte de Neil Young, Nick Drake (pour la mélancolie), Elliott Smith ou Love. Leur réputation de pouvoir rivaliser avec les meilleurs groupes anglo-saxons (dixit Emmanuel Tellier) n’est en l’espèce absolument pas usurpée.

www.myspace.com/themoonjellies

Brandt Brauer Frick : « Mr Machine »

2011-10-08T09:05:00.000-07:00

Le très ambitieux ensemble Brandt Brauer Frick est de retour avec ce nouvel album « Mr Machine » sorte de symbiose entre musique symphonique et électronica. Reprenant la démarche de leur album précédent (chronique ici) BBF, dans une sorte de grande continuité musicale, mélange les sonorités classiques, piano, cordes, à des beats et autres bruitages électro. Passée l’inquiétante intro « Mr Machine », le groupe part généralement d’un motif, du piano souvent, répétitif et entêtant répété à l’envi, que l’ensemble développe ensuite de façon orchestrale pour arriver finalement à une sorte de grand final. Le procédé fonctionne sur des titres assez longs, l’album ne comprend que 8 plages mais toutes entre quatre et huit minutes. L’ensemble multiplie les climats et ambiances tantôt doux et apaisé, parfois inquiétants, la grande nouveauté du disque résidant dans l’apparition de voix sur « Pretend ». Malgré son caractère foncièrement novateur, Brandt Brauer Frick, fait penser aux compositeurs des années 1970. L’album est en tout cas fortement conseillé à tous les mélomanes exigeants.

www.brandtbrauerfrick.de

www.myspace.com/brandtbrauerfrick

New Look

2011-10-08T08:14:00.000-07:00

Duo canadien composé de la chanteuse Sarah Ruba et du claviériste Adam Pavao, New Look s’était déjà fait remarquer avec un premier EP en 2008. Pour ce premier album, le duo ne propose pas vraiment un « regard neuf » comme promis mais plutôt un coup d’œil nostalgique dans le rétroviseur de nos souvenirs. D’inspiration 80s, le duo compose une new wave atmosphérique et synthétique fortement chargée en claviers vintage et autres bruitages un peu kitsh. La chanteuse Sarah Ruba apporte la touche humaine de l’affaire sa voix ample et douce emballe l’auditeur le plus aguerri. Feutré et sexy, définitivement un disque du soir…

http://www.myspace.com/newlooknewlooknewlook

En concert :

10 octobre 2011, Soirée Custom au Nouveau Casino (Paris)

12 octobre 2011, Silencio (Paris)

Thomas Dutronc : « Silence on tourne en rond »

2011-10-05T13:10:00.001-07:00

Si il y en a un qui ne tourne pas en rond, c’est bien lui. Après un premier effort au succès grand public considérable, Thomas Dutronc est de retour, toujours en français, mais opérant un virage musical vers une destination plus pop/rock. En fait Thomas Dutronc est l’héritier, dans tout les sens du terme, des grands artisans de la chanson française des années 1970 (et notamment ses parents). Un album qui évite intelligemment les effets de manche et de mode pour jouer la carte d’une simplicité salvatrice : des guitares, des batteries, un peu de clavier et parfois du violon. L’accent est mis sur l’écriture, les textes sont emprunts d’un humour parfois un peu désabusé, les mélodies sont soignées. Mais Thomas reste un musicien aguerri, grandi au son du jazz, qui retrouve le temps des quatre instrumentaux qui émaillent l’album les accents gypsy des débuts. C’est bien sur un album de guitariste mais surtout de la belle ouvrage.

www.thomasdutronc.com

Vernissage France de Griessen

2011-10-03T13:26:00.000-07:00

AC/DC : « Let there be rock »

2011-10-03T13:15:00.000-07:00

9 décembre 1979. En pleine tournée européenne, AC/DC fait escale au Pavillon de Paris, donnant un concert qui sera immortalisé par une équipe française. Après une première sortie en VHS le 1^er septembre 1980 ce concert filmé mythique sera tombé dans les oubliettes de l’histoire avant de renaître de ses cendres cet automne en format DVD et Blu ray. Il s’agit d’un document exceptionnel la captation ayant eu lieu quelques semaines seulement avant le décès tragique du chanteur Bon Scott, qui surviendra le 19 février 1980, lequel ne vivra pas assez longtemps pour voir le film fini. Entrecoupé d’interviews d’époque des membres du groupe, évidemment celles de Bon sont les plus émouvantes, le métrage met en lumière ce qui fera le succès planétaire du quintet australien à savoir l’exceptionnelle connivence entre les deux frères guitaristes Malcolm et Angus Young, le feu et la glace. Car si l’on a de cesse de vanter, à juste titre d’ailleurs, l’exceptionnelle qualité des solos d’Angus et la dimension visuelle incontestable que ce dernier apporte au show, il faut le voir faire des pirouettes dans son costume d’écolier sans jamais foirer une seule note, tout cela ne serait rien sans la solidité rythmique de son frère Malcolm. Car on ne le dira jamais assez mais Malcolm, bien que dans l’ombre de son frère, est un des plus remarquables guitaristes de l’histoire du rock, et peut-être bien le meilleur guitariste rythmique du monde. Imperturbable, droit dans ses bottes, rien ne peut faire dévier de sa trajectoire de tank du son (remarque qui peut également s’étendre à la section rythmique toute entière, Cliff Williams à la basse et Phil Rudd à la batterie). Et d’autant plus, on a un peu tendance à l’oublier, mais Malcolm cosigne la quasi-totalité du répertoire du groupe. Un serial-riffeur en quelque sorte. Servi dans son édition deluxe, le joli coffret en métal contient également une série de photos et l’affiche originale en haute résolution, un médiator et un livret de 32 pages signé Anthony Bozza, un spécialiste reconnu du groupe. Si pour une raison inexplicable vous n’êtes toujours pas fan, vous n’allez pas tarder à le devenir…

www.facebook.com/LetThereBeRock1979

Art Brut, La Maroquinerie, 27 septembre 2011.

2011-09-28T11:14:00.000-07:00

Dans la foulée de leur excellent nouvel album, « Brilliant ! Tragic ! », une nouvelle fois produit par Black Francis, le quintet anglais Art Brut, et son humour ravageur, sont de retour dans la capitale en ce mardi soir. Cette bande de rigolos qui n’a rien trouvé de mieux pour commencer le show qu’une reprise instrumentale du « Paradise City » des Guns n’Roses. Cette petite touche humoristique passée, le groupe a donné une prestation électrique et déchaînée, sautant dans tous les sens, dans l’effrayante foulée du batteur Mikey Breyer qui a l’habitude de jouer debout. Quant au guitariste Jasper Future, il se tient debout sur le devant de la scène aussi stoïque que pouvait l’être en son temps, Carlos l’ancien bassiste d’Interpol avant de s’exciter à son tour. Le show nous a également permis de prendre des nouvelles du petit frère du chanteur Eddie Argos (cf la chanson « My little brother » extraite du premier album) qui n’a plus 22 years old, qui n’est plus « out of control », qui est devenu professeur et a désormais un emprunt à rembourser. Comme le dit Eddie « ce n’est pas lui qui inquiète mes parents ». Un excellent concert mais un peu monotone à la longue en partie à cause de la voix d’Eddie Argos qui ne chante pas vraiment mais ressemble plus à un comique débitant ses blagues alors que le groupe balance un gros rock derrière. Art Brut reste néanmoins l’un des meilleurs groupes anglais apparus ces dernières années…

www.artbrut.org.uk

La Mauvaise Voie

2011-09-28T08:55:00.000-07:00

Retrouvez Laura des Barettes dans "La mauvaise voie", une toute nouvelle comédie musicale, les vendredi, samedi et dimanche à 19h30 au théâtre Pixel. Jusqu'au 30 octobre.

Théâtre Pixel

18, rue Championnet - 75018 Paris (réservation : 01 42 54 00 92)

www.theatrepixel.com

Tarif Plein : 15 € / Tarif Réduit : 10 €

Concert Ginkgoa

2011-09-28T00:54:00.000-07:00

Caravelle et My Head is a Jukebox ont le plaisir de vous inviter au concert de Ginkgoa le 4 octobre prochain au divan du monde. 4 invitations pour deux personnes sont à gagner. Pour participer rien de plus simple envoyez vos noms par mail à l'adresse suivante myheadisajukebox@gmail.com (précisez bien dans l'objet concert Ginkgoa) et les quatre plus rapides empocheront la mise. Les invitations seront à retirer directement sur place...

Hooka Hey : « Little Things »

2011-09-26T11:10:00.000-07:00

Découvert l’an dernier sur la scène de Bobino, le trio Hooka Hey est de retour avec un nouvel EP de trois titres annonciateur de son futur deuxième album. Un deuxième album qui s’annonce particulièrement excitant, Hooka Hey prenant son inspiration à la source des années 60/70 aussi bien dans le gros son de Led Zeppelin, « Hush Me » et ses guitares toutes en fusion, que dans l’attaque frontale punk héritée des Stooges, « Bad Mama », ou bien encore dans le folk, le morceau titre « Little Things ». Porté par une voix profonde et gutturale, Hooka Hey revisite ainsi tout un patrimoine musicale, dont les origines se trouvent plutôt outre-Atlantique, avec passion et intensité. A vérifier toutefois sur la longueur d’un album.

www.hookaheymusic.com

www.myspace.com/hookaheyspace

Les Barettes au Scop'Club

2011-09-26T09:31:00.000-07:00

Ornette : « Crazy »

2011-09-25T11:14:00.001-07:00

Après des années passées derrière le clavier des autres (Arthur H, Peter Van Poehl, ou Alain Bashung), la pianiste Ornette assume son destin en publiant son premier album en solo. Cette dernière suit une voie originale entre pop et jazz. Le disque à la fois joyeux, l’euphorique premier single « Crazy », et sombre, « There’s a man », feutré mais avec un aspect un peu « sale » hérité du rock. Coloré à l’image de sa pochette, voici un album rempli de jolies mélodies, de refrains accrocheurs et une bonne dose de groove à l’intérieur (le funky « Yes i do »). Cocktail qui va à merveille au timbre de voix léger et aérien d’Ornette. Une sortie un peu à contretemps toutefois, 8 semaines plus tôt on tenait là le disque de notre été. Il ne tient qu’à vous de l’écouter pour retrouver un peu de cette douceur estivale.

www.ornettemusic.com

www.myspace.com/ornettemusic

Ablaye Ndiaye Thiossane Interview

2011-09-24T11:36:00.000-07:00

28 juillet 2011, alors que le soleil fait une timide apparition, entre deux averses, en fin d’après-midi, nous nous dirigeons vers l’hôtel Eldorado où nous retrouvons Ablaye Ndiaye Thiossane. Charmant hôtel vintage, boiseries et photos de jazzmen en noir et blanc, l’endroit dégage un charme suranné qui convient parfaitement à notre interlocuteur du jour qui chante depuis les années 50. Calmement installé dans un petit local au bout d’une cour pavée et ombragée, ce dernier est plongé en pleine lecture d’un magazine des années 60 à notre arrivée…

C’est un vieux magazine que tu es en train de feuilleter…

Ablaye Ndiaye Thiossane : Je l’ai trouvé ici. Je regardais les musiciens, James Brown…

Et tu les aimes ces musiciens ?

ANT : Oh oui, Chuck Berry…

Tu sors ton premier album à 70 ans et tu fais tes premières interviews en France, c’est une drôle d’aventure tout ça…

ANT : Oh oui. Je suis très content d’être ici. J’ai tout fait dans ma vie, mais c’est aujourd’hui que Dieu m’a emmené ici en France pour sortir mon premier album. Je suis très heureux.

Tu es également dramaturge et plasticien. Qu’est-ce qui te plait le plus, créer tout seul dans l’intimité ou rencontrer le public ?

ANT : Ce qui me plait dans l’histoire de l’art, c’est la musique. Mais j’aime aussi la peinture. La musique c’est bien mais tant qu’on n’a pas sorti un album, c’est mal.

Mal ?

ANT : Oui par ce que tu n’auras pas d’argent pour nourrir tes enfants, pour la maison. La peinture, je peux faire un tableau et le vendre pour régler mes problèmes. Mais la musique... Je suis content d’avoir fait un album.

Tu es influencé par le jazz, la chanson française, les rythmes afro-cubains. A ton avis, la musique c’est un grand voyage ?

ANT : Tout à fait, c’est le voyage qui m’a emmené jusqu’ici ! Et je suis très content. Au commencement je chantais des airs traditionnels de mon pays (le Sénégal, NDLR). Mais j’écoutais aussi de la musique cubaine. J’aime le jazz, les chansons françaises. C’est ce qui m’a vraiment aidé à devenir chanteur.

J’ai lu dans ta biographie que tu avais découvert Tino Rossi, Duke Ellington et Harry Belafonte en écoutant la radio. Que ressentais-tu en écoutant la radio petit ? La radio représentait quoi pour toi ?

ANT : J’étais très jeune. Pour moi Tino Rossi c’était le meilleur chanteur du monde ! Je l’écoutais tout petit. C’a ma beaucoup encouragé. C’est là que j’ai commencé à chanter. Après j’écoutais ma mère qui me racontait les chansons traditionnelles. Les musiques arabes, hindoues, cubaines, j’ai connu tout ça grâce aux affiches de cinéma. Je copiais les affiches. J’ai pris les noms des acteurs, du réalisateur, du producteur… C’est comme ça que j’ai appris à écrire. Et c’est à cause de ça que je suis devenu chanteur. Et je suis très content.

Et tu es très souvent content dans la vie alors ?

ANT : Ah oui, oui. La vie je suis très content (rires) !

Et la radio alors, elle te faisait rêver ?

ANT (il opine) : La radio c’est bien. C’est comme quelqu’un avec un pot de fleurs qui arrose pour que les fleurs grandissent. Pour moi les journalistes de la radio « arrosent » la musique. C’est grâce à eux que les artistes deviennent célèbres.

Duke Ellington voulait jouer avec toi ?

ANT (il s’emballe) : Oui, oui. Mais j’étais très jeune, je ne connaissais pas Duke Ellington. A l’époque j’étais en pleine préparation d’un festival dans la banlieue de Dakar. On avait eu un budget du gouvernement, des radios, des haut-parleurs pour animer le festival. Et Duke Ellington voulait que chante avec lui à la Cathédrale de Dakar, mais j’étais très jeune, je me suis dit tant pis je vais aller animer le festival à la place. Après les festivités j’ai écouté les disques de Duke Ellington, j’ai vu son nom à la télévision et là j’ai pensé : « j’ai fait une grande erreur » (sourire)…

C’est un regret ?

ANT : Oui, oui, oui… Si je pouvais recommencer, là je travaille avec lui tout de suite ! Ca me pourrait me donner un très grand succès. Mais c’est Dieu qui l’a voulu comme ça. Il était venu à Dakar avec beaucoup de stars.

Sur le disque il y a cinq générations différentes de chanteurs qui sont représentées. Est-ce que tu en es fier ?

ANT : Oui beaucoup sont venus. Beaucoup de chanteurs n’ont pas eu la chance d’être soutenu comme ça.

Tu as commencé à chanter en 1952. Tu te souviens de cette époque ?

ANT : C’était bien à l’époque. Avant l’indépendance j’écoutais beaucoup Tino Rossi, Luis Mariano, Fernandel. Et Charles Aznavour. Très grand chanteur, j’aime ses chansons. Il est bien ! Il y a beaucoup de français à l’époque qui chantaient bien. J’ai oublié leurs noms, mais j’aimais les chansons. Vers 1952, 1953 j’ai vu le premier film d’Eddie Constantine avec Johnny Hallyday qui était jeune, très jeune. J’aimais les chansons et je me suis dit ça un jour je veux devenir un chanteur comme eux. Charles Aznavour je l’ai écouté à Dakar, au théâtre national. Johnny aussi est venu. Il y avait beaucoup de monde, c’était bien. Il chante bien lui aussi ! Yves Montand, Jacques Brel, c’est des gens que j’écoutais toujours tout le temps. J’aime aussi les chanteurs brésiliens, les films rock n’roll avec Bill Haley et Chuck Berry. J’ai aussi vu les Beatles à l’époque.

Les Beatles !!!

ANT : Les Beatles et moi on est devenu célèbres la même année : 1964 ! Moi aussi je suis devenu célèbre en 1964, mais au Sénégal ! A l’école des arts, j’avais crée un petit orchestre, tout le monde au Sénégal écoutait mes chansons. Mais je n’avais la chance de pouvoir faire un album à l’époque. De 1964 à maintenant. Et c’est maintenant que Dieu veut que je sorte un album.

Et comment ça c’est décidé, un premier disque après toutes ces années ?

ANT : Je crois que c’est Dieu lui-même qui a programmé les choses comme ça. Ca faisait longtemps que je devais sortir un album. Aujourd’hui est le jour que Dieu a choisi pour que je fasse un album dans ma vie. Et je pourrais peut-être un faire un deuxième après. Je suis très satisfait de l’équipe qui a été réunie pour encourager le disque. J’en suis très heureux.

Tu mentionnes beaucoup Dieu dans tes réponses. Tu es très croyant ?

ANT : Oui. Par ce que tout ça c’est Dieu, c’est grâce à lui. Moi je remercie toujours Dieu, mon père et ma mère. Je remercie aussi tous les gens qui m’ont aidé pour que je puisse être un vrai artiste.

Comment as-tu rencontré Ibrahima Sylla, Alain Josse et Medoune Diallo, du groupe Africando, qui ont beaucoup aidé ton projet ?

ANT : Au début je ne connaissais qu’Ibrahima Silla. C’est Medoune Diallo qui a parlé de moi à Ibrahima et à Alain Josse (qui ont produit le disque, ndlr). Ils écoutaient mes chansons depuis 1954 alors qu’ils étaient encore enfants. Le morceau avec Medoune Diallo c’est celui ou il y a beaucoup de chanteurs.

Quel genre de chanteur tu voudrais être ?

ANT : Je chante et après Dieu décide. Tino Rossi, j’aime tellement ses chansons. Des chanteurs j’en entends beaucoup, mais un gars comme Tino…

Et comment tu vois l’avenir ?

ANT : Il n’y a que Dieu qui sache mais je crois que cela va marcher…

Alors que l’on prend congé Ablaye replonge dans la lecture de son magazine pop vintage. Son regard s’arrête alors sur un portrait de Françoise Hardy : « elle aussi elle chantait bien »…

Propos recueillis le 28 juillet 2011.

www.myspace.com/thiossaneablaye

Boogers : « More Better »

2011-09-22T09:55:00.001-07:00

Touche à tout boulimique, c’est avec une célérité peu commune par les temps qui courent que Boogers sort son nouvel effort, le deuxième, 15 mois environ après le premier (Chronique ici). Multi instrumentiste, bidouilleur pratiquant l’art du collage sonore et de la programmation avec un génie consommé, Boogers est une nouvelle fois l’unique musicien crédité sur l’album. Faisant fi des conventions, Boogers s’amuse avec ses propres compositions les entraînant sur des chemins toujours inattendus, piochant avec bonheur dans la pop (« Fishing with daddy »), se frottant à des guitares rock ou des claviers électro vintage (« How do you feel now »). Et quand cela marche, ce qui est assez souvent le cas, cela donne des petits chefs d’œuvres addictifs genre « Broke my bones » ou « We don’t want you ». Au final « More Better » porte son titre à merveille, l’artiste ayant réussi à juguler sa fougue toujours aussi foutraque, c’est pour cela qu’on l’aime, mais obtenant cette fois un résultat plus maîtrisé. Bien plus qu’un « Beck à la française » ou un « Rémy Bricka 2.0 » (expressions extraites de la biographie du bonhomme) Boogers est surtout l’artiste propre à décomplexer une scène rock encore trop souvent cornaquée par le fantôme de Noir Désir. Dans un monde parfait, ce type là déclencherait des vocations…

En concert le 23 septembre 2011 à la Flèche d’or (Soirée inrocks indie club) et le 1^er novembre à l’Olympia (1^ère partie de Stupeflip).

www.myspace.com/musicboogers

Someone Still Loves You Boris Yeltsin : "Tape Club"

2011-09-21T08:47:00.000-07:00

&amp;amp;amp;lt;a href="http://sslyby.bandcamp.com/album/tape-club"&amp;amp;amp;gt;Tape Club by Someone Still Loves You Boris Yeltsin&amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;gt;

Rise to Remain : « City of Vultures »

2011-09-21T08:33:00.000-07:00

Tout jeune quintet britannique, Rise to Remain rassemble tous les clichés du métal actuel tant au niveau rythmique que guitaristique ou vocal. Pourtant à y écouter de plus près, Rise to Remain possède de nombreux atouts afin de sortir du lot. Au niveau du songwriting tout d’abord, si Rise to Remain aligne, dans un premier temps, les clichés c’est pour mieux les dépasser ensuite. Sans vouloir utiliser le mot « pop », bien trop galvaudé par les temps qui courent, les compositions de Rise to remain possèdent ce petit plus, des hooks et un sens de l’ampleur sonore pas forcément commun dans le métal actuel qui culminent avec l’intro tout en arpèges délicats de « Talking in whispers ». Dans le même ordre d’idée, les chansons de ce premier effort ménagent de nombreuses alternances entre passages mélodiques et franches attaques bruitistes. Dichotomie que l’on retrouve également au niveau de la voix, fascinant chanteur que cet Austin Dickinson, qui passe d’un registre guttural à des passages plus « chantés ». Emmaillés de nombreux soli, pas manchot leur guitariste Ben Tovey, ce disque nous prouve une fois de plus que le métal est avant une affaire de dextérité musicale. Conseillé à tous les amateurs de gros son à la recherche d’un peu d’originalité.

www.risetoremian.com

En concert le 28 novembre 2011 à l’Olympia de Paris.

Blues sur Seine 2011

2011-09-19T08:33:00.000-07:00

La billetterie pour cette nouvelle édition du festival blues sur Seine ouvrira le 26 septembre prochain. Le festival se tiendra du 4 au 19 novembre 2011 dans 27 communes des Yvelines (78). Quelques 50 concerts sont au programme avec quelques grands noms (Charles Bradley, Betty LaVette, Tony Joe White...) et des jeunes pousses prometteuses (Alice Russell, Ndidi O, Charles Pasi, Asaf Avidan).

En plus des concerts, séances de cinéma, master classe, conférence, exposition et spectacles familiaux sont également au programme.

Plus d'information sur le lien suivant :

www.blues-sur-seine.com

Ooh la L.A.

2011-09-19T08:19:00.000-07:00

If you are lucky enough to be in Los Angeles right now, be sure to check out the french music festival in El Rey Theatre.

Festival de Marne 2011

2011-09-18T09:21:00.000-07:00

Du 1er au 16 octobre se tiendra la 25ème édition du Festival de Marne. Environ 80 artistes se produiront dans différentes villes du département, parmi lesquels citons entre autres :

Sanseverino, Thomas Fersen, Mesparrow, l'Orchestre National de Barbès, Hushpuppies, Deportivo, Kanka, Lise, Fatal Picards, Alain Chamfort, Florent Marchet, Charlelie, Jerome Van den Hole, Les Ogres de Barback, Bertrand Belin, L, June & Lula, Madjo, Brigitte, BatpointG, The Tatianas, Anne Sylvestre, Thomas Dutronc, Juliette, Flox, Namassa Dioubaté...

A noter également la soirée d'ouverture en forme d'hommage à Allain leprest, avec la présence de Loic Lantoine, La Rue Ketanou, Melissmell, Véronique Pestel, Enzo Enzo, Romain Didier, Jehan.

www.festivaldemarne.org

The Narcoleptic Dancers : « Never Sleep »

2011-09-16T09:31:00.001-07:00

Un demi-frère et une demi-sœur, ayant grandi séparément dans deux pays différents et qui finalement se découvrent une passion commune pour la musique lors de l’enterrement de leur père… Cette histoire incroyable et émouvante, c’est celle de Melody Van Kappers et Anton Louis Jr, aka le duo franco-néerlandais The Narcoleptic Dancers, les enfants de Johnny Van Kappers, footballeur professionnel hollandais des années 70. Est-ce pour imaginer ce qu’aurait pu être leur enfance commune que la musique du duo familial dégage une douce candeur qui nous ramène invariablement à nos jeunes années ? Evoluant sur un matelas entre pop et folk avec une légère petite touche rock et électro, le premier album du duo, « Never Sleep », est frais et mélodique porté par la voix diaphane et aérienne de Melody. Délicat comme le soleil d’automne, c’est en tout cas notre coup de cœur de la saison…

www.myspace.com/narcolepticdancersband

Jukebox The Ghost

2011-08-30T11:03:00.000-07:00

Nouvel EP, en attendant leur deuxième album, pour Jukebox The Ghost. Ce trio originaire de Philadelphie possède de sérieux arguments pour faire parler de lui dans le futur. Tout d’abord un sens inné de la composition, du hook, qui va transformer chaque chanson en tube potentiel. Ce savoir-faire à l’ancienne, JTG le mélange à une volonté d’expérimentation qui va les faire sortir des chemins balisés de la pop. Chaque chanson possède ainsi une multitude de recoins que l’on prend plaisir à explorer. Ajoutez à cela des orgues moog un peu kitch, mais dans le bon sens du terme, des guitares explosives et des harmonies vocales dignes des Beach Boys et on obtient un excellent petit EP qui donne particulièrement envie d’écouter la suite…

www.jukeboxtheghost.com

En tournée en première partie de James Blunt en octobre

October 12, Strasbourg, France – Zenith
October 14, Pau, France – Zenith
October 19, Marseille, France – Le Dome
October 20, Grenoble, France – Le Summum
October 21, Clermont-Ferrand, France – Zenith
October 22, Bordeaux, France – Patinoire
October 24, Luxembourg, Luxembourg – Rockhal
October 26, Lille, France – Zenith
October 27, Nantes, France – Zenith
October 28, Paris, France – Zenith
October 29, Dijon, France – Zenith

Neeskens : « Groenlo »

2011-08-30T09:51:00.001-07:00

Jeune musicien hollandais exilé en France à Annecy, Neeskens se trouve à la croisée des chemins entre l’Europe et les Amériques puisque c’est au Canada qu’a commencé son apprentissage musical au piano. Des voyages qui sont autant d’expériences de vie que Neeskens met en chansons dans un très bel EP de six titres intitulé « Groenlo ». Du Canada à Annecy Neeskens a gardé un fort attrait pour la nature que l’on retrouve dans cet EP au son naturel et sans artifice. Entre pop et folk, les compositions de Neeskens partent souvent d’arpèges de guitare acoustiques avec quelques arrangements de cordes et des rythmiques contrebasse/batteries assez légères. A la fois mélancolique, dans le chant surtout, (« Lucy », « Falling Down ») et catchy (« Apeldoorn ») le disque rappelle Nick Drake et Elliott Smith. A découvrir.

www.myspace.com/neeskensmusic

www.facebook.com/neeskensmusic

Rock en Seine 2011.

2011-08-29T11:55:00.000-07:00

The Jim Jones Revue (c) Sylvere.06

Interpol (c) Sylvere.06

Cage The Elephant (c) Nicolas Brunet

The Black Box Revelation (c) Nicolas Brunet

Compte-rendu de quelques concerts choisis de la neuvième édition du festival francilien qui s’est tenu les 26, 27 et 28 août 2011.

Samedi 27 Août

On commence avec le duo (guitare/batterie) belge The Black Box Revelation qui pratique un mélange entre rock-garage et blues rappelant les Black Keys des débuts. D’ordinaire assez explosif sur scène, au point d’entrer en transe électrisant le public, le duo semble peu à l’aise dans l’exercice de figures imposées du festival (set d’une heure, pas de rappel). Un peu perdu sur une scène immense, le groupe a joué de nombreux extraits, avec conviction tout de même, de son troisième album dont la sortie est prévue pour le mois prochain. Il manque peut-être un peu d’intimité avec le public pour faire monter la mayonnaise mais un beau succès malgré tout.

Totalement inconnu de votre serviteur avant le début des festivités et vu sur les conseils avisés de plusieurs connaissances, Cage The Elephant, fait sensation sur la scène de la cascade. Le quintet originaire du Kentucky pratique un punk-rock pas foncièrement original mais ultra efficace et surtout joué avec énergie. Ces jeunes gens jouent comme à domicile et n’ont aucun souci pour faire le show et occuper l’espace. Carré et efficace, le groupe a séduit un public nombreux en dépit de la méconnaissance de leurs chansons. Applaudissements nourris pour la révélation de la journée.

Eux sont par contre connus et appréciés des spécialistes. The Jim Jones Revue a fait couler son déluge de décibels habituel sur la nouvelle scène pression live. Influencés par le rock n’roll des pionniers des années 50, JJR mélange guitares saturées, chant hystérique et piano bastringue hérité de Jerry Lee Lewis. Attaqué sur un mode punk speed, le cocktail est particulièrement renversant. Euphorisant.

Attendus avec circonspection après des prestations récentes qualifiées un peu partout de catastrophiques (je n’en ai personnellement vu aucune mais j’ai eu de très mauvais échos) le quatuor new-yorkais Interpol a visiblement remis de l’ordre dans la maison. Leur set est particulièrement nostalgique, le groupe ne jouant quasi-exclusivement que des compositions de leurs deux premiers albums, considérés à juste titre comme les deux meilleurs du groupe. Même le nouveau bassiste semble être à l’unisson, imitant à la perfection le pourtant inoubliable Carlos D. Le point d’orgue, une version féerique d’Obstacle 1 alors que la nuit tombe et que tourbillonnent les spots de lumières blanches. Seraient-ils redevenus le grand groupe qu’ils n’auraient jamais du cesser d’être ?

Dimanche 28 Août

La grosse affaire du week end. Au chapitre des regrets éternels du rock n’roll, si un groupe fait l’unanimité c’est bien eux, The La’s. Auteur d’un unique album sorti en 1990, devenu depuis un objet de culte (pourtant détesté depuis 20 ans par ses auteurs), le gang originaire de Liverpool revient un peu de nulle part à la surprise générale. Malheureusement plus connus pour des lubies diverses et variées (la console doit porter sur elle la poussière des sixties, le batteur doit jouer debout etc…) que pour la beauté intemporelles de leurs mélodies, le duo Lee Mavers/John Powers était attendu comme le Messie. Depuis deux jours tout le monde ne parlait que de ça. Et leur prestation mi-figue/mi-raisin n’arrangera malheureusement pas grand-chose. Après le concert, on parlait dans les travées du parc de Saint-Cloud de « bide de l’année ». Au cours de la conférence de presse de fin de festival, les organisateurs mettaient en avant le risque inhérent à la programmation d’un groupe en aveugle, personne n’ayant vu les La’s récemment, et qualifiaient leur venue de « loupé ». Le groupe ne méritait certainement pas des jugements aussi sévères. Leur grand tort est d’être venus en duo guitare (Lee Mavers) et basse (John Powers), une configuration un peu légère pour attaquer la scène immense d’un festival. Comme le duo n’est en plus pas particulièrement connu pour être sociable, pas un mot pour le public ni bonjour, ni au-revoir rien, le divorce avec ce dernier semble être consommé assez rapidement. Pourtant la beauté des chansons et des mélodies est belle et bien là et n’a pas pris une ride en vingt ans. Il aura certainement manqué aux La’s une batterie pour dynamiter un peu l’ensemble et une deuxième guitare pour soulager un peu Lee Mavers, pourtant excellent musicien. Et puis surtout des musiciens pour assurer les chœurs, domaine dans lequel Mavers semble le plus esseulé. Enfin dernier problème, le peu de chansons dont disposait le groupe. Car si nombre de compilations et coffrets inondent le marché, les La’s n’ont jamais sorti en tout et pour tout qu’un seul album qui contenait douze titres dans son édition originale. Le duo meuble comme il peut avec un jam session improvisée et inutile entre Lee Mavers à la batterie et John Powers à la basse et des inédits (car si il n’enregistre plus, Lee Mavers n’a, paraît-il jamais cessé de composer) donc inconnus du public qui préfère jouer à la baballe avec un ballon venu d’un stand voisin (c’est amusant cinq minutes mais ça devient vite chiant et insupportable). A titre personnel je suis pourtant heureux de les avoir vu enfin en live, pas vraiment déçu du résultat, et je reste persuadé que le même set joué dans un club à taille humaine (genre la maroquinerie) n’aurait pas rencontré les mêmes critiques. Ce serait d’ailleurs une excellente idée de les faire revenir dans une salle qui leur conviendrait mieux.

A peine la prestation des La’s terminée, par un étrange mouvement de masse, le public se déporte vers la scène de l’industrie voisine pour le concert de Miles Kane, également originaire de Liverpool. Ce dernier défend avec conviction son excellent premier effort en solo, The colour of the trap, dans un style un peu moins soul que sur disque mais plus psychédélique, grâce à l’orgue et aux solos de guitares acides de ce sympathique Miles. Il ne ménage pas ses efforts pour séduire le public, levant les bras au ciel et réclamant des encouragements. C’est sympa, ça fait plaisir à voir.

On termine enfin avec une des grandes révélations de l’année la très belle Anna Calvi. Excellente guitariste, cette dernière rappelle à la fois PJ Harvey et Jeff Buckley. Son jeu de guitare, à la fois intriguant et fantomatique, nous entraîne dans un univers onirique bien aidée en cela par un batteur au jeu tribal et un harmonium baroque. C’est sur cette note étrange à la fois familière et expérimentale que s’est terminée cette édition. Rendez-vous est pris pour les dix ans de Rock en Seine pour la prochaine édition du festival qui se tiendra les 24, 25 et 26 août 2011.

www.rockenseine.com

Flow : Larmes Blanches

2011-08-26T09:33:00.000-07:00

Dans une autre vie, Florence Vaillant, aka Flow chanteuse du groupe du même nom, fût reporter photographe et a réalisé des reportages en Israël, en Amérique Latine et à Gaza. Dorénavant passée à la musique, Flow a gardé une approche réaliste de la chanson qui transparaît dans ses textes à fleur de peau, servis de sa voix éraillée, immédiatement reconnaissable. Entourée de son groupe : Stéfane Goldman (Guitares, chœurs), Jean-Louis Cianci (contrebasse, percussions) et Albin Claudin (piano, batterie) Flow nous livre un intrigant album à la croisée de différentes cultures. A l’écoute de ces douze titres, impossible de ne pas penser aux glorieux aînés de la chanson française : Edith Piaf (« Les petites figures »), Jacques Brel (« le sourire d’un môme ») ou Barbara (« Passé »). Mais il ne s’agit que de l’aspect le plus visible de la chose. Reprenant à son compte la démarche des Négresses Vertes, Flow applique un traitement punk à la chanson et même à la valse. La rock est là tapis dans les coins au détour d’une guitare électrique ou d’une intro slidée bluesy (« Le pont ») prêt à surgir et à tout emporter sur son passage le temps d’un « slam média », titre ouvertement métal. Surprenant.

www.myspace.com/lesflow

Stefano di Battista : « Woman’s land »

2011-08-25T11:15:00.000-07:00

Stefano di Battista, saxophoniste italien, est unanimement considéré comme un virtuose et l’un des musiciens de jazz les plus influents du continent européen. Son nouveau projet « Woman’s land » est comme son nom l’indique est dédié à la femme, muse éternelle qui fait s’ébahir les yeux et s’enivrer les sens. Chaque plage, car la grande majorité de l’album est instrumental, porte le nom d’une de ses inspiratrices. Certaines sont attendues, « Ella », « Josephine Baker » d’autres beaucoup moins, « Valentina Tereskova » (première femme cosmonaute) ou « Lara Croft » !!!! Chaque morceau développe ainsi l’imaginaire de celle qui l’a inspiré. Pour « Coco Chanel » di Battista imagine un tapis de cuivres soyeux et grandiloquent alors que « Lily Devalier » se rapproche du blues et « Maria Lani » se fait plus funky. Un titre après l’autre, Stefano di Battista creuse ainsi les styles, toujours différents, explore toutes les voies possibles, livrant au final un album varié et homogène, féminin bien sur et délicat comme une caresse.

www.stefanodibattista.eu

www.myspace.com/stefanodibattista

Frankdork

2011-08-24T11:07:00.000-07:00

Silent momentanément en sommeil pour une durée indéterminée, c'est finalement Frank qui refait surface en premier sous le pseudonyme de Frankdork (on ne traduira pas pour rester poli). Un premier morceau, intitulé "Life 2.0", de ce nouveau projet solo a été mis en ligne récemment. On y retrouve les constructions alambiquées qui faisaient tout le sel de Silent, pas de doute notre homme est de retour ! Affaire à suivre...

LIFE2.0 by frankdork

Antonionian

2011-08-24T10:06:00.000-07:00

Nouvel épisode de la saga des Elektriks records (Pigeon John, Honeycut) avec l’album d’Antonionian, mystérieux projet derrière lequel se cache Jordan Dalrymple, le batteur qui accompagne General Elektriks sur scène et qui pour son projet solo préfère les boîtes à rythmes aux batteries. Du funk/hip hop à l’électro, les disques Elektriks nous auront à peu près tout fait, prenant un malin plaisir à mélanger les genres en brouillant les pistes. Avec Antonionian on découvre une facette plus sombre restée inédite jusqu’alors. Oscillant entre électro plutôt dense (« The Desert », « Pulltrue ») et pop new wave (« The Ride »), c’est surtout à l’Angleterre des années 80 que l’on pense à l’écoute de ce disque, territoire bien éloigné de la Californie où a pourtant été enregistré l’album. Bien qu’ayant tendance à partir un peu dans tous les sens, le funk et le hip hop ne restent jamais bien loin des disques de la collection Elektriks. C’est encore une fois le cas ici, le temps d’un « Into the night » aux sonorités funk 80s. Moins facile d’accès que les autres épisodes de la collection Elektriks (Pigeon John, Honeycut), cet effort réjouira néanmoins les amateurs de musique plus expérimentale.

Pour voir le clip de « Another Mistral » cliquez ici

www.myspace.com/antonionian

www.facebook.com/antonionian

Honeycut : « Comedians »

2011-08-23T10:45:00.000-07:00

Français exilé à San Francisco, Hervé Salters, aka General Elektriks, se retrouve depuis lors plongé dans la bouillonnante scène musicale de la baie, produisant une série d’albums (Pigeon John, Antononian) formant la collection Elektriks. Avec l’atypique trio Honeycut, composé du bassiste/chanteur Bart Davenport, du batteur Tony Sevener et de notre homme Hervé aux claviers, c’est la facette funky de Salters qui est ici dévoilée. Venus d’horizons divers, c’est l’amour porté à la soul et au funk des années 60/70, qui réunira le trio. Plutôt que de tenter un énième revival, comme nombre de ceux qui encombrent le marché à l’heure actuelle, Honeycut a plutôt décidé de prendre la tangente. L’hommage dans la transgression. Prendre les bonnes vieilles méthodes, composer l’album après des heures jam sessions et passer le résultat à travers le prisme de 30 années de musique populaire. Et cela donne des choses étonnantes. Le groupe part du rythme avant tout. Une base solide, une batterie, une basse, jusqu’à preuve du contraire on n’a encore jamais trouvé mieux. Et qui imprime à l’affaire un groove d’enfer. Groove traversé d’éclairs rock (sans utiliser de guitare), de synthés new wave ou bien encore d’influence venues du hip hop (« The fruit trees ») ou d’un curieux mélange électro/psychédélique (« Climbing »). Et quand le groupe décide de jouer la simplicité cela donne la très belle balade piano/voix « Spiral Staircase ». Et c’est au final un inclassable petit bijou qui vient d’atterrir sur nos platines. Profitons donc d’Honeycut, nul n’étant prophète en son pays, le premier album du groupe, « The day i turned to glass », était resté inédit chez nous pour de sombres histoires liées au business.

www.myspace.com/honeycutmusic

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Chloé Mons : « Walking »

2011-08-22T11:04:00.001-07:00

A la fois actrice et musicienne, Chloé Mons sort son quatrième opus intitulé « Walking ». Un disque brut, pratiquant un minimalisme rêche près de l’os. L’album débute sans la moindre fioriture avec « Pray », sorte de complainte où la voix plaintive de Chloé est accompagnée uniquement de percussions. Car ce nouvel effort sera tribal ou ne sera pas. Elle est bien aidée en la circonstance par le batteur Toby Dammit, un ex-musicien d’Iggy Pop et d’April March que l’on a vu récemment aux côtés de Jessie Evans. Pour l’occasion, ce dernier a considérablement apuré son jeu ainsi que son équipement. N’utilisant que très rarement une batterie complète, Dammit se contente d’une grosse caisse et de quelques percussions sommaires retrouvant là quelque chose d’essentiel. Comme une pulsation de vie. La démarche est également expérimentale comme le prouve « Bapalaye » et « Wind » aux sonorités surprenantes. Enregistré en petit comité avec le guitariste/bassiste Yann Pechin, Chloé assurant pour sa part le ukulélé et le piano, le trio ainsi nouvellement constitué nous invite à partager l’intimité des sessions. Sessions, que Chloé éclabousse avec force de toute sa présence, où il est, bien évidemment, question de blues. Un blues sale s’échappant des guitares aux glissés poisseux, « Mr Fantom », « Three days in Banjul » ou le très cinématographique « Hot Stuff » (rien à voir avec le morceaux des Rolling Stones portant le même titre) qui sonne comme la BO d’un film de Wim Wenders. Et c’est ainsi qu’une petite française, nommée Chloé Mons, a redonné au blues ses racines africaines.

www.chloemons.com

www.myspace.com/chloemons

The Stevenson Ranch Davidians : « Life and Death »

2011-08-21T09:07:00.001-07:00

Deuxième effort pour ce trio californien spécialisé dans le rock psychédélique vintage (voir mon post du 25 juillet). Comme pour leur disque précédent, on retrouve les nappes planantes et les rythmes lents dont le groupe semblent s’être fait une spécialité. Le trio semble être de plus en plus ancré dans les sixties, les sonorités shoegaze du premier opus ayant disparues. Une guitare lap-steel, des soli de guitares traînant du côté du blues et des arpèges des guitare folk rappellent l’ancrage americana de SRD. La voix éthérée et comme lointaine du chanteur/guitariste Dwayne Seagraves donne l’impression de psalmodier. Le groupe réussit son coup puisque l’album crée une sensation vaporeuse, la musique semble comme dégagée des contingences terrestres, en apesanteur. Les amateurs du genre seront servis, le groupe ayant produit une fois de plus un disque de qualité. Cependant, et il s’agit du seul bémol, le tout donne une impression de déjà entendu par rapport au premier album. Disons qu’il manque encore un peu de personnalité, ou de prise de risque qui sait, pour faire des Stevenson Ranch Davidians un groupe réellement majeur.

www.thestevensonranchdavidians.com

www.myspace.com/stevensonranchdavidians

Johnny Hatton’s Gospel Bop

2011-08-20T09:58:00.001-07:00

Bien qu’il s’agisse de son tout premier album, Johnny Hatton n’est pourtant pas un inconnu pour les lecteurs fidèles de ce blog. Tout d’abord par ce qu’il est le contrebassiste attitré de la chouchou d’amour préférée de l’auteur de ces lignes, Marie Fleur, et, à ce titre, a participé à l’enregistrement d’un des meilleurs albums écoutés en 2011, Bébé Licorne. Le public français a par ailleurs pu admirer récemment les exploits de Johnny sur la magnifique scène du Grand Rex, au côté de Brian Setzer (le contrebassiste acrobate aux cheveux rouges, c’était lui). Donc résumons, Marie Fleur, Brian Setzer, tout cela sonne furieusement 50s. Bingo ! Sans jamais perdre son, très efficace, sens du swing, Johnny s’amuse et picore là ou bon lui semble. Dans la country (« I Saw the light », « Far side bank of Jordan ») ou dans le rockabilly furieux (« Gospel Bop », « Racing with the devil », ronronnement de moteurs en prime). « The other side of me » sonne comme une ballade digne des Platters et les références récurrentes à Dieu tout au long du disque (« Jesus loves you baby anyway », « You must be born again », « Come to Jesus ») apportent une note gospel à l’ensemble (cf. le titre). Quoi de plus normal puisque il paraît que notre homme Johnny est pasteur (un peu déjanté quand même le pasteur) dans la vraie vie. Adepte des méthodes d’enregistrement old school, pas compliqué quatorze titres = quatorze heures de studio et hop, Johnny livre ici un album brut de décoffrage, pas de fioritures et efficacité garantie. Excellent.

www.johnnyhatton.com

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Holly Throsby : Team

2011-08-19T09:46:00.000-07:00

Trois ans après un premier album, « A loud call » au succès critique remarqué, l’australienne Holly Throsby est de retour avec un tout nouvel effort intitulé « Team ». « Team » comme équipe, peut-être le qualificatif idéal pour décrire la paire que forme Holly avec son producteur Tony Dupé qui a travaillé avec elle sur ce nouveau disque. Enfermés dans une église de Nouvelle Galle du Sud, Holly et Ted ont concocté un album serein et apaisé, des sessions sous l’influence de l’endroit. Le disque joue la carte folk, peu d’électricité à peine plus de batterie, mais par contre, beaucoup d’arpèges de guitares acoustiques, des cordes et du piano. Et la voix si particulière d’Holly à la fois profonde mais comme détachée, étrangement diaphane. Les violons et le piano apportent une note à la fois mélancolique mais également un sentiment de légèreté, encore accentué par le songwriting d’Holly délaissant le format pop couplet/refrain pour des compositions plus aventureuses. Les motifs se répètent provoquant une sensation d’hypnose tenant sur quatre notes. Un album très réussi à l’ambiance rêveuse et aux couleurs automnales.

www.hollythrosby.com

Pour voir la vidéo « What i’ve thought of you » cliquez ici.

An interview with Winston Mc Anuff (English Edition)

2011-08-16T10:51:00.000-07:00

Reggae vet hailing from Jamaïca, Winston McAnuff teamed up with the french band, The Bazbaz Orchestra, to produce « A Bang » one of the most remarkable record this year. A mix between reggae with hints of rock n’roll, blues, gospel, funk and a solid sense of groove to hold the whole thing together, the album is set to become a landmark recording for this legendary artist.

How did you met one another ?

Camille Bazbaz : It’s because of a girl. 6 or 7 years ago i went to see a reggae show with my girlfriend. I’m a reggae addict. Rock n’roll too. Anyway, i went to a little reggae gig at the new morning. Winston was playing. I saw thousand of shows in my life but i thought, this man must be my friend. And my girl disappeared during the night and she told me : « i went backstage to check ». I was very scared to leave a woman with some mad jamaican people. (Winston laughs).

Winston Mc Anuff : I told her to bring her boyfriend. She was looking so sad i told her to bring her boy. So she went looking for Bazbaz.

C : And so i met Winston. Because I had a crush on the show and my girl going missing. And we met, we chatted and we slowly but surely made music together. But we had to understand one another before. We quickly get to the point where we decided that Winston didn’t really need me to play reggae music. He’s jamaican. It was more fun to do something different. We did a first album called « A Drop ». That was our thing in the beginning trying to do something not too stereotyped.

Winston this is your third album made in France. Do you like France and why ?

W. : It just happened that France was always in my life tradition. I met some french people during the eighties. I played in Bordeaux with my reggae band in the eighties. There was an association called Chadobee. We came here and did some shows over the years. I didn’t came back until a long time. And i was staying in England trying to see what could happen there on a musical level. And nothing was happening. So i was baby sitting one day and i was asked if i would come back here to play a show. So France is good for me and my music. And i accept it and working a lot with respect.

Music wise this album has a lot of music styles, rock n’roll, reggae a little bit of funk. You’re more than just a reggae singer ?

W. : Yes i’d say so because we were brought out that way in terms of music played on Jamaican radio stations. Reggae music wasn’t played on the radio big time on the early years because reggae producers didn’t have the money to pay radio stations’s payrolls. So we used to hear a lot of foreign music. All the foreign singers ! Stevie Wonder, Michael Jackson, Aretha Franklin, Patti Labelle, Rod Steward, Neil Diamond and so forth. Edith Piaf also !

C. : It’s one of the strengh of Jamaica !

W : Us Jamaicans were exposed to a wide range of music.

C. : Most of musicians from Jamaica have the same spirit. They are not obssessed by reggae music. Music is music that’s all. It’s not a church.

Camille, you said that Winston was always saying that the sky was the limit, why ?

C. : Sky is the limit. It’s true.

W. : We were working without understanding. There is no force that can stop us from seeing the heights we were seeing. The secret behind achieving a song, producing a certain quality song is we are not faking. We know exactly how to do what we were doing.

Who is Mr White Shirt ?

C. : Nice question ! I love that question (laughs) !

W. : Mr White Shirt could be anyone. It’s not a white man or a black man. He’s just a man who is going out to the way.

C. : He’s the man who thinks that life is just a clean sheet. Life is not clean. Be careful about the people around you when you act. If you go into some places in Africa or even in Paris, like Barbès. Don’t act. Open your eyes and look at the place you’re into. Don’t act provocative, stupid. That’s about money, a bourgeois thing. Don’t take people for fools. For me that’s what that meant but i did not write the song so…

W. : We went to the studio to work. And Bazbaz asked me : « Winston, what are we going to do today ? ». So since i had a blank i was opened to anything. I had nothing in my head. And there was this guy here, Elbaz, he’s Bazbaz assistant and he was wearing a white shirt. And i started to sing : « Hey Mr White Shirt » (laughs). And the song just came, just like that. Pure inspiration, right here, right now.

And what about « Toys are us » ?

W. : I always want to work on songs that are already promoted in the sense that people know about the title. I was thinking about « Toys r us » and i found it ambiguous. It’s a name of a store but it could also mean toys are us. I started working on the song. It’s just like « ABC ». Everybody already know the alphabet whether it’s english or french, it’s common knowledge. Titles likes these are easier for french people to understand.

Angela Davis. She’s a struggling icon. How did she inspired you ?

W. : I wrote the Malcolm X song. And i got the idea to wrote that song about Angela the same day i got the idea about the Malcolm X song. That was in 1974.

C. : Angela and Malcolm X should be a couple.

W. : But i couldn’t go further with that song. I only had the chorus. And then one day, the same guy Elbaz, Mr White Shirt, found a rhythm. Suddenly i started to go more and more into the song. After more than 20 years. That was something that should come from inspiration i shouldn’t have to think about writing. If you start to think then it’s wrong. It just came.

C. : It’s very interesting to hear Winston talking because i feel the same way. I actually lived the same situation. A lot of times. It’s classic about musicians. That’s what make us brothers. Music is the same for everyone : French, Chinese, Jamaicans. There is always this level of honesty. A songwriter will always be a songwriter. This will never change. It was like that 100 years ago and it will be like that 100 years from now. Writing a song is not a work. It’s a flash, a vibration. You’re making music 24/7. When you sleep you’re making music. You never stop being a musician. It’s like that. The funny thing about Winston is i’m listenning him and i feel like i’m listenning myself. It’s disturbing. Music is magic !

« Jacob’s Ladder ». You started as a gospel singer in church. Are you inspired by the Bible ?

W. : Yes i do. I do got a lot of inspiration from the Bible. This Jacob’s Ladder song is a vision i had while i was awake. One morning i was in my younger brother’s house. I wait in a room. And suddenly i saw myself as high as the sky. No lyrics. I made the lyrics from what happened. Like a crystal purse was standing synchronised with my body. So i’m with the stars and the sky standing inside me. I was there. And the voice said to me : « Do you know i can do this ? ». And i got a shock.

C. : You mean you were dead or what ?

W. : No i’m alive. But in a outer body. Separate from myself. I saw one part of me as high as the sky. When i’m talking, my voice isn’t here. Me ears are not here. And the voice said « Do you know i can do this ? » and i got shocks on different parts of my body. And i was like shit, when will i be back home. And i started to scream. And i couldn’t hear myself. I wasn’t inside my body. Suddenly i came back normal. My brother heard me. So he was rushing to the room. What’s going on ? He thought there was some robbers inside the house and i was being attacked. He said that the voice wasn’t a normal voice. And for four hours i didn’t have the strenght in my body to say a word. After four hours i started telling him. And for three or four years i started to tell people about it. I wanted to know if others had the same experience. Nobody understood until one day in Amsterdam. I met a woman i told her about the story that happened. And she said wait a minute, and went pick up a Bible. And she read to me the story about Jacob. She told me i was Jacob. That is how i came to understand the vision. And that’s how my song was born. It’s a life big story. I named my son after this vision.

C. : « Jacob’s ladder » is a great song. We are very proud of this one because it’s really the hard rock one. We love it. We love to surprise people. For me this song was born the first time i went to Jamaica with Winston. We arrived in a place and the first inspiration for a song i had at this moment was this one. Writing a song is like a game, like a jigsaw puzzle sometimes. And it could be a very long one. I’m very happy to hear Winston’s vision about this song.

What’s your best memory after all these years playing music ?

C. : The next show.

W. : My best memory is a show with Bazbaz. We had noni. It’s a fruit from Tahiti. Everything is good in it, the juice, the leaf, it’s like a doctor for everything. It’s very good for your health. And a guy told me i know what is your secret is for playing so well you’re taking mushroom’s juice. And i said no, it’s the noni. He couldn’t believe it.

www.myspace.com/winstonmcanuff

Interview Winston McAnuff (version française)

2011-08-16T09:51:00.000-07:00

Winston McAnuff, vétéran jamaïcain du reggae, et ses compères du Bazbaz orchestra ont encore réussi un coup fumant cette année avec l’album « A Bang ». Fusion unique entre reggae, gros rock avec un soupçon de funk, de blues et de gospel, l’album est une réussite totale, bâtissant un pont entre différents styles avec toujours ce fameux groove comme pierre angulaire. Aussi, c’est avec une excitation particulière que l’on a attendu cet entretien, les occasions de rencontrer de tels personnages étant finalement assez rares…

Comment vous êtes-vous rencontrés ?

Camille Bazbaz : C’est à cause d’une fille. Il y a six ou sept ans, je suis allé voir un concert de reggae au New Morning avec ma copine. Je suis accro au reggae, au rock n’roll aussi. Bref, Winston jouait ce soir là. J’ai vu des centaines de concerts dans ma vie mais j’ai pensé ce mec là doit être mon ami. Entre-temps ma copine avait disparu. Elle est revenue en me disant qu’elle était allée voir les backstage. J’étais très inquiet de la laisser avec des jamaïcains fous (Winston rigole).

Winston McAnuff : Elle était toute triste alors je lui ai dis de ramener son copain.

C. : Et j’ai rencontré Winston. Simplement parce que j’avais flashé sur le show et par ce que ma copine avait disparu. On s’est rencontré, on a discuté et on a commencé, lentement mais sûrement à faire de la musique ensemble. Mais d’abord on devait bien se comprendre tous les deux. On a très vite compris que Winston n’avait pas vraiment besoin de moi pour jouer du reggae. Il est jamaïcain, tu comprends ? C’était plus marrant d’essayer quelque chose de différent. On a fait un premier album ensemble intitulé « A Drop ». C’était notre truc au début, d’essayer de faire quelque chose qui ne soit pas trop stéréotypé.

Winston, « A Bang » est ton troisième album fait en France. Est-ce que tu aimes la France et pourquoi ?

W. : Il se trouve que la France a toujours fait partie de mon histoire personnelle. J’ai rencontré des français dans les années 80. J’ai joué à Bordeaux avec mon groupe de reggae dans les années 80. Il y avait une association Chadobee, je crois. Après je ne suis pas revenu pendant longtemps. J’étais en Angleterre, j’essayais de voir si il y avait moyen de faire quelque chose au niveau musical. Mais il ne se passait rien. Un jour je faisais du baby-sitting et on m’a proposé de revenir pour faire un concert. La France est bonne avec moi et ma musique. Je l’accepte et je travaille avec beaucoup de respect.

Musicalement, « A bang » jongle avec différents styles musicaux, reggae, un peu de funk. Tu es bien plus qu’un chanteur de reggae…

W. : On a grandi comme ça, avec les stations de radios. Et il se trouve que l’on passait très peu de reggae les premières années à la radio. Les producteurs n’avaient pas les moyens de se payer des passages radio. On y entendait beaucoup de musique venant de l’étranger. Tous les chanteurs étrangers. Stevie Wonder, Michael Jackson, Aretha Franklin, Patti LaBelle, Rod Stewart, Neil Diamond et tous les autres. Et Edith Piaf aussi !

C. : C’est la force des jamaïcains.

W. : Nous les jamaïcains, on a été exposés à des styles musicaux très variés.

C. : Beaucoup de musiciens en Jamaïque sont dans le même état d’esprit. Ils ne sont pas obsédés par le reggae. La musique c’est la musique. C’est tout. Ce n’est pas comme une église.

Camille tu as dit que pendant l’enregistrement Winston répétait tout le temps « Sky is the limit »…

C. : Par ce que le ciel est la limite. C’est la vérité.

W. : On travaillait sans accord préalable. Il n’y a aucune force qui peut nous empêcher d’atteindre les sommets que nous voulons atteindre. Le secret pour réussir une chanson, produire une chanson de qualité, c’est qu’il ne faut pas faire semblant. On sait exactement ce que l’on fait.

Qui est « Mr White Shirt » ?

C. : Bonne question ! J’adore cette question (rires) !

W. : Mister White Shirt, cela peut-être n’importe qui. Ce n’est ni un Blanc, ni un Noir. C’est juste un homme qui suit son chemin.

C. : C’est un homme qui pense que la vie est une page blanche. La vie n’est pas blanche. Il faut faire attention aux autres. Si tu vas en Afrique ou dans certains coins de Paris, comme Barbès par exemple, ne joue pas. Ouvre les yeux et regarde autour de toi. Ne sois pas provocateur ou stupide. C’est une question d’argent, c’est un truc bourgeois. Ne prends pas les gens pour des idiots. En tout cas pour moi, c’est la signification de « Mr White Shirt », mais comme ce n’est pas moi qui l’ai écrite…

W. : Bon en fait, on est venus au studio pour enregistrer. Bazbaz m’a demandé : « Winston qu’est-ce qu’on fait aujourd’hui ? ». Et comme j’avais un blanc, j’étais ouvert à toutes les propositions. Je n’avais aucune idée. Sur ce, il y avait ce mec, Elbaz qui est l’assistant de Bazbaz et qui portait une chemise blanche. Et j’ai commencé à chanter : « Hey Mister White Shirt » (rires). La chanson est venue comme ça. De l’inspiration pure, ici et maintenant.

Et « Toys are us » ?

W. : J’aime bien écrire les textes des chansons en partant de titres connus. La promotion est déjà faite ! Je pensais à « Toys R’Us » et je trouvais ça ambigu. C’est le nom des magasins mais le R pour être l’abréviation de are ce qui signifie que nous sommes des jouets. Donc j’ai commencé à travailler mon texte. C’est comme « ABC » (des Jackson 5, ndlr). En anglais, en français, tout le monde connaît l’alphabet. C’est le même. Ce genre de titres cela aide à la compréhension.

Angela Davis est une icône de la lutte, de la résistance. Comment le personnage t’a-t-il inspiré ?

W. : J’ai commencé par écrire une chanson sur Malcolm X. J’ai eu l’idée de la chanson sur Angela Davis le même jour. C’était en 1974.

C. : Angela Davis et Malcolm X auraient du être en couple !

W. : Mais je n’arrivais pas à terminer la chanson. Je n’avais que le refrain. Et un jour, Elbaz, le même mec, Mr White Shirt, a trouvé le rythme. Soudainement j’étais complètement à fond dans la chanson. Plus de 20 ans après ! Tout cela vient de l’inspiration. Tu ne devrais pas avoir à y réfléchir. C’est mauvais de trop y penser. Cela vient c’est tout.

C. : C’est très intéressant d’écouter Winston, je ressens exactement la même chose. J’ai vécu la même chose, plein de fois. C’est un classique chez les musiciens. C’est ce qui fait de nous des frères. La musique est la même pour tous : Français, Chinois, Jamaïcains. Il y a toujours un niveau d’honnêteté. Un songwriter est un songwriter et cela ne changera jamais. C’était comme cela il y a 100 ans et cela sera la même chose dans 100 ans. Ecrire une chanson, ce n’est pas un travail. C’est un flash, une inspiration. Tu fais de la musique 24 heures sur 24. Même quand tu dors tu fais de la musique. Tu seras toujours musicien, tu n’arrêtes jamais. C’est comme ça. Ce qui est rigolo, c’est qu’en écoutant Winston, j’ai l’impression de m’écouter moi-même. Ca me perturbe ! La musique c’est magique !

« Jacob’s Ladder » (l’échelle de Jacob) ? Winston, tu as commencé la musique en chantant du gospel à l’église. La Bible t’inspire-t-elle ?

W. : Oui, beaucoup. La chanson est venue d’après une vision qui m’est apparue un jour alors que j’étais éveillé. Un matin j’étais dans la maison de mon petit frère. J’étais dans une pièce, j’attendais. Et soudain je me suis vu dans le ciel. Aucune parole. J’ai écrit les paroles en décrivant la situation. Il y avait comme une bourse de cristal qui était synchronisée avec mon corps. J’étais avec les étoiles et le ciel dans mon corps. Et il y a une voix qui me dit : « Est-ce que tu sais que je peux faire ça ? ». Et je reçois une décharge électrique !

C. : Tu veux dire que tu étais mort ?

W. : Non, je n’étais pas mort, j’étais vivant. Mais dans un autre corps. Séparé de moi-même. Quand je parle, ma voix n’est pas là. Mes oreilles ne sont pas là. Et la voix me dit : « Est-ce que tu sais que je peux faire ça ? » et je reçois des décharges électriques dans différents parties de mon corps (Winston se lève et mime la scène). Et je me disais, merde, quand est-ce que je vais rentrer à la maison (rires) ? J’ai crié mais je ne m’entendais pas. Je n’étais pas à l’intérieur de mon corps. Et soudainement tout est redevenu normal. Mon frère m’a entendu et il est revenu en courant dans la pièce en se demandant ce qu’il se passait. Il pensait qu’il y avait des cambrioleurs et que j’avais été agressé ! Il disait avoir entendu une voix qui n’était pas normale. Et pendant quatre heures, je n’ai pas eu la force de prononcer un seul mot. Après quatre heures j’ai pu lui expliquer. Après pendant trois ou quatre ans, j’ai raconté cette histoire, je voulais savoir si d’autres personnes avaient vécu la même expérience. Personne ne comprenait. Et puis un jour j’ai rencontré cette femme à Amsterdam. Je lui ai raconté mon histoire. Elle m’a lu l’histoire de Jacob dans la bible. Elle m’a dit que j’étais Jacob. C’est comme ça que j’ai compris ma vision et que la chanson est née. C’est une des grandes histoires de ma vie. J’ai nommé mon fils d’après cette histoire.

C. : « Jacob’s ladder », c’est une super chanson. On en est très fiers, par ce que c’est vraiment du hard rock. On l’adore, on adore surprendre le public. Pour moi, la chanson est née la première fois que j’ai accompagné Winston en Jamaïque. On étais arrivés sur place et ma première inspiration ça été celle la. Ecrire une chanson c’est comme faire un puzzle. Et le puzzle peut être immense parfois. Je suis très heureux d’entendre la vision de Winston sur cette chanson.

Quel est votre meilleur souvenir après toutes ces années passées dans la musique ?

C. : Le meilleur souvenir, c’est le prochain concert.

W. : Mon meilleur souvenir, c’est un concert avec Bazbaz. On avait du nono. C’est un fruit tahitien. C’est très bon pour la santé, tout est bon, le jus, les feuilles. Et il y a un type qui me dit : je sais quel est votre secret, pourquoi vous jouez aussi bien, vous prenez du jus de champignon. Et je lui dis, non pas du tout, c’est le nono. Il ne voulait pas y croire…

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Propos recueillis le 10 mai 2011.